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“Bijou”: Transición y libertad.

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Tras el sorprendente estreno de “Wakefield Poole: Visiones y revisiones“, nos encontramos con la segunda pieza de la artista Celeste González, “Bijou“, inspirada en su propia vida y en el segundo largometraje de Wakefield Poole, también en la sala Hiroshima de Barcelona, donde se encuentra Celeste en residencia.

La pieza se inicia de una manera contundente a ritmo tecno, recordando a los universos de Daft Punk y del zentai japonés. Celeste se va liberando poco a poco de los flotadores que lastran sus movimientos. Luego se muestran escenas de cisnes blancos y negros con la gran bailarina rusa Maya Plisétskaya (dirigió la Compañía Nacional de Danza), gran intérprete de la famosa pieza de ballet  “La muerte del cisne”, coreografiada por Michel Forkine sobre la composición “El cisne”, que forma parte de “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns.

A partir de esta pieza y la del ballet cómico “La fille mal gardée”, Celeste sigue revisitando el ballet desde su original punto de vista, mostrando al público su transición de Mauricio a Celeste como un camino de liberación. Es en esta etapa donde se vuelve a encontrar la confluencia de la danza con el porno, incitando al público a que dé una respuesta a aquello que ve.

“Bijou”, pieza en proceso de creación, se está representando en la sala Hiroshima hasta el domingo 13 de noviembre. Esperamos poder volverla a ver pronto, así como aplaudimos a creadores como Celeste González por la valentía de las propuestas que presentan.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la sala Hiroshima /Información sobre “Bijou”

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“Wakefield Poole: Visiones y revisiones”. Más allá de la danza.

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Nos hemos quedado impresionados por esta obra que se podría definir como “conferencia-performance de danza”, pero nos quedaríamos cortos, pues nos encontramos delante de una auténtica joya escénica.

Este espectáculo, con concepto, creación e interpretación de la artista Celeste González (que hasta 2015 fue el bailarín y coreógrafo Mauricio González), surge de la experiencia y la investigación sobre la obra y la figura de Wakefield Poole, bailarín, coreógrafo y director pionero del cine erótico gay durante los años 70 y 80.

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La artista nos ofrece un estudio comparativo de la filmación del segundo acto de “El lago de los cisnes” de Chaikovski interpretada por los Ballets Rusos de Montecarlo (Poole interpretaba a Sigfrido, el protagonista, como primer bailarín) y de su ópera prima como director y obra de culto, “Boys in the sun” (1971).

A través de su visión (personal, como bailarín-coreógrafo y como espectador) y revisión (se detiene en determinados momentos, analiza con detalle) de las dos obras, podemos ver los paralelismos entre danza y porno, la gran influencia de la primera obra en la segunda y cómo transmite cada género el erotismo, la excitación y la belleza.

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Celeste González se comunica activamente con el público con un discurso lleno de encanto, humor, erudición y savoir-faire, y le transmite su energía y alegría. Este espectáculo recibió el Premi de la Crítica 2015 al mejor solo de danza. Para su proyecto, la artista recibió el apoyo de la extinta compañía de danza La Porta y del prestigioso filósofo queer, profesor y activista Paul B. Preciado.

Wakefield Poole: Visiones y revisiones” se podrá ver en la sala Hiroshima de Barcelona hasta el domingo 6 de noviembre (en el marco de la sección Hiroshima Heats, espectáculos que defienen la línea artística de la sala), pero esperamos que regrese pronto a la cartelera. En breve os hablaremos sobre una pieza en proceso de creación de la artista, “Bijou“, en torno a la segunda película de Wakefield Poole, que se estrenará en la misma sala Hiroshima del 11 al 13 de noviembre.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Hiroshima /Información sobre “Wakefield Poole: Visiones y revisiones”

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Afraid To Speak in Public: Regreso de una de las grandes bandas de la escena barcelonesa de los 90´s.

1Surgidos en paralelo a lo que vino a llamarse rock-fusión o rock-mestizo a principios de los años 90 (con bandas señeras a la cabeza del género a nivel internacional como Red Hot Chili Peppers, Faith No More, Living Colour o Fishbone), Afraid to Speak in Public fueron una formación que revolucionó la escena barcelonesa de aquella época practicando un estilo que mezclaba sin complejos hardcore, punk, funk, ska, blues e incluso jazz. Editaron tres discos muy recomendables y recordamos algunas de sus actuaciones realizadas en el añorado Garatge Club del Poble Nou en Barcelona, o en otras salas de conciertos, como autenticas descargas de adrenalina e intensidad musical que pocas veces hemos observado en bandas autóctonas. Ahora regresan tras 15 años de inactividad con un muy buen disco (“Dos minutos de odio”) que los devuelve al primer plano de la actualidad. Hemos tenido la oportunidad de realizar una entrevista a Monti, cantante y miembro fundador del grupo. Aquí tenéis el resultado:

 

¿Qué os hace decidir a volver como banda después de estos 15 años?

Fue a raíz del aniversario del cierre del Garatge Club. En el pasado ya hubo intentos de hacer una reunión, pero hasta ese momento no hubo la sintonía necesaria para ello. En 2012 nos llamaron los de Garatge y volvimos a planteárnoslo. Todos teníamos la espina clavada de acabar la historia de Afraid encima de un escenario y esta vez sí hubo la “sintonía” adecuada. Fue todo muy bien y nos planteamos seguir adelante a ver qué pasaba. Sólo Rafa, el batería, decidió no continuar.

Yo creo que un músico, para desgracia de su familia, (risas) nunca deja de serlo y nosotros estábamos destinados a encontrarnos encima de un escenario otra vez. Han pasado muchos años, pero estamos en plena forma y con ganas de decir muchas cosas y de dar mucha guerra.

Tanto la industria musical en general, como la escena barcelonesa, han cambiado mucho en el tiempo transcurrido en el que habéis estado ausentes. ¿Qué diferencias veis en ambas cosas respecto al momento en que empezasteis?

Sí, la verdad es que son muchos los cambios sufridos en el mundo de la música, y en cualquier ámbito de la vida en general. Creo que la música, la alternativa y/o independiente sobre todo, ha perdido gran parte de su romanticismo. Reina la frialdad que impone internet, la inmediatez de los medios digitales que claramente se han impuesto a los medios tradicionales de difusión, como eran la prensa escrita y las tiendas de discos. Hacen que la vida de un grupo dependa totalmente de la primera canción, del primer riff diría yo. Para grupos que proponemos una música menos digerible o masticable esto es un handicap, está claro. Pero bueno, eso no nos va ha hacer cambiar.

La música, desgraciadamente ha perdido gran parte de su valor, ya no mueve a la gente como antes. La música se ha convertido prácticamente en un click de ordenador y la culpa no es sólo del público, sino también de las bandas que han adoptado una actitud más inmovilista, menos comprometida. Ya no se busca innovar, crear, hacer buena música, solo se busca la imagen, la pose, un peinadito fashion, una barba supercuidada, cuantos más tatuajes mejor y un cantante que grite mucho. Por ejemplo, la cantidad de bandas de la nueva ola esa que llaman “metalcore” (y nos quejábamos de las etiquetas en los 90) que he escuchado y que soy incapaz de diferenciar son incontables, mismos ritmos, mismos patrones, misma voz, mismo sonido…vamos, como salido todo de la misma factoría. Cualquier grupo que haga música, por pasión, por disfrutar de ella, sin mirarse en el espejo a ver cómo le sienta la guitarra, tiene mi respeto, sea el estilo que sea… Y las hay, sobre todo en este país. Pero esos grupos que no son más que una empresa de marketing, un producto de consumo rápido creado en un casting pueden irse a tomar por c… Necesitamos autenticidad otra vez, hay que hablar mal y rajar del gobierno con dos cojones. Así era en nuestra época, así era como te identificabas con los grupos y así era como los amabas.

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Vuestro nuevo disco es muy potente. ¿Qué ha sido lo que os ha inspirado más para crearlo y cómo fue el proceso de grabación de éste?

El disco es una mezcla de temas nuevos, compuestos en el local, (a la vieja usanza vamos), y otros temas que teníamos de estos años separados. De ahí la diversidad de unos temas a otros. Cuando se separó Afraid, Mariano (Vera) y Alex (del Pozo) formaron un grupo que se llamaba Dos minutos de odio. No sólo me parecía un nombre genial, sino que el libro de George Orwell1984”, del que sale ese título es uno de mis libros de cabecera. A todos nos pareció buena idea llamar el disco así, mas teniendo en cuenta que cogimos algún tema de los que ellos compusieron para aquel grupo.

El álbum se grabó en la masía donde vive Gato, nuestro actual batería, que tiene allí un pequeño estudio. Algo de material prestado por unos amigos y Mariano a la producción hicieron el resto. Ha sido una grabación 100% do it yourself, muy acorde a los tiempos que corren. Nos hubiera gustado tener más medios para grabar, pero creo que teniendo en cuenta lo que teníamos el resultado final es más que notable. Mariano, que es técnico de sonido, ha hecho un trabajo soberbio. Lo tuvimos un poco esclavizado (risas) pero puso todo su empeño y conocimiento en ello y estamos muy satisfechos.

En los 90´s se os comparaba con bandas internacionales como Faith No More, Living Colour o Helmet entre otras. ¿Os gustaban todos estos grupos? ¿Qué música escucháis en la actualidad?

Sí, nos gustaban. Esta influencia era más visible y reconocible sobre todo al principio. Pero las verdaderas influencias de Afraid, las que marcaron un poco el camino de la banda, eran de otros grupos no tan conocidos como podían ser Assassins of God, Spazztic Blurr, Megakronkel, The Ex, Nomeansno, Today is the Day, etc. Tambien eran una gran influencia bandas tan alejadas, a priori, de nosotros, como King Crimson, Frank Zappa y buena parte del rock progresivo de los 70.

En la actualidad, no sé… Yo, por mi parte, no escucho demasiada música, y especialmente casi nada nuevo. Durante un tiempo me han gustado algunos grupos que ofrecían algo nuevo, o simplemente algo atrayente, como por ejemplo Isis, Lisabo, The Mars Volta o Mastodon, pero la mayoría han acabado torciendo el camino. El resto del grupo, no sé, no puedo hablar por ellos (risas).

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Para finalizar, cuando editasteis vuestro tercer trabajo de título homónimo “Afraid to speak in public” (1997), realizasteis una colaboración muy interesante con el artista multimedia Eloi Puig; un trabajo muy experimental que se mostró en eventos como el Grec de Barcelona, o el Gràcia Territori Sonor. ¿Podéis hablarnos de cómo valoráis esa experiencia? ¿Tenéis previsto hacer algo parecido en un futuro?

Te refieres a “Vida muerta”. Desde luego fue toda una experiencia para nosotros. Se trataba de un único tema de casi media hora apoyando toda una serie de escenas visuales enfermizas y totalmente surrealistas de Eloi Puig. Si las imágenes eran impactantes, la música era también del todo enfermiza. Ahí pudimos explayarnos y sacar nuestra faceta más experimental y ruidista, nuestro lado más oscuro y perverso y a la vez más ambiental y melódico. La cara de la gente que vino a vernos pensando que aquello iba a ser un concierto más de “Los Afraid” era en muchos casos un poema (risas). De todas maneras después del APOCALIPSIS tocábamos un concierto con los temas de siempre y así nadie se iba con ganas de suicidarse o con depresión (risas).

La verdad es que fue algo increíble. Desgraciadamente coincidió con la época en que la separación del grupo era ya prácticamente un hecho y no pudimos apenas mover aquella historia. No creo que podamos recuperar aquel espectáculo, sería algo demasiado complejo. Ni siquiera sé si tendríamos acceso a las imágenes, pero sí, a mí me gustaría algún día poder experimentar de nuevo la creación de algo como “Vida Muerta” o, por qué no, la propia “Vida Muerta”.

Nuestro agradecimiento a Yuri Vargas por las gestiones realizadas para que esta entrevista fuese posible.

Ricard.

Os dejamos con el vídeo de presentación del último disco de Afraid to Speak In Public:

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Cesc Gelabert: Nuevos caminos para la danza.

cescgelabertvo-06Hace unos días supimos que el gran bailarín y coreógrafo Cesc Gelabert (Barcelona, 1953), ha cerrado su estudio del barrio de Gracia y ha finiquitado su compañía de danza. A partir de ahora, Gelabert se centrará en espectáculos concretos, alquilando espacios y contratando bailarines en función de los trabajos que le vayan surgiendo. Que un creador de su prestigio, pionero de la danza contemporánea en Catalunya, premiado en diversas ocasiones (“Premi Nacional de dança”, Medalla de Oro al mérito en las artes escénicas,  ganador de dos Max y del “Angel Award” del Festival de Edimburgo entre otros reconocimientos) se vea obligado, en cierta forma, a colocarse en la misma posición que tenía siendo un principiante, da buena muestra de la muy frágil situación de la danza y, de hecho, de la cultura en general en nuestro país. Los motivos de ello los hemos venido citando en este espacio de forma reiterada: la reducción drástica de subvenciones, la subida del IVA, el desinterés de las instituciones, la no llegada de una ley de mecenazgo que intente equilibrar la situación, la, cada vez mayor, dificultad de conseguir patrocinios… El propio Gelabert apuntaba éstas y otras razones en distintos medios de comunicación hace unas semanas al ser preguntado sobre el porqué del motivo del cierre del espacio en el que ha estado trabajando tanto tiempo.

Con todo, Gelabert declaró también recientemente que vivía la situación sin especial nostalgia, y que entendía este final como una forma de renovarse y con la consideración de que  “hay que inventarse nuevas formas de creación adaptadas a los tiempos que corren” (fuente El Pais, edición digital 01/07/2013).

CG

Cabe elogiar el sentido positivo con el que el coreógrafo encara esta nueva etapa, y como este blog ha querido siempre contagiar ese mismo espíritu, nos centraremos ahora en una de las últimas creaciones de Gelabert. Se trata de la serie de videos, filmados con su propio I-Phone, denominada “Domenech”, nombre de la calle en la que se situaba el estudio del bailarín.  Una muy creativa forma de comunicarse con los amantes de la danza, y muy particularmente con los seguidores de su trabajo. En estos vídeos, que el coreógrafo ha ido colgando en youtube, podemos verlo realizando una serie de bailes en distintos puntos del espacio en el cual, durante 27 años, ha ido creando las coreografías para espectáculos tan reconocidos como “Belmonte”, “El jardiner” o “8421 viene regando flores…”.

Una manera pues, llena de inventiva, de encarar el inevitable duelo que supone abandonar el que ha sido para Gelabert su espacio de trabajo durante tanto tiempo. A continuación os dejamos con el primero de la serie de videos que ha colgado el bailarín. A partir de éste, se puede seguir viendo los siguientes con facilidad entrando en el correspondiente canal de youtube:

Ricard.

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Microteatro: Inventiva en tiempos de crisis.

367El tópico nos dice que las épocas de crisis son propensas a una mayor creatividad e invención por parte de las personas. Eso puede ser particularmente cierto si nos atenemos al mundo de la cultura.  Si hablamos de un ámbito concreto de las artes como es el teatro, es bien sabido que éste pasa por unas graves dificultades que han puesto al borde de la desaparición a no pocas compañías y salas pequeñas y medianas. Incluso los grandes teatros sufren las consecuencias de la crisis económica y de las políticas injustas que las autoridades públicas vienen aplicando de un tiempo a esta parte y que afectan sensiblemente a los profesionales de la cultura (bien conocidas son: subida del IVA al 21% en el precio de las entradas, drásticos recortes en subvenciones, incapacidad total para abordar una necesaria ley de mecenazgo, etc). Sin ir más lejos, una institución cultural como el Teatre Nacional de Catalunya ha tenido que reajustar buena parte de su programación y anunció recientemente el cierre por dos años de su Sala Tallers, dedicada a dar a conocer a nuevos creadores. Ante tal panorama, resulta especialmente estimulante la irrupción de lo que ha venido a llamarse “microteatro”.

El microteatro se caracteriza por ser representado en espacios, a priori, no acondicionados para realizar un espectáculo teatral. De hecho, cualquier lugar es susceptible de poder convertirse en un sitio adecuado para poder llevar a cabo actuaciones de microteatro, incluso una casa particular. En esta clase de representaciones el espacio entre actores y público se desdibuja, pudiendo haber una cierta interacción entre ellos, y dándose el caso de que el espectador pasee por el lugar donde se esté realizando el espectáculo observándolo desde distintas perspectivas o modificando a su antojo algunos elementos que pueden formar parte del escenario. Se puede dar la situación incluso de que la obra se lleve a cabo en distintos sitios de la ubicación donde nos encontremos de manera que el público realice una suerte de itinerario en el espacio contemplando cada una de las partes de que consta el espectáculo. También puede ocurrir que haya diversos actores realizando sus interpretaciones a la vez y el espectador pueda pasar de un lugar a otro en función del mayor o menor interés que tenga por aquello que está viendo, o simplemente con el ánimo de curiosear en las distintas propuestas que se estén llevando a cabo de forma paralela en ese momento. En definitiva, el microteatro busca interactuar con espacios normalmente no teatrales para conseguir una relación escénica más íntima con el espectador y con el entorno, transformando el espacio y creando un tipo de interpretación más intensa y cercana. Además, resulta especialmente interesante el hecho de que su puesta en escena sea mucho más barata de lo habitual en los espectáculos teatrales. 375 El microteatro es una experiencia que ya lleva funcionando algún tiempo en países como Argentina y que se ha puesto en práctica recientemente en espectáculos realizados en Barcelona, Madrid o Palma de Mallorca. Hace poco, tuvimos la oportunidad de ver una representación de microteatro en el festival “Temporada Alta” de Girona, realizado por la compañía Mentidera Teatre (las fotografías que podéis ver pertenecen a dicha representación). El título de la obra era “Mgogoro” y se estructuraba en forma de monólogos muy breves con distintos personajes ubicados en diferentes lugares de un espacio de uso convencional. Al parecer, esta compañía tiene intención de seguir explorando esta clase de espectáculo. También la dirección del “Temporada alta” ha anunciado que seguirá dando cabida a este tipo de actuaciones en sus próximas ediciones. Probablemente haya muchas posibilidades de ver representaciones de microteatro en distintos lugares y momentos en un futuro inmediato. En nuestro espacio seguiremos dando cuenta de esta clase de eventos; experiencias realmente intensas que no podemos más que recomendaros.

Ricard.

Para más información clica abajo:

Compañía Mentidera Teatre

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Lo mejor del 2012 (IV): Teatro y danza.

Incendis-Teatre_Romea-Oriol_Broggi_647345344_17741784_1000x667El 2012 nos ha ofrecido espectáculos de gran calidad. Para elaborar la lista hemos tenido en cuenta aspectos como la originalidad,  la calidad interpretativa o el riesgo en la puesta en escena de las propuestas. En nuestra selección hemos incluido un emotivo y desgarrador drama sobre la guerra del Líbano (“Incendis”),  una impactante visión sobre la situación catalana actual (“Pàtria”), las dolorosas y realistas confesiones de un trabajador a través de sus sesiones de psicoanálisis (“Absent”), un trepidante viaje por el mundo de los fármacos (“Drugs kept me alive”), un relato lleno de ternura y nostalgia sobre el reencuentro de unos amigos (“Litus”), la atractiva y apasionada revisión de un mito europeo (“Lulú, primera nit”), una sobrecogedora historia sobre el maltrato y sus consecuencias (“Oleanna”), el análisis de las relaciones materno-filiales a través de nuevos lenguajes del cuerpo “Mâe ( identitat, cos, herència)”, una divertidísima vuelta de tuerca a los personajes femeninos más famosos de Shakespeare (“Todas muertas”), y finalmente un intenso y bello alegato a la libertad (“Ataraxia”).

Estas obras han sido vistas en salas alternativas o pequeñas (Versus Teatre, Teatre Tantarantana, Teatre Gaudí de Barcelona, Antic Teatre), salas grandes o teatros del circuito comercial (Teatre Poliorama, Teatre Romea, Teatre Lliure) y festivales como el Grec, el Temporada Alta y Madrid en Danza.

La lista es la siguiente:

“Incendis”, de Wajdi Mouawad, dirigida por Oriol Broggi. Intérpretes: Clara Segura, Julio Manrique, Xavier Boada, Màrcia Cisteró, Claudia Font, Xavier Ricart y Xavier Ruano.

“Pàtria”, creada y dirigida por Jordi Casanovas. Intérpretes: Francesc Orella, Lluïsa Castell, Fermí Reixac, Àlex Casanovas, Rosa Vila y Marcel Borràs.

“Absent”, de Fermí Casado, dirigida por Òscar Molina e interpretada por Fermí Casado.

“Drugs Kept me Alive”, creada y dirigida per Jan Fabre e interpretada por Antony Rizzi.

“Litus”, creada y dirigida por Marta Buchaca. Intérpretes: Sara Espígul, Borja Espinosa, Josep Sobrevals, Sergi Torrecilla y David Verdaguer.

“Lulú, primera nit”, de la Cia. Roberto G. Alonso. Creada y dirigida por Roberto G. Alonso. Intérpretes: Cristina Martí, Toni Luque, Beatriz Torralvo y Roberto G. Alonso.

“Oleanna”, de David Mamet, dirigida por David Selvas e interpretada por Ramon Madaula y Carlota Olcina.

“Mâe ( identitat, cos, herència)”, creada e interpretada por Mònica Muntaner.

“Todas Muertas”, de Oscura Teatre, con texto y dirección de Abel Zamora. Intérpretes: Sergio Caballero, Vanessa Cano, Xavo Giménez, Lorena López y Nuria Herrero.

“Ataraxia”, de La Intrusa Danza. Coreografía de Virginia García. Dirigida e interpretada por Virginia García y Damián Muñoz.

A continuación podéis ver dos vídeos con imágenes de sendos de los montajes que hemos elegido entre los mejores de 2012:

“Oleanna”

“Ataraxia”

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