Archivo mensual: julio 2014

“El zoo de vidre”: Una obra hecha de recuerdos.

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Hace poco hemos asistido en el Teatre Goya de Barcelona  a la representación de “El zoo de vidre” (“The Glass Menagerie” en su original en inglés), del autor estadounidense Tennessee Williams, que estará en cartel hasta el próximo 3 de agosto. La traducción del texto ha estado a cargo de Emili Teixidor y la dirección teatral del consagrado Josep Maria Pou. En el  reparto, Miriam Iscla (Amanda Wingfield), Dafnis Balduz (Tom Wingfield), Meritxell Calvo (Laura Wingfield) y Peter Vives (Jim O´Connor). La ambientación de espacio ha ido a cargo de Sebastià Brosa, la iluminación de Albert Faura,  el vestuario de María Araujo, el espacio sonoro de Alex Polls, la caracterización de Toni Santos y la producción de Focus.

Estrenada en 1944, el propio autor la denominó “obra de recuerdos”. Y ellos son los que nos presenta uno de los protagonistas y a la vez narrador:  Tom Wingfield, magistralmente encarnado por Dafnis Balduz; desde un aparte del escenario, Tom rememora su época de primera juventud que vivió, junto a su hermana y su madre,  en Saint Louis, a finales de la Gran Depresión americana. La madre, Amanda Wingfield, intenta huir de las estrecheces del día a día y de la tristeza provocada por el abandono del marido, refugiándose en un pasado acomodado, dominado por los bailes, los pretendientes y lo mundano; sin embargo, todo eso hace ya tiempo que pasó y los tres Wingfield luchan ahora por llegar a fin de mes, sin un padre y marido que les sostenga, en su humilde vivienda de Sant Louis. La fijación de la madre es buscar un pretendiente a Laura, de carácter tímido e introvertido, que además arrastra una cojera congénita y se refugia en su colección de animales de cristal.  El propio Tom, empleado en un almacén, está igualmente insatisfecho y se consuela con frecuentes escapadas nocturnas.

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Muchos de los datos que aparecen en “El zoo de vidre” son autobiográficos del propio Williams: así, una madre con un comportamiento histriónico, sobreprotector y preocupada por la apariencia social, un padre ausente (el padre de Tennessee Williams era representante comercial de una empresa de calzado y viajaba mucho), o un trabajo alienante (al cumplir los veintiún años el padre hizo que Williams entrara en la empresa de calzado, ocupación que odiaba y de la que se evadía mediante la escritura); el personaje de Laura está inspirado en la propia hermana del autor, Rose, quien sufría esquizofrenia y como consecuencia de ser sometida a uno de los agresivos tratamientos de la época, quedó ingresada de por vida en una institución.

La obra nos presenta un determinado contexto histórico dominado por la crisis económica y los vientos de guerra que soplaban en Europa (Tom se refiere con admiración a la Guerra Civil española, de la que contrapone la grandiosidad de la lucha contra el fascismo con la gris existencia que lleva en el almacén), contexto que sirve de lejano escenario a las ilusiones rotas de una familia. La tristeza melancólica que impregna la obra queda subrayada por su simbolismo, frecuente en la obra de Tennessee Williams: la frágil Laura tiene como figura favorita de la colección a un delicado unicornio, ser que existe tan poco como el pretendiente que nunca llega; el traje de marinero de Tom,  que abandona también a la madre y hermana en busca de otros puertos, contrasta con la elegancia de Jim, demasiado pragmático para tanta ensoñación; Amanda, la madre, en fin, desempolva un vestido que recuerda tiempos mejores sin lograr producir más que una patética conmiseración. El amor y la familia se truncan como lo hace la figurita de cristal…

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Si Tolstoi decía que todas las familias felices se parecen y que las infelices lo son cada una a su manera, esta pequeña familia  es infeliz porque ha perdido al padre, ha perdido el bienestar económico, y, en fin, ha perdido la esperanza de volver a la sociedad por medio de un matrimonio conveniente para la hija. Es una familia rota y aislada. La llegada de Jim no representa más que una fugaz bocanada de aire que en seguida se desvanece como niebla matutina. La única solución que encuentra Tom es la fuga, pero ella no le trae el olvido, y una vida más tarde, regresa atormentado para contarnos su historia.

Excelente trabajo de los actores, que tenían ante si la difícil tarea de interpretar personalidades muy marcadas, precisamente por el simbolismo de la obra. Y lo consiguen: Miriam Iscla modela una Amanda a ratos patética, a ratos determinada y siempre herida. Dafnis Balduz está soberbio en su interpretación de un melancólico Tom, que ya no se hace ilusiones y asiste al imparable deterioro de su familia con resignación no exenta de cariño. Meritxell Calvo es una Laura cuya fragilidad, su incapacidad para enfrentarse al mundo, no le restan un ápice de bondad y delicadeza. Finalmente, Peter Vives, encarna, al modo de un  magnífico contrapunto,  al joven que aún concibe esperanzas de mejora, entusiasmado con sus clases de oratoria, que nos transmite optimismo y empuje. A pesar de su inequívoco cariño por Laura,  nunca podrá encajar en la desolada familia Wingfield.

“El zoo de vidre” es una encantadora y altamente recomendable representación. Esperamos que tras el 3 de agosto vuelva pronto a la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Goya Codorníu

Biografía de Tenesse Williams

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Jack White: El disco del verano en “Cultura y algo más”.

Si hablamos de referentes de la música popular de nuestro tiempo, no cabe duda de que el estadounidense Jack White merece aparecer en un puesto destacado. Artista de fondo, al que cuesta seguirle la pista por los múltiple proyectos en los que se embarca, tras la disolución de The White Stripes, grupo constituido por Meg White y él mismo, lo hemos visto formar parte de bandas como The Raconteurs o The Dead Weather, participar en múltiples colaboraciones como productor o arreglista, convertir su propio sello discográfico (Third man records), creado en 2001, en un lugar físico en Nashville (USA), e inaugurar una carrera en solitario con un notable primer disco, “Blunderbuss”. Ahora, dicho trabajo tiene una continuación, “Lazaretto”, que acaso sea incluso superior, y que se ha convertido en el disco del verano para quienes hacemos posible este blog.

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Como en casi toda su carrera, White utiliza en su nuevo álbum una amplia paleta de posibilidades estilísticas extraídas de los sonidos más genuinos de su país. Si la música norteamericana (la auténtica música norteamericana, esa que bebe del legado de mitos como Robert Johnson, Woody Guthrie o Hank Williams por poner algunos ejemplos), es de una extraordinaria riqueza al ser, de hecho, fruto de un continuo mestizaje casi universal, no cabe duda de que White sabe sacar un gran partido de todo ello. Así, comprobamos como en “Lazaretto” cristaliza una evolución ya intuida en la carrera de The White Stripes, que va del garaje-rock, a una “Americana” (género que aglutina en cierta forma todos los estilos de raíces de la música estadounidense como el Blues, el Folk, el Soul o el Country) imbuida de uno y mil matices.

Ya desde el primer instante con “Three women”, un Blues de estructura ortodoxa pero repleto de múltiples arreglos e ideas que lo convierten en sorprendente, nos damos cuenta de que nos hallamos ante algo especial. Con “Lazaretto”, canción extraída para presentar el álbum, nos encontramos ante uno de los temas más brillantes que seguro vamos a escuchar este año. “Temporary ground” rebaja el nivel de decibelios tras el fuerte arranque del álbum; se trata de una bella canción Country que gana y gana con las escuchas. Con el instrumental “High ball stepper”, White parece hacer un guiño a su pasado con The White Stripes. “Just one drink” es quizá uno de los temas más convencionales del disco aunque no desentona en el conjunto general. Casi sin asomo de bajón, las canciones se suceden, desde la juguetona “Alone in my home”, pasando por la creativa “Would you fight for my love?”, la bella “Entitlement”, o la ensoñadora “I think I found the Culprit”. Por su parte, el rock enérgico, lleno de nervio, de “That black bat licorice”, es otro de los momentos álgidos del disco, mientras que con la más reposada “Want and able”, el músico cierra el disco dejándonos con un inmejorable sabor de boca.

No podemos más que sacarnos el sombrero ante un artista de enorme talento que, además, ha sabido crear con inteligencia una aura cool a su alrededor que lo hace llegar a un público variado y abierto, progresivamente más amplio con el tiempo. A nosotros solo nos queda recomendaros que aprovechéis algunos momentos de este verano para escuchar este gran trabajo que es “Lazaretto”.

Ricard.

Os dejamos con el fantástico video-clip realizado para la canción del mismo título del álbum:

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“Les golfes del Maldà”: Viaje al cabaret de los 50.

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La compañía Els Pirates Teatre, que están a cargo del Círcol Maldà de Barcelona y de la que hemos hablado en anteriores entregas, se caracteriza por ofrecer, entre otras cosas, espectáculos de cabaret que hacen viajar en el tiempo al espectador, como es el caso de “Les golfes del Maldà“.

Este espectáculo musical, que se presenta como “Un cabaret exótico ambientado en los años 50”, está inspirado en musicales de aquella época y de otras (hasta los años 80) y supone una bocanada de aire fresco en el panorama estival de la cartelera barcelonesa. Canciones, coreografías, números picantes, crítica… todo aderezado con mucho humor, hacen pasar al público un velada muy divertida e inolvidable. La calidad del espectáculo es impecable, sea desde el punto de vista musical, coreográfico o interpretativo.

Los protagonistas del espectáculo son tres chicas y un chico (las Golfes: Nuria Cuyàs, Laura Pau y Lluna Pindado,  y el Golfo: Robert GonzálezXavi Duch),  la pianista (Ariadna Cabiró) y una radio que tiene vida propia y va emitiendo sus juicios respecto a los números que se van ofreciendo y la situación de aquella época (David Verdaguer en voz en off). Además, cada día irán subiendo al escenario diversos artistas invitados, que interpretarán números únicos en cada ocasión: Laura Aubert, Ricard Farré, Bernat Cot, Oscar Machancoses, Llorenç González, Mònica Barrio, Enric Cambray, la Cia. Delicatessen y Ferran Martínez Palou, entre otros.

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“Les golfes del Maldà”, creada por Els Pirates Teatre y David Verdaguer, está dirigida por Adrià Aubert, con coreografía de Anna Romaní, escenografía de Enric Romaní, vestuario de Maria Albadalejo, luz y sonido de Jorge Mur, producción de Marina Marcos, traducciones de Laura Aubert y Nuria Cuyás, con Emma Masferrer como encargada de prensa y Cristina Murillo como cover.

Este espectáculo estará en cartel hasta el lunes 28 de julio. Desde “Cultura y algo más” deseamos que tenga una larga vida.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Circol Maldà/Información sobre “Les golfes del Malda”

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Camut Band: Mágica experimentación musical.

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Hemos asistido a la representación del nuevo trabajo de la compañía Camut Band, “Sonoritats” en el Teatre Victoria de Barcelona.

Camut Band nació en 1994 de la unión de los coreógrafos y bailarines Rafael Méndez y Lluís Méndez y del percusionista Toni Español, líder del grupo de percusión y danza africana Cae MaDeila.

El primer espéctaculo que crearon, “Entre pies y manos”, donde los hermanos Méndez bailan encima de diversos tambores, fue galardonado por los premios FAD de Barcelona. Luego se fusionaron con el pianista y composistor Jordi Sabatés para crear el espectáculo “Keatoniana” (1997-1998), un homenaje al gran cineasta. En 1999, surgió “La vida es ritmo” con el bailarín y coreógrafo Guillem Alonso y el percusionista Jordi Satorra. Tuvo un gran éxito en su estreno y fue invitada al Edimburgh Festival Fringe, donde obtuvo unas excelentes críticas. En 2001, Camut Band se asoció con el productor Juan Carlos Subias, proyectándose internacionalmente y alcanzando gran reconocimiento por parte de prensa y público en New York, Toronto, New Haven, Hamburgo y Génova por “La vida es ritmo”. A finales de año incorporaron al bailarín y coreógrafo Sharon Lavi.

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En 2002 crearon una segunda compañía, Camut Band Junior, mientras hacían gira en Taiwan, Alemania, Estados Unidos, Italia, Emiratos Árabes y España. Después de actuar en el Festival di Caserta, fueron invitados por el Teatro della Tosse de Génova para crear el espectáculo “Navigazioni”, que se estrena en Nápoles y viaja por Italia. Sigue la proyección internacional de “La vida es ritmo”, pasando por Londres, Alemania, Austria y Dinamarca, culminando en Japón, donde representan a España para la Expo Aichi 2005. En este mismo año crea “Kiting Kitá. Walking with Rhytm”, que se presenta en el Edimburgh Festival Fringe y en el Festival Temporada Alta de Salt (Girona). Prosiguieron su gira internacional con “La vida es ritmo” y “Kiting Kita” por Holanda, Grecia, Londres, pasando por el Hong Kong Arts Festival y la America’s Cup. A finales de 2007 participa en “Tren de Somnis” creado por Jordi Sabatés y dirigido por Joan Font, que se representa en el TNC de Barcelona. Al año siguiente continúa la gira de “Kiting Kita” por tierras holandesas y participa en el festival MIT Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia (Orense), en el programa “Beijing 2008” de la TV Azteca México, en diversos festivales de Italia, en el Otago Festival de Nueva Zelanda y en el Adelaide Festival de Australia.

A principios de 2009, Camut Band presenta “Chac-Chac” en las Festes de Santa Eulàlia de Barcelona y participa en la primera edición de los Premis Gaudí de la Acadèmia del Cinema Català. Viajó a Bahrein con “La vida es ritmo” con mucho éxito. Hacia finales de verano crea “Camut aniversario”, con una selección de los mejores números de la compañía, que se estrena en las Festes de la Mercè de Barcelona. En el período que comprende los años 2010-2011 estrena “África Camut Barcelona” junto al grupo senegalés Djilandiang y el músico Ablaye Cissoko y estrena “La Danza de los Sentidos Sonoros” fusionando claqué con danza aérea. En 2012 Camut Band es invitada a inaugurar el festival LatinoAmericando de Milán y en 2013 estrena “All that swing” junto a la Banda de Terrassa, bajo la dirección de Xavier Casademont. En este mismo año crea “Sonoritats”, coproducido por el Mercat de les Flors, que se estrena con gran éxito en el festival Temporada Alta y en el Mercat de les Flors de Barcelona.

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“Sonoritats” nos conduce a un mundo mágico, creado por los efectos sonoros y los sonidos producidos por los pies de los bailarines mientras danzan, mediante materiales como la madera, el metal y el plástico: coreografías a capella. Esto surge tras la investigación, la búsqueda de nuevas sonoridades…

Dentro de la variedad de materiales utilizados y golpeados por los bailarines de claqué, podemos encontrar el aluminio, el hierro y el acero inoxidable, que producen sonidos que van de los graves a los muy agudos; la hierba artificial, por donde se deslizarán los bailarines para producir sonidos que se acercan al Sand Dance. Gracias a la tecnología, se pueden transformar los sonidos producidos por los bailarines.

La música en vivo y la voz también tienen un papel importante, con la representación de bellas canciones que transmiten la emoción del momento. Esta música interactúa con los sonidos virtuales.

Para hacer posible este espectáculo tan recomendable, Camut Band ha incorporado a su equipo creativo a los ya mencionados Sharon Lavi y Guillem Alonso, y al músico y cantante Jordi Grifell.

“Sonoritats” se estará representando en el Teatre Victoria de Barcelona hasta el 27 de julio. Esperamos que tenga tanto éxito como “La vida es ritme”, que superó las mil funciones y dio la vuelta al mundo.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Teatre Victoria

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ONZE.NOU.CATORZE (1714): La angustiosa caída de una ciudad sitiada.

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Hace unos días asistimos en el Convent de Sant Agustí (en el marco del Festival Grec 2014) a la impactante “ONZE.NOU.CATORZE (1714)” producida por Zitzània Teatre, que narra los sucesos acaecidos en las últimas horas del sitio de Barcelona de ese año. La obra se representó en dos únicas funciones el 17 y 18 de julio.

En la conciencia colectiva del pueblo catalán está grabada a fuego la caída de Barcelona el 11 de septiembre de 1714 frente a las tropas borbónicas dirigidas por el Duque de Berwick. Es natural que precisamente ese día pasara a la historia, porque con esa capitulación se produce la entrada definitiva, por la fuerza, de Cataluña en la estructura absolutista de la monarquía hispánica.

Para recapitular un poco, cada uno de los reinos formados en la península a raíz de la reconquista tenía personalidad e instituciones propias, notablemente las cortes de cada reino donde estaban representados los tres brazos (nobleza, clero y ciudades), cortes que intentaban denodadamente limitar el poder de los distintos soberanos, fundamentalmente a base de instituir contrapartidas a las peticiones dinerarias que el rey formulaba a los brazos. No era un sistema democrático, porque en definitiva el poder se lo repartían unas élites que conseguían su dinero en parte por medio de extorsionar a las capas más bajas de la población (los remences se llamaban así por el rescate que tenían que pagar a cambio de su libertad, aunque con la Baja Edad Media ganaron importancia los comerciantes y artesanos que se instalaron en las ciudades). En ese contexto, las grandes instituciones catalanas de autogobierno, la Diputació del General y el Consell de Cent, entraron en franca crisis ya en el siglo XVII, con la monarquía de los austrias, ya unificada para todos los territorios de la península. Las empresas militares castellanas eran un pozo sin fondo y las peticiones monetarias y de alojamiento de tropas por parte de Felipe IV y su valido, el Conde-duque de Olivares, exasperaban a las instituciones catalanas que invocaban cada vez con menor éxito sus constituciones (leyes pactadas entre el rey y las cortes).

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En este contexto, desde mediados de siglo menudearon los levantamientos (el más célebre, la Guerra dels Segadors de 1640) contra los representantes del poder real capitaneados por el virrey. Hasta tal punto exasperó la casa de Austria a Cataluña, que sus instituciones no dudaron, por decirlo de modo pintoresco, en “cambiar de rey”, jurando en 1641 fidelidad al Rey de Francia, Luis XIII. En efecto, pasado hacía largo tiempo el esplendor militar catalán, la única esperanza para esa pequeña nación era conseguir los apoyos de algún rey que se aviniera a respetar el derecho e instituciones propias. Empresa quimérica: poco había que hacer entre el Escila castellano y el Caribdis francés, monarquías que derivaban de modo abierto hacia el absolutismo (quod principet placuit legis habet vigorem, “aquello que place al príncipe tiene fuerza de ley”) y que no estaban por la labor de reconocer instituciones que se les opusieran.

Tampoco bajo la monarquía francesa se consiguió nada, -además de la partición del territorio por el Tratado de los Pirineos (1659) como consecuencia de la recuperación de Cataluña por la casa de Austria-. Los franceses apenas consideraban a Cataluña como una marca lejana, un territorio de frontera para contener a la Corona de Castilla, llevando a cabo también la soldadesca acciones deleznables contra la población.

Pero aún no habían acabado las desgracias, porque al poco de abrirse la cuestión sucesoria al morir Carlos II sin descendencia, y saberse que en el testamento se había dejado instituido como heredero a Felipe de Anjou, las Corts Catalanes, reunidas en Barcelona en 1701, le juraron fidelidad con el nombre de Felipe IV de Aragón. Éste se avino a jurar las constituciones catalanas al parecer aconsejado por su abuelo Luis XIV, lo que incluso fue celebrado por muchos como la monarquía que más había transigido en su relación con Cataluña.

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Sin embargo, una gran mayoría del pueblo estaba impregnado de un amplio sentimiento antifrancés y se decantó a favor del otro pretendiente, el archiduque Carlos de Austria. Finalmente en 1705 se pacta con Inglaterra una alianza a favor del archiduque. Las fuerzas angloaustríacas tomaron así la ciudad ese año y el archiduque juró también las constituciones.

Las tropas borbónicas, lejos de rendirse continuaron combatiendo, tomando Almansa en 1707 (que supuso la capitulación de Valencia). La relativa igualdad de fuerzas entre borbónicos (“gabachos”) e imperiales (“aguiluchos”) quedó dramáticamente truncada cuando en 1711 muere el emperador José I de Austria, siendo su heredero precisamente el archiduque. Inglaterra hizo merecida su fama de que no tiene aliados sino intereses y, dado que el heredero del trono imperial de Viena era precisamente el archiduque Carlos, evidentemente no tenía ningún entusiasmo en reeditar el Gran Imperio Hispánico del Siglo XVI, con lo que Inglaterra retiró su apoyo al archiduque.

Con el restablecido equilibrio de las potencias europeas, la suerte de los catalanes estaba echada. Aun parece que la reina Ana de Inglaterra intentó incluir en los Tratados de Utrecht-Randstatt alguna cláusula que permitiera a los catalanes mantener sus constituciones, pero ello fue rechazado por Felipe V. Ese año aciago de 1712 se retiraron las tropas inglesas, portuguesas y holandesas y al año siguiente lo hicieron las austriacas.

Así, la batalla final sobre Barcelona, capital de la región “rebelde” se presentaba desigual entre las tropas bien entrenadas del Duque de Berwick, unos 40.000 hombres formados en su mayoría por curtidos regimientos franceses contra unos 4.000 hombres procedentes en su mayoría de las milicias catalanas de los gremios (las coronelas). Al frente de las fuerzas catalanas, el General Villarroel y el conseller en cap Rafael Casanova. El resto es historia. Los borbónicos entraron en la ciudad en la fecha que da título a la obra y con los decretos de Nueva Planta suprimieron las instituciones catalanas de autogobierno, pasando a ser una mera provincia de la monarquía absolutista hispánica.

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Con el trasfondo de esos luctuosos hechos, se nos presenta el musical ONZE.NOU.CATORZE (1714) en que el protagonista, un adolescente llamado Otger, hace un salto al pasado para asistir a las últimas horas del sitio antes de la capitulación, junto a los heroicos defensores de la ciudad. Aunque conoce el trágico final de la historia, ello no le impedirá contagiarse finalmente del fervor de los milicianos y hasta enamorarse por el camino.

El marco del Convent de Sant Agustí, situado precisamente en el barrio de la Ribera de Barcelona, principal escenario del asalto final y cerca de donde está situado el museo de la batalla (El Born Centre Cultural), nos facilita el tránsito hasta ese triste episodio de nuestra historia.

La representación evoca toda esa iconografía, liturgia, tantas veces repetida a lo largo de la historia, de la ciudad que, rodeada por el enemigo, resiste impotente al cerco, luchando con el arrojo de la desesperación. Así nos es familiar la imagen de soldados que en sus improvisadas posiciones, reciben noticias cada vez más funestas de la aproximación del enemigo, y al mismo tiempo aun conciben vanas esperanzas de que alguna fuerza exterior les libere (en la obra son muchas las referencias a una intervención inglesa que nunca llegaría).

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Los autores de la obra son Victor Alexandre, Roger CònsulPere Planella. El equipo artístico es el mismo que en la aplaudida “Trifulkes de la KatalanaTribu” (que se estrenó en el TNC en 2012). La dirección corre a cargo de los mencionados Pere Planella (director) y Roger Cònsul (ayudante de dirección). El reparto, formado por un equipo de más de cuarenta personas, está encabezado por Marc Balaguer (“Polseres vermelles”), Feliu Formosa (galardonado con el Premi d’Honor de les Lletres Catalanes), Paula Sunyer, Joan Manuel Brunet, Jordi Llovet (“Aquellos días azules” – consultar nuestra reseña anterior) y Pep Cortés. En las funciones del Grec han participado más de 35 actores y actrices de la compañía GESPA del Centre Sant Pere Apòstol.

La música, de gran importancia en este espectáculo, tiene canciones originales de Toni Xuclà (música original) y Joan Vilamala (letras) y está interpretada por la pianista Marina Miralles y la cantante Aina Sánchez (que también es la narradora de la historia).

En cuanto al resto del equipo artístico, la escenografía es de Jon Berrondo, el vestuario de Montse Miralles, la iluminación de Bernat Tresserra, las pinturas digitales de Guillem H. Pongiluppi, la animación de vídeo de Eduard Asensio y Xavier Colom, el diseño gráfico de Jaume Bach, la producción ejecutiva de Aina Bujosa y el asesoramiento literario y de historia de Arnau Cònsul.

Nos encantó asistir a una obra tan sobrecogedora, al anochecer, al aire libre y en un marco monumental. Fue una bonita manera de rendir homenaje al general Villarroel, al conseller Rafael Casanova y a todos los hombres y mujeres que lucharon por proteger sus instituciones.

Deseamos que este espectáculo se vuelva a representar pronto en Barcelona. Actualmente, los municipios de Sant Cugat, Sabadell, Valls, El Vendrell, Lliçà d’Amunt y El Catllar ya están trabajando para preparar su propio estreno de la obra de cara a los meses de septiembre u octubre.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Blog de Zitzania Teatre/Información sobre Onze.Nou.CATorze (1714)

Web de Barcelona Cultura/Información sobre Onze.Nou.CATorze (1714)

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Festiu Fringe Barcelona 2014: Plataforma para los artistas al margen.

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El equipo de “Cultura y algo más” ha asistido a diversos acontecimientos de este festival que plantea, haciendo referencia a la etiqueta Fringe, dar a conocer a artistas, compañías y proyectos unitarios, que por su carácter innovador, excepcional o poco convencional no tienen cabida en los circuitos comerciales o estén al margen de los canales oficiales.

El primer festival Fringe surgió en Edimburgo en 1947, cuando diversos artistas que no habían sido invitados al Edinburgh International Festival, decidieron poner sus proyectos en práctica y actuar al margen del mencionado festival. Esta iniciativa tuvo éxito y el Edimburgh Festival Fringe se fue celebrando año tras año hasta llegar a tener la importancia que tiene ahora.

El concepto Fringe identifica también a algunos de los festivales más importantes del mundo, ubicados en ciudades como Nueva York, Chicago, Toronto, Londres, Madrid, Dublín, Praga o Singapur, entre otras. Barcelona, conocida por su amplia oferta cultural, es una ciudad idónea para coger un festival de estas características.

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El festival Festiu Fringe Barcelona 2014, gestionado por Víctor Álvaro (director artístico), Jordi Andújar (adjunto a dirección), Savina Figueras (productora) e Ingrid Marín (gestora y coordinadora), está organizado por Associació ATTO, bajo el impulso del Ajuntament de Barcelona-Districte de Gràcia, y el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, el Institut de Cultura de Barcelona, la Regidoria de Comerç i Consum y el lnstitut de Mercats de Barcelona.

También cuenta con el patrocinio de Estrella Damm y la colaboración del IED Barcelona Escola Superior de Disseny, que ha acogido diversos espectáculos y ha aportado el diseño de la nueva identidad corporativa del festival.

El Festiu Fringe Barcelona 2014 ofreció un avance de su programación el 13 de junio en las tiendas del Barrio de Gracia de Barcelona, con el evento Botigues Festives, que consistió en una degustación de diversos espectáculos del festival. En cada actuación se ofrecían vales de descuento para los asistentes. También se han realizado estas degustaciones en cuatro mercados de Gracia: el Mercat de la Llibertat, el Mercat de Lesseps, el Mercat de l’Abaceria Central y el Mercat de l’Estrella.

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El festival se inauguró oficialmente el 6 de julio, con un concierto que tuvo lugar en el Centre Artesà Tradicionàrius (CAT) y corrió a cargo del sello Amniòtic Records, con la intervención de los artistas Pau Vallvé, Maria Coma, Nico Roig y Ferran Palau. Esta firma discográfica, que surgió por iniciativa de Pau Vallvé para acoger a diversos artistas en formación, como si se tratara de un auténtico líquido amniótico, ha organizado este evento para despedirse, en un momento adecuado pues sus objetivos iniciales se han cumplido y los artistas que forman parte de ella ya han madurado y pueden volar solos. El álbum recopilatorio Amniòtic Records (2009-2014) se puede escuchar en Spotify y iTunes.

Se ofrecen una totalidad de 12 espectáculos, en espacios como los que hemos comentado, en diversos teatros como el Almeria Teatre, el Teatre Akadèmia y el Jove Teatre Regina y en espacios dispares como el lED Barcelona Escola Superior de Disseny, la Antiga Fàbrica Estrella DAMM, el Espai Jove la Fontana y la Esglèsia de Sant Joan. La programación es la siguiente:

8 y 9 de julio. “Coeurs battant comme des tambours” del Collectif LYON.05, en la Esglèsia de Sant Joan, una obra que reflexiona sobre el género femenino.

11 y 12 de julio. “Suite n.2 – Variacions d’un somni” de La Companyia, en el Teatre Akademia. Un espectáculo intenso e impactante, que ofrece la exploración del inconsciente, del lado oscuro, un viaje al mundo onírico a través de la danza.

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12 y 13 de julio. “La canción del camino viejo” de Línea de Tres, en el Almeria Teatre. Una comedia sobre un negocio familiar en crisis y las ideas que se plantean para sacarlo a flote.

14 de julio. “La Bella Tour” de La Bella Tour, en la Antiga Fàbrica Estrella Damm. Un espectáculo de circo decadente protagonizado por dos entrañables payasos.

15 y 16 de julio. “Trashèdies” de Els CarmenSunyé, en el lED Barcelona Escola Superior de Disseny. Una exposición sobre la vida, obra y muerte de Jermaine Blackwell, gran dibujante de principios del siglo XX que para muchos ha sido el padre de la novela gráfica.

18 y 19 de julio. “Ticket” de Clownic, en el Jove Teatre Regina: teatro gestual, un viaje por la historia del cine de humor, con secuencias reinterpretadas de Charles Chaplin, Marx Brothers, Buster Keaton, Laurel & HardyJacques Tati, Rowan Atkinson (Mr. Bean) y Monty Python, entre otros, con la intención de hacer reír al público constantemente.

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19 de julio. “Ñaque o de piojos y actores” de El Replà Produccions, en Almeria Teatre. Un par de actores que hablan en castellano antiguo se enfrentan a un público del siglo XXI: una reflexión sobre las fronteras del teatro y el encuentro con el espectador.

20 de julio. “Atracar a un banco con un bote de laca”, de Teatro de Cerca, en Almeria Teatre. Un atraco absurdo que nos conduce al corazón de la protagonista, una mujer desesperada.

21 y 22 de julio. “La peixera”, de Los Jimenes, en Almeria Teatre. Un viaje al mundo de las familias de clase media de los años 80.

25 de julio. “Cabaret K-Baræt”, de Espai Dual, en Almeria Teatre. Tres personajes aparecen para regalar la armonía, la expresión y la magia a la persona que tienen delante. Pero hay algo que no funciona…

26 y 27 de julio. “Obsolescence (Eros, tanatos i cants de sirena)”, de El Eje, en Espai Jove La Fontana. En el desierto de Nevada, o tal vez el de Arizona, están sucediendo cosas extrañas. “Obsolescence” es un híbrido de géneros (thriller, policiaco, western…) pero no es ninguno de ellos.

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27 de julio. “What did you expect from Mr. Spector? La veritable història de les Ramonettes”, de The Marshmallow Girls, en Almeria Teatre. Cómo tres fans de Phil Spector vieron como se hacía su sueño realidad, pero no de la manera que imaginaban.

Desde nuestro blog, celebramos la existencia de este festival y le auguramos una larga vida.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Festiu: Fringe Barcelona 2014

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“Estripar la terra”: Lo que se ha llevado la crisis.

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Hemos asistido en La Seca Espai Brossa a la representación de “Estripar la Terra”,  el delicioso primer trabajo de la recién creada compañía La Padrina, integrada por los jóvenes y emergentes actores Ricard Farré, David Marcé y Arnau Puig.  La obra, escrita y dirigida por Josep Maria Miró  (autor de “Gang Bang” -2011-, “El principi d’Arquimedes-2012-, “Fum -2013- o “Nerium Park” -2013-), estará en cartel hasta el próximo 27 de julio. El equipo contará también con la intervención de Oriol Casals (Premio BBVA al mejor actor por su trabajo en el espectáculo “El Drac d’Or“) en sustitución de David Marcé los días 11, 12 y 13 de julio).

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La obra nos muestra la relación entre dos compañeros de trabajo y el  voluntario que les ayuda, en la típica casa de cultura o centro cívico de los que abundan en cualquier ciudad catalana; con realismo y naturalidad se desgranan los conflictos latentes y declarados que se producen entre los protagonistas tras serles anunciada una reducción de personal:  ante esa angustiosa disyuntiva, comprobamos, al modo de la escuela naturalista, que la reacción de los personajes se torna egoísta y hasta cruel.

Los dos supuestos amigos no reparan en medios para conservar su empleo, y así se lanzan a una guerra soterrada e hipócrita de tretas, acusaciones, desprestigios y reproches, en una batalla en la que el chivo expiatorio acaba por ser el voluntario, que asiste a la guerra sucia desatada con una mezcla de incredulidad  y desconocimiento,  aunque a la postre nada de ello le librará del brutal linchamiento que le reservaban.

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Lo encantador del texto es que con sobriedad y cercanía evoca muchos de los grandes temas de la sociedad post crisis actual, en particular la de esos jóvenes que han asistido al desmoronamiento del espejismo de riqueza de mediados de la pasada década. Su autor nos describe con precisión cómo la  crisis que ha arrasado muchas cosas a su paso (como por desgracia, en muchas ocasiones los principios) y ha dejado una sociedad parada y paralizada,  endurecida y desencantada que ha sido abandonada a su suerte por los políticos, que no hace tanto preconizaban un esplendoroso horizonte de bienestar. Una vez derrumbado el frágil escenario de cartón piedra se impone la realidad de los chanchullos y corruptelas, de la lucha por un bien básico como el empleo, realidad de la que no se salva ni un virtuoso centro cívico… Puñaladas traicioneras, hipocresías, malas artes, acoso y discriminaciones se suceden con el contrapunto final del emocionante discurso que, una vez juzgado, y condenado, el voluntario hilvana a modo ya de epitafio.

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La obra está magníficamente ambientada: la escenografía de Enric Planas no es que reproduzca la sala de monitores de un centro cívico, es que es una de ellas, con esos cárteles que todos nosotros hemos visto en infinidad de ocasiones, esos materiales de artes plásticas que quien haya asistido a algún cau, esplai o similar sabrá reconocer con familiaridad, ese aire de espacio público afectuoso; debemos felicitar al escenógrafo por su gran trabajo.

También nos ha gustado mucho el efecto de rebobinado que han conseguido los actores para presentar al espectador saltos en el tiempo. Para ello, los actores han contado con la participación del coreógrafo y bailarín Roberto G. Alonso (director de la Cia. Roberto G. Alonso) como asesor de movimiento. Queda por tanto, felicitar al dramaturgo, a la recién creada compañía y a todos los partícipes en una obra que nos ha entusiasmado.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Teatre La Seca-Espai Brossa

2 comentarios

julio 17, 2014 · 12:20 pm