“Calígula”: Las razones del mal.

 

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En el Teatre Romea de Barcelona hemos asistido a uno de los platos fuertes de la temporada: una obra sólida y extraordinariamente lúcida, este Calígula de Albert Camus dirigido por Mario Gas, relato centrado en el emperador romano de ingrato recuerdo, símbolo de lo peor de esa época, la otra cara de la moneda de la civilización fundadora de la cultura occidental, que también llevó a sus extremos el poder absoluto, la asfixia financiera de sus llamados ciudadanos, las intrigas palaciegas, los espectáculos crueles… de lo que Calígula ha pasado a la historia como paradigma.

Desde el inicio nos recibe una impactante puesta en escena, con el escenario en  pronunciado desnivel y arquitéctura aséptica en contraste con el desatado frenesí al que asistiremos,  escenario que contribuye a aumentar nuestros desasosiego;  en seguida comprendemos que el Calígula (Pablo Derqui) que anhela capturar la Luna no lo hace porque desee aprehender su belleza, sino porque no tolera ninguna limitación en su poder.

A partir de esa inicial escena, contemplamos con el corazón encogido como una persona con poder absoluto sobre la vida y la muerte de sus subalternos, experimenta con ellos la contradicción que le produce saber que obra el mal y que disfruta con ello.

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Pablo Derqui está sin duda apoteósico, enorme: su interpretación capta toda la miseria moral del personaje, que no duda en crear artificiales distinciones entre quienes van a morir: los que considera más cobardes caen los primeros, pero eso no hace que ni su amigo Quereas (Borja Espinosa), ni su antigua cuidadora Cesonia (Mónica López), ni su propio hijo Escipión (Bernat Quintana) estén completamente a salvo. Resulta fascinante el juego al que somete a un dignísimo Quereas, a quien, pese a que el emperador conoce su papel director en el complot, perdona la vida desde su bañera. Tan sólo Helicón, (David Vert), esclavo liberto, acompaña a su amo hasta el final.

La aparición de este Calígula despierta el terror entre sus corifeos, ese terror servil,  a duras penas disimulado con heladas sonrisas y vacuas lisonjas; pero Calígula sólo atiende a Calígula, quien está en continuo monólogo con su poder, su capacidad de causar el mal y su decisión de hacerlo.

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El espectáculo va pasando y nos deja con el corazón encogido: humillaciones, asesinatos, abusos, el poder absoluto no tiene ninguna limitación más allá de la imaginación del soberano. Un estudio del mal en toda regla, un experimento sobre las raíces de la crueldad, sobre el bestial placer de hacer daño.

PROS DE LA OBRA: La deslumbrante interpretación de Pablo Derqui y la acertadísima puesta en escena.

CONTRAS: No apta para estómagos delicados.

Estará en el Teatre Romea hasta el próximo 10 de diciembre.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Romea – información sobre “Calígula”

Trailer de la Obra:

 

 

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LUIS BREA Y EL MIEDO – Sala Almo2bar – Barcelona (24/11/17).

Luis Brea surgió hace unos años como un fenómeno costumbrista de las calles madrileñas de Malasaña o de Alcorcón. Sus letras y estéticas audaces hicieron de él el rey del underground musical madrileño. No parecía que el camino fuera muy largo. Más tarde se transformó, formó un grupo , que se hacen llamar El Miedo, y grabaron su primer album: “Luis Brea y el Miedo”. Letras más intimistas y rock de sonido en el que destaca su enorme producción.

Su segundo album , “Usted se encuentra aquí”, confirma el excelente momento del músico y su banda. Después de hacer explotar la Joy Eslava en Madrid, llegaron en el que es su primer directo en Barcelona de esta gira. En la sala Almo2bar, Luis Brea hizo vibrar a los presentes con un sonido tan duro como trabajado y un repertorio que sólo los presentes recordaremos.

Los versos de sus canciones se cuentan por sentimientos constantes: “perder la ilusión por todo es tenerla por cualquier cosa” reza en “Tres cruces” o “el arañazo de un recuerdo escuece todo el tiempo” en “La casa del misterio”. Pero su demoladora banda no hace más que potenciar y resaltar las bonitas melodías. Es la banda española del momento que ha venido para quedarse. Un concierto inolvidable que reclama repetir en aforos donde Luis explote, esta vez de forma escandalosa, en la capital catalana. Al tiempo. Algunos salimos con los ojos húmedos de la sala.

Jordi Martínez, autor de esta crónica, junto a Luis Brea.

Setlist :

  1. El kraken
  2. Amanece
  3. Como una ola
  4. Discotecas
  5. Más de veinte
  6. Pefecto
  7. Nueva generación
  8. Berlin
  9. La casa del misterio
  10. Mil razones
  11. Tres cruces
  12. Dicen Por ahí
  13. After Crisalida
  14. El verano del incendio
  15. Baso se escribe con V
  16. Automaticamente

Jordi Martinez.

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Joana Serrat: Conexión catalanoamericana.

Parece mentira pero con el disco que queremos comentar aquí, “Dripping springs”, Joana Serrat ha llegado ya a lanzar cuatro trabajos. Y es que, como dice el tópico, el tiempo pasa rápido. Del tiempo, y de otros temas universales con los que el común de los mortales se puede sentir fácilmente identificado, nos viene a hablar la de Vic en este álbum que no hace más que volver a ratificar su gran talento para firmar canciones repletas de autenticidad y belleza. Y es que Joana lo tenía difícil para volver a hechizarnos como lo hizo con su anterior y sobresaliente “Cross the verge” (2016), un trabajo justamente aupado entre los mejores de la cosecha nacional del pasado año, pero lo cierto es que su nuevo disco no le anda a la zaga.

El álbum ha sido lanzado por el sello de la propia cantautora, Great Canyon Records, al cual le debemos también la publicación de discos de artistas como Marta Delmont o Murdoc entre otros (aunque a nivel internacional ha sido el sello británico Loose Music quien se ha encargado de su edición), y lo ha producido todo un referente del sonido Americana como es Israel Nash. Además, en él han colaborado el ingeniero de sonido Ted Young (quien ha llegado a trabajar con los mismísimos Rolling Stones), y también músicos del calibre de Joey y Aaron McClellan, John Fleishmann o Dave Simonett entre otros.

Todo ello no es óbice para que lo que resalte ante todo en este disco sea la personalidad de Joana, quien sigue moviéndose como pez en el agua entre las brumosas aguas de un folk-neocountry ensoñador, que tanto parece poder mirar a Jonny Cash como a unos Beach House acústicos.

Desde el principio, con “Wester cold win” (título más que representativo), Joana marca la pauta de un trabajo del cual no podremos desviar la atención mientras esté sonando. Con una voz templada en la emoción contenida, y una producción que es pura filigrana, la canción crece a lo largo de su recorrido y nos prepara para otros temas que nos sumergen aún más en esa tierra de nadie entre su Vic natal y una América neblinosa y mágica que quizá no exista pero en la que muchos queremos creer pese a todos los sinsabores en forma de desconcertantes noticias que muchas veces nos llegan desde el otro lado del Atlántico.

Es desde ese territorio donde fertilizan canciones como la melancólica “Keep on falling”, la intensa “Farewell”, o la más enérgica “Come Closer”. Temas en general en los que, pese a su clasicismo, Joana no tiene miedo de buscar recovecos que los alejen de un excesiva previsibilidad, llegando, en algún caso, a lidiar incluso con un cierto toque progresivo como ocurre en la dilatada “Unnamed”. Canciones, en cualquier caso, que pese a su hipnótico sonido nos hablan, como ya hemos apuntado, de temas bien humanos como el paso del tiempo, la memoria de aquello que quedó atrás y la necesidad de continuar adelante pese a todo.

Aunque este trabajo es el más americano de cuantos ha lanzado hasta ahora (no en vano está grabado en Texas), uno le diría a Joana si pudiera que en el futuro no tenga miedo de desmadrarse y robustecer aún más su sonido como nos consta que hace en ocasiones en sus maravillosos conciertos. Personalmente me gustaría escuchar una Joana Serrat puramente rockera, en una onda que la acercase a bandas como Drive By-Truckers o incluso el Neil Young más eléctrico (aunque sabemos que es una gran fan del canadiense) sin que, por supuesto, dejara de lado su propia personalidad como artista. Pero no hay de que quejarse; mientras siga entregando trabajos tan bellos como este “Dripping spring” seguiremos creyendo ciegamente en ella.

Ricard.

Os dejamos con la canción que abre el disco:

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“Paquito Forever”: Homenaje a una época.

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Ya en su libro “Nits de Barcelona”, el periodista catalán de principios del siglo pasado Josep Maria Planes glosaba la intensidad del ambiente flamenco en aquella Barcelona, contando la anécdota del viajero inglés que, llegado a Sevilla y exclamándose de no encontrar espectáculos flamencos obtuvo la sorprendente respuesta de que no era de extrañar, pues estaban todos los artistas en Barcelona…

En efecto, la Barcelona de revista y cabaret,  magníficamente evocada en el exitoso “Flor de Nit” de Dagoll Dagom estrenado en 1992 y en la que el Paquitu de la obra era este  Paco Alonso,  (Joan Lluís Bozzo, director de Flor de Nit,  es ahora precisamente el narrador de la historia),   nos es representada por medio de este musical con el bailarín como protagonista  quien,  llegado de su Andalucía natal, se dió a conocer en el Paralelo de los cincuenta aunque prefirió finalmente cruzar el charco, hasta Broadway, donde alcanzó cierta fama y reconocimiento con su gran estilo personal.

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Con el oficio propio de un gran director de teatro musical como Fran Arráez, junto a Gerard Alonso, se nos presenta en el Almeria Teatre de Barcelona este “Paquito Forever” inspirado en el bailarín y “transformista” Paco Alonso. El musical ha sido creado por ambos, con libreto de Fran Arráez, dramaturgia de Fran Arráez y Frank Capdet (de la compañía Gataro), dirección de Víctor Álvaro, música y dirección musical de Gerard Alonso, letras de Fran Arráez junto a Roser Batalla, Frank Capdet y Joan Vázquez, coreografía de Bealia Guerra y coaching vocal de Helen Rowson.

Como decimos, con narración de fondo de Joan Lluís Bozzo, éste “Paquito Forever” es interpretado por un magnífico Joan Vázquez, actor, cantante, músico y bailarín de gran talento.

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Lo que más nos ha gustado del espectáculo es la gran versatilidad de su protagonista, quien aparece ataviado de la más variada indumentaria de hombre y mujer e interpreta números musicales tanto de inspiración flamenca como cabaretera, con referencias a la vida portuaria y marinera, a la enfermedad de su madre, a su aventura americana… Versatilidad acompañada en todo momento al piano por Gerard Alonso (también por Haize Lizarazu en diversas funciones). La portentosa voz de Joan Vázquez se alza majestuosa en el escenario, con un magnetismo especial y mágico, que nos transporta hasta esos años dorados del Paralelo, hasta esa ciudad cosmopolita y abierta que ni siquiera bajo el yugo del franquismo perdió su insomne y febril actividad artística. El mundo de la revista era uno de los pocos ambientes donde la opresiva atmósfera de la dictadura se relajaba con cierta indulgencia, permitiendo una serie de números de “transformismo” y picantez que quedarían vetados en otros ámbitos y que hacían las delicias del público de la postguerra. Nombre menos conocido que otros grandes del Paralelo (como el también “transformista” argentino Johnson o Escamillo), Paco Alonso merece sin duda este homenaje que con tanta ternura se nos presenta.

La obra estará en cartel en el Almeria Teatre hasta el 26 de noviembre. Actualización: “Paquito Forever” prorroga en el Almeria Teatre todos los dominogs hasta el 7 de enero.

PROS DE LA OBRA: El gran trabajo del equipo artístico al completo da como resultado una obra impecable y muy emotiva. Sin duda la calidad de la interpretación de Joan Vázquez, con su prodigiosa voz y sus dotes de bailarín.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quienes no les guste el género musical.

Ignasi y Laura.

Web de Almeria Teatre – información sobre “Paquito Forever”

 

 

 

 

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“La pell escrita”: El valor de la elección.

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Hemos podido ver en Sala Atrium de Barcelona el mónologo “La Pell Escrita“,  cuyo autor es Manel Bonany y está dirigido por Manel Dueso e interpretado por Míriam Marcet.

Se trata de un brillante monólogo donde la protagonista evoca la peculiar e intensa relación amorosa, ya truncada, que tuvo con su “nino”.  Los vendajes que envuelven a la protagonista nos hablan de heridas,  físicas y emocionales.  La actriz encarna  magistralmente la esencia de la feminidad, de una feminidad inequívoca y militante, de una consciencia rotunda y determinada; y a pesar del canto a lo individual, a la elección personal e intransferible, la obra alude igualmente al juicio de los demás, al juicio de quienes pretenden arrogarse capacidad de decidir sobre los cuerpos ajenos. Metáfora de la metáfora, porque ese arrogado y nunca otorgado papel de juez en que se encarna la muchedumbre, es esbozado en la obra por una francachela de vándalos, bosquejados de modo particularmente sádico, brutal, descarnado…  del mismo modo que  probablemente deba de sentir sobre sí la mirada de los demás (y no solamente la mirada)  quien únicamente está facultado para querer ser: uno mismo.

Pero a pesar de las dificultades, de la necesidad de reivindicación y de lucha, por encima de todo está -enseña la obra de la mano de una prodigiosa Miriam Marcet- la propia dignidad, la convicción y lo espontáneo por encima del juicio, la censura y la imposición.

Nos ha encantado la obra porque aúna la exigencia de un monólogo con una caracterización muy particular, con una temática presentada a la vez con realismo y dulzura. Miriam Marcet mima, se recrea en el personaje, que nos es presentado como en un arrullo no exento de sobresaltos; imposible no sentirse identificados con él, porque todos en un momento u otro hemos sentido la incomprensión de nuestros semejantes, el rechazo y a veces la agresión despiadada.

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En ocasión de la temática de la obra, Sala Atrium ha organizado diversos coloquios postfunción para poder debatir determinados aspectos de ella, invitando a diversas entidades y personas representativas o activistas del colectivo trans, como acertado epílogo a la representación, para poder acercarnos a las particularidades de un colectivo muchas veces desconocido.

La pieza estará hasta el 19 de noviembre en la Atrium.

PROS DE LA OBRA: Sin duda, la delicada y convincente interpretación de Miriam Marcet.

CONTRAS:  No apta para quien le resulten desagradables las evocaciones de imagenes descarnadas y crueles.

Ignasi y Laura.

Web de la Sala Atriun – Información sobre La Pell Escrita

 

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“Yes, potser”: El futuro en el desierto.

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En el Teatre Akadèmia de Barcelona hace unos días hemos visto esta inquietante pieza de Marguerite Duras, adaptada y dirigida por Andrea Segura.

Los tres protagonistas, Alícia González Laá, Anna Casas y Txabi Grass , interactúan en un futuro apocalíptico post guerra nuclear; apenas intuímos que la guerra ha dejado a los pocos supervivientes de un ignorado mundo,  aislados y perturbados, en diferentes grados.  El pobre soldado que llega al dantesco campamento no parece capaz de articular palabra (fuera de algunas crisis en las que canta psicóticamente), mientras que las dos chicas no hilvanan frase con sentido alguna, más allá de inquietantes referencias al desierto de guerra, y a extrañas y perturbadoras imágenes que apenas recuerdan.

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Obra pues enmarcada en la estela de Beckett y su teatro del absurdo, no presenta un argumento causal, sino una metáfora de abandono, soledad e incomunicación. Interesante experimento dramático, con el actor y las actrices vestidos con sucios trajes, trasnochadas y grotescas máscaras antigás, con un aspecto sucio, desaliñado y miserable… Las vagas referencias a alucinantes batallas, campamentos, un pasado mejor que el desolador presente de distopia en el que se encuentran, todo este lenguaje deslavazado e incoherente, queda subrayado por la extraña forma de comunicarse de los personajes, que en vez de decir sí, dicen “yes”, giro idiomático que da un aire ridículo al diálogo.

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Se trata pues de un espectáculo con un mensaje existencialista: si perdemos la comunicación, si perdemos la cotidianeidad y lo habitual, si la persona se traslada a un paisaje dantesco, remoto, desolado,  si se fracasa en todo intento de entablar una conversación, un diálogo, ya no nos queda nada sino la melancolía por un tiempo pasado donde todo era alegre y feliz.

La obra estará en el Teatre Akadèmia hasta el 19 de noviembre.

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PROS DE LA OBRA:  La interpretación de los actores y actrices, que transmiten con convicción esa atmósfera desapacible, gélida, de una postguerra donde se han perdido todos los rasgos de humanidad; como lo transmiten el acertado vestuario y caracterización.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de espectáculos con argumento en el sentido clásico del término.

Ignasi y Laura.

Web del teatre Akademia-Información sobre “Yes, potser”

Os dejamos un enlace donde una de las protagonistas habla de la obra:

 

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“Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”: Nuestra pesada herencia.

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La joven compañía José y sus hermanas, formada por alumnos del Institut del Teatre, nos presenta en el  Teatre Tantarantana esta fascinante obra, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos“, que cuenta con el aval del propio Institut con el sello Talent IT que la institución concede a obras concebidas por sus alumnos a las que se juzga con suficiente calidad para acceder a los escenarios.

Con dramaturgia y dirección de Silvia Ferrando y la genial interpretación de Francesc Cuéllar, Alejandro Curiel, Marta Díez, Carme González, Carolina Manero, Gemma Polo Glòria Ribera, sin duda, esta obra, por su elevado impacto visual, ingenio y plasticidad, es una de las imprescindibles de la temporada.

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Con el hilo conductor de una supuesta trama para trasladar los cuerpos de personajes tan dispares como Francisco Franco y Federico García Lorca a fosas comunes en los aledaños del propio Institut del Teatre, la obra nos presenta diversos cuadros que pretenden trasladar al espectador algunas de las esencias españolas de la transición, desde finales de los setenta hasta nuestros días. No dejan títere con cabeza: desde los episodios más negros de la Guerra Civil y la postguerra (sobrecogedoras referencias a las desapariciones forzadas), la caricatura de las  familias pijas afectas al régimen, hasta las chonis y canis poligoneros /as, pasando por el desarrollismo, el gusto por la música y vestimenta hortera, la inmigración,  el culto al turista, la canción protesta,  todo ello presentado a base de números musicales (genial parodia de la canción “Mi querida España” de Cecilia), desnudos integrales con vertido de pintura, incluso un curioso concurso de adivinar si determinadas frases habían sido pronunciadas en dictadura o democracia…

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No nos equivoquemos: con una estética desenfadada e irónica, la tesis de la obra es más bien pesimista: España es el país europeo donde una dictadura ha durado más años, donde más desapariciones forzadas hubo,  y por tanto, la destrucción del pensamiento, de la cultura y de las libertades ha dejado un poso de alienación colectiva, una pauperización de la vida cultural y una degeneración de los valores que sigue teniendo efectos otros cuarenta años después; además muchos políticos de derechas de hoy son directamente familia de políticos franquistas.

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PROS DE LA OBRA: Su original estética y variedad de recursos, desde la danza, música, la expresión corporal y la proyección de imágenes, hasta la interpretación excelente de sus protagonistas y la labor de investigación y documentación desarrollada por la dramaturga.

CONTRAS: Tal vez una imagen de España excesivamente pesimista, como si en el país nadie leyera un libro o tuviera un mínimo de pensamiento crítico.

Por desgracia la obra sólo estará en cartel hasta este domingo 29 de octubre por lo que debéis daros prisa si queréis disfrutar con ella.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”

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