The Doors: “The Doors”, 50 aniversario de uno de los mejores debuts de la historia del rock.

Mi primer recuerdo asociado con The Doors  tiene que ver con el cine Savoy, desaparecido hace ya muchos años, y que estaba situado en el Passeig de Gracia de Barcelona, muy cerca de la confluencia con la calle Provença y, por tanto, a pocos metros de la Pedrera de Antoni Gaudí. Hacía muy poco que se había estrenado la película de Oliver Stone que llevaba como título el nombre del grupo (aunque en realidad se centraba más bien en la figura de su líder, Jim Morrison), y precisamente el Savoy proyectaba el film en una sesión de madrugada a la que acudimos un sábado. Recuerdo de forma nítida el cartel de luces de neón verdes de la sala o la pequeña galería previa a las taquillas con sus expositores de vidrio a un lado y otro repletos de posters y fotografías de películas. Así mismo, me viene a la cabeza que durante la proyección del film había gente bebiendo cerveza o fumando porros sin ningún tipo de pudor. También que aquella noche, tras ver la película, la persona que me había acompañado y yo pasamos un largo rato de apasionado diálogo sobre ella en un pub de la calle Balmes.

Para nosotros, que apenas estábamos entrando en la veintena, The Doors eran una banda mítica muy alejada en el tiempo. Dado que el grupo estaba inactivo desde el fallecimiento de su cantante en 1971, no conocíamos especialmente su música más allá de sus dos o tres mayores hits clásicos. No ocurría como con Lou Reed o Neil Young, músicos de la misma quinta que los integrantes del grupo, que en aquellos tiempos (finales de los 80,s principios de los 90,s) acababan de publicar grandes trabajos que podían servir de punto de enganche para profundizar en sus respectivas discografías. Así las cosas, la visualización de una película como “The Doors” supuso toda una revelación para nosotros, aunque, revisado muchos años después, el film nos resulte un tanto hiperbólico y nos parezca que, en no pocos momentos, roce incluso lo ridículo por su empeño de mostrar a Jim Morrison, no como un ser humano normal (por muy genial que fuese) sino como alguien exageradamente excesivo, en permanente estado de alucinación lisérgica, y poco menos que capaz de adentrarse, literalmente, por dimensiones espirituales inaccesibles para el resto de personas.

Con todo, y como ya hemos apuntado, el film (aún impactante visualmente y con una gran banda sonora que incluye también algún tema de The Velvet Underground o el famoso y anónimo “Carmina Burana”), tiene el mérito de haber impulsado a muchos, como nosotros mismos, a querer escuchar más y más música de The Doors, y a intentar conocer hasta el último detalle de la historia de la banda, y muy particularmente de su carismático líder. Lo obvio en el caso de The Doors era empezar con su primer y homónimo álbum, dado que probablemente es el trabajo de la formación que incluye sus canciones más populares, y ese fue precisamente el primer disco que me compré. Justamente ahora, con la excusa del 50 aniversario de su lanzamiento, ha sido reeditado, y hemos querido rememorar esta gran obra discográfica como ya hemos hecho con otros grandes títulos de la historia de la música popular.

Publicado el 7 de febrero de 1967, “The Doors” se lanzó dos años después de la génesis de la banda, la cual, según cuenta la leyenda, se originó tras el encuentro en la playa californiana de Venice del futuro teclista del grupo Ray Manzarek, y de Jim Morrison (ambos habían sido estudiantes de teatro y cine en la universidad de UCLA). La conexión entre ambos fue inmediata y se cuenta que la conversación se alargó durante horas y terminó cuando Morrison recitó “Moonlight drive”, poema que con los años se convertiría en una de las canciones del grupo. Fue en ese instante cuando Manzarek decidió crear la banda.

Pocas semanas después, los dos amigos ya estaban grabando algunas maquetas con la colaboración de algunos conocidos músicos locales, entre los cuales, el batería Jon Densmore quien poco después se convertiría en miembro permanente del grupo. Meses más tarde se les uniría el guitarrista (aún primerizo) Robbie Krieger. Con él se completaría una de las formaciones definitivas del rock.

Cogiendo el nombre para la banda del libro de Aldous Huxley “The doors of perception”, que a su vez se había inspirado en un texto de William Blake, The Doors consiguieron un primer contrato discográfico con Columbia que se rompió al no conseguir el sello un productor que pudiera grabar el disco de debut de la formación.

Mientras el grupo no conseguía registrar un álbum, empezó a componer canciones que sí tocaban en directo en clubs emblemáticos de California como el Wisky a Go Go o el London Fog. Parece ser que durante una de esas actuaciones, Arthur Lee, líder de los también imprescindibles Love, los vio y fue él quien recomendó la banda a los magnates de su sello discográfico, Elektra.

De esta forma, el grupo pudo grabar su inmejorable debut, un total de 11 canciones, en tan solo 6 días (tan por la mano tenían los temas), a finales de 1966. Con la producción de Paul A. Rotchild, y teniendo a Bruce Botnick como ingeniero de sonido, realizaron las sesiones con una mesa de tan solo cuatro pistas.

El primer single escogido para promocionar el álbum fue “Break on through (to the other side)”, que, pese a que no fue un gran éxito, ahora es considerada uno de los temas más reconocibles del grupo. “Light my fire”, elegido como segundo sencillo, sí obtuvo bastante repercusión siendo una de las canciones que, por tener el órgano de Manzarek en primer plano, se pueden estimar más representativas de lo que podríamos llamar el sonido The Doors. Y es que aún hoy en día, se puede considerar a la banda una formación atípica, con, tal y como hemos dicho, el sonido de tintes psicodélicos del órgano en primer plano (junto a la grave y expresiva voz de Morrison), substituyendo además el sonido del bajo el cual solo en estudio era asumido por algún músico de sesión. Si juntamos a todo ello el preciso sonido blues de la guitarra, y los ritmos de la batería, a menudo navegando por sutiles arreglos jazzísticos, podemos decir que The Doors es una de las formaciones más sui generis de la historia de la música popular.

El éxito del álbum se acabaría apuntalando con canciones como ‘The crystal ship”, “Twentieth century fox”, “I looked at you”, “End of the night” y “Take it as it comes”, todas ellas originales, y versiones tan acertadas como “Alabama song (Whisky bar)”, tema que dieran a conocer Bertolt Bretch y Kurt Weill en 1927, y “Back door man”, un corte blues compuesto por Willie Dixon y que popularizó Howlin’ Wolf.

Aunque la canción que probablemente más destaca del disco es la que lo cierra, “The end”, un tema largo, hipnótico, de letra tan hermosamente poética como misteriosa (las letras de Jim Morrison son, obviamente, otra de los logros a destacar del trabajo), con connotaciones incluso freudianas.

Finalmente, el álbum consiguió auparse al segundo puesto de la lista de discos más vendidos en los USA, situándose solo por debajo del “Sgt Peppers’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles. Un éxito expandido en el tiempo, de forma que el trabajo acumula más de 20 millones de copias despachadas.

Ahora, como ya hemos dicho anteriormente, se reedita, como suele ocurrir con los aniversarios redondos de muchos grandes discos de la historia, en formato de lujosa boxset que incluye el álbum remasterizado en stereo, la mezcla en mono, una versión en vinilo de dicha mezcla, y un disco en directo grabado el 7 de marzo del año en que se editó por primera vez “The Doors”, en la sala The Matrix de San Francisco. El lanzamiento se completa con un libro fotográfico, y anotaciones de David Fricke, conocido crítico de la revista Rolling Stone.

Sea en una presentación como la descrita, o sea en su formato de álbum (vinilo o cd) más sencillo, o incluso escuchado en streaming… de la forma que sea, “The doors” nos espera una y otra vez para abrirnos, ciertamente, nuevas puertas de percepción sonora, como ocurre, de hecho, con el resto de la discografía (en total, cinco disco más si nos ceñimos estrictamente a lo que The Doors publicó antes de la muerte de su cantante en Paris en 1971) de una banda tan singular como irrepetible.  Este verano os recomendamos que buena parte de vuestra banda sonora sea la que nos ofrece el legado de este grupo de inmarchitable recuerdo.

Ricard.

Os dejamos con un concierto completo de The Doors:

“Les véritables aventures de Don Quichotte de la Mancha”: Teatro total.

Hemos disfrutado mucho en el Almeria Teatre (en el marco del Grec Festival de Barcelona) con esta recreación teatral del texto clásico, en ingeniosa versión de Philippe Soldevila, autor quebequés de la compañía Sortie de Secours que ha coproducido la obra junto con Victor Alvaro, líder de la compañía Gataro, residente en el Almeria Teatre, y el grupo de marionetas también quebequés Populus Mordicus. 

Una colaboración pues entre tres compañías de dos países que produce resultados excelentes, asombrosos, de una versatilidad y riqueza de recursos como pocas veces se ve. De dicha simbiosis resulta un espectáculo que combina el mimo, la danza, las marionetas, y que además se representa en versión trilingüe francés-castellano-catalán. Amena y ágil, sin embargo transmite perfectamente la hondura del personaje, esa loca sensatez o esa locura sensata que ha pasado a la historia de la literatura como el retrato más íntimo, fiel y profundo de un personaje icónico. Y en el espectáculo del Almeria Teatre encontramos reflejada toda esa riqueza, con un lenguaje emotivo, cercano, que se recrea en los matices de Don Quijote, del barbero, del cura, de la sobrina y el ama, de Sancho… de ese elenco de acompañantes que están junto a Don Quijote hasta el final, con un lenguaje visual burlesco y desenfadado pero tierno a la vez.

Las escenas icónicas se suceden: molinos, quema de libros, el vizcaíno, la venta… todo se nos presenta con simpatía, con un punto de tierna ironía subrayada por las marionetas y por la excelente expresión corporal de los artistas. Sin duda uno de los espectáculos de la temporada.

Desde el blog felicitamos con entusiasmo, además de a los mencionados creadores,  a los interpretes, Víctor Alvaro, Savina Figueras, Pierre Robitaille (éste también es el creador de las deliciosas marionetas) y Nicola-Frank Vachon, que con su buen hacer logran que el espectador disfute del espectáculo.

También destacamos al compositor y músico en escena François Leclerc, al responsable de la escenografía y la iluminación, Christian Fontaine, a la responsable del vestuario, Érica Schmitz, a la realizadora del vídeo, Marilyn Laflamme, y en definitiva al gran equipo artístico en su conjunto, capaz de crear una joya escénica como ésta.

La obra estará hasta el 6 de agosto en el Almeria Teatre, por lo que mejor apresuraos si queréis verla.

Ignasi y Laura.

Web de Almeria Teatre – Información sobre “Les véritables aventures de Don Quichotte de la Mancha”

 

E.V.A.: Historia de cuatro amigas.

Hace poco fuimos al Teatre Romea a ver “E.V.A.“, escrita por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique, con dirección de este último, y que se nos presenta en el 25 aniversario de la compañía T de Teatre.  Se trata de una coproducción de  T de Teatre, Grec 2017 Festival de Barcelona y Teatre Romea.

E.V.A., escala visual analógica del dolor pero también un nombre de una joven mujer, la hija de Clara (interpretada por Carolina Morro), que, junto a otro personaje, Paloma, tratan de disfrazar sus miedos con una pátina de ciencia y  corrección.

La obra trata de la historia de cuatro amigas, Paloma (Marta Pérez), Clara (Carme Pla) Lola (Rosa Gàmiz) y Àgata (Àgata Roca), que comparten pasado escolar; todas ellas en apariencia mujeres que han conseguido el éxito (tal vez Clara con sus devaneos con el maestro zen es la más alejada de ese modelo).

El espectáculo se estructura en escenas sin aparente nexo entre ellas: Lola liga en un restaurante de Barcelona con un excompañero de colegio (Albert Ribalta) con el que ha coincidido en una convención tras muchos años de no saber nada de él. Paloma, en Estocolmo, conversa en otro restaurante con su traductor (Jordi Rico, que también interpreta al simpático enfermero que ayuda y acompaña a Àgata), colado por ella. Clara se dedica a ordenar su armario siguiendo a un divertídisimo maestro zen japonés (Albert Ribalta) con aires un poco sabihondos y Àgata trata de averiguar el paradero de su madre que se ha fugado de la residencia donde estaba ingresada.

Mientras, Eva, hija única de Clara y canguro de los hijos de Lola, llega a sus veinticinco años. Una chica “casi perfecta” que siente la necesidad de volar hacia otro lado para aclararse las ideas y encaminarse hacia su futuro.

De modo gradual, la obra va acercándose a su nudo, al punto de partida de la trama, algo que sucedió años antes en casa de Clara, precisamente en aquel armario que estaban ordenando ella y su maestro.

El tono de comedia va dando paso a uno dramático en el que esa leve desazón que intuíamos en Paloma toma certeza y explica de forma punzante que la amistad de las protagonistas ocultaba un episodio oscuro.

Nos ha gustado mucho la puesta en escena (buen trabajo de Alejandro Andújar en la escenografía) en forma de cuadros simultáneos con ágiles diálogos entre el hombre y la mujer presente en cada escena (Clara con su maestro zen, Àgata con el auxiliar de la residencia, Paloma con su compañero de trabajo y Lola con su antiguo conocido), y el desenlace en el que cada una, esta vez sin compañía masculina, se encara con  las miserias de su relación.

Una obra dinámica, en la que las escenas casi cómicas (Àgata hablando con su madre fugada de la residencia y que aparece en la comisaría de los Mossos, las agudas observaciones del maestro zen), se alternan con escenas inquietantes, como la que, en flashback, presenta lentamente lo que sucedió hace años, en aquel armario. Todo ello de forma muy coherente y bien trabada.

Destacamos también el brillante trabajo de David Ruano, que siempre nos sorprende, en la fotografía.

“E.V.A.” es un espectáculo ideal para las cálidas noches veraniegas y que desde nuestro blog queremos recomendaros.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Romea – Información sobre E.V.A.

“El hombre del corazón de hierro”: La amoralidad del mal.

Hace poco hemos visto en los cines Renoir Floridablanca de Barcelona la excelente “El hombre del corazón de hierro“, película francesa estrenada este año, dirigida por Cédric Jimenez y con guión creado por el propio Jimenez, David Farr y Audrey Diwan, basada en la novela “HHhH” del también francés Laurent Binet.

El film une con maestría dos historias. Por un lado tenemos la propia biografía de uno de los hombres más temidos del tercer Reich, Reynhard Heydrich, de quien Göring al parecer diría que era el auténtico cerebro del número dos del Reich, el jefe de las SS Heinrich Himmler, de ahí el título de la novela (Heinrich hirn heisst Heydrich, literalmente el cerebro de Heinrich se llama Heydrich).

Terco oficial de la Escuela Naval de Kiel en el periodo de entreguerras, es expulsado del cuerpo por un lío de faldas, -era una época en que romper un compromiso podía costarte los galones-, pero encuentra apoyo en su novia Lina von Osten (Rosamund Pike), perteneciente a la nobleza prusiana y nazi convencida. Es ella quien le presenta a los jerarcas nazis en los años previos a la toma del poder. Es memorable la escena en la que Heydrich (magníficamente interpretado por el actor australiano Jason Clarke) visita a Himmler (Stephen Graham, cuyo parecido con el personaje es sorprendente)  en la granja bávara de éste, dejando boquiabierto al paleto campesino…   A partir de ese inicial encuentro, Heydrich sobrepasa ampliamente en crueldad y determinación a sus superiores…

Años después, iniciada la guerra, es nombrado Reichsprotektor de Bohemia y Moravia, la actual República Checa, y es ahí donde los miembros de la resistencia checa y los servicios secretos británicos deciden que debe morir.  La segunda parte de la película es pues, está consagrada por completo a esa misión, la Operación Antropoide, en la que los soldados checos Jan Kubis y Jozef Gabcik (excelentemente interpretados por Jack Reynor y Jack O’Connell), que habían emigrado al Reino Unido con la invasión de su país, son enviados de nuevo al protectorado con la misión de matar a Heydrich.

Asistimos con la respiración contenida a las peripecias de esos dos valientes en la guarida de la bestia, siempre pendientes de que los sabuesos nazis les den caza, sentimos en todo momento el aliento de sus perseguidores. Hermosa historia de amor la que mantiene uno de ellos con una joven (Mia Wasikowska, camaleónica y talentosa actriz de la que ya hemos hablado anteriormente en el blog) que pertenece a una las familias que los acogen secretamente.

La última parte de la película es triste, muy triste, de un realismo lacerante y brutal. La bestial represión que despliegan los nazis para vengar al jerarca no conoce ningún limite moral o humanitario. El espectador se pregunta si el esfuerzo mereció la pena o fue en realidad una elección errónea, como se pregunta uno de los partisanos que duda si delatar a sus compañeros para parar el aquelarre sangriento.

Es una película, como decimos, realista en extremo, que nos plantea por un lado las ansias de medrar de una buena parte de la alta sociedad alemana en aquella época, y por el otro, el heroismo de unos patriotas que dieron su vida por arañar al régimen.

Como corolario, citamos el libro que Lina, la viuda de Heydrich, escribiría años más tarde, “Vivir con un criminal de guerra”. En esta obra constatamos que la moda del yo no sabía nada de lo que hacía mi marido no es algo reciente.

Ignasi y Laura.

 

“Serlo o no”: Una comedia sobre la identidad.

Hemos asistido en el Teatre Borràs a la versión en castellano del original francés de Jean-Claude Grumberg “L’être ou pas”, que en catalán fue estrenada hace unos meses en el Teatre Lliure con el título “Ser-ho o no”, con los mismos actores que protagonizan la versión castellana traducida por Mauro Armiño, “Serlo o no“, con dirección de Josep Maria Flotats y protagonizada por el mismo Flotats y por Arnau Puig.

La comedia, en parte autobiográfica del autor francés, quien vio a sus padres y abuelos deportados por los nazis, nos presenta a un escritor ya maduro que tiene que aguantar al principio con resignación y luego con afán pedagógico, las impertinentes preguntas de un vecino de escalera sin demasiadas luces; la mujer del buen hombre se ha enterado por “Internet” (como todos nos enteramos de todo, hoy en día), que el escritor es judío, lo que desencadena una serie de preguntas por parte del cándido vecino que parece no haber oído hablar en su vida de judíos más que con vagas y difusas referencias.

A partir de ahí la obra nos narra diversos encuentros que van teniendo en la escalera el escritor con su vecino, al que tiene que aclarar todo acerca de su cultura y religión…

Cuestiones como la diferencia entre judío, israelí y sionista, entre judío de nacimiento y practicante, entre ortodoxos y moderados, se plantean al espectador por medio de las aclaraciones que el escritor debe ofrecer al rústico vecino: la identidad, los grupos nacionales, los prejuicios, los rumores de Internet e incluso el drama del holocausto es presentado con agilidad, humor cáustico y ternura. Asistimos a la conversión del vecino, que pasa por todos los estados del judaísmo, desde el simpatizante hasta el activo ortodoxo con coletas que sólo come kosher…

El autor se ríe implacablemente de la visión naif que la gente tiene del judaísmo, de la fundación del estado de Israel, y del desconocimiento de la deportación y del drama de este pueblo al que en Europa se le negó hasta el derecho mismo de existir. La comedia también interpela al pensamiento progresista dominante, que en la cruenta guerra árabe-israelí ha tomado acrítico partido por los primeros, olvidando una verdad incuestionable: tanto árabes como israelís han compartido históricamente el territorio que ahora disputan.

La autoridad en escena que emanan Puig y Flotats, éste el actor consagrado y aquél el debutante al que en este blog llevamos muchos años siguiendo y que nos encanta, este tandem, decimos, hace que la comedia pase como una exhalación y que podamos contemplar una obra a la manera de los clásicos.

“Serlo o no” estará en el Teatre Borràs hasta el 23 de julio y la recomendamos con entusiasmo.

Ignasi y Laura.

 

Web de Grup Balañà-Teatre Borràs. Información sobre “Serlo o no”

Trailer de “Serlo o no”

“Barcelona Minority World” de Albert Franquesa: Distopía plausible.

Hace unas semanas, coincidiendo con la Diada de Sant Jordi, realizamos una serie de recomendaciones literarias entre las que se encontraba “Barcelona Minority World”, primera novela publicada del escritor nacido en Barcelona en 1974, Albert Franquesa. El libro, editado por Sven Jorgensen, supone la irrupción con fuerza de un autor con muchas cosas que decir.

Situada en un futuro inmediato en una Barcelona dominada por el turismo de masas, asolada por desastres naturales y en un contexto social, laboral y económico precario para la mayoría, la novela tiene como protagonista a Víctor (acaso un sosias del propio escritor), personaje situado en la horquilla de edad que va entre los 35 y 45 años, y que bien podríamos considerar como perteneciente a la llamada Generación X, ya oscilando entre esa fina línea que separa la juventud de la madurez.

Víctor, que es quien nos cuenta en primera persona sus peripecias, se ve acompañado por una serie de personajes que Franquesa perfila de manera brillante y que en conjunto pueden configurar un buen collage representativo de distintos arquetipos de persona en los que muchos se podrán sentir representados.

Con una prosa ágil pero musculosa, muy trabajada, la novela está muy bien estructurada, y resulta al mismo tiempo de lectura amena y densa en cuanto al substrato crítico que tiene. Es este un libro de ideas que nos sitúa en una distopía plausible, y nos hace cuestionar, ya no el futuro de nuestra ciudad, Barcelona, sino el mismo presente, aunque también se podría extrapolar lo que sucede en ella a otras tantas localidades del mundo occidental.

En suma, un gran libro que os queremos más que recomendar. Hace unos días tuve la suerte de ser invitado por el propio Albert Franquesa a acompañarlo a una presentación de su libro en la librería Gigamesh de la calle Bailen de Barcelona. El resultado lo podéis ver en el vídeo que tenéis a continuación y que os puede servir para conocer mucho más sobre esta magnífica novela y su autor:

Así mismo os dejamos un enlace a la web de la editorial Sven Jorgensen en la cual podéis solicitar un ejemplar del libro:

Web de Editorial Sven Jorgensen

Y aquí tenéis también la posibilidad de acceder al blog personal de Albert Franquesa donde cuelga escritos que en cierta forma complementan a la novela:

Blog de Albert Franquesa

Ricard.

“Homenaje a Federico García Lorca”: Teatro envolvente.

Nos ha encantado la obra “Homenaje a Federico García Lorca” que estos días se representa en el Àtic22 del Teatre Tantarantana, de la mano de la jóven compañía La Coquera Teatro, fundada en 2009 por Alberto Rizzo y Adriana Raventós.

La compañía crea una atmosféra intimista e inquietante muy acorde con el universo lorquiano, con fragmentos de obras tan emblemáticas como “Mariana Pineda”, “Bodas de Sangre” (Ay luna mala, deja para el amor la oscura rama), “La Casa de Bernarda Alba”, “El Público” (con su tierna escena homosexual)… las tinieblas en que están envueltas las escenas, la cadencia de las declamaciones, el vestuario de época, todo nos traslada a una España rural presa de sus fantasmas y complejos, sus atrasos, su rígida estructura semifeudal, todo nos es presentado con rigor y cariño.

El espectador entra de lleno en la escena (no desvelaremos los detalles) y se sumerge en la atmósfera lorquiana como en un arrullo no exento de sobresaltos.

La obra, de Alberto Rizzo, dirigida por él y Jordi Lafuente, estará hasta el día 30 de junio en el Àtic22 y la recomendamos con entusiasmo a quien desee degustar el teatro lorquiano con una presentación muy actual.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Homenaje a Federico García Lorca”