Archivo mensual: abril 2014

“El coloquio de los perros”: Juglaresco homenaje a Cervantes.

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El equipo de “Cultura y algo más” ha asistido a la representación previa de la obra de la compañía Els Joglars,  “El coloquio de los perros”, que se representa en el Teatre Poliorama de Barcelona hasta el 18 de mayo, en adaptación libre de Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramon Fontserè de una de las llamadas “Novelas Ejemplares” que Cervantes publicó a caballo de los siglos XVI y XVII, titulada originariamente  “Novela y Coloquio que pasó entre Cipión y Berganza”, perros del Hospital de la Resurrección en la ciudad de Valladolid, fuera de la puerta del campo, a quien comúnmente llaman “los perros de Mahudes”.

La cándida perrita Berganza, -encarnada por la actriz Pilar Saenz, que formó parte de Els Joglars desde 1987 hasta 1997 y que ha participado en obras de La Fura dels Baus, en una adaptación alemana de Dimiter Gottchef de “El Quijote” y en algunas series de televisión como la conocida “Nissaga de poder”-, decide un día contarle al avisado también can Cipión, -papel desempeñado por el director de la compañía, Ramon Fontserè, vinculado a Els Joglars desde 1983 y Premio Nacional de Teatro por “Daaalí , Premio de la Crítica de Barcelona por “Ubú President y Premio Max de interpretación masculina por “La increíble historia del Dr.Floit & Mr. Pla”-, sus experiencias con distintos amos, en un discurso fluido y entretenido con un trasfondo acre.

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Berganza se nos presenta como el clásico protagonista de la novela picaresca, el inocente escarmentado, viajando de un lugar a otro bajo distintos amos de quienes pocas cosas buenas recibe, a modo de un Lazarillo de Tormes cánido.

Cipión aparece como la bondadosa voz de la sabiduría, que intenta racionalizar las difíciles experiencias de su amigo.

Al modo cervantino, la obra presenta la contradicción entre unos perros demasiado humanos y de unas personas demasiado bestias.

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La brillante interpretación de Saenz y Fontserè le da mucha verosimilitud a la obra. Los actores consiguen con maestría asociar una caracterización cómica a un discurso agridulce, una disertación sobre la, en demasiadas ocasiones, mezquina y estrecha condición humana, ya encarnada en unos cervantinos pastores o en unos juglarescos animalistas que no logran salvar el espíritu ya mancillado de Berganza y Cipión.

La adaptación de la novela cervantina en clave de Els Joglars resulta por tanto de lo más natural, porque si algo caracteriza a esta compañía es, como a Cervantes, su disconformidad con lo establecido, su cuestionamiento de lo correcto y en fin su espíritu juguetón y crítico.

Desde este blog saludamos la vuelta dels Joglars a Barcelona y les deseamos que cosechen muchos éxitos.

Ignasi y Laura.

Os dejamos con el Tráiler de “El coloquio de los perros”:

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Poliorama

Web de Joglars

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“El Gran Hotel Budapest”: El mundo literario de Stefan Zweig se traslada al cine.

1Desde hace varias semanas se puede ver en las salas de cine la película “El Gran Hotel Budapest” del director norteamericano Wes Anderson, realizador responsable de un puñado de títulos, estrenados en las dos últimas décadas, tan reverenciados en algunas ocasiones como repudiados en otras. Ni tanto ni tan calvo, Anderson es probablemente uno de los directores más personales que haya dado el cine reciente; un autor con todas las de la ley que, por momentos, puede resultar artificioso en exceso, pero que siempre acaba demostrando estar varios pasos por delante que la mayoría de sus colegas realizadores de la misma generación si de creatividad e ideas se trata.

La película antes mencionada, una de las mejores, en nuestra opinión, que ha hecho hasta ahora, resulta un buen ejemplo de ello: originales planteamientos de puesta en escena, sabia utilización de la cámara con distintos formatos de proyección que no resultan en ningún caso gratuitos, una coherente utilización de la voz en off con ínfulas metaargumentales (la historia dentro de la historia dentro de la historia)… Todo ello unido a un reparto, como es habitual en el cine del director, extenso y atractivo, conforman una película de una comicidad a ratos melancólica (otra de las improntas de Anderson), que se ve en lo que a nosotros nos pareció apenas un suspiro.

De todas formas, si nos hemos decidido a escribir esta entrada en nuestro espacio no es tanto por la película en sí (aunque la recomendemos) como por el hecho que ésta esté inspirada en parte en un escritor que, siendo relativamente popular, siempre resulta reivindicable como es Stefan Zweig (Viena, 28 de noviembre de 1881-Petrópolis, 22 de febrero de 1942). Y es que una de las cosas más interesantes de “El Gran Hotel Budapest”, puede que la que más, es la traslación en imágenes, tanto en su fondo como (sobre todo) en su forma, del mundo literario del autor austríaco.

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Ralph Fiennes en un fotograma de “El gran hotel Budapest”.

El film no se basa directamente en una novela o relato concreto de Zweig, aunque en los títulos de crédito se citen varias de sus obras como fuente de inspiración. Lo que Wes Anderson hace es generar una cierta atmósfera que puede resultar familiar a los lectores del escritor vienés, así como estructurar la historia de la película de una forma similar a como solía hacerlo el autor en sus trabajos. De esta manera vemos como el narrador de los hechos (un sosias del propio Zweig), encarnado en sus años de juventud por Jude Law y ya mayor por Tom Wilkinson, tropieza casi por azar con ciertos acontecimientos que, en tanto que escritor, tiene la necesidad de contarnos. Tal y como sucede en las obras de Zweig, la narración de dichos acontecimientos supone tanto un motivo para la auto reflexión del propio personaje-autor como, por extensión, una invitación a que el lector (o en este caso el espectador) realice consideraciones sobre sí mismo a partir de aquello de lo que va a ser testimonio.

También, como ocurría en el caso de las historias de Zweig, hay en “El Gran Hotel Budapest” una cierta visión de la Europa de entreguerras, recreada, necesariamente, a partir de los recuerdos de los personajes, con una imaginería que oscila entre lo ensoñador y lo hiperrealista. Así, se nos muestra una época donde la utopía de una Europa unida se hundía frente a la barbarie de los incipientes totalitarismos cuya devastadora influencia bien conocemos y que llevaron al mismo Zweig (recordemos que era judío) primero al exilio a Brasil huyendo de la persecución nazi (Hitler había prohibido sus libros) y, finalmente, a suicidarse junto a su mujer cuando la Segunda Guerra Mundial se encontraba en su máximo apogeo.

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Una imagen del escritor Stefan Zweig.

Con todo, Wes Anderson otorga su propia y fuerte personalidad a la película, en parte mediante la ya mencionada creatividad de su puesta en escena (en este caso, casi obsesivamente perfeccionista), y también añadiendo mucho de su humor característico, cercano al slapstick, que funciona sobre todo gracias al excelente trabajo de los actores, con un superlativo Ralph Fiennes al frente. Ese humor, menos explícito en la obra literaria de Zweig, casa curiosamente bien con el espíritu de la obra del autor. Aunque lo que definitivamente hermana a ambos creadores (escritor y cineasta) es una cierta visión nostálgica no tanto sobre lo que aconteció en el pasado de los personajes, si no sobre todo aquello que, por los motivos que fuesen, no pudo realizarse o ocurrir con toda la plenitud que hubiesen deseado éstos, de la misma manera que pasa tantas veces en la vida real, y como, en muchos sentidos, experimentó de la forma más cruel el propio Stefan Zweig.

Os invitamos pues a leer o releer este excepcional escritor que fue a Stefan Zweig y a que paséis por alguna sala de cine a ver “El Gran Hotel Budapest”.

Ricard.

Tráiler oficial de “El Gran Hotel Budapest”

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“Llibert”/”Liberto”: Cuando la experiencia se hace arte.

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Sin palabras. Así nos quedamos tras asistir al montaje “Llibert”, de Gemma Brió, que estos días se representa en la Biblioteca de Catalunya (hasta el 27 de abril).  Nos faltan los calificativos porque esta obra es muy especial; nos presenta sin ahorrarnos detalles una intimidad desgarradora,  una vivencia lacerante, una tragedia triste y cruel.

Sin duda alguna es una obra maestra en la que todo son aciertos: ya desde su inicio una pantalla proyecta imágenes evocadoras, hasta que se desvanecen de modo brusco,  transmitiéndonos implacablemente la desazón que nos acompañará a lo largo de la obra.

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Este desasosiego, la confusión y turbación que vive la protagonista, es magistralmente puesto en escena por medio de la rápida transmutación de las actrices en los personajes que se encargan de traer las noticias, de inquirir, de consolar y, en fin, de herir el alma de la madre…

La música de Mürfila (que también interviene como intérprete) es igualmente oportuna: se convierte en emoción desbordada, en los sucesivos gritos de esperanza a la que se aferra la protagonista, en el contrapunto a la frialdad de un entorno que se pretende aséptico y que no es sino el lugar en que discurre la más desoladora de las vivencias.  Se aprecia el gran trabajo de Norbert Martínez como director, de Lluc Castells como escenógrafo y de Felipe Mena y Alba Nàjera en la fotografía.

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Y a pesar de todo, un atisbo de consuelo entre tanto dolor, porque son las amigas de la protagonista quienes al trocarse en los diversos personajes del drama, lo humanizan y atenúan en cierto modo (gran interpretación de Tàtels Pérez), permiten al espectador aferrarse a un punto de ternura, de dulzura, de camaradería,  en medio de tanta desolación.

El detalle con el que se narra el proceso mental por el que pasa la protagonista, magistral y meritoriamente encarnado por Gemma Brió, esa pendiente desde la esperanza hasta la resignación; la entereza y dignidad con las que asiste al final de sus ilusiones, trasciende las fronteras del arte para adentrarnos, sin dudarlo, en la terapia y sanación del alma.

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Si el duelo, dicen, se supera por medio de repetir las imágenes traumáticas hasta que el dolor se atenúa, sin duda alguna la obra consigue ese propósito aunque nos imaginamos el esfuerzo que habrá supuesto a sus autores y protagonistas.

Gemma Brió decidió contar su experiencia personal a través de una obra teatral. Contactó con una amiga para que colaborara con ella en la elaboración del texto. Pero finalmente fue ella misma quien escribió el texto íntegro. Luego se puso en contacto con el resto del equipo para poder hacer posible su representación.

Una obra muy recomendable para quienes quieran acercarse a las vivencias de las que normalmente sólo se enteran quienes son partícipes de las mismas, y para todas aquellas personas que amen el teatro.

Llibert ha ganado dos Premis Butaca de Teatre de Catalunya en su edición de 2014, en las categorías de Millor Espectacle de Petit Format y Millor Text.

Actualización:Liberto“, la versión en castellano de “Llibert”, se representará en el Teatro de la Abadía de Madrid del 1 al 25 de octubre de 2015. El espectáculo está producido por Les Llibertàries.

Laura e Ignasi.

Os dejamos con el tráiler de “Llibert”:

Para más información clica abajo:

Web del Teatro de la Abadía/Información sobre “Liberto”

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“Vertigen”: Relato de la caída de RTVV.

El título de este libro que ha elegido “Cultura y algo más” para celebrar la fiesta de Sant Jordi y Día del Libro es totalmente adecuado: su lectura da sensación de vértigo y no se puede finalizar sin haber experimentado una profunda emoción.

Esta novela escrita en un breve espacio de tiempo por Esperança Camps (escritora y periodista menorquina residente en Valencia, donde ha ganado diversos premios literarios) y Empar Marco (periodista valenciana) y publicada por la nueva editorial Sembra Llibres (editor, Joan Carles Girbés), tiene como telón de fondo el fin de los días de RTVV, la radiotelevisión autonómica valenciana. Ambas autoras se conocen desde su puesta en marcha hace casi veinticinco años: Esperança Camps trabajó en Canal 9 como redactora y Empar Marco es corresponsal de TV3 en la Comunidad Valenciana (pudo presenciar directamente el cierre de Canal 9 en tanto corresponsal en Valencia del canal 3/24 de la televisión autonómica catalana).

Paralelamente al cierre de RTVV, la narración cuenta la historia de un triángulo amoroso protagonizado por Nora, secretaria de la APVI (Associació Valenciana de Professionals de la Informació) y creadora de News&Secrets (una especie de Wikileaks valenciano), Andreas, periodista griego que ha sufrido el cierre de la televisión pública ERT y Jonlenon, fotógrafo de la Presidencia de la Generalitat Valenciana, y también una trama de grupos de ultraderecha griega y valenciana que están siendo investigados por la policía y amenazan a los periodistas que se atreven a denunciarlos.

El cierre de una televisión pública es una de las consecuencias más dramáticas de la crisis. En el caso de RTVV, los valencianos se han quedado sin televisión en lengua catalana. La caída de esta institución se inició en febrero de 2010 con el cese del entonces jefe de personal y secretario general, Vicent Sanz, debido a la denuncia por acoso sexual de tres periodistas. Tres años más tarde, se culminó el ERE (expediente de regulación de empleo) de RTVV, que afectó a 843 trabajadores de Canal 9 (o Nou Televisió). El 5 de noviembre de 2013, el Tribunal Superior de Justicia de la Comunidad Valenciana lo declaró nulo. El gobierno valenciano respondió el mismo día con el anuncio del cierre del canal público. Finalmente, el 29 de noviembre se puso fin a la programación después de veinticuatro años de emisión. Primero se cerró Nou Radio y luego los trabajadores de Canal 9 junto con representantes de la oposición y de diferentes colectivos se fueron a los estudios de RTVV para emitir un programa especial de resistencia, hasta que se cortaron las emisiones, a las 00.19, mientras la gente gritaba “Açò és un cop d’estat!”.

Esperança Camps i Empar Marco han realizado una obra comprometida, explosiva, contundente, que conmueve al lector. El minucioso trabajo a cuatro manos se ha realizado gracias a la profunda amistad de las autoras, que han ido escribiendo simultáneamente y reuniéndose regularmente para ir componiendo un texto en el que no se aprecian las diferencias. El uso de las nuevas tecnologías (whatsapp, Twitter, etc.) en el argumento hace que “Vertigen” se imprima de dinamismo y modernidad. El resultado es un texto ágil, valiente, apasionante y muy emotivo que recomendamos desde “Cultura y algo más”.

Y para terminar, os dejamos con esta pregunta formulada por Mónica Oltra, representante de la Coalició Compromís en las Corts Valencianes: “Quin és este govern que s’amaga del seu poble?”

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la editorial Sembrallibres

Web personal de Esperança Camps

La editorial Sembra Llibres estará presente en las calles de Barcelona durante el día de Sant Jordi:

11h.- Abacus L’illa (Diagonal, 575)
12h.- Grup del llibreGent de la Terra (Canuda, 6)
13h.- Espai Vilaweb (Passeig de Gràcia, 36)

17h.- Llegir en català (Passeig de Gràcia, 49)
18h.- Botiga Productes de la Terra  (Plaça de La Vila de Gràcia)

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“Rojo o negro”: El juego y el azar en el teatro.

Los actores se sitúan en un rincón del escenario como si fueran púgiles a punto de salir al ring… ¿Cómo irán los asaltos?

El maestro de ceremonias procede a la introducción y nos cuenta cuáles son las reglas del juego: hay diversas piezas cortas creadas por los siguientes dramaturgos: Blanca Bardagil, Albert Tola, Guillem Clua, Jordi Oriol, Eva Hibernia, Victoria Szpunzberg, Steven Forti, Marc Rosich, Lluïsa Cunillé, Laura Freijo, Laia Martí y Jordi Diamant. Estos textos y sus intérpretes van variando según los días de representación. Los actores se saben el texto hasta la última coma, y el público junto con el azar jugarán con ellos: se podrá elegir un espacio no convencional (un aeropuerto, una prisión, un lavabo, una casa abandonada, un psiquiátrico) para que se desarrolle cada historia, qué actores saldrán a escena y con qué intención dirán el texto. Y los actores tendrán dos minutos para ponerse de acuerdo antes de pasar a la acción…

El resultado es que cada obra se asemeja a un plato culinario que varía mucho en función de los ingredientes. Los espectadores disfrutan de este juego donde ellos eligen y deciden, y los actores experimentan y crecen con este tour de force en el que tienen que demostrar sus dotes de improvisación, ingenio, imaginación y capacidad de transformación.

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La música en directo del DJ Ramsound23 añade encanto a este espectáculo que resulta altamente recomendable, en cartel en el Círcol Maldà de Barcelona hasta el 28 de abril. “Rojo o negro” está creado y dirigido por Nicolàs Rivero e interpretado por Òscar Bosch, Neus Suñé, Valentina Calandriello, Eduardo Telletxea, Maribel Ibarz, Alicia González Laá, Joaquin DanielMaria Aragó y Xavi Àlvarez. También hay artistas invitados.

“Rojo o Negro” estará representándose en la sala La Vilella de Barcelona el primer y el tercer lunes de cada mes.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Circol Maldà/información de “Rojo o negro”

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Propuestas para la Semana Santa 2014.

Desde “Cultura y algo más” os hacemos tres propuestas de espectáculos que estarán presentes en la escena barcelonesa durante los días de Semana Santa:

Cançó d’amor i de guerra”, de la Cia. + Sarsuela, versión íntegra de esta mítica zarzuela catalana del compositor Rafael Martínez Valls y libreto de Lluís Capdevila y Víctor Mora. Este montaje fue estrenado hace un año y regresa a los escenarios en cuatro únicas funciones del 18 al 21 de abril en el Teatre Victoria.

La versión actual recupera todos los fragmentos (musicales y escénicos) que fueron prohibidos en su época. La obra, que es la zarzuela más destacada del repertorio catalán fue creada en 1926, en plena dictadura de Primo de Rivera, y está ambientada en el año 1793, durante la Revolución Francesa. El argumento principal se centra en la historia de amor protagonizada por Eloi y Francina, cuyos destinos se separan debido a que el hijo del alcalde decide casarse con Francina, y nos muestra el agitado momento histórico que vivió Francia de finales del siglo XVIII.

El espectáculo cuenta con la dirección musical de Lluís Cabal, tiene como principales intérpretes a Isabel Rodriguez, Vicenç Esteve, Xavier Fernàndez, Joan Berlanga, José Luís Gonzalez, Paco Valls, Xavier Tor e Isabel Valls y cuenta con un coro de 30 voces dirigido por José Luis González.

Magical History Club”, de Minoria Absoluta. Este espectáculo dirigido por Marc Crehuet consta de cinco monólogos interpretados por Alain Fernández (Hitler), Queco Novell (Freud), Mireia Portas (Cleopatra), Betsy Túrnez (Maria Magdalena) y Lluís Villanueva (Ghandi). Estas cinco figuras históricas se convierten en maestros de la comedia debido a que Stephen Hawking (Berto Romero) les hace viajar al futuro gracias a la física cuántica.

Los creadores de “Polonia” y “La familia irreal” nos presentan estos monólogos hilarantes, disparatados e irreverentes, continuando con el estilo propio de la casa. Los textos han sido elaborados por Marc Crehuet, Rafel Barceló, Jaume Buixó, Pau Escribano y Toni Soler.

Los personajes explican su particular visión del mundo y cómo han tenido que adaptarse a la situación actual: María Magdalena habla sobre las relaciones sentimentales, Freud sobre las neurosis del mundo contemporáneo, Hitler diserta sobre las dificultades de encontrar trabajo, los políticos y la imagen, Cleopatra se plantea el papel de la mujer en la sociedad y Gandhi plantea el conformismo y la falta de implicación de los ciudadanos. Los personajes también interactúan entre ellos en gags que se van intercalando con los monólogos.

“Magical History Club” estará en cartel en el Teatre Coliseum de Barcelona hasta el 20 de abril.

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Barbablava, l’esperança de les dones” de la compañía A les golfes de la Bohème en el Teatre Tantarantana hasta el 20 de abril.

El texto fue creado por la dramaturga alemana Dea Loher (Traunstein, 1964), alumna de Heiner Müller multipremiada y alabada por la crítica. La autora rehace el cuento de Charles Perrault y lo traslada a la época actual, en la que Barbablava es Enric, un hombre que mata porque después de haber conocido el amor verdadero no puede soportar el simulacro de amor que otras mujeres le ofrecen.

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Este espectáculo que se presenta por primera vez en la escena de Barcelona se ha realizado “de la nada”, con un presupuesto mínimo, imaginación y un equipo entregado que está compuesto por profesionales del calibre de Lourdes Barba (directora) y Àurea Márquez, Xavier Ripoll, Empar Capilla, Clara de Ramon y Almudena Lomba (intérpretes).

Esperamos que esta obra tenga una larga vida, pues propuestas como ésta son necesarias en estos momentos tan críticos en que la cultura y el arte están amenazados debido a la falta de apoyo institucional.

Laura.

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“El Cantador”: Viaje al teatro del siglo XIX.

El equipo de “Cultura y Algo Más” ha asistido en la Sala Tallers del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) a la representación de la obra “El Cantador” de Frederic Soler i Hubert, (1839-1895), más conocido como “Serafí Pitarra”, escrita en colaboración con el autor de la misma época Pau Bonyegues. (pseudónimo de Conrad Roure)

La obra es la primera de la recién creada Jove Companyia del Teatre Nacional, que estará formada cada año con una selección de alumnos recién graduados del Institut del Teatre, iniciativa que desde este blog saludamos por la significación que puede tener en orden a la promoción de nuevas generaciones de actores.

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La obra ha sido dirigida por Xicu Masó, experimentado director teatral que ha dirigido obras como “L´Encarregat” de Harold Pinter en el Teatre Lliure, y actor que ha aparecido en diversas series de TV3 como “Polseres Vermelles”, “Temps de Silenci” o “Insensibles”.

Los actores que participan en la comedia son Ricard Farré, Arnau Puig, Cristina Arenas, Marçal Bayona, Oreig Canela, Queralt Casasayas, Bruna Cusí, Mariona Ginés, Andrea Martínez, Josep Sobrevals y Pau Viñals.

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Serafí Pitarra comenzó dedicándose a la dramaturgia como pasatiempo, reuniéndose con sus amigos en la trastienda de la relojería que regentaba en el barrio gótico de Barcelona; ya desde sus inicios se distinguió como autor irreverente especializado en comedias satíricas antirománticas, como la celebre “L’Esquella de la Torratxa”, inspirada en la comedia contemporánea del abogado mallorquin Joan Palou “La Campana de la Almudaina”.

Resulta curiosa la amalgama política de Pitarra, puesto que a sus inquietudes sociales y deseo de conectar con el gusto popular menestral, también se unía un evidente conservadurismo como en su obra “Les Heures del Mas”, en que la burguesía de la época vio reflejados sus valores nacionalistas, de loa de la familia…

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El trasfondo político naturalmente eran las luchas entre absolutistas carlistas y liberales que empañaron de sangre la España del siglo XIX. Serafí Pitarra trató de establecer una especie de tercera via, y en parte lo consiguió: resulta significativo observar como su obra “L’Esquella de la Torraxa” dio nombre a los pocos años de estrenarse a la célebre revista homónima de la Vila de Gracia, azote de la burguesía y del clero (cuyo último número se publicó veinte días de la infausta entrada de las tropas franquistas en Barcelona), mientras que como hemos dicho los valores de Soler en algunas de sus obras fueron igualmente abrazados por la burguesía catalanista de la época como exponentes de la tradición.

En lo literario, Frederic Soler fue uno de los adalides del movimiento de La Renaixença popular, que pretendía, en contraposición con la tradición romántica de los recién instaurados Jocs Florals, fomentar el uso del catalán de la calle (“el català que ara es parla”), desprovisto de las barrocas ornamentaciones propias del certamen.

Frederic Soler cosechó tal éxito con sus sátiras -la obra “El Cantador” fue enseguida representada en los teatros del Passeig de Gràcia -teatros al aire libre que reunían a un público más popular que los teatros del interior de la ciudad-. Con los años, Frederic Soler se convirtió en director en el Teatre Romea de Barcelona, y más tarde propietario del mismo, aunque nunca dejó de escribir teatro, hasta poco antes de su fallecimiento.

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La obra a la que asistimos se trata de una parodia del drama romántico “El trovador” de Antonio García Gutiérrez (autor liberal de mediados del siglo XIX), gran éxito del teatro español de 1836 que inspiraría el libreto de “Il trovatore” de Giuseppe Verdi.

Situada en el siglo XV, “El Cantador representa la venganza de la gitana Magdalena y de su hijo secreto, el cantaor Don Manric, sobre la familia de Don Nunyo, la cual había hecho quemar a la madre de Magdalena por brujería. La enemistad de Don Nunyo y Don Manric, que se disputan el amor de Donya Leonor. Leonor ama sinceramente a Manrique y Antonio mueve sus influencias para que ésta sea llevada a un convento. Pero el doncel la rapta y huyen juntos, hasta que se les descubre y el trovador es encerrado en el torreón de la Aljafería que llevará su nombre (Precisamente, la Torre de Zaragoza se conoce como Torre del Trovador en honor a dicha obra). Leonor, víctima de la desgracia, decide suicidarse.

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Pero claro, en manos de Pitarra, el drama se torna comedia, dando pie a graciosos equívocos y chascarrillos que el espectador atento apreciará.

La propuesta es de una meritoria puesta en escena, ya que se trata de una obra dentro de otra obra –teatro dentro del teatro-, en la que los actores interpretan a Pitarra y sus acólitos que se reúnen en la trastienda de la relojería para teorizar sobre teatro y seleccionar a los actores, y también interpretan la propia sátira, alternando así los papeles de los dramaturgos del siglo XIX y de los protagonistas del drama tornado en comedia del siglo XV. Además, los actores declaman íntegramente en endecasílabos, ya en su papel de “actores” ya en su papel de Pitarra y sus acólitos. Una de las actrices incluso canta “a capella” un fragmento operístico.

Desde “Cultura y algo más” os recomendamos esta obra tanto para apreciar las aptitudes de las nuevas generaciones de autores como para pasar un buen rato con los versos satíricos de Pitarra.

Esta obra se encuentra en cartel en la Sala Tallers del TNC de Barcelona hasta el 13 de abril.

Laura e Ignasi.

Os dejamos con el tráiler de “El cantador”:

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Nacional/Información sobre “El cantador”

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The Afghan Whigs: El regreso de uno de las grandes grupos de los 90´s.

A principios de año nos enteramos de que The Afghan Whigs, una de las grandes bandas de rock de la década de los 90, volvían discográficamente tras un larguísimo parón de 16 años. Siendo como son uno de los grupos favoritos de quienes elaboramos este blog, hemos querido dar nuestra opinión sobre su nuevo lanzamiento de inminente aparición (el disco se publica el próximo 15 de abril, aunque ya se puede escuchar en streaming vía internet desde hace unos días), así como hacer un repaso por la carrera de esta banda que es posible que muchos de nuestros lectores no conozcan.

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El grupo se formó en Cincinnati, Estados Unidos, en 1986. Inicialmente sus integrantes eran Greg Dulli (voz, guitarra), John Curley (bajo), Rick McCollum (guitarra), y Steve Earle (batería), músico, éste último, que no hay que confundir con el cantante de country-rock del mismo nombre. En 1988 publican su primer disco, “Big top Halloween”, en el sello Ultraduede propiedad de Curley, aunque a veces se considera “Up in it”, editado en 1990 por Sub Pop (famoso por haber descubierto a bandas como Nirvana), su primer trabajo con todas las de la ley. En “Up in it” se adivina ya la característica impronta de la banda: un rock denso y oscuro que juguetea con el soul y el rythm and blues, aunque inicialmente estos estilos resulten prácticamente opacos para el oyente.

En 1992 publican “Congregation”, un álbum alabado por la crítica y que les hace ganar bastantes seguidores, aunque el grupo se quede lejos del estrellato. “Congregation” era un disco que seguía explorando en esa identidad que ya se adivinaba en su trabajo anterior con canciones redondas donde el rock y el soul se hermanaban con un sonido uniforme, personalísimo, ideal para envolver las letras torturadas, a menudo cercanas a la literatura noir, de su indiscutible líder Greg Dulli.

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La formación en una antigua imagen promocional.

La repentina popularidad en la época en que se editó “Congregation” de bandas consideradas alternativas como los ya mencionados Nirvana, hizo que los sellos discográficos multinacionales se lanzasen en busca de formaciones que pudieran equipararse de alguna forma en cuanto estilo musical y estético con grupos similares. Así, y pese a que “Congregation” no había sido un gran éxito de ventas, The Afghan Whigs pudieron ser fichados por una gran compañía. Sin embargo, la personalidad del grupo estaba alejada del grunge imperante, tanto por lo que se refiere a sonido, como a la propia imagen de la formación, mucho más sofisticada y elegante que la de otros compañeros de generación.

Así se entiende, quizá, que “Gentelmen” (1993), primer disco de la banda publicado con una major, no obtuviese tampoco una gran repercusión en cuanto a ventas. Pese a ello, la crítica se vuelve a rendir ante el indudable talento del grupo, que con este disco iniciaba una trilogía difícilmente igualable completada con “Black love” (1996), probablemente uno de los 10 mejores discos de rock de la década de los 90, y “1965” (1998), trabajos donde la identidad de la banda, esa mezcolanza entre rock de afiladas guitarras y arreglos soul, brillaba con su máximo esplendor.

Ciertas tensiones entre los miembros del grupo que en algunos casos derivaron en el abandono de alguno de ellos siendo substituidos por otros músicos, así como la falta de reconocimiento popular de sus álbumes, llevan a la formación a disolverse completamente en 2001, tras lo cual, Greg Dulli se embarca en diversos proyectos. Crea una nueva banda llamada The Twilight Singers que, con 5 discos editados, mantiene una cierta conexión con el sonido de The Afghan Whigs, aunque coqueteando en ocasiones con otros estilos además del rock y del soul como puedan ser el folk, el country o la electrónica. Así mismo, lanza algún disco en solitario, y crea junto a Mark Lanegan, ex líder de Screaming Trees (otra banda de los 90s con una historia casi paralela a la de The Afghan Whigs), The Gutter Twins, un proyecto conjunto entre los dos carismáticos músicos que hasta ahora tiene un solo disco publicado.

The Afghan Whigs en el festival Primavera Sound de 2012.

Ahora, como ya hemos dicho al principio, The Afghan Whigs regresan discográficamente tras 16 años. En realidad, cabe identificar esta nueva encarnación de la banda como un proyecto casi personal de Greg Dulli, ya que el único miembro original del grupo que sobrevive en este caso, además de él mismo, es el bajista John Curley. El guitarrista del grupo, Rick McCollum, que sí participó en la gira de reunión realizada hace un par de años y que pasó (en lo que fue un concierto espléndido) por el Festival Primavera Sound en su edición de 2012, no ha intervenido en la grabación del disco por cuestiones (según se ha dicho oficialmente) de índole personal. Buena parte de los componentes de la banda en la actualidad forman parte también de The Twilight Singers, lo que da cuenta de hasta que punto es Dulli quien maneja los controles completamente hoy por hoy en The Afghan Whigs. Todo ello se traduce en un disco que, si bien tiene calidad como no podía ser menos tratándose de un producto facturado por un puñado de fabulosos músicos (Dulli a la cabeza), se asemeja más a lo que hemos venido oyendo por parte de The Twilght Singers de un tiempo a esta parte, que al sonido característico de The Afghan Whigs. El singular estilo como guitarrista de Rick McCollum se echa en falta en algunos instantes, y la vena soul del grupo se muestra bastante apagada, sobre todo si lo comparamos con el que fuese anterior disco de la banda, el barroco y, al mismo tiempo, muy fresco, “1965”.

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El grupo en la actualidad.

En “Do to the beast”, Greg Dulli ofrece una faceta algo más introspectiva, lo cual no quiere decir que no haya arrebatos de furia rockera, como en la inicial “Parked Outside”, donde un riff de guitarra machacón nos introduce de manera directa en el disco. En “Matamoros” destaca un ritmo marcado y arreglos de cuerda inspirados en sonidos del medio oriente asiático que desembocan en un estribillo con buenas armonías, aunque quizá es un tema que llega a quedarse algo corto. “It kills”, donde el piano y teclados en general se hacen omnipresentes, es un buen ejemplo de la introspección de la que hablábamos antes. “Algiers”, primer single del disco, destaca como uno de los grandes momentos del álbum gracias en buena parte al fantástico trabajo vocal de Dulli. “Lost in the Woods” es un tema sombrío, con una tensión in crescendo que no llega a explotar del todo, y donde violines y violonchelos (instrumentos muy presentes en la discografía de The Afghan Whigs) cobran protagonismo. Por su parte, “The lottery” recupera el sonido más contundente del grupo en contraste con la canción que le sigue, la muy intimista “Can rova”. “Royal cream” tiende hacia la épica siendo uno de los temas que, uno imagina, mejor pueden funcionar en directo de “Do to do beast”. En cambio, la estructura algo repetitiva de “I Am fire” la convierten quizá en la canción más floja del disco. Finalmente, “These stiks” es el único tema del álbum donde la banda se desboca completamente, recordando incluso a los tiempos de “Congregation”.

En resumen, “Do to the beast” es un álbum algo irregular, pero contiene un puñado de muy buenos temas, y puede servir como notable puerta de entrada para neófitos a la discografía de una banda fascinante como pocas.

Ricard.

Os dejamos con el video-clip de “Algiers”, como hemos dicho, primer single de “Do to the beast”, un trabajo audiovisual dirigido por Philip Harder que parece inspirado en el sobrio y violento western “Infierno de cobardes” (“High plains drifters” en su versión original) que dirigiera Clint Eastwood en 1972, aunque con un cierto toque a David Lynch.

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“Solfatara”: Erupción volcánica en el hogar.

Solfatara

Mónica y Miquel se reúnen en la mesa para cenar. Ya no saben qué decirse. Ella ha cocinado su plato favorito, milhojas, por enésima vez, y Miquel está harto pero no sabe cómo decírselo. Su voz interior le exhorta a expresar su disgusto: Miquel no quiere al principio, pero luego cede. Estalla el volcán y ya no se puede callar…

Mónica se siente muy dolida y Miquel se ha quedado como en estado de shock. Tras la primera explosión, la pareja decide invitar a unos amigos a cenar… ¿podrán mantener la calma?

Solfatara

“Solfatara”, creada e interpretada por la compañía Atresbandes, es una obra de un gran impacto dramático. Retrata con gran acierto las crisis de pareja que surgen del desgaste y la monotonía. La idea de incorporar un tercer personaje a modo de conciencia o inconsciente donde se albergan los pensamientos más escondidos y representarlo como un joven encapuchado a modo de terrorista, es muy innovadora y provoca un gran efecto en el público, que acabará simpatizando con él.

La compañía Atresbandes, formada por Mònica Almirall, Albert Pérez Hidalgo y Miquel Segovia, que se conocieron en el Institut del Teatre de Barcelona, ha creado además las siguientes obras: “El Señor Arreglos” (2008), inspirada en Raymond Carver, “A l’altra banda. De l’autre côté” (nace de un encargo de la Universidad de Estrasburgo), sobre la Guerra Civil y los campos de concentración en el Sur de Francia, y “Locus Amoenus”, que trata sobre los pensamientos de una persona a punto de morir y la búsqueda del paraíso.

“Solfatara” fue creada en 2012 y está inspirada en los libros “Anatomía del miedo” de José Antonio Marina y “Fragmentos de un discurso amoroso” de Roland Barthes. Se presentó una versión reducida en el BE Festival de Birmingham y ganó el 1r Premio del Jurado y el Premio del Público. Luego se realizó gira por toda Inglaterra durante los meses de octubre y noviembre de 2012. En diciembre del mismo año, la obra fue seleccionada por el SKENA UP Festival de Pristina (Kosovo) y ganó los premios a la mejor dirección y al mejor actor (Albert Pérez Hidalgo), se representó con gran éxito en la Sala Beckett de Barcelona en mayo de 2013 y fue nominada para los Total Theatre Awards 2013 del Edinburgh Festival Fringe. Después de pasar por el Teatre Kaddish de Barcelona, el Corral de Comedias de Alcalá de Henares y la Sala la Planeta de Girona, “Solfatara” se encuentra en cartel en el Círcol Maldà de Barcelona, donde se podrá ver hasta el 13 de abril.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Circol Maldà

Blog de Atresbandes

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