“inFAUST”: Impacto visual en el Akadèmia

La tragedia eterna de Fausto, aquel personaje arquetípico tan insatisfecho con su vida y sediento de sabiduría y poder, a quien ni el diablo pudo satisfacer -plasmado por el genio de Goethe que lo convirtió en el clásico por excelencia de las letras alemanas-, nos es presentado -en coproducción con el Teatre Akadèmia– por la siempre interesante compañía Projecte Ingenu (Yerma, Romeo i Julieta, La tempesta), de la que ya nos esperábamos un espectáculo de calidad.

La adaptación de Anna Maria Ricart que toma para esta versión algunas de las escenas más memorables de las dos partes del Fausto de Goethe nos ha parecido muy acertada y fluída, bien hilvanada y con el mérito de haber resumido lo esencial de una obra tan monumental.  Si a ello se aúna  la maestría habitual de Marc Chornet, el director de la obra, el resultado debía ser bueno.

Lo más destacable de esta versión es su audacia visual (Alfonso Ferri en el diseño de proyecciones), que huye del clasicismo para adentrarse en interesantes juegos escénicos y de luz (Laura Clos y David Bofarull), sonoros (Pol Queralt) y de vestuario (Marta Rafa), que logran darle a la obra un aire preciosista y poco convencional. El melancólico Fausto (Toni Guillemat) de la primera escena, un Fausto envejecido y desesperado, seducido por un Mefistofeles interpretado por una actriz  (Neus Pàmies), que capta perfectamente la esencia más traviesa  que maligna  de ese diablo creado por Goethe, da paso a un Fausto más determinado que acepta los retos que le pone el diablo, al que incluso acaba apremiando. El aprendizaje de Fausto en la lucha contra el hermano de la chica a quien el diablo ayuda a seducir, ante el Emperador (Cristina Arenas)  a quien Mefistófeles  ayuda con sus problemas económicos, todo es una maravillosa e intimista alegoría de la ambición humana y de la voluntad de poder, de la seducción y del dominio.

PROS DE LA OBRA: Sin duda alguna, el planteamiento visual de la obra que actualiza de modo magistral el mito de Fausto, así como la gran interpretación de Toni Guillemat, Neus Pàmies, Martí Salvat (muy divertido en sus diversos papeles; uno de ellos recuerda al conejo de “Alicia en el País de las Maravillas”) y Roser Tapias (Margarita y otros personajes).

Argumentalmente, nos ha llamado mucho la atención el efecto bucle en los diálogos, como si se fuera adelante y atrás en el tiempo. Aquí hemos encontrado otra referencia de la Alicia de Lewis Carroll.

Destacamos también la deliciosa música a cargo de Neus Pàmies, el original vestuario de Marta Rafa, la impactante fotografía de David Ruano, el efecto futurista de OMEN en vídeo y en definitiva, el excelente trabajo del equipo artístico al completo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de planteamientos más clasicistas.

La obra estará en el Akadèmia hasta el 25 de noviembre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “inFAUST”

Adjuntamos el podcast de ivoox correspondiente a la entrevista a los actores Roser Tapias y Martí Salvat, de la compañía Projecte Ingenu:

Podcast del programa Ona Cultural de 3 de noviembre – entrevista a Roser Tapias y Martí Salvat de Projecte Ingenu

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“Hàbitat (doble penetració)” – ¿Cómo se siente la generación Y?

La generación Y, que sucede a la generación X retratada por Douglas Coupland, se ha denominado también millennial generation, o generación del milenio o milénica, y mucha gente se refiere a los nacidos entre 1980 y 1990 aproximadamente como “los millennial“. Los que pertenecen a esta generación han crecido en medio de la crisis, se han encontrado con graves barreras económicas para realizar estudios universitarios, se sienten como pez en el agua en la era digital (la mayoría) y se hacen muchas preguntas.

“Hàbitat (doble penetració)“,de la compañía Produït per H.I.I.I.T. , parte de los textos de siete autores (Carla Linares, Mar Pawlowsky, Laura Daza, Maria Hernàndez, Roger Torns, Jaume Viñas y Pablo Macho), que son relatos que se entrecruzan pero que no se mezclan: dos mujeres que se encuentran por internet, cada una con sus historias y la mochila de su pasado, un youtuber con angustia existencial y su loco seguidor, un artista y su obra incomprendida, una escritora que se encuentra incómoda en un frío local de coworking, una chica experimentando con el MDMA… reminiscencias de “Short cuts” de Raymond Carver o “The informers” de Bret Easton Ellis, pero con una originalidad deslumbrante. Realismo, naturalidad, lucidez y mucha, cómo no, tecnología, como los móviles y tablets que retratan o autorretratan a los personajes, observándolos como si fueran cobayas u objetos de investigación, no seres humanos. ¿Adónde nos lleva el “postureo” o exceso de carga de imágenes, de falsa o auténtica pornografía, de autoexposición en internet, a vista de todo el mundo?

Justamente por todas esas cuestiones que plantea la obra, ha sido enmarcada dentro de Ciutat Oberta. Biennal del Pensament, que ha tenido lugar del 15 al 21 de octubre, pero que ahora continúa con la + Biennal durante todo el otoño. Esta poliédrica pieza es teatro, es narrativa, es pensamiento… va más allá.

La dramaturgia, dirección y producción corren a cargo de Roger Torns, uno de los autores emergentes con más talento y versatilidad del panorama teatral catalán. Pero además, el equipo artístico al completo es brillante. Varios de los intérpretes son a la vez autores de algunos de los textos, y el reparto está formado por Georgina Latre, Diana Gómez, Maria Hernàndez, Jaume Viñas y Rafa Delacroix. Los actores cantan, tocan el teclado, hablan incansablemente, se graban unos a otros, interactúan con el público y el público los siente muy cercanos. Hasta el espectador de más edad llegará a comprender los problemas de esos jóvenes y saldrá con una visión más amplia sobre los millennial.

“Hàbitat (doble penetració)” ha sido la ganadora de la beca DespertaLab 2018 (4a edición), y fue exhibida en Sala Atrium el pasado verano. El ciclo de creación escénica DespertaLab tiene como objetivo apoyar la creación teatral más activa y emergente, poniendo al alcance de los artistas y compañías el espacio (la fábrica de creación Nau Iwanow) y las condiciones técnicas adecuadas para la creación, la producción, la comunicación-difusión y la exhibición de sus obras (primero en Sala Atrium y luego en la sala que corresponda; en este caso, la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana). Ya está convocada la 5a edición de DespertaLab.

DespertaLab 2018 – información sobre Hàbitat (doble penetració) – Sala Atrium

Convocatoria ciclo de creación escénica DespertaLab 2019

En nuestro programa de radio asociado, Ona Cultural (de la radio Ona de Sants), hemos entrevistado a Roger Torns. Encontraréis la entrevista en el siguiente podcast:

Podcast del programa Ona Cultural – emisión del 20-10-2018

PROS DE LA OBRA: Estamos ante artistas con mucho talento que han creado una obra conjunta, en la que se han implicado totalmente. Además de todo lo que hemos comentado, resaltamos también el espacio escénico, vestuario e iluminación de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo (Roger Torns ha colaborado también en la iluminación). Estamos ante un fresco muy representativo de una generación, que invita al espectador a hacer un profundo trabajo de reflexión una vez terminada la función.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para el público más conservador o tradicionalista. Tampoco para aquellas personas de generaciones anteriores que no quieran comprender a la juventud actual, ni ponerse en su piel.

“Hàbitat (doble penetració)” estará representándose en la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana hasta el 28 de octubre.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Hàbitat (doble penetració)

“La dona de negre”: Homenaje a los clásicos del cuento gótico en el Raval.

En el Teatre del Raval  hemos asistido a este relato de fantasmas y aparecidos a partir del relato homónimo de la escritora contemporánea británica Susan Hill y adaptado al teatro por Stephen Malatratt, y a esta versión y traducción al catalán por Tamar Aguilar . 

En esta obra, muy adecuada para estas fechas cercanas a la noche de todos los santos, la autora homenajea a algunos de los clásicos del cuento gótico victoriano, como Mary Shelley, Edgar Allan Poe, Emily Brontë, entre muchos otros, y también algún guiño a Sir Arthur Conan Doyle (Cómo no pensar en el Perro de los Baskerville).

En este delicioso cuento de terror vemos en efecto muchos de los elementos del género:  la arquitectura medieval con criptas y tumbas incluídas, las mansiones misteriosas, los páramos con arenas movedizas, la niebla, los acantilados, el cochero misterioso, los aparecidos, las habitaciones donde el tiempo se detuvo…  en definitiva, la obra nos hace participar de todo ese gusto victoriano por lo fúnebre y decadente. Era una época en que la muerte era algo mucho más familiar que ahora, una época en que morir joven e incluso de niño no era algo excepcional. No es de extrañar por tanto que en el imaginario de la literatura de la época la muerte, lo funerario , lo sobrenatural, esté bien presente.

Susan Hill nos presenta el relato de un abogado (Carlos Vicente) que contrata a un actor  (Gerard Clavell) para representar la tenebrosa historia de lo que le sucedió años atrás, cuando era un pasante que, comisionado por el bufete donde trabaja, ha de trasladarse a la aislada mansión de una anciana señora de un pueblo perdido de comarcas para hacerse cargo de su legado…. las noticias que atisban no resultan demasiado tranquilizadoras.

Nos ha gustado en especial la iluminación (diseño de luces de Xavier Costas y Víctor Cárdenas como técnico), el decorado con dos niveles de profundidad (espacio escénico de Estanis Aboal y ayudantía de dirección de Àngel Llamazares) y los efectos sonoros (diseño de sonido de Jordi Ballbé y Víctor Cárdenas como técnico); todo ello consigue transmitir una atmósfera inquietante.

PROS DE LA OBRA:  Imprescindible para quienes gusten de los cuentos de terror gótico y no busquen un lenguaje teatral innovador o una puesta en escena original.

CONTRAS DE LA OBRA:  Que nadie piense que va a ver realmente una obra que da terror; la obra, como hemos repetido, es más un guiño u homenaje a una época de la literatura que un espectáculo dirigido a provocar sustos, para eso ya está el cine.

La obra estará en cartel hasta el 28 de octubre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

Web de Teatre del Raval – Información sobre “La dona de negre”

“La ira de Narciso”: ¿Dónde está el límite entre realidad y ficción?

 

Hemos podido disfrutar de otra gran obra de teatro argentino en La Badabadoc del barrio de Gracia de Barcelona, en esta ocasión una producción de la conocida sala de teatro de Buenos Aires Timbre 4, creada por el prestigioso autor franco-uruguayo Sergio Blanco, dirigida por Corina Fiorilla y protagonizada por el aclamado actor Gerardo Otero.

El narrador-autor (Sergio Blanco-Gerardo Otero) ha sido invitado a dar una conferencia sobre el mito de Narciso en la hermosa y enigmática ciudad de Liubliana. La habitación 228 del hotel donde se tendrá que alojar se va a convertir en el epicentro de una historia de intriga que no dará tregua al espectador.

Las obsesiones del protagonista (el sexo, los calmantes, el perfeccionismo y los pequeños detalles, como la mancha de sangre en la habitación del hotel), tejen esta trama que combina autobiografía y ficción, como en otros textos de Sergio Blanco, y que nos hace plantear qué es realidad y qué es ficción, el consciente y el subconsciente, juego fascinante de espejos que se entremezclan y cuyo límite no queda nada claro.

El joven actor esloveno que conoce el protagonista y con el que inicia una relación apasionada y turbia, nos acerca a esa figura del Narciso que está tan presente en los tiempos actuales (las redes sociales y la dictadura de los “likes”, del gustar constantemente a los demás). El uso de diversos elementos de las nuevas tecnologías está muy acertado, pues añade realismo y a la vez actualidad a la trama y a la obra en sí.

La muerte, la soledad, la belleza, la enfermedad, conceptos que son base también de muchos de los males modernos, se combinan a la perfección en el argumento de esta pieza teatral, que brilla desde cualquier enfoque o visión.

En definitiva, vayan a ver “La ira de Narciso“, que estará representándose hasta el domingo 21 de octubre en La Badabadoc. Totalmente recomendable para los amantes del teatro, del noir y de las historias bien contadas.

PROS DE LA OBRA: Estamos ante una obra trascendente, que deja huella en el espectador y también en la Literatura, pues el texto ha sido tejido con la genialidad propia de los grandes autores. Brillante y magnética interpretación de Gerardo Otero como alter ego de Sergio Blanco-narrador y protagonista de la pieza. Dirección impecable de Corina Fiorilla.

CONTRAS DE LA OBRA: Sólo que nos hubiera gustado que estuviera por más tiempo en Barcelona. Esperamos que regrese pronto.

Laura Clemente.

Web de La Badabadoc – Información sobre “La ira de Narciso”

Web de Dramaturgia uruguaya – Información sobre Sergio Blanco

“La màquina de parlar”: Parodia de la explotación.

Hemos asistido en El Maldà a este espectáculo de Victòria Szpunberg ambientado en un futuro cercano, con resonancias de Philip K. Dick (imposible pasar por alto las referencias a las muñecas sexuales o los muñecos de compañía), George Orwell, Aldous Huxley o el más cercano Manuel de Pedrolo, en el que el protagonista, un petulante Marc Rosich, da vida a un solitario infeliz y tiránico, un tal Bruno, cuya única compañía es un grotesco monigote confinado en una especie de trona (estupenda Sandra Monclús) que habla y habla sin respiro obedeciendo supuestamente a un ridículo mando a distancia….  como dueño y señor de esa indefensa y a la vez digna maniquí,  el repulsivo protagonista la emprende con la pobre habladora, la maltrata sin cortapisas como un marido abusivo. Cuando irrumpe en escena otro monigote, esta vez no un maniquí sino un extraño híbrido a medio camino entre un perro androide y una muñeca sexual (excelente Jordi Andújar), la carga de la obra se hace más evidente. El usar y tirar a los demás, el utilizar a las personas como vehículo y descarga de las propias frustraciones, pueden llegar en este futuro que se nos evoca, a la fabricación de robots androides para nuestro solaz y entretenimiento. Y sin embargo, como los clásicos del género que hemos  comentado, finalmente las supuestas máquinas tienen unos sentimientos de los que carece el egoísta y pedante dueño.

Pero no estamos ante un espectáculo de ciencia ficción, sino más bien un estudio psicológico: la obra retrata de modo impecable la dinámica del abuso: por un lado, el soltero irritable, que no siente ilusión por nada, que no le coge el teléfono ni a su madre y que parece no esperar nada de su vida excepto por sus gustos perversos y que descarga toda su amargura en lo que tiene más a mano. La máquina parlante, por su parte, parece estar aquejada de un síndrome de Estocolmo, mientras que el perro androide muñeco sexual desea en apariencia redimirse de pasadas culpas a base de hacer justicia.

Además, parece que las leyes del mercado y oscuras compañías sacan partido de esa soledad y desesperanza, ofreciendo, en el colmo de la alienación, esos extraños muñecos como los que protagonizan la obra. Muñecos de usar y tirar y que no debían oponer la mínima resistencia a sus abusadores.

PROS DE LA OBRA: La reflexión sobre el abuso y la explotación , con mirada incisiva que presenciamos. Las brillantes interpretaciones de los tres actores.

CONTRAS DE LA OBRA: Es una obra minimalista, sin escenario prácticamente  y de argumento austero.  La función del perro que da placer queda un poco difuminada.

El 6 de octubre entrevistamos a la creadora y directora de la obra, Victoria Szpunberg, en nuestro programa de radio asociado al blog, Ona Cultural (radio Ona de Sants). Aquí tenéis un enlace al podcast de la entrevista:

Podcast del programa Ona Cultural – Entrevista a Victoria Szpunberg

La obra estará en El Maldá hasta el 18 de octubre.

Ignasi y Laura.

 

“Nosotros no nos mataremos con pistolas”: El valor de la amistad.

Anoche pudimos ver en el Teatre Tantarantana de Barcelona esta tragicomedia de la compañía Wichita Co – Tabula Rasa, con texto y dirección de Víctor Sánchez Rodríguez e interpretada por Román Méndez de Hevia, Laura Romero, Lara Salvador, Bruno Tamarit y Silvia Valero, ganadora en los Premios Max 2016 a la mejor autoría revelación, tres Premios AAPV a las mejores interpretaciones femenina (Silvia Valero), masculina (Bruno Tamarit) de teatro, y Crisálide a la actriz revelación (Lara Salvador) y el premio del público en Escènia 2015 XIII Mostra de Teatre Novell.

Ante tanto reconocimiento y la gran acogida que ha tenido este espectáculo tanto por el público como por la crítica, nuestras expectativas eran grandes. Estábamos un poco extrañados con la duración de la obra, más común en el teatro clásico (2 horas), pero el resultado ha sido más que sorprendente. Estamos ante una auténtica joya teatral.

Es el día de la Verge del Carme en un pueblo de Valencia. Blanca está preparando una fiesta en la casa del pueblo de la primera. Su amiga Marina, la primera invitada, está embarazada. Blanca lleva un delantal sobre su precioso vestido. Las dos rondan la treintena… una parece muy contenta y la otra acongojada. Están esperando al resto de invitados, sus amigos Elena, Miguel y Sigfrido. Todos guardan secretos a sus espaldas y han vivido un hecho trágico en común. Hoy hace justo 5 años de aquello…

Este reencuentro en un punto crítico como es el cambio de decenio y el paso a la madurez, provocará una tormenta entre los cinco amigos. El brillante texto de Víctor Sánchez Rodríguez está lleno de ingenio, humor corrosivo y festivo, realismo y clarividencia. El público disfruta y se conmueve. Los actores hacen un trabajo excelente, y con el resto del equipo artístico (nos han gustado mucho el espacio escénico de Jennifer Pérez y Wichita Co, la iluminación de Ximo Rojo, la música de Jorge Pérez “Tórtel” y el espacio sonoro de Teresa Juan) se consigue un resultado redondo, en ocasiones cinematográfico al modo almodovariano.

PROS DE LA OBRA: Estamos ante un espectáculo de envergardura que nos ha dejado en éxtasis. Los 120 minutos de la pieza pasan volando. Teatro que trasciende.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para aquéllos que busquen el mero entretenimiento.

En definitiva, recomendamos a todos los amantes del teatro que no se la pierdan. “Nosotros no nos mataremos con pistolas” estará en cartel en el Tantarantana sólo hasta el domingo 7 de octubre.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Nosotros no nos mataremos con pistolas”

“Aquí”: Drama al cubo.

En la Sala Atrium de Barcelona hemos asistido a la interesante propuesta de esta obra, surgida de la plataforma artística y compañía NUQART, escrita y dirigida por Queralt Riera, en la que tres actrices en el escenario dan vida a un único personaje… cada una de ellas capta diferentes matices, la ternura de Annabel Castan, la fuerza de Patricia Mendoza, la delicadeza de Núria Tomás…

Asistimos a un relato cruel, el de una chica de Santander que va a casarse a Nueva York pero que ve su historia de amor cruelmente truncada y se encuentra perdida sin rumbo ni perspectiva; relato que es tratado como una coreografía del amor y del dolor, una historia a la vez delicada y brutal, un diálogo entre las actrices que parecen hermanas o amigas, vestidas igual…   nos cuentan la vida de la protagonista, los malos tratos sufridos de pequeña, el novio salvador, y finalmente la tragedia.  Todo a partir de imágenes simbólicas: la sangre, el tren, la estación, el novio… imagenes reforzadas con el video que se proyecta en ocasiones sobre el fondo del escenario y que subraya la atmósfera onírica.

El lenguaje visual  nos ha parecido muy cuidado, el fuerte contrapunto entre el tono entre festivo y naïf que emplean las actrices, cándidamente ataviadas con vestiditos de color azul idénticos, ese juego como de niñas traviesas que rememoran antiguas (algunas terribles) vivencias, contrasta con la desolación que como una sombra china, discurre por el fondo, creando una inquietud punzante en el público.  Tal es la fuerza expresiva y narrativa de las actrices que ni siquiera les ha sido necesario un especial diseño de escenario más allá del empleo de un fondo oscuro que complementa perfectamente el azul de sus vestidos.

Destacamos la gran labor conjunta del equipo artístico: Raül Perales en la producción ejecutiva, José Menchero en la escenografía y en el diseño de iluminación (aquí conjuntamente con Mattia Russo), Txus González en la asesoría de vestuario y caracterización, Mercè Ramírez y Maria Jesús Mulà en la fotografía, Diego Rosa en la grabación de vídeo y Núria Tomás en la edición y montaje de vídeo, NUQART en la producción y comunicación (esta plataforma artística ha sido fundada por Queralt Riera y Núria Tomás; podéis ver más información en este enlace a la web de NUQART ) y las colaboraciones en la producción de Sala Atrium y Teatre Eòlia.

La obra estará en la Sala Atrium hasta el domingo 30 de septiembre y esperamos que regrese pronto a la cartelera de Barcelona.

PROS DE LA OBRA: El original lenguaje visual, la concepción de las tres actrices dando vida a un único personaje, el tratamiento de lo femenino como lo sensible en contrapunto con la brutalidad banal del mundo.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien quiera ver experimentos alambicados o lenguajes simbólicos herméticos. La idea de la obra es transmitir sensaciones con sencillez y elegancia.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web de la obra:

Web de Sala Atrium – Información sobre “Aquí”