Archivo mensual: febrero 2014

“Yerma”: La tragedia sobre la maternidad.

Silvia Marsó, protagonista de “Yerma”, en un instante de su interpretación.

Yerma es una campesina que se ha casado por un arreglo de su padre. Juan, su marido, es un hombre entregado al trabajo y no tiene intención de tener descendencia. Yerma siente que su juventud se va desgastando sin poder colmar su deseo de maternidad, y esto le genera una gran frustración. Habla con sus amigos y les transmite su anhelo, que comienza a convertirse en una obsesión. En el pueblo se comienza a hablar sobre una posible infidelidad de Yerma, pero en realidad ella sería incapaz de irse con otro hombre que no fuera Juan, porque respeta la institución del matrimonio. Yerma acude a una conjuradora y finalmente participa en una romería para invocar su fertilidad. Pero Juan no quiere tener hijos y Yerma, desesperada, decide acabar con la vida de su marido.

Esta pieza teatral fue creada en 1924 por Federico García Lorca (1898-1936) y se estrenó en Madrid con la mítica actriz Margarita Xirgu (1888-1969) como protagonista.

Federico García Lorca y Margarita Xirgu.

Lorca concibió esta obra como un poema trágico. Yerma es la imagen de la mujer que se debate entre la libertad y la opresión, que sufre por su posible esterilidad (o la de su marido) y sus ansias de fecundidad. Es una víctima de su tiempo (principios del siglo XX), en el que la mujer debía estar en casa haciendo las labores del hogar y consagrarse a la maternidad.

Algunos de los actores de “Yerma” en un momento de la representación.

El multipremiado Miguel Narros (con una gran trayectoria que abarca desde “Antígona” de Jean Anouilh a “Réquiem por una mujer” de William Faulkner) es el director de este espectáculo, que ha incorporado la música del gran cantaor Enrique Morente (1942-2010). El estilo de Narros imprime belleza y dinamismo, dando relieve a la simbología de Lorca (por ejemplo, el agua que cae desde la parte superior del escenario, el campo seco y sombrío bajo un cielo aterrador, etc.). El reparto está muy bien escogido, con la célebre actriz Silvia Marsó como Yerma (que ofrece una brillante interpretación, muy humana y llena de matices), el reputado actor Pep Molina como Juan (en uno de sus mejores papeles hasta la fecha), Chema Muñoz, María Álvarez, Alba Alonso, Soleá Morente (que interpreta con gran talento la romería creada por su padre), Roser Pujol, Carmen Navarro, Asunción Díaz Alcuaz, Teresa Alonso, Laura Hernando, Lucía Espín, Emilio Gómez y Antonio Escribano.

Imagen de uno de los momentos más intensos en la puesta en escena de la obra.

Desde “Cultura y algo más” os recomendamos este espectáculo coproducido por Producciones Faraute y el Centro Dramático Nacional (CDN), en cartel en el Teatre Tívoli de Barcelona hasta el domingo 2 de marzo.

Laura.

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“El lobo de Wall Street” Vs. “La gran estafa americana”.

El_lobo_de_Wall_Street-CartelTodavía se pueden ver en muchos cines de nuestro país dos películas estrenadas casi al unísono y que tienen mucho en común, hasta el punto que se pueden considerar, en cierta forma, complementarias.  Se trata de “El lobo de Wall Street” de Martin Scorsese  y “La gran estafa americana”, del también norteamericano David O. Rusell, ambos films ganadores de diversos galardones y candidatos en diversas categorías en los inminentes premios Oscar.

Los dos títulos están basados en hechos acontecidos realmente, se circunscriben a un periodo histórico similar (algo más alargado en el tiempo en el caso de “El lobo de Wall Street”), y centran su atención en unos personajes unidos por unas características comunes: la ambición y el engaño como forma para conseguir sus objetivos. Pero hay matices que conviene resaltar.

En el primer film, el protagonista se erige prácticamente como amo y señor único de la función en lo que podemos calificar de auténtico tour de forcé del actor que lo encarna, un histriónico Leonardo di Caprio que convierte al Al Pacino de “El precio del poder” en un ejemplo de contención interpretativa. Por el contrario, “La gran estafa americana” es una película coral, donde las relaciones entre los distintos personajes tienen mucha más importancia, y en la que los actores se muestran mucho más comedidos (especialmente brillantes en sus papeles el siempre solvente Christian Bale y la cada vez más demandada Amy Adams). En “El lobo de Wall Street” la desmesura de su protagonista parece apropiarse de la película misma que alcanza las tres horas de duración, mientras que en el segundo título comentado, las algo más de dos horas de su metraje resultan, a priori, más llevaderas para el espectador. Además, se puede decir que en la película de Scorsese el tono de comedia es casi constante, mientras que el film de O. Rusell mantiene un cierto equilibrio entre dramatismo y comicidad.

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Fotograma de “El lobo de Wall Street”

Con todo lo dicho, podríamos decantarnos por “La gran estafa americana” antes que por “El lobo de wall street”. Sin embargo, hay un punto en el que la balanza se inclina a favor de esta última. Y es que, si bien el film está lejos de ser una obra maestra, sí es propio de un maestro del cine. Scorsese es un director tan sobrado de recursos e ideas, tan increíblemente enérgico (pasados sus 70 años), tan capaz en todos los sentidos, que, aún y considerando su película como irregular, logra deslumbrarnos en no pocos momentos durante su visionado. En cambio, O. Rusell, hijo putativo del propio Scorsese, no pasa de ser un buen artesano con cierta habilidad para imitar (algo que no diremos que sea especialmente fácil) a su indudable referente, pero que no llega a alcanzar sus cotas de genialidad. Más en concreto, en “La gran estafa americana” tenemos la sensación de que nos encontramos ante un film de fabricación industrial, una película de fórmula, donde todo está muy en su sitio para que funcione a los distintos niveles que pretende: éxito en taquilla, buenas críticas en festivales y medios de comunicación, nominaciones y premios en certámenes como los Globos de Oro o los Oscar… Pero al medir tanto todo, O. Rusell coloca su film en ese punto donde asoma el hocico aquello que solemos calificar en el arte como “mediocre”.

La-gran-estafa-americana-critica-cartelEn “El lobo de Wall Street”, Scorsese tenía como intención sumergir al espectador en el modus vivendi de su protagonista, de forma que fuésemos testigos del auge y caída de un individuo por el cual costaría mucho, en un film de perfil más dramático, sentir un mínimo de simpatía. Por ese motivo, y tal y como ya hemos apuntado, el director italoamericano prefirió otorgar un tono de comedia a su película, algo que, en algunos instantes, hace que nos sintamos desconcertados, sobre todo en esas escenas donde vemos el efecto sobre terceros que tiene la conducta increíblemente pueril e irresponsable del protagonista interpretado por Di Caprio. Tampoco ayuda en nada la ya comentada extensión del metraje que hace que la fatiga pueda acudir fácilmente a quienes vean el film. Fatiga no tanto por el irreprochable aspecto técnico de la película, sino por “aguantar” al omnipresente personaje central, haciendo que su continua visibilidad se vuelva en contra de esa intentona del director de crear cierta conexión entre el protagonista y el espectador. Pero con todo lo dicho, “El lobo de Wall Street” tiene escenas que sencillamente asombran (confieso sentir cierto estremecimiento al recordar el momento del almuerzo entre el personaje de Di Caprio y el que encarna un sencillamente monumental Matthew McConaughey). En “La gran estafa americana” en cambio, todo es mucho más plano. Pese al buen nivel mostrado por sus actores, no hay momentos en los que el film consiga elevarse, e incluso se tiene una sensación, en algunos tramos de la película, de cierto aburrimiento, algo que quizá también se hubiera evitado recortando un poco el metraje y puliendo además un guión que resulta un tanto espeso.

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Fotograma de “La gran estafa americana”

Por todo lo dicho, tendemos a decantarnos por “El lobo de Wall Street” antes que por “La gran estafa americana”. Pero ambos films son hijos de su tiempo, de estos momentos de fuertes tensiones socioeconómicas y políticas en los que, inevitablemente, el arte y la cultura en general, y el cine en particular, tienden a hacerse preguntas sobre el cómo hemos llegado al instante de crisis global en el que nos encontramos. Es en este sentido que consideramos que el visionado de las dos películas aquí comentadas es poco menos que imprescindible.

Ricard.

Os dejamos con los tráiler de las dos películas:

El lobo de Wall Street (V.O.)

La gran estafa americana (V.O.)

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“El Darrer Triangle”: Viaje a través del universo Brossa.

Como ya comentamos en una de nuestras anteriores entregas, el Círcol Maldà de Barcelona está gestionado por la compañía Els Pirates Teatre. La semana pasada pudimos asistir a uno de sus espectáculos emblemáticos, “El Darrer Triangle”.

Esta obra nos ofrece un recorrido a través de la obra de Joan Brossa, el gran poeta, dramaturgo y artista plástico catalán, que fue un gran referente del arte de la segunda mitad del siglo XX.

Els Pirates Teatre saben imprimir su estilo en un espectáculo de cabaret literario y visual hecho con mucho humor que combina poesía, clown, música, striptease, cine mudo, transformismo, acción social… un viaje que transporta al público a otra época, a otro mundo. El programa incluye diversas piezas emblemáticas del autor, como “Un home reparteix fulls clandestins”, “Rifada al balneari de Canopus”, “Farce et attrape”, “Concert irregular”, “Suite bufa” o “El darrer triangle”, pieza que da nombre al espectáculo y que es un striptease muy peculiar, porque Brossa busca restituir el concepto de desnudo, denunciar su mediatización desde la moral social o las estructuras de poder, dándole una definición más ligada a las raíces ancestrales que tiene.

La dirección y la dramaturgia van a cargo de Audrià Aubert, como en “Sing song swing”. Su estilo imprime frescura, vitalidad y fluidez, además de armonizar muy bien con los intérpretes: Laura Aubert, Bernat Cot, Núria Cuyàs y Laura Pau, cuyos trabajos son impecables. En definitiva, una obra muy entretenida, amena y mágica que acerca el universo Brossa al espectador.

Este espectáculo se representa en el Círcol Maldà el 17 de febrero, es uno de los espectáculos estrella de la compañía, que también creó “Teatre de carrer” de Joan Brossa, y próximamente tendremos más información sobre la gira.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Els Pirates Teatre

Web de el Circol Maldà

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Les Antonietes: Otra vuelta de tuerca a los clásicos (I).

Les Antonietes es una joven compañía de teatro catalana que ha dado que hablar mucho últimamente. Hasta el momento nos ha ofrecido, entre otras, versiones de clásicos como William Shakespeare (“Molt soroll per no res”), Henrik Ibsen (“Stockmann”), Ferdinand Bruckner (“El mal de la joventut”), y ahora nos ofrece este “Vània”, una visión del texto de Antón Chéjov muy original, emotiva y que deja huella en el espectador.

Tras el éxito de “Stockmann”, una adaptación libre de “Un enemic del poble” de Ibsen, en la que se destaca la figura del Dr. Stockmann y su defensa de la verdad, la dignidad y la libertad, Les Antonietes revisita a Chéjov con esta gran adaptación de Oriol Tarrasón, director de la compañía (y también actor de renombre), que está brillantemente interpretada por Pep Ambròs,  Bernat Quintana, Annabel Castan, Mireia Illamola y Arnau Puig, que además formaron el elenco de “Stockmann”.

Nos hallamos ante un Vània que se encuentra totalmente desanimado, desorientado, desubicado… porque ha sacrificado su vida por su cuñado, el Profesor Serebriàkov, junto con su sobrina, Sònia (hija del Profesor).

Vània y Sònia han estado cuidando del Profesor y de su hacienda, situada en lugar incierto de Rusia, junto a Teleguin, un terrateniente arruinado. Una vez al mes reciben la visita del Doctor Àstrov, amante de la naturaleza y sobre todo de los bosques que les rodean… Un día llegan a la residencia el Profesor, enfermo de gota y fracasado, y Ielena, su segunda mujer, que deslumbra a todos por su belleza, en contraste con la fealdad (física, que no interior) de Sònia. Nos encontramos con una cadena de amores incomprendidos: Sonia está enamorada de Àstrov, pero éste la ignora y a su vez se siente fuertemente atraído por Ielena, que no le hace caso. A partir de la llegada del Profesor y de su esposa, los personajes entran en un período de tedio, desasosiego y desidia que les hace dar vueltas sobre sí mismos y agonizar anímicamente en medio de un mundo decadente, de una vida que ha perdido el sentido…

Pero se desencadenan una serie de hechos que hacen reaccionar a los personajes. Y también causarán la misma sensación en el público… porque nos encontramos en una sociedad inmersa en la crisis, que necesita estímulos, fuerza, toma de decisiones, para que se pueda cambiar.

Desde “Cultura y algo más”, os recomendamos esta fantástica versión del texto clásico ruso que os dará mucho que pensar. La obra estará en cartel en el Círcol Maldà de Barcelona hasta el 22 de febrero, después de su paso por el Teatre Lliure, y deseamos que tenga una larga vida.

Os dejamos con estas palabras del genio ruso:

“Todo lo que quise  fue decir a la gente: mírense a ustedes mismos y vean que malas y monótonas son sus vidas. Lo importante es que la gente se dé cuenta de ello, porque entonces seguramente crearán para ellos mismos una vida distinta y mejor… y mientras esa vida diferente no exista, seguiré diciendo a la gente  una y otra vez: por favor comprendan que su vida es mala y monótona.”

-Antón Chéjov-

Laura.

Para más información clica abajo:

Tráiler oficial de Vània

Web de Les Antonietes

Web de Circol Maldà

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“Harket [protocolo]”: El futuro ya está aquí.

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Cristina Harket lleva dos años encerrada en un búnker. Se presentó como voluntaria para probar un experimento que consistía en quedarse encerrada durante un mes en un pequeño recinto gestionado por MAP#2, un sistema de control inteligente que vela por la supervivencia del ser humano, protegiéndolo de la amenaza exterior. Pero ocurre un error y Cristina ya lleva más de año y medio allí…

Cristina habla constantemente con MAP#2 y lo alimenta con su energía, generada por una serie de rutinas físicas, mentales y emocionales que están pensadas para que ella no pierda su salud y su equilibrio. Pero Cristina, después de tanto tiempo de reclusión, está llegando al límite y desea salir al exterior.

Harket [protocolo]” es una obra multidisciplinar que presenta como primicia el uso del  videomapping en 3D, que crea un efecto futurista: el escenario se va modificando con un solo clic.  La compañía PanicMap, cuyo primer proyecto es esta obra, tiene como misión crear espectáculos en que arte y tecnología interactúen para encontrar nuevos lenguajes escénicos; la obra también es un proyecto transmedia donde el público puede intervenir como partícipe del proceso creativo o hablando de su experiencia en la red a través de blogs y redes sociales antes y después del espectáculo.

“Harket [protocolo]” está creada y dirigida por Juan Pablo Mendiola e interpretada y coreografiada por Cristina Fernández. Es una obra de ciencia ficción (con alusiones a grandes maestros del género, como Philip K. Dick y Arthur C. Clarke) que nos habla de la confianza y de la traición. De la necesidad de estar vinculados con alguien, aunque no sea humano. La interpretación de Cristina Fernández es tan apasionada e intensa y los efectos audiovisuales tan impactantes, que provocan en el espectador una sensación de claustrofobia, de sentirse también encerrado en ese búnker postmoderno.

Tráiler de “Harket [protocolo]

“Harket [protocolo]” está efectuando una gira con la Xarxa Alcover por la Comunidad Valenciana, Cataluña y Baleares y ha participado en diversos festivales como son la Fira de Tàrrega, la Mostra de Teatre d’Alcoi, el Festival Escena Abierta de Burgos y Danza Xixón, con un gran éxito de crítica y público. El espectáculo se encuentra en cartel actualmente en La Seca – Espai Brossa de Barcelona hasta el 16 de febrero y en el mes de mayo estará presente en el Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC).

Actualización: “Harket [protocolo]”, tras ganar los Premios BBVA 2014 a Mejor Actriz y Mejor Espectáculo y realizar una extensa gira, se podrá ver en el Teatre de La Plaça de Silla el 7 de noviembre de 2015.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de PanicMap

Web del Teatre la Seca

Web de Silla Cultural

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Oscar Molina: Pasión por el teatro (IV).

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Nos encontramos nuevamente con este actor y director en ocasión de “El Drac d’Or” de Roland Schimmelpfennig, que se encuentra en cartel hasta el domingo 16 de febrero en el Teatre Akadèmia de Barcelona, con dirección de Moisès Maicas y la intervención del propio Oscar Molina, Mingo Ràfols, Oriol Casals, Bàrbara Roig y Clara del Ruste como interpretes. La producción es de Teatre Invisible, compañía residente del Teatre Akadèmia, y la producción ejecutiva, dirección técnica y distribución del espectáculo, de Factea Produccions.

Oscar Molina ha enlazado la dirección de “Estimat mentider” de Jerome Kilty en el Teatre Gaudí de Barcelona (obra de la que os hemos hablado en una entrada anterior) con la intervención como actor en “El Drac d’Or”. Este texto de Schimmelpfennig traducido al catalán con acierto por Anna Soler Horta, con múltiples aristas y juegos que se plantean a los actores y al espectador, supone para él un reto que supera con creces con una interpretación muy emotiva, divertida y dramática a la vez.

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El argumento gira en torno a un restaurante chino-vietnamita de comida rápida en una gran ciudad del mundo globalizado, a las personas que trabajan en él y a algunos de los vecinos del edificio. Los personajes femeninos están interpretados por hombres, los masculinos por mujeres, los adultos por jóvenes y los jóvenes por adultos. Hay elementos de fantasía y surrealismo como una versión de la fábula de la cigarra y la hormiga de La Fontaine, una familia que habla con su hijo de una manera muy especial, un diente que acaba en un plato de sopa, y otros muy reales y actuales, como unos cocineros que trabajan hacinados, una joven explotada sexualmente, una pareja que pierde la magia, un hombre que no acepta su vejez…  y entre ellos, como hilo conductor, una azafata que se siente desubicada tras un extraño hallazgo. En definitiva, una obra altamente recomendable.

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Roland Schimmelpfennig (Gotinga, 1967) es un autor y director teatral de referencia en la escena teatral europea. Estudió dirección teatral en la Otto Falckenberg Schule de Munich y en su haber tiene obras premiadas como “Fisch um Fisch“, “Push up 1-3“,”Besuch bei dem Vater“, “Für eine bessere Welt” y la mencionada “El Drac d’Or” (“Der goldene Drache“: premio del Festival Mülheimer Theatertage 2010 y obra teatral ganadora de la revista Theater Heute).

Próximamente, desde “Cultura y algo más”, os informaremos sobre los nuevos proyectos de Oscar Molina.

“El Drac d’Or” vuelve al Teatre Akadèmia del 8 al 30 de noviembre de 2014.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Akademia

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R.E.M.: 25 aniversario de “Green”.

Siguiendo la línea iniciada con “OK Computer” de Radiohead y “Berlin” de Lou Reed, damos cuenta ahora del aniversario de la publicación (25 años) de otro disco que se puede considerar ya un clásico de la música popular, y que, con motivo de la efeméride, acaba de ser reeditado en un formato de caja de lujo con diversos extras. Se trata de “Green” de R.E.M.

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“Green”, publicado en 1988, fue el sexto larga duración en la carrera de la banda formada a principios de los años 80 en la ciudad de Athens, en el estado de Georgia, Estados Unidos. Los cuatro componentes del grupo, Michael Stipe (cantante), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería), habían conseguido un notable éxito con su anterior álbum, el magnífico “Document”, donde destacaban sencillos como “The one I love” o “It´s the end of the world as we know it (and I feel fine)”. “Document” supuso un punto y aparte para R.E.M. no solo por sus buenas ventas, si no por ser el trabajo con el que finiquitaban su pertenencia a un sello independiente, IRS. La banda había formado parte de esa suerte de movimiento que algunos bautizaron como “nuevo rock americano” que englobaba grupos como Dream Syndicate, Violent Femmes, Green on Red o The Long Ryders entre otros. En unos años en que los sintetizadores, las producciones sobrecargadas y el pop más vacío e inofensivo triunfaban en las listas de éxito, todas estas bandas apostaron por dar prioridad al sonido de guitarras, y a producciones más orgánicas y naturales. Pero de todos los nombres mencionados, tan solo R.E.M. tuvieron un nivel de progresión artístico y comercial que parecía no tener techo álbum tras álbum, hasta el punto de que, traspasada la década de los 90, su popularidad llegaría a alcanzar niveles planetarios como nadie hubiese podido imaginar cuando publicaron su primer trabajo, el E.P. “Chronic Town”, en 1982.

Sin embargo, el disco que supuso en cierta forma el tránsito entre el rock independiente y la entrada de lleno en la liga de grupos de estadio que en aquellos años lideraba la banda irlandesa U2, fue “Green”, primer álbum de R.E.M. editado por un sello multinacional, Warner, que hizo aumentar sensiblemente, sobre todo en Estados Unidos y Reino Unido, la popularidad del grupo. Paralelamente, el éxito del disco supuso un espaldarazo para otras bandas (como podrían ser Sonic Youth, The Pixies o Jane´s Addiction, por citar algunos nombres) que en aquella época y en años posteriores irrumpirían con fuerza en el panorama de la música popular, y que conformarían el precedente directo del rock alternativo y el grunge que triunfarían a principios de la década de los 90 con formaciones como Nirvana a la cabeza.

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R.E.M. etapa 80´s.

Con todo, “Green” era un trabajo que seguía manteniendo las líneas maestras que formaban parte del trabajo de la banda durante su trayectoria hasta ese momento: potentes guitarras mezcladas con un gran sentido melódico reforzado por la personal voz del carismático Michael Stipe, quien otorgaba además a las letras de las canciones un plus de distinción poética poco habitual en el  pop y el rock de aquellos momentos.

Uno de los grandes aciertos de “Green” es que, siendo un trabajo muy variado, las canciones encajan entre ellas como si de piezas de un delicado engranaje se tratara, de tal forma que el resultado en su conjunto es de una conseguida uniformidad, algo no reñido con la sensación de frescura que sigue experimentando el oyente tantos años después de la primera edición del disco. En buena parte, esto es mérito del productor del álbum, Scott Litt, habitual colaborador de la banda.

“Green” se inicia con “Pop song 89”, una canción que fue, en realidad, el último single escogido del disco, y que, con su sinuoso riff de guitarra, hace entrar al oyente en el álbum de manera directa y efectiva. “Get up” continua por la misma senda enérgica incorporando magníficas harmonías vocales que nos hacen pensar por momentos en The Beach Boys. En “You are the everything”, el grupo parece inspirarse en la faceta más acústica de unos Led Zeppelin, pero otorgándole una personalidad propia a la canción a la que seguramente no es ajena la procedencia sureña de la formación. “Stand”, siguiente corte del álbum, fue escogido como primer single de éste; se trata de un tema luminoso de melodía irresistible, pura felicidad contenida en poco más de tres minutos. Por el contrario, “World leader pretend”, donde afloran las preocupaciones socio-políticas de Michael Stipe aunque encriptadas en una letra llena de lirismo, tiene un tono mucho más sombrío. Se trata de una canción que incorpora instrumentos de cuerda y piano y que, en opinión de quien firma este texto, se encuentra entre las 4 o 5 mejores composiciones de la carrera del grupo. “The wrong child” sigue la línea acústica iniciada en “You are the everything”, pero añadiendo en primer plano el sonido de unas mandolinas que puede considerarse un anticipo de otros temas que serían publicados en siguientes trabajos. Se trata, en cualquier caso, de otra bellísima canción de complicadas harmonías y muy difícil ejecución.

La cara B del disco (en su versión en vinilo) se inicia con “Orange crush”, tema de afiladas guitarras que también fue single y que nos retrotrae a los primeros trabajos de los ya mencionados U2. Le sigue la muy rockera “Turn you inside out”, una intensa canción de memorable in crescendo y tintes psicodélicos con la presencia de órgano Hammond. “Hair hirt” es quizá el corte más discreto de la colección; sin ser desdeñable, su textura acústica palidece ante los grandes logros que son “You are the everything” y “The wrong child”. Por su parte, “I remember california” es un tema de rock ralentizado y algo oscuro con un implícito mensaje ecologista (algo que revolotea conceptualmente por todo el álbum, empezando por su título). Finalmente, el disco se cierra con “11th”, en realidad, canción sin título que vuelve al pop-rock de estructura clásica.

Cabe destacar los video-clips que el grupo grabó para cada uno de los singles del disco y que forman parte de una imaginería artística que es también una de las grandes señas de identidad de la formación, sobre todo durante el periodo que abarca los años 80 y principios de los 90 (no en vano, la portada de “Green” fue realizada por el pintor Jon McCafferty). Podéis verlos en esta entrada de nuestro espacio.

En la nueva edición de “Green” se incluye el álbum remasterizado, además de un segundo disco con un directo inédito grabado en noviembre de 1989 en Greensboro (Carolina del Norte). También se han añadido un poster y diversas postales con imágenes de los miembros del grupo durante la época en que se editó y promocionó el trabajo.

Os invitamos a que disfrutéis, por primera vez o de nuevo, de este disco por el que no parece que pasen los años.

Ricard.

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