‘Heisenberg’: Lo que la interacción crea.

Hemos asistido en la Sala Beckett, en el marco del festival Grec 2021 Festival de Barcelona, a esta intimista ‘Heisenberg’, del prolífico dramaturgo británico Simon Stephens, con dirección de Josep María Mestres , traducción de Joan Sellent y protagonizada por Silvia Bel en el papel de Clare y Pep Cruz en el de Alex.

El improbable encuentro entre el carnicero setentón interpretado por Pep Cruz y la maestra treinta años menor a la que da vida Silvia Bel es como una metáfora de un experimento físico, en el que el espectador estudiaría un choque de partículas con resultados sorprendentes por inesperados y atípicos. De hecho el título alude al principio de la física cuántica según el cual no es posible observar un fenómeno sin incidir sobre él, y así las maniobras que uno intenta sobre el otro acaban modificando las expectativas de cada uno.

La obra nos permite reflexionar sobre las relaciones, en concreto sobre las que comienzan entre personas de entornos muy diferentes y en ocasiones contrapuestos, y en distintos momentos vitales (porque al final la ayuda que mutuamente se acaban prestando -compañía y dinero- no viene del engaño sino de la necesidad de complementarse) y en fin, sobre la manipulación y la estrategia relacional.

Nos ha gustado la puesta en escena, con una pantalla agondolada horizontal en el centro (escenografía de Paco Azorín), entorno a la cual se van desplegando las distintas situaciones que viven los protagonistas, en la carnicería, en el bar, en un banco del parque, todo con exquisita sobriedad, para no distraer ni un ápice la atención sobre la danza dialéctica de los personajes con la que se envuelven mutuamente.

LO MEJOR DE LA OBRA: El estudio que hace de las motivaciones que nos hacen acercarnos a alguien, y los diálogos muy vivos y bien entrelazados, así como la excelente interpretación de el actor y la actriz que crean personajes de una credibilidad absoluta.

LO PEOR DE LA OBRA: La historia tal vez tenga un punto naïf, un poquito de guión de cuento de hadas.

La obra estará en la Beckett hasta el 1 de agosto y sin duda es una excelente opción para una de estas calurosas veladas de julio.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

Cultura y algo más.

“Esperando a Godot”: El vacío.

 

Hemos tenido la oportunidad de asistir en el Teatre Goya a la obra clásica de Samuel Beckett, imprescindible para todo amante del teatro, dirigida en esta ocasión por Antonio Simón.

Un cruce de caminos de ningún sitio a ninguna parte; dos vagabundos (Didí, Alberto Jimenez y Gogó, Pepe Viyuela) perdidos en chanzas torpes y divagaciones fútiles para pasar el rato; un hombretón tosco y brutal (Pozzo, Fernando Albizu) con ínfulas de terrateniente pero que seguramente no pasa de pobre diablo que maltrata a un infeliz , llamado con sarcasmo Lucky (Juan Diaz) . Y en fin, un ridículo criado (Jesús Lavi) que anuncia la llegada de Godot. Esos ingredientes forman esta desoladora metáfora que nos deja la maestría de Beckett, quien construye ese andamiaje con personas que sólo tienen la apariencia de tales y que se comportan de un modo extraño pero reconocible… La cháchara sin sentido de los vagabundos nos es cercana, ese hablar compulsivo del que se quiere ocultar a sí mismo verdades muy incómodas y seguramente inasumibles, esos jueguecillos nerviosos, esos cambios de humor y artificiales sobresaltos, ese huir de uno mismo a base de esperar una quimera, las excusas que nos damos para ir pasando. Y si en algún momento parecen indignarse de la brutalidad con la que Pozzo maltrata al desafortunado Lucky, en seguida vemos que es una pose para ocultar su propia vileza.

Nos ha gustado mucho el montaje, (Diseño de escenografía: Paco Azorín; diseño e iluminación: Pedro Yagüe; espacio Sonoro: Lucas Ariel Vallejos; vestuario: Ana Llena). Ese lugar ambiguo, presidido por un cruce de vías, metáfora de la absurda encrucijada en que se hallan los personajes, con un acertado juego de luces que divide el espacio escénico en esos dos días en que, como una cinta de Moebius, todo vuelve una y otra vez, con obsesiva e inexorable cadencia.

Es en definitiva una obra incómoda, que nos interpela y habla del no ser, del vacío, del olvido y lo ajeno, lo incómodo y en fin, la desesperanza y la resignación.

LO MEJOR DE LA OBRA: La capacidad de transmitir sensaciones más allá de un argumento clásico. Lo grotesco es el canal que utiliza Beckett para hacernos caer en la cuenta de profundas verdades.

LO PEOR DE LA OBRA: Una pena que una obra maestra esté tan poco en cartel.

Estará hasta el domingo 20 de junio en el Teatre Goya.

Os dejamos un tráiler del espectáculo:

Cultura y algo más.

“La lleugeresa i altres cançons”: El peso de lo grave.

Hemos asistido en la Sala Atrium a este monólogo escrito por Ivan Benet y Victor Borràs, con dirección del primero. Una obra de aire tierno, intimista e inocente protagonizado por una dulce Aida Oset, que también es la autora e intérprete de las canciones.

Con cuidada técnica interpretativa, pausas, cambios de ritmo y movimientos cargados de simbología que rebelan el volcán interior de la vivencia de la protagonista, se nos presenta esta deliciosa pieza en la que Aida Oset da vida a una enfermera que tiene que encarar una decisión dificil. El pretendidamente aséptico entorno hospitalario, ese espacio donde todo tiene un lugar y las relaciones están impregnadas de ritualidad y previsión, es también el escenario del encuentro humano entre la cuidadora y la cuidada, con una mirada que trasciende lo determinado y se adentra en los recovecos de los sentimientos, de las contradicciones y el padecimiento llevado con dignidad.

Las canciones que se intercalan como islas entre los meandros de la historia acompañan y reconfortan al espectador (esa es una de las grandes virtudes de la obra, que no sigue un estilo narrativo lineal, más que desplegar un argumento se recrea en las emociones que siente la enfermera desbordada pero cuyo natural tierno le impide caer en la desesperación.)

Las excelentes cualidades como cantante de Aida Oset llenan el escenario, matizan el sufrimiento de la protagonista y ayudan a entender mejor su conflicto interior, cuando se siente poderosa, cuando se siente desvalida, o cuando se siente desbordada.

Es sin duda una de esas obras cuyo pequeño formato no deben hacer pensar en superficialidad o improvisación. Nada es casual en esta pieza y sin duda es una metáfora muy acertada que conecta a la perfección con estos tiempos de desazón colectiva.

LO MEJOR DE LA OBRA: El hecho de que la historia se explique más a partir de los gestos, disgresiones, y simbología de la protagonista que como una mera narración, y el excelente acompañamiento musical.

LO PEOR DE LA OBRA: El final demasiado explícito, a nuestro gusto podía haber seguido la sutil delicadeza de toda la obra.

Estará en la Atrium hasta el 9 de mayo.,

Cultura y algo más.

“Solitud a Stromboli”: Feminismo atemporal.

 

Hemos asistido hace poco en la Sala Atrium a este interesante monólogo escrito por Nuria Casado Gual, dirigido por Imma Colomer y protagonizado por una convicente Fina Rius en el papel de la conferenciante italiana Nela Simari.

La obra desgrana, con la excusa de una conferencia inaugural de un simposio en homenaje a su mentor académico, el estudio que la profesora Nela Simari, dedica a las similitudes entre la novela de Caterina Albert i Paradís (“Victor Català”) y la película de Rossellini, aproximadamente cincuenta años posterior.

Con ese preciosismo interpretativo que lleva el sello de la directora Imma Colomer, el hilo conductor de esas sorprendentes similitudes entre las dos obras permite atisbar este alegato feminista que subyace y que precisamente salva distancias entre países y épocas

En pocas palabras, cambia el escenario (literalmente, porque el montaje visual va proyectando escenas del montaje de la obra solicitud en el TNC de Alicia Gorina (que ya os comentamos aquí https://culturayalgomas.wordpress.com/2020/03/20/solitud-narrativa-visual/ , junto a imagenes de la película de Rossellini), cambia la vestimenta y el entorno, pero la esencia es la misma: la mujer que llega a un lugar ignoto donde sólo se tiene a sí misma porque su marido lejos de ser un apoyo comprensivo es una persona cerrada, mezquina y estrecha de miras que sólo la ve como una muleta en su penosa existencia.

En un cautivador torbellino narrativo, se agolpan las imagenes de la novela, de la obra de teatro y de la película. Tanto Ingrid Bergman, Karin en la película como María Ribera, Mila en la obra, son dos mujeres fuera de lugar, la primera una inmigrante que habla poco italiano y la segunda una lugareña de la plana que va a vivir a la montaña, que asisten con consternación a la destrucción de su corto idilio con sus maridos y a la bofetada de realidad de la mezquina existencia que les espera por seguirlos.

Ambas descubren algún aliado (el farero en la película, el pastor en la obra), pero no será suficiente porque su destino ya está escrito.

En el fondo, la obra gira entorno a la cosificación de la mujer, ese otorgarle un papel de mero comparsa , de hacerla a la fuerza parte de un escenario, reservándole un papel decorativo y secundario. Porque en un último guiño, nos enteramos de que también las protagonistas, la periodista Simari, y la propia Bergman, fueron de algún modo seducidas….

LO MEJOR DE LA OBRA: La interpretación de Fina Rius, que le da gran credibilidad a la obra, y el excelente montaje visual de Òscar Sánchez H., que permite al espectador sumergirse en los universos de Rossellini y Català.

LO PEOR DE LA OBRA: Pocos aspectos negativos, tal vez las referencias al profesor en algún momento un poco forzada.

La obra estará en la Atrium hasta este domingo 21 de marzo.

Trailer de la obra:

Cultura y algo más.

“Bilderberg”: Lo inmoral del dinero.

Hemos asistido a esta interesante Bilderberg en el Tantarantana, obra de la compañía L ´Ostra 28, con autoría y dirección de Xavi Morató , interpretada por Joan Scufesis y Adrià Escudero en el papel de dos niños de papá crueles y prepotentes que no dudan en maltratar por puro placer malsano al camarero del evento, el propio Xavi Morató.

En escena, una reunión del mítico y oscuro Club Bilderberg, al que se supone que pertenecen las élites que gobiernan el mundo; en un aparte , los dos niños pijos, que no pintan nada en la reunión de sus papás, se sirven unas copas mientras juegan a ser sus padres y a despreciar al camarero. La aparición de Nuria Florensa, aparentemente otra niña bien, da un sorprendente giroa los acontecimientos.

La obra se recrea, más que en los entresijos del club, en el envilecimiento que produce el dinero, porque quien lo tiene se cree capaz de comprarlo todo, incluso de disponer sobre la vida y la muerte de las otras personas, y quien lo anhela se cree capaz… de venderlo todo.

Muy impresionante la escena donde se juegan la vida del camarero al que acaban pegando una paliza, y los diálogos de los protagonistas, con su filosofía cínicamente materialista que apenas resulta cuestionada.

El mensaje no puede ser más desesperanzador: las ilusiones inocentes, los sueños e ideales se topan con el muro infranqueable del poder del dinero, una apisonadora que todo lo destruye. Y cuando la ingenuidad se encuentra con esa pared imposible de escalar, el castigo por tanto atrevimiento es la inexorable y cruda respuesta del poder. Un espectáculo sin duda pesimista aunque pocos podrán decir que alejado de la realidad.

Lo Mejor de la Obra: El diálogo entre los personajes, que recrea el choque entre dos formas de ver la vida, la desencantada, cínica y brutal por un lado y la ingenua y generosa por el otro. Las escenas de humillación y violencia, y el sorprendente giro final.

Lo peor de la obra: En ocasiones , la interacción entre los cuatro se torna algo confusa y febril.

Estará en el teatro hasta este 28 de febrero.

Trailer de la obra:

Cultura y algo más.

“La segona Eva”: Todas las violencias.

Hemos asistido en la Sala Baixos 22 del Teatre Tantarantana a esta producción de El Eje y el propio teatro, con autoría y dirección de Marta Aran (Premio Max 2020 por ‘Els dies mentits’).

Es una obra que aunque toca una temática muy dura como es de los abusos sexuales cometidos por la Iglesia católica, lo hace con mucha delicadeza; no hay escenas explícitas; la historia transcurre insinuadamente, con un dolor soterrado e insidioso.

El contrapunto entre la candidez de Eva (Maria Hernàndez ) y el interés libidinoso del fraile (Òscar Intente) tiene su reflejo en los otros dos personajes, Gabriel (Eric Balbás), la pareja de Eva que se encarga de remachar el clavo y la cínica abogada de la congregación (Mar Pawlowsky) , que aunque hipócritamente hace ver que ayuda a Eva, luego veremos que sus intenciones son otras.

Tal vez lo que nos ha gustado más de la obra es esa insinuación, ese huir del efectismo y buscar más bien explorar el sentimiento de impotencia e incredulidad de la protagonista ante la confianza traicionada por el fraile. El personaje del novio que más que servir de consuelo culpabiliza por segunda vez a la víctima, en un proceso que por desgracia se da en las mujeres que han sufrido la violencia sexual, también permite acercarnos con más realismo a la desgracia de Eva.

El montaje también se aleja de grandilocuencias, apenas unos toques audiovisuales de temática religiosa, ese jugar con el simbolismo religioso que con demasiada frecuencia es ya sinónimo de abuso y prepotencia. Todo apunta con sarcasmo y amargura a ese retiro espiritual que poco tiene de elevado y demasiado de mundano.

LO MEJOR DE LA OBRA: La simbología que emplea, la interpretación de todos ellos y el no caer en el dramatismo fácil.

LO PEOR DE LA OBRA: Tal vez nos hubiera gustado un poco más de profundidad en la historia.

Estará en el Tantarantana hasta el 13 de diciembre, os dejamos con un teaser de la obra:

Cultura y algo más

Riu Valenta: Rap combativo desde Ripollet.

Os presentamos hoy a Riu Valenta, un grupo nacido en 2018 en Ripollet (Barcelona), formado en los locales de ensayo de la Asociación Kanyapollet por Dani Medina “Les”, Javier Linares y David Guardado. Durante cerca de año y medio la formación (que actualmente cuenta con Carles Guinart “Checkone” en substitución de Javi Linares) preparó un directo con canciones propias, revistiendo las comprometidas letras de “Les”, enfocadas hacia el hip-hop, de un sonido orgánico sustentado en arreglos funk y blues a cargo de los otros dos miembros del combo.

Así pues, los primeros temas de la banda se pudieron presentar en la “Nit de Reis i Rimes” en la noche de reyes de 2020, en la sede de la COP (Col.lectiu Obrer Popular de Ripollet), significativo punto de encuentro de propuestas sociopolíticas y culturales de la población situada en la comarca del Valles Occidental.

Influenciados por artistas que van desde Kendrick Lamar hasta los primeros El Club de los Poetas Violentos, pasando por bandas de sonido electrónico y Trip-Hop como Massive Attack, Portishead o Tricky, y en general la gran tradición de la música afroamericana, Riu Valenta acaban de publicar su primer EP con cuatro canciones que dan fe de un estilo personal en la forma y combativo en el fondo, que ya podemos disfrutar (de momento on-line).

A la espera de que la situación de pandemia en la que nos encontramos permita escuchar a Riu Valenta en el que, reconocen sus miembros, es su hábitat más natural, el directo, os dejamos con uno de los temas (los otros tres que conforman el primer lanzamiento de la banda se pueden escuchar igualmente en YouTube) que da buena cuenta de la calidad de una formación a la que auguramos un gran futuro. Así mismo, tenéis al final un enlace que lleva al Bandcamp del grupo.

Ricard.

Bandcamp de Riu Valenta

“Els Gossos”: Disfrutando en familia.

Hemos asistido en la La Villarroel a esta obra intimista escrita y dirigida por el dramaturgo argentino Nelson Valente, traducida al catalán por uno de los actores protagonistas, Joan Negrié (también forma parte de la producción desde la sala que dirige, Sala Trono de Tarragona).

El cuadrilátero de pareja joven (Albert -Joan Negrié- y Laura –Sandra Monclús-) que invita a los suegros a casa (Alicia –Mercé Arànega– y Emili –Albert Pérez) da mucho juego, y el espectáculo de Valente no decepciona.

Es una de estas obras que no se centra tanto en argumentos, simbología o montaje como en la interpretación de los actores y actrices, que habla por sí sola. La virtud del espectáculo es precisamente ésa: su riqueza interpretativa; cada personaje es un mundo y la interacción entre ellos crea un resultado delicioso.

El golpe en la mesa real y figurado de Laura queda algo tamizado por el carácter poco enérgico que se le adivina, y el tono lastimero con el que larga su discurso le resta algunas simpatías, aunque supongo que quien más quien menos se siente identificado con su cuestionamiento radical al sistema. El contrapunto es Emili, genialmente interpretado por Albert Pérez. Cuando Laura es idealista, Emili es pragmático , cuando Laura critica el modelo, Emili lo defiende, y cuando en fin Laura busca salir de los lugares comunes, Emili se revuelca en ellos…. Esta especie de senyor Esteve irritante y monótono hasta la náusea que oscila entre lo banal y lo compulsivo es aquel ser acomodaticio y de vuelo gallináceo que habita en cada uno de nosotros y del que tanto tememos que someta a nuestros mejores sueños.

Alicia y Albert son los meros comparsas que asisten atónitos a esa batalla dialéctica. Madre e hijo comparten el haberse visto obligados a adaptarse al padre, con resultados dispares, la madre entregándose a la bebida y el histerismo, y el hijo escondiendo la cabeza bajo el ala y sometiéndose a los dictados paternos.

LO MEJOR DE LA OBRA: Las interpretaciones de todos y especialmente de Mercè Aránega y Albert Pérez, así como la interesante dialéctica que plantean entre la ambición y la resignación. Gran dirección de actores de Nelson Valente, que también imprime carácter a cada personaje desde el texto.

LO PEOR DE LA OBRA: No apta para quien busque bucear en aguas demasiado profundas.

‘Els Gossos‘ estará en La Villarroel hasta el 1 de noviembre. Espéctaculo que forma parte del Festival Grec de Barcelona.

Os dejamos un enlace al trailer de la obra:

Cultura y algo más

“Equus”: Rienda suelta a los símbolos.

Hemos asistido en el Escenari Joan Brossa a este clásico de la escena anglosajona, ‘Equus’ de Peter Schaffer, dirigido por Denis Fornés, y adaptado por Denis Fornés y Bernat Muñoz con el asesoramiento dramatúrgico de Pablo Ley.

Una deliciosa obra con ese inequívoco sabor inglés de los sesenta y setenta, con todo su imaginario: represión sexual, fanatismo religioso, disciplina, equitación, violencia, jueces y psiquiátricos.

El viejo psiquiatra (Carles Fígols), quien sabe si en las postrimerías de su carrera, por encargo de su amiga -jueza, claro- (Ivana Miño) trata de comprender los motivos de la horrenda mutilación que un adolescente (Lluís Arruga) ha cometido sobre seis indefensos caballos de las caballerizas donde trabajaba.

A la luz de las pesquisas del buen doctor, en seguida entran en escena los, cuanto menos pintorescos, progenitores del adolescente (Mercè Rovira y Xavi Lite), los cuales obligan al espectador a pensar que con ellos no es de extrañar que el chico acabe mal. Ella una fanática religiosa bastante histérica y él una especie de Ulises de medio pelo, pasto de cines X (era una época muy anterior a pornhub), rígido y ridículamente puntilloso.

Y el colofón es ese caballo (Andreu Lahoz en doble papel de equino y jinete) del que el niño primero y el adolescente después se prenda perdidamente.

A partir de ahí, la simbología que se nos presenta encarnada en los personajes da pie a múltiples interpretaciones y abre muchos interrogantes: ¿el chico se enamora del caballo o sublima más bien la atracción por el jinete? El psiquiatra y la jueza son sólo amigos? ¿Se dedicaban los padres a juegos BDSM (lo que antes se llamaba sadomaso) en su intimidad?

Con semejante carga de aquello que antes se llamaba “el subconsciente” no es de extrañar que cuando en muy sensual aparición la compañera de trabajo del protagonista, (Julia Ferré) viene a tentar a nuestro héroe entrometiéndose entre él y el caballo, la cosa acabe como acabe.

La obra estará en el Escenari Joan Brossa hasta el 25 de octubre.

LO MEJOR DE LA OBRA: Para nosotros, la acertada escenografía y montaje visual que transmite a la perfección la desazón y disyuntivas del protagonista, ese moverse entre lo divino y lo humano. Hay un gran trabajo del conjunto del equipo artístico y se presume mucha dedicación: la producción ejecutiva y diseño de producción (junto a Denis Fornés) de Martí Santcliment, el movimiento de Mamen Alcázar y Mai Rojas, el espacio sonoro de Guillem Vives y la música de Aleix Vives y Emili Bosch, las luces de Rubén Taltavull, Raul Solsona, Josep Fernández y Roc Laín, etc.

LO PEOR DE LA OBRA: Más que una desventaja, el hecho de que los temas estén algo pasados de moda (es curioso que la escena del coito sea más transgresora porque incumple la distancia social que porque nos presente unos desnudos integrales), pero que sean presentados con convicción y delicadeza , convierte al montaje en una pieza muy natural y en absoluto forzada.

Recordamos que el texto de la presente versión de ‘Equus’ está publicado por Arola Edicions y que podéis adquirirlo en el mismo teatro.

Os dejamos con un tráiler de la obra:

“Els porcs també mengen verd”: Geometría variable.

Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a esta producción de Medusa Cultura con autoría y dirección de Andreu Rifé.

Hemos subtitulado la entrada “geometría variable” porque la obra se centra en las distintas relaciones que se dan en el seno de una familia entre la madre, Rosa (Teresa Urroz) , el hijo casado Santi (Angel Roldán), el hijo soltero Adam (Jacob Torres), y la nuera Carol (Àngels Bassas). Así la obra se centra tanto en el mismo cuadrilátero en el que interactúa la familia como en los distintos triángulos donde se relaciona: Rosa-Adam-Carol,Carol-Jacob-Adam, Rosa-Adam-Santi y en fin en las líneas que unen a Rosa con la nuera y con cada uno de los hijos.

En seguida comprendemos que se trata de relaciones complejas y difíciles. La desgracia que le sobreviene al hijo mayor desencadena la crisis que ya se había anunciado; el espectáculo desgrana los diferentes sentimientos que la nueva situación despierta en cada uno de los miembros de la familia: la rivalidad entre suegra y nuera, los celos entre hermanos que les llevan a maniobrar entre ellos, el sometimiento del hijo menor a la madre y la reverencia de ésta por el hijo mayor, que le lleva a estar completamente cegada. A partir de una situación retorcida y grotesca, el texto no deja de ser una exageración dramática del día a día enrarecido de muchas familias, lejos de las armonías estereotipadas que nos venden las series de TV.

En definitiva, es una obra que sin grandilocuencias, dramatiza las tensiones y conflictos que en mayor o menor medida, están presentes en muchas familias.

La obra estará en el Tantarantana hasta el 25 de octubre.

LO MEJOR DE LA OBRA: La interpretación de los protagonistas y lo original del texto; plantear lo grotesco como recurso narrativo para bucear en aguas más profundas.

LO PEOR: El título. Parece que últimamente hay una cierta tendencia a impartir justicia política o social en los teatros, y entendemos que reducir la obra a una crítica del machismo, del abuso o del autoritarismo es hacer un flaco favor a una obra que para nosotros va mucho más allá.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra: