Pearl Jam: La banda sonora de una generación.

Coincidiendo con estos momentos de pandemia y confinamiento tan terribles que estamos viviendo, se publicó hace unos días “Gigaton”, decimoprimer disco de una banda muy querida por nosotros como es Pearl Jam.

El álbum es la continuación de “Lightning Bolt”, editado hace ya siete años, por lo que es el que más ha tardado en llegar en la ya longeva carrera de la formación norteamericana. También es el trabajo más largo en su trayectoria.

El disco contiene 12 cortes encontrando entre ellos alguna que otra sorpresa: “Dance of the Clairvoyants”, primer sencillo que fue lanzado previamente a la publicación del álbum, tiene una inesperada cadencia entre funk y new wave que aporta frescura y variedad al listado de canciones, la mayoría de las cuales se ajustan más a lo que esperamos de un grupo como Pearl Jam. Esto es, rock rugiente y visceral que no desdeña la melodía, como en ese potente inicio que es “Who ever Said”, su continuación, la muy pegadiza “Superblood Wolfmoon” donde brilla con especial intensidad el trabajo vocal de Eddie Vedder, o ese rotundo “Quick Escape” de base monolítica, pero que es capaz de aportar muchos matices en su desarrollo gracias al esmero a las guitarras de Mike McCready y Stone Gossard.

El sentido de la épica del que siempre ha hecho gala la banda se hace notar en medios tiempos como el bello “Seven O´Clock”,  o en “Retrogade”, temas de esos que te van enamorando con las escuchas. “Never Destination” o “Take the Long Way” son intensos cortes de rock como se echa mucho de menos escuchar hoy en día en las radioformulas, y el cierre con la hipnótica y hermosa “River Cross”, construida a partir de un sutil mantra a base de órgano y bajo, es una canción que bien pudieran haber firmado en su momento R.E.M.

Cierto, en “Gigaton” hay también momentos flojos, como esa pseudo balada con cierto acercamiento a la electrónica que pasa sin pena ni gloria que es “Alright”, o la poco inspirada “Buckle Up”, mientras que la acústica “Come then Goes” quizá hubiese sido más adecuada para un disco en solitario de Vedder. Pero en conjunto, el álbum es un dignísimo trabajo que acierta especialmente en su apartado lírico, donde Pearl Jam aprovechan para cargar contra el insufrible inquilino actual de la Casa Blanca, o reflexionan sobre el cambio climático y el voraz capitalismo que nos ha llevado a él.

Cuando Pearl Jam publicaron su primer disco “Ten”en 1991, yo estaba dejando atrás la adolescencia y entraba de lleno en la juventud. Tantos años después, supervivientes sobre tantas otras formaciones surgidas en el cambio de década entre los 80 y los 90, constatamos que siguen siendo la banda sonora de buena parte de una generación ya madura como los miembros del grupo. Y extrañamente, en unos momentos tan difíciles como estos, su música resulta especialmente acogedora, cálida y reconfortante. Como reencontrarse con un viejo amigo al que hace tiempo que no ves y que sabes que ya no va a contarte que hay grandes novedades en su vida, pero del que no te habías dado cuenta que echabas mucho de menos.

Ricard.

Os dejamos con los vídeos de “Dance of the Clairvoyants” y “Superblood Wolfmoon”:

“Solitud”: Narrativa visual.

Hemos tenido la oportunidad de asistir antes de la suspensión de las actuaciones por la alarma sanitaria a esta deliciosa Solitud basada en el clásico de Caterina Albert i Paradis (Victor Català), adaptada por Albert Arribas y dirigida por Alicia Gorina.

El recurso utilizado en esta ocasión para trasladar al público el clásico de Caterina Albert ha consistido en respetar el texto, repleto de giros dialectales, barroquismo romántico  y simbología; hubiera sido una lástima que se perdiera semejante riqueza idiomática y así la técnica aplicada ha consistido en que los actores y actrices, a modo de lectura teatralizada, narraran el texto.

Pero el recurso narrativo tiene un acompañamiento visual muy acertado, la escenografia de Sílvia Delagneau, con un escenario modular que va cambiando al mismo modo orgánico del relato, la iluminación de Raimon Rius, con esos tonos anaranjados y ocres que transmiten melancolía, el vestuario de Barbara Glaenzel que ha optado por el realismo, dan al relato una cadencia mágica, intimista, que contrasta con la crudeza del relato, ese romanticismo repleto de bajas pasiones, oscuros secretos y soterrada violencia.

La protagonista de la historia es Mila (gran María Ribera), la muchacha que llega cargada de ilusiones al campo y que poco a poco va perdiendo la inocencia al contemplar cómo su marido Maties (Oriol Guinart) se revela una persona holgazana y miserable, que dedica mil recursos a sacar dinero del culto al santo de la ermita y que se aúna con el oscuro Ánima (Pepo Blasco) para entregarse al vicio del juego y a cosas peores. La única brizna de aire fresco es el pastor (Pol López), personaje que da el contrapunto al cargado ambiente de la ermita y que jugará un papel importante en el desenlace. Una historia de formación, una reivindicación de lo femenino (resulta muy significativo que el único hombre virtuoso del relato carezca de virilidad, de lo que se queja amargamente Mila).

Esperamos que pase esta crisis y que vuelva pronto a los escenarios.

LO MEJOR DE LA OBRA: El meticuloso respeto al texto original y el excelente Pol López, que habla todo el rato en dialecto pirenaico (aunque al parecer la montaña en la que se inspiró Caterina Albert estaba cerca de Torroella de Montgrí), con rondalla a los espectadores en un ingenioso entreacto, incluída.

LO PEOR DE LA OBRA:   A veces el recurso visual al continuo devenir orgánico del escenario, con los operarios reales del teatro en continuo montaje, distrae un poco, aunque quién sabe si se ha buscado ese efecto como de sombras que acompañan a los protagonistas en su evolución.

Ignasi.

“Ànsia (Crave)”: La angustia inevitable.

Hemos asistido en la Sala Atrium a esta inquietante obra de Sarah Kane, de quien ya os hablamos cuando se estrenó ‘Blasted’ en el TNC (dirigida por Alicia Gorina, ver entrada).

Producida por Cia La Salamandra (“Hamlet/Segismundo” en coproducción con Cia Ensemble), con dirección de Loredana Volpe e interpretada por Chap Rodríguez Rosell (también traductor del texto), Anna Casas, Patricia Mendoza y Xavier Pàmies (también ayudante de dirección), la obra es el reflejo de una vida convulsa. La autora (se suicidó a los 28 años) nos presenta este extraño y sombrío monólogo a cuatro voces donde los protagonistas desgranan experiencias traumáticas (acoso -desde el punto de vista del acosador- , maltratos, abusos sexuales, relaciones tóxicas,  trastornos mentales) con un tono resignado, a veces monótono,  desconectados de sus experiencias…, como si de una letanía o un coro fúnebre se tratara, impresión reforzada por el uso de diversos idiomas en el escenario.

El montaje es sencillo, crudo, en un escenario desnudo con las impactantes luces de Daniel Gener, con los cuatro actores y actrices sin interacción alguna más que la casual coincidencia de temática o ambientación de las tristes historias que evocan y que les deshumanizan y les convierten en víctimas de sus experiencias.

El texto tiene partes brillantes (el acosador encarnado por Chap Rodriguez quien además es el traductor del texto, que narra cómo la atracción y amor puede degenerar en incomprensión y falta de aceptación de la realidad, el penoso relato de los abusos que cortan como una sierra  las brumas de la infancia, la dificil relación con la madre, una violación…) y partes más ininiteligibles, aunque siempre transmite esa desazón, ese revivir el pasado que emponzoña el presente y esa disociación entre lo vivido y la forma casi aséptica de expresarlo.  Sin duda alguna el título no puede estar mejor escogido, esa ansia, ese intranquilidad de espíritu y ese sentimiento de culpa aunque hayas sido la víctima y no el verdugo.

LO MEJOR DE LA OBRA: El excelente texto de la dramaturga muy bien dirigidido por Loredana Volpe (también poeta, y aquí justamente estamos ante uno de los textos más poéticos de Kane), con momentos realmente brillantes, el monólogo y la traducción de Chap Rodríguez y en general una excelente interpretación de los actores y actrices.  El tono lejano y aséptico que la continua alternancia de voces, los diferentes idiomas y la ausencia de escenario imponen a la obra.

LO PEOR DE LA OBRA: En ocasiones algo oscura e ininteligible. Pero esto justamente puede añadir esa necesaria inquietud que se crea entre el público.

“Ànsia (Crave)” estará en Sala Atrium hasta el 19 de enero de 2020.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al trailer:

Web de Sala Atrium – Información sobre “Ansia”

Web de Cia La Salamandra

“Money”: El dinero mueve el mundo.

Hay muchas cosas que se pueden hacer por dinero, para conseguirlo, para conservarlo o incluso para rechazarlo. “Money” de Sergio López, interpretada por Felipe Cabezas y Albert Requena, nos habla de aquello que mueve el mundo capitalista en el que vivimos.

Tres relatos que se entrecruzan con gran agilidad, algún sketch intercalado, seis personajes que los protagonizan y un gran número de secundarios. Y mucho humor, mucho. Y muy negro. El espectáculo, de una duración adecuada, vuela en manos de los intérpretes… el realismo de las dos primeras historias liga muy bien con el existencialismo de la tercera, y cuando se dispara la imaginación en los personajes, un mundo surreal se apodera de la escena.

El papel de los bancos, la desesperación de no llegar a fin de mes, la locura de ganar un premio, la inexorable llegada a la muerte, son temas cotidianos que afectan a gran parte de la población. Al público le pedimos que se olvide por un momento de la seriedad con que nos afectan y tratamos estos temas y se deje llevar por “Money”… valdrá la pena.

La obra estará en cartel en la Sala Fènix (es una producción de esta sala) del Raval de Barcelona hasta el 22 de diciembre. Actualización: “Money” prorroga los días 28 y 29 de diciembre!

Excelente interpretación, grandes dosis de humor, lenguaje cercano al cinematográfico, son elementos que convierten a “Money” en un espectáculo atractivo y muy agradable. Hay una gran crítica social y humana tras el acertado texto de Sergio López. Esperamos que el equipo artístico siga trabajando en más proyectos.

Laura Clemente.

Web de Sala Fènix – información sobre “Money”

“La plaça del diamant”: Años que valen una vida.

Dirigida y adaptada por Paco Mir y producida por la compañía Eòlia, nos ha encantado esta soberbia adaptación dramatúrgica de la obra más conocida de Mercè Rodoreda. Carla Pueyo y Nuria Bonet dan vida a una tierna Colometa, mientras que Uri Callau toma el papel de Quimet, con excelentes interpretaciones de todos ellos.

Se nota la mano del Tricicle en la concepción escénica del espectáculos, con los actores y actrices continuamente entrando y saliendo por los laterales, recurso que, constatamos, no solamente sirve para teatro mímico sino también para dramas como esta obra.

El espectáculo traslada al espectador el silencioso sufrimiento de Colometa, casada con el machista, histriónico, egoísta e irreflexivo Quimet, que no contento con fiscalizarla y maltratarla, la acaba embarcando en un absurdo proyecto de cría de palomas que fracasa estrepitosamente (es de suponer que, en la simbología rodorediana la obsesión con las palomas de Quimet sea una referencia a la expresión catalana “fer volar coloms” como paradigma de la ensoñación, lo poco práctico y lo disparatado)

Y a partir de ese matrimonio desgraciado, de ese marido que lejos de aportar cordura y solidez al hogar, aporta insensatez y riesgo, la obra nos muestra el discurrir de la vida de Colometa, el nacimiento de sus hijos, el advenimiento de la República, la guerra, la durísima postguerra….

El montaje transmite perfectamente ese contraste entre los sueños de Colometa, ese inicio con la escena de la verbena, ilusionante y esperanzador, y la amarga realidad que primero se insinúa con los primeros signos de alarma del caracter de Quimet, se afianza con la angustiosa llegada del primer hijo y se consolida con la guerra. Todo ello, con el elenco de personajes que lo acompañan y consuelan a Colometa, la vecina (Georgina Llauradó), el amigo (Fran Lahera), los rancios señores de la casa donde va a servir Colometa (en un excelente desdoblamiento también Bonet y Lahera).

Los acontecimientos pasan raudos, como a cámara rápida, casi sin advertirlo, como pasa la vida misma.

Cómo bálsamo sanador , como paréntesis breve, el droguero (magnífico Rai Borrell), que proporciona a la Colometa madura (otro acertadísimo desdoblamiento entre Pueyo y Bonet) algo de estabilidad. Pero finalmente, aprendemos, todo vuelve a aquella verbena en la Plaça del Diamant, a aquellos años duros que modelaron su carácter y de los que ya nunca podrá escapar.

LO MEJOR DE LA OBRA: Todo, desde la extraordinaria interpretación de los actores y actrices, a la atmósfera de ensoñación subrayada por las continuas entradas de los personajes y una muy acertada iluminación de Ignasi Morros, así como el vestuario y escenografía de Jordi Bulbena, como los desdoblamientos que confieren una gran plasticidad y dinamismo, y en fin el diseño sonoro de Ricardo González. Es una obra imprescindible esta temporada para quien quiera conocer y / o recrear el universo de Rodoreda.

LO PEOR DE LA OBRA: Cuesta realmente encontrarle algún pero, como no sea que no será apta para quien quiera montajes no naturalistas o para quien guste de innovaciones dramatúrgicas.

“La Plaça del diamant” estará hasta el 3 de noviembre en el Teatre Poliorama.

Ignasi.

Os dejamos un enlace a un tráiler de la obra:

“Assaig sobre la lucidesa”: Amarga visión de la política.

 

Producida por la compañía La Danesa, adaptada por Jumon Erra y dirigida por Roger Julià, este “Assaig sobre la lucidesa” a partir de la obra homónima de José Saramago, al que hemos asistido hace poco en el Teatre Akadèmia, no puede dejar a nadie indiferente. Sobre todo porque es imposible no reconocer en ella muchos de los reproches que se formulan a los políticos.

En efecto, partiendo de un desconcertante suceso en que los electores votan masivamente en blanco en unas elecciones menores, la obra disecciona sin piedad el círculo vicioso que generan los políticos a partir de ese hecho.  Porque la reacción de las autoridades no es la que sería éticamente esperable, es decir preguntarse qué es lo que ha desengañado a los electores hasta el punto de votar en blanco, sino  desencadenar una suerte de venganza contra quienes al parecer les niegan el derecho a seguir disfrutando de sus prebendas y poder.

Un excelente Xavier Casán da vida a un primer ministro histérico, hipócrita y mentiroso, a quien sus electores le importan poco o nada, con tal de que lo voten.

Su acólito el Ministro del Interior (un fínisimo Xavier Torra) tampoco duda un instante en hacer uso de todos los medios a su alcance para acallar la disidencia.  Porque de eso va el espectáculo: de la lucha despiadada que emprenden los políticos contra sus electores, de la cruel persecución a que los someten por haber cometido el sacrilegio de no seguir el plan que tenían diseñado para ellos:  votarlos rutinariamente cada cuatro años, sin preguntas, controles ni reproches.

Cuando los electores se niegan a seguir ese plan que les ha sido trazado la respuesta es simplemente la vendetta mafiosa y la búsqueda de chivos expiatorios, como la pobre mujer (encarnada por Júlia Santacana) que es acusada de, con su lucidez, haber desencadenado el ataque al sistema.

El alcalde (magnético Marc Pujol), es el que navega a través de los otros. Al principio es manipulado por los gobernantes más altos y va alcanzando lucidez, despojándose de su traje de político y ganando humanidad a medida que va avanzando la obra. Y el maestro de ceremonias, portavoz del gobierno, etc., personaje caleidoscópico interpretado con mucha energía por Elena Fortuny (también productora ejecutiva), va hilvanando la historia y va desvelando la trama al espectador.

Así pues la obra no puede estar más de actualidad, en unos momentos especialmente convulsos en que mucha gente reacciona con rabia y desencanto contra los políticos, a quienes a menudo se ve como personas que anteponen sus intereses al bien común. Este texto, que conceptúa la política como una especie de coto de caza en que las piezas son los electores, se nos antoja imprescindible.

“Assaig sobre la lucidesa” estará en el Teatre Akadèmia hasta el 13 de octubre.

PROS DE LA OBRA:  La brillante interpretación de los protagonistas y la acertada adaptación del texto de Saramago de Jumon Erra y dramaturgia conjunta de Roger Julià (el director) y Jumon Erra. Como siempre, Sylvia Kuchinow realiza un gran trabajo en la iluminación.

CONTRAS DE LA OBRA:  El escenario inexistente (tal vez nos hubiera gustado algún montaje escénico).

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “Assaig sobre la lucidesa”

Os dejamos un enlace a tráiler:

“Día de lluvia en Nueva York”: Romanticismo para días convulsos.

Cualquiera que esté atento a la realidad que nos rodea, la más cercana y lo que acontece lejos de nuestro radio de acción inmediato, puede darse cuenta que los tiempos por venir van a ser de todo menos fáciles. La situación política, económica, medioambiental… no da para muchas alegrías precisamente. Quizá es por ese motivo, o quizá porque hacía bastante tiempo que no se estrenaba nada de él, hemos recibido como agua de mayo el nuevo trabajo como director de Woody Allen, “Día de lluvia  en Nueva York”, que hemos podido disfrutar ya en su reciente prestreno en los cines Verdi de Barcelona (está previsto poder verse en nuestras salas a partir del 11 de octubre).

“Día de lluvia en Nueva York” se estrena dos años después de la muy apreciable “Wonder Wheel” (dos años es un tiempo largo tratándose de un realizador acostumbrado a estrenar prácticamente cada año desde el inicio de su carrera a finales de los 60s, algo que tiene que ver con sus dificultades para financiar sus nuevos proyectos pese a su reconocidísima carrera, y a los problemas personales que le acosan y que son tristemente conocidos por todos), y supone el regreso de Allen a la comedia romántica, un género a menudo vilipendiado por la crítica más “seria”, pero que ha dado títulos gloriosos a lo largo de la historia del séptimo arte, algunos de los cuales pertenecen, precisamente, al director neoyorkino.

En “Día de lluvia en Nueva York”, Allen da el protagonismo a un elenco de jóvenes actores y actrices entre los cuales destacan Timothée Chalamet, Elle Fanning o Selena Gómez, mientras que otorga un papel más secundario a intérpretes más que consagrados de la talla de Jude Law, Liev Schreiber, Diego Luna o Cherry Jones. Ni que decir tiene que extrae de todos y cada uno de ellos auténtico petróleo (ya se sabe que Allen es un fabuloso director de actores).

La trama, nada del otro mundo en realidad, nos cuenta las vicisitudes de una joven pareja encarnada por Chalamet (se diría que alter ego posmillenial del propio director) y Fanning, dispuestos a pasar un día romántico juntos en Nueva York. Las cosas no saldrán ni mucho menos como esperaban en una jornada persistentemente lluviosa en la gran ciudad que acabarán viviendo por separado debido a distintos incidentes que irán ocurriendo (los cuales, obviamente, no vamos a desgranar aquí), y que llevarán al personaje de Chalamet (que por cierto, se llama Gatsby) a replantearse su relación.

“Día de lluvia en Nueva York” está bellamente rodada (la fotografía pertenece ni más ni menos que a Vittorio Storaro), con la ciudad retratada casi como si de un protagonista más se tratara (un elemento muy propio del cine de Allen que una vez más volvemos a encontrar aquí), está trufada de grandes diálogos como solo el director de la gran manzana sabe escribir y resulta, en su conjunto, tan ligera como un papel de liar tabaco (ligera, dicho sea en el mejor sentido de la palabra).

Cierto que también es de lo más inverosímil, partiendo del hecho de ver a personajes de poco más de veinte años hablando de referencias culturales que les resultarán del todo ajenas a la inmensa mayoría de personas de su generación (si bien hay que contar con el hecho que sean universitarios), o ateniéndose a que casi todo ocurre de forma prácticamente casual.

Pero Allen no pretender rodar un film realista, sino un divertimento romántico en la línea de “Medianoche en Paris” o “A Roma con Amor”, películas donde las respectivas ciudades mencionadas en los títulos también cobraban pleno protagonismo, y que tienen en común con el trabajo que reseñamos aquí un tono de fábula encantador y lleno de ingenio.

Sospechamos que “Día de lluvia en Nueva York” será recibida, en el mejor de los casos, como un film menor en la carrera del realizador de “Annie Hall” o “Manhattan”, algo que viene siendo habitual tras cada uno de sus estrenos cuando, en realidad, muchas de sus películas recientes merecen ser reivindicadas como grandes trabajos (quizá ocurra con el tiempo). Nosotros sentimos que el estreno de una película de Woody Allen siempre es un pequeño acontecimiento que vale la pena tener en cuenta. Ya lo apuntábamos al principio, en los tiempos que se avecinan, encerrarse en una sala a ver una película como “Día de lluvia en Nueva York” puede ser todo un refugio emocional.

Ricard.

 

“Persones potencialment perilloses”: El peligro eres tú.

Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a la previa de “Persones potencialment Perilloses“, escrita y dirigida por Roger Torns, con producción de la compañía Produït per H.I.I.I.T.

Una obra de apariencia inicial muy costumbrista, que nos retrata una familia compuesta por la madre (Romina Cocca), el hijo (David López), la hija (Laura Daza) y el yerno (Alex Sanz), en un pueblo cualquiera. Los hijos son hermanos pero de padres distintos; el regreso del hijo tras una ruptura sentimental rompe la armonía entre madre e hija , ya habituadas a estar solas.

En seguida vemos que el hijo tiene un modo de ver las cosas y de actuar como mínimo diferentes a la de su familia. Y no sólo a las de su familia; el novio de la hija es el contrapunto a su hermano. Donde él es rígido, éste es flexible. Donde él es convencional, éste es bohemio. Donde, en fin, él es agresivo, éste es pacífico.

Un incidente en principio banal desata un drama enorme en la familia. Un drama que hace que todos se presenten en su verdadero rostro.

A partir de esa situación, la obra toca diversos temas, desde la violencia de género, la dicotomía entre vocación y pragmatismo, el enfrentamiento entre el dogmatismo y la tolerancia, las nuevas formas de familia con los problemas de convivencia que plantean, e incluso la dualidad pueblo-ciudad, el vínculo con la tierra en que nacemos y el de la desvinculación como camino para seguir adelante con nuestros sueños.

En definitiva, es una obra muy ágil que plantea por boca de actores y actrices un acertado diálogo entre los diversos puntos de vista sobre esos temas, y que de modo inevitable hace posicionarse al espectador.

También puede tener una interpretación mas literal en clave política. A nosotros en particular nos parece algo ligera y reduccionista la denominación “fascista” por extensión a todo el mundo que no tiene la visión de la realidad políticamente correcta que transmiten las redes sociales o la opinión mayoritaria en determinados ambientes, pero si hay quien prefiere una lectura política de la obra también se encontrará a gusto en el teatro.

LO MEJOR DE LA OBRA: Los textos (teatral y poético – las letras de las canciones) de Roger Torns, las grandes interpretaciones de David Lopez y Laura Daza, que hacen totalmente creíbles a esos dos hermanos tan diferentes que interpelan constantemente al espectador y de Romina Cocca, que interpreta a esa madre que está luchando por encontrar su lugar. La voz de Laura Daza.

LO PEOR DE LA OBRA: Las cuñas musicales, pese a tratarse de temas bien compuestos (por Laura Daza y Alex Marteen), nos ha parecido que no acababan de encajar.

#personespotencialmentperilloses (#ppp) estará en el Teatre Tantarantana hasta el 22 de septiembre.

Enlace a trailer de la obra:

Web del Teatre Tantarantana – Informació sobre “Persones potencialment perilloses”

Ignasi y Laura.

“De eso no hablamos”: Documental sanador.

Ya os hemos hablado en otras ocasiones de Ángela Palacios, artista total que se ha convertido para nosotros en referencia clara de nuestro blog.

En esta ocasión tenemos el gusto de poder recomendaros su nuevo y sorprendente proyecto “De eso no hablábamos”.

Se trata esta vez de un documental realizado por la creadora riojana que se empezó a gestar en 2011 cuando descubrió en ella  la semilla-idea de una necesidad. Un impulso interno muy fuerte que la llevó a emprender un viaje de investigación, descubrimiento y creación cuyo fin temporal desconocía, pero que acabó derivando en este trabajo que ahora presentamos.

Según nos cuenta la misma Ángela, “esta película es el viaje de una hija hacia su madre, de la transformación de un silencio velado en un canto a la vida”.

Siguiendo con las palabras de la propia artista, “De eso no hablábamos es una película documental biográfica, que como base y punto de partida explora la relación entre una madre y una hija, después del fallecimiento de la primera. Mi madre, Luisa Graciela Palacios, tenía 41 años y una familia feliz, estaba casada desde hacía veinte años con el padre de sus dos hijos adolescentes. Un día sintió un fuerte dolor en la espalda y le diagnosticaron un cáncer terminal. Le quedaban entre cuatro y seis meses de vida. Mi hermano mayor y yo no sabríamos nada hasta una semana antes de que muriera, el 4 de septiembre de 1999. Ella no se despidió. Nunca se habló en casa de lo que estaba pasando. Mi madre estaba enferma, nada más. No era grave, ni era mortal. Todo estaba bien. Ese no hablar continuó después e hizo más grande el tabú, el silencio. Se creó un vacío hueco de palabras que se hacía cada vez mayor cuanto más me alejaba yo, y mi familia, de los meses de su enfermedad y del día de su muerte. Un vacío velado, poderoso y encerrado sobre sí mismo.

Quince años más tarde me atreví a hacer la pregunta que había sido incapaz de hacer antes: ¿sabía mi madre que se iba a morir? Si la respuesta es no: ¿por qué no se lo dijeron? Si es sí: ¿por qué no se despidió?”

“La película es la búsqueda de la resolución de esa gran duda, cuya no respuesta me impedía terminar el duelo. Este viaje me llevó a indagar en el pasado de mi madre, a descubrir a la mujer que había detrás del vínculo materno A través de este viaje de búsqueda personal, finalmente hablo de un anhelo humano universal: la necesidad de forjar un vínculo afectivo profundo y honesto y, a través de él, dar un sentido a nuestra existencia y, claro está, a nuestra muerte. Nunca podré saber qué sintió, pensó y vivió mi madre sabiendo que su vida se acababa, esa conversación jamás podré tenerla ya. Pero con esta película he construido la historia que necesitaba contarme para reconciliarme con ella y seguir adelante, para sanar la herida y regresar al amor.”

Este trabajo se estrena el próximo jueves día 05.09.19 en La Bonne Maison, en la calle Sant Pere Més Baix, 7. Si queréis conseguir entradas para verlo podéis hacerlo aquí: ENTRADIUM

También podéis contactar con la propia Ángela Palacios por el siguiente correo y teléfono o visitar su web:

 

hola.angelapalacios@gmail.com

+34 659 503 944

www.angela-palacios.com

 

Por nuestra parte, desearle la mejor de las suertes a Ángela en la presentación (y lo que tenga por delante) de este honesto y, seguro, emotivo documental.

Ricard.

“Tancats”: Encerrados en la familia.

Hemos podido ver en el Teatre Gaudí de Barcelona esta comedia adaptada y dirigida por uno de nuestros directores favoritos, Oscar Molina, aquél de cuya pasión por el teatro os hablábamos en una de nuestras primeras entradas, hace ya siete años:

Y del que hemos podido disfrutar de sus obras en diferentes teatros de nuestra ciudad.

En esta ocasión, ha dirigido al actor y también autor de la obra Gal Soler en una comedia muy bien articulada en la que los actores y actrices toman más de un papel -recurso dramatúrgico que nos encanta pues confiere a la obra mucha plasticidad-.

La excusa argumental es presentarnos a una familia de la burguesía fabril catalana, los Fuster, cuya cabeza de familia , la viuda (genial Angela Jove) pretende dar un giro notarial a sus últimas voluntades ante la histeria de sus tres angelicales descendientes, Pilar (Silvia Aranda), la yuppie sin escrúpulos, Narcís (el propio Gal Soler), depredador de empleadas, y Joan (Rubén Serrano) que aunque quiere aparentar alejarse moralmente de la familia, sigue con igual interés que los demás los avatares testamentarios de la digna madre.

La comedia, con el acertado recurso a una serie de cuadros escénicos con el ascensor como denominador común, va desgranando con sarcasmo las miserias que se ocultan tras la apariencia intachable de la familia, hurgando con ironía en el divorcio entre la apariencia y la realidad, el qué dirán, las convenciones, el anhelo por el todopoderoso Don Dinero…

Con el poliédrico recurso que ya hemos comentado del desdoblamiento de personajes, el espectáculo caricaturiza con acierto repartiendo estocadas sobre la homofobia, el nacionalismo, el papel de los inmigrantes (deliciosa actuación de Marieta Sanchez como cuidadora (¿adivinan de qué orígen?), el capitalismo, la sexualidad… Todo ello sin perder el tono de comedia de situación costumbrista, con puntos de histrionismo y algunas pinceladas dramáticas.

PROS DE LA OBRA: Ideal para aquellos que no quieren surcar aguas demasiado profundas en las tórridas noches del verano barcelonés, y que prefieren que les corra la brisa escénica. Como decimos, es una obra ágil y con mucho ritmo y dinamismo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien busque grandes montajes escénicos, alambicadas simbologías o alturas conceptuales.

La obra estará en escena hasta el 11 de agosto.

Ignasi y Laura.