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“Una gossa en un descampat”: Crónica del dolor íntimo.

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En el marco del Festival Grec de Barcelona, hemos asistido en la Sala de Baix de la Sala Beckett a esta interesante obra de Clàudia Cedó, con dirección de Sergi Berbel.

El espectáculo se adentra en el tormentoso mundo del dolor íntimo, de esos dramas personales que sólo quien los ha vivido conoce, mientras que quienes están alrededor, cerca pero a la vez muy lejos, sólo perciben por reflejo de quienes los están padeciendo.

El paisaje desolado de lo que pudo haber sido y no fue, de lo que ya pasó, es el marco de esta obra. Un paisaje emocional que evoca un cautivador espacio visual  a media luz (se nota el oficio y creatividad de Max Glaenzel y Kiko Planas) repleto de objetos abandonados, como un fantasmagórico Chernóbil. El paseo de las protagonistas entre las ruinas se interrumpe, en un acertado juego escénico, por las escenas hospitalarias que se rememoran  , donde las protagonistas Vicky Luengo y Maria Rodriguez, una el alter ego de la otra, (gran trabajo de ambas actrices, que además se alternan en sus papeles según el día de la función),  dan vida a una mujer que está a punto de dar a luz, o eso cree.  La autora ha querido centrarse en la soledad ante el dolor y la tragedia. Es curioso como alguien como el propio padre del bebé, interpretado con acierto por Pep Ambrós, se presenta como alejado, dando soporte a la mujer pero a la vez incapaz de participar de su miedo durante una parte de la obra.

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El inexorable desenlace al que se acerca la obra es cíclicamente tamizado, en un ritmo muy sabio, por la aparición de personajes y una historia secundaria, que permiten algunos respiros al espectador, y a actrices y actores. En ese sentido, genial como siempre Queralt Casasayas, en sus entrañables papeles de enfermera primeriza y hermana de la protagonista, y especialmente Anna Barrachina, que se alterna con soltura en los papeles de grave doctora portadora de malas noticias, en alocada madre que ni siquiera vagamente participa en la tragedia, en la actriz de la que se enamora el director, interpretado por Xavi Ricart,  que también representa al padre que cuando entra en la habitación de su hija pretende de modo pueril dar lecciones sobre la medicación…

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PROS DE LA OBRA: Una exploración del dolor muy realista y fidedigna, en la que hay escenas que realmente hacen olvidar que estamos presenciando teatro.  El doble lenguaje visual -ruinas y hospital- transmite perfectamente los dos momentos del drama, el angustioso presente y la mirada nostálgica y amarga que se vuelve atrás y que no encuentra consuelo.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el desdoblamiento del personaje principal en las escenas de hospital no le añade fuerza narrativa ni simbólica.

La obra estará en cartel hasta el 29 de julio.

Os dejamos un enlace al tráiler de la obra

Ignasi y Laura.

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“Josefina la gallina, puso un huevo en la cocina”: Dar la vuelta al abuso.

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De la mano de la compañía mexicana Vaca 35 nos llega este entrañable monólogo que hemos presenciado en la Sala Atrium, protagonizado por José Rafael Flores, con dirección de Diana Magallón y con el acompañamiento del acordeón nostálgico de un magnífico Alberto Rosas.

La interpetación de Flores nos ha parecido tan sentida y entrañable, tan intensa y delicada,  que no dudamos que es cierta la historia que nos cuenta el monólogo.  A partir de una burla homófoba que sufrió el protagonista en los años de escuela,  se construye una historia tierna, cercana, donde la metáfora de la gallina subraya la fragilidad de quien se ve zarandeado por los sucesivos agresores que se encuentra en la vida, como las mujeres de Ciudad Juarez.

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La obra  es un homenaje al propio México, esa tierra de frontera entre dos mundos donde Estados Unidos exporta armas para el narco e importa migrantes en un auténtico circulo infernal de consecuencias catastróficas. Y en medio de tanta violencia, emerge una sensibilidad especial, como la de la representación, el contrapunto humano,  tierno y cuidadoso a lo macabro,  abusivo e hiriente.  Tan sensible es el protagonista que habla con cariño de los huevos que ha puesto, que conserva y nombra, como si fueran nietecitos de una abuela que se desvive por ellos.

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Y en ese trasfondo torturado de Ciudad Juarez surge sin embargo una historia de amor, que se nos hace evidente con un guiño en el escenario apenas disimulado de éste Flores a aquellas rosas.    Pocas obras nos muestran con tanta plasticidad la dicotomía entre lo humano, el histrionismo amable de un fortachón haciendo la gallina en el escenario y que cuida de sus huevecillos, y el dolor profundo del que la violencia contra gays y mujeres no es sino el reflejo. El protagonista despliega una frenética actividad en el escenario, cacarea, canta a dúo con el músico, se desnuda en parte, se pinta, se embadurna, acaba cansado pero feliz de haberse dado al público, de haberle hecho partícipe , por un rato, de su parte más íntima.

La obra se representa en la Sala Atrium hasta el 1 de julio.

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PROS DE LA OBRA: Muy recomendable para los amantes de los monólogos y de la temática gay.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien huya de lo tierno e intimista así como de lo histriónico.

Ignasi y Laura.

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“Othello”: La ceguera más amarga.

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De la mano de la compañía Les Antonietes Teatre, dirigida y adaptada por Oriol Tarrason, nos llega este clásico entre los clásicos de William Shakespeare , este “Othello” exquisito, lleno de ternura y amor por los personajes de Othello y Desdèmona. Como bien nos contó en una de las lecturas teatralizadas que la compañía dio en la biblioteca Francesca Bonnemaison, el autor de la adaptación se encontró con la necesidad de sintetizar en un triángulo de personajes una obra que originalmente tiene bastantes más; así, trabajó con varias traducciones y el original para captar la esencia de la obra, y ponerla en boca de los tres protagonistas, Iago, (Arnau Puig), Desdèmona (Annabel Castán) y Othello (Òscar Intente).

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El resultado nos ha encantado. La obra comienza con toda una declaración de intenciones de Iago: “Odïo El Moro” . El sugerente tono algo burlón, chulesco y socarrón de Puig le cuadra como anillo al dedo al personaje. Asistimos a sus insidiosos comentarios de falso amigo, a esa untuosidad que por la genialidad del Bardo, al espectador le parece tan evidente y sin embargo el pobre Othello no sabe distinguir de verdadera preocupación amistosa. Òscar Intente por su parte, imprime a su personaje un marcado acento de nobleza de espíritu. Sus celos, espoleados por el traidor Iago, nacen casi a despecho, como sin querer. Y sin embargo, las pruebas falsas que Iago le pone bajo los ojos hacen poco a poco mella en su ánimo, que se torna lentamente de alegre y amable en torvo y amargado. Annabel Castán encarna a una Desdèmona frágil, tierna, enamorada que se desvive por su hombre y que asiste sin entender nada al cambio de su marido, a sus cada vez más hoscos ademanes.

En definitiva, es un Othello intimista, intenso en su concreción y enérgico en sus formas, un Othello en el que los celos son más un hilo conductor que una pasión; El Moro, más que a un hombre celoso, encarna a un hombre engañado por su amigo y consejero, a un hombre que prefiere dejarse guiar que tomar sus propias decisiones y que al final recibirá un merecido aunque implacable castigo por su credulidad.

Imprescindible para todo amante de los clásicos. La obra estará en La Seca Espai Brossa hasta el 24 de junio.

PROS DE LA OBRA: Que capta con pocos recursos la esencia de la obra. Excelentes versión y equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA:  Puede desilusionar a algún purista si espera mayor similitud con el original.

Ignasi y Laura.

Web de La Seca Espai Brossa – Información sobre “Othello”

Blog de Les Antonietes Teatre

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“Masticar hielo”: El cinismo de la amargura.

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Nos ha encantado esta deliciosa adaptación de la compañía El Eje del clásico teatral de Edward Albee Who´s afraid of Virgina Woolf?” (cuya traducción usual al castellano como “¿Quién teme a Virgina Woolf? hace perder totalmente el sentido del original inglés, que aludía a la canción de Disney de los tres cerditos y por tanto evocaba la pérdida de las ilusiones infantiles -parece que el autor hizo el juego de palabras para no utilizar derechos de autor de Disney-).

La adaptación y dirección de Marc Ribera mantiene la idea del argumento original aunque cambia, con gran acierto, las profesiones de los protagonistas.

Marta (impresionante Mar Pawlosky) y Jorge (enorme Eric Balbás) son un matrimonio joven, ella la niña de papá hija de un afamado galerista (nos ha encantado la escenografía de Sergi Cerdan, representando un lujoso apartamento de Manhattan lleno de valiosos cuadros) y él un artista fracasado que colabora en la galería de su suegro y ha comenzado a dar clases en la universidad. Enseguida nos sorprende la inaudita virulencia con la que se dirigen el uno al otro; en especial Marta se dedica a herir verbalmente a Jorge, tratándole de perdedor, inútil, zángano y borracho, y éste, a su vez, lejos de revolverse, parece reverenciar a su arisca mujer.

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La llegada de otro matrimonio invitado,  Nuna (María Hernandez) y Nick (Jordi Samper) -ella está exponiendo en la galería del padre, él al parecer se ha tomado un año sabático para hacerle de representante-, lejos de apaciguar los ánimos, los solivianta. Marta la toma con Nuca, a la que ridiculiza sin piedad, mientras que George y Nick caen en el enfrentamiento…

Nos soprende sinceramente cómo son capaces los actores y actrices de recuperar la voz en cada representación, porque las escenas de violencia verbal -y conatos de violencia física- transcurren a voz en grito, con una extraordinaria fuerza narrativa e impacto visual.

Y poco a poco, comienza a filtrarse entre las escenas de incoherente y beoda violencia, una insidiosa inquietud… una velada alusión a un hijo ausente, que nos llevará al desenlace, tal vez algo más misericordioso con los protagonistas que el original de Albee.

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Una obra que nos habla de la amargura, de cómo muchas veces el enfado, la ira, la burla y el sexo, ocultan profundas decepciones y conflictos emocionales.

PROS DE LA OBRA:   La enérgica y sólida actuación de los protagonistas, especialmente de Mar Pawlosky, así como el lenguaje visual en ocasiones atrevido (la escena de la felación, el baile que se marca un genial Jordi Samper, con coreografía de Blanca Tolsà). El contundente ritmo de la obra, que mantiene en vilo al espectador todo el tiempo. Y la compañía El Eje, que imprime una pasión especial a su trabajo.

CONTRAS:  Tal vez el desenlace, que como hemos dicho, no deja el final tan abierto como el original y parece justificar a los protagonistas…

La obra estará en el Teatre Tantarantana hasta este domingo 3 de junio.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Masticar hielo”

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“Distància”: Educadores vs. alumnos.

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Hemos podido ver “Distància” de Roger Torns (autor y director) en Sala Beckett de Barcelona, una obra que hace reflexionar sobre el papel de los educadores (y también de los padres) respecto de los alumnos.

Este drama, buen teatro de texto, nos explica la historia de Dolors, profesora que acaba de llegar al centro de secundaria (privado) dirigido por su hermano. Profesional con ganas de enseñar, inicia de manera rompedora sus clases de ética mostrando un vídeo donde se muestra una fuerte agresión a una chica. Los alumnos comienzan a reaccionar, discutiendo sobre este tema, y Esther, alumna ejemplar pero también comedida y callada, rompe su imagen empujando a un compañero escaleras abajo.

Padres y alumnos comienzan a opinar sobre Dolors y se replantean su papel como educadora. Su hermano, desconcertado, no sabe cómo actuar, pero la dimisión de Dolors es una opción. Paralelamente, el padre de ambos profesores se encuentra en el hospital gravemente enfermo.

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Alba Florejachs, actriz que cada vez tiene más presencia en la escena y en las pantallas catalanas, brilla con su papel de educadora e hija, una mujer que ha recibido una amplia educación y que se ha tenido que dedicar a cuidar de sus padres. También el resto del reparto es excelente: Laura Daza, que todavía no conocíamos, en el papel de Esther y como coautora de la música (junto a Roger Torns) e intérprete de ésta (posee una bellísima voz) y José Perez Ocaña, cuyo difícil paper del director de centro, hermano e hijo está interpretado con extrema naturalidad.

¿Qué papel tienen los educadores y los padres a estas alturas del siglo XXI? ¿Caben todavía la condescendencia y la distancia? ¿No es mejor entender al adolescente-niño, ponerse en su piel y llegar a la raíz del problema? Todas estas preguntas y muchas más surgen después de ver “Distància”.

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Y la verdad es que nos rendimos ante autores como Roger Torns (y Jaume Viñas en el caso de “Goldilocks“), joven dramaturgo que también es actor, director, músico, profesor de teatro. Artistas como Torns y Viñas impulsan el teatro catalán, y hacen incrementar mucho su calidad.

PROS DE LA OBRA: Obra bien tejida argumentalmente que plantea cuestiones éticas, pedagógicas y sociales. Excelente simbiosis entre todo el equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA: Sólo que… nos hubiera gustado que hubiera estado más tiempo en cartel.

“Distància” se podrá ver en Sala Beckett sólo hasta el domingo 20 de mayo, pero esperamos que vuelva muy pronto a la cartelera.

Laura Clemente.

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“Goldilocks”: El final de la inocencia.

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Hemos podido ver en la Sala Atrium de Barcelona una obra muy impactante: “Goldilocks“, escrita por Jaume Viñas (también ayudante de dirección), dirigida por Júlia Barceló e interpretada por Meritxell Termes y Alba Ribas.

La obra se representa hasta el 20 de mayo dentro del Ciclo de creación escénica DespertaLab, organizado por Sala Atrium y Nau Ivanow, ciclo que nació con el objetivo de dar apoyo a la creación teatral más activa y emergente y que se ha convertido en una auténtica plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas y compañías teatrales. Aplaudimos iniciativas como ésta. “Goldilocks” ha ganado el segundo premio otorgado por DespertaLab.

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“Goldilocks” es un título muy adecuado, pues tanto nos hace recordar a “Rizos de oro” (veremos que una de las protagonistas de esta obra es tan inocente como ese personaje de la literatura infantil y de los dibujos animados), como el cierre de oro de una jaula. Una jaula de oro en la que se encuentran dos jóvenes, que tanto pueden ser hermanas como haber entablado amistad en ese recinto cerrado en el que se encuentran.

Convivir durante tiempo indefinido y crecer sin ver el sol pueden ser letales. Para escapar de la cruda realidad, qué mejor que la imaginación, a través de cuentos de hadas y no tan de hadas, ciencia ficción, historias de pingüinos… estos relatos fueron apareciendo como escenas independientes, según su creador, Jaume Viñas, y luego se unieron para dar forma al texto tal como lo hemos encontrado ahora. Un texto que fue inspirado por una conferencia de Nuria Varela (escritora, experta en violencia de género, profesora y reportera autora de “Cansadas”) en la Sala Beckett de Barcelona, maravillosamente hilvanado, sin grietas, que nos lleva a estar pendientes de todo lo que sucede en ese espacio, acompañando a las dos “hermanas”. El buen hacer de la directora Júlia Barceló contribuye mucho a este excelente resultado.

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El resto del equipo artístico y el trabajo que se ha realizado, asombroso también: la escenógrafa Judit Colomer nos transporta a una casa (que recuerda a las películas “Hard Candy” de David Slade o “Split” de M. Knight Shyamalan) que podría encontrarse en las afueras de una gran ciudad, con unos sobretitulos que van marcando un compás extraño; el sobrio y a la vez bello vestuario de Núria Milà; los vídeos que van intercalándose en la historia y que provocan reacciones y emociones en el espectador, contribuyen mucho a la contundencia de la obra. En cuanto a la promoción y visualización de la obra, destacamos el gran trabajo de Martina Matencio en la fotografía.

PROS DE LA OBRA: Impacta y mantiene en vilo al espectador, gran contenido argumental bien tejido, muy visual, casi cinematográfica. Las actrices, brillantes.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que ninguno. Tal vez lo único es que no todo el público esté preparado para ver o entender la obra, pero nada más.

En definitiva, un espectáculo imprescindible que muestra el estado de buena forma que tienen los jóvenes creadores catalanes.
Laura Clemente.
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DocsBarcelona 2018: Cita ineludible para los amantes del documental (I).

Llega a Barcelona una nueva edición (la 21ª) de uno de los festivales internacionales de cine documental más importantes, con ediciones en Medellín (Colombia) y Valparaíso (Chile), el DocsBarcelona.

Del 16 al 27 de mayo, la muestra ofrecerá un amplio repertorio de documentales dentro de sus diversas secciones.

El festival se inaugura con “Petitet“, de Carles Bosch, que se estrena en première mundial en el DocsBarcelona. Esta conmovedora historia sobre un gitano catalán con una rara enfermedad crónica que sueña con llevar la rumba catalana a un gran teatro ha sido elegida para abrir el telón de uno de los eventos culturales más relevantes y exportables de Barcelona.

El director, Carles Bosch, cofundador del mítico programa de Televisió de Catalunya ’30 minuts’ en el año 1984, director de importantes reportajes y documentales, ha viajado por medio mundo cubriendo crónicas para el Telenotícies de TV3. En 2002 dirigió su primera película documental, la multipremiada “Balseros”, que fue nomidada a los Oscar. Luego siguió “Setembres” en 2006 y “Bicicleta, cullera, poma” en 2010, ambas también muy reconocidas y la tercera tuvo mucha difusión.


“Petitet” se podrá ver hoy 16 de mayo a las 19.30 en el Aribau Club en el marco de la inauguración, y el 25 de mayo a las 16h y el 26 de mayo a las 22.15 en la misma sala.

En la sección Panorama se ofrece una selección de los mejores documentales del panorama internacional más reciente. Las películas de esta sección compiten por el Premio DocsBarcelona TV3 al Mejor Documental y el Premio Nuevo Talento a la mejor película de los directores debutantes. Destacamos un film por sección pero en breve publicaremos otro artículo:

Over the limit” de Marta Prus (Polonia, Alemania, Finlandia)

La historia de la dureza del deporte, de la presión a la que se ve sometida la atleta de gimnasia rítmica rusa Margarita Mamun. ¿Vale la pena sacrificarse tanto por el éxito?

La directora fue miembro del equipo polaco de gimnasia rítmica durante 7 años y conoció de primera mano la dureza de este deporte. Posteriormente fue bailarina en el Hanna Kamińska Dance Studio.

La película ha sido premiada en ZagrebDox (Croacia) y en CineDoc Tbilisi (Georgia) y ha participado en diversos festivales.

“Over the limit” se podrá ver el 24 de mayo a las 17h y el 27 de mayo a las 18h en el Aribau Club.

En la sección Latitud, dedicada a los mejores documentales de la Península Ibérica y de América Latina (El premio Latitud DocsBarcelona está patrocinado por Antaviana Films), destacamos la cinta local “Eugenio” de Jordi Rovira y Xavier Baig, directores también (junto a Óscar Moreno), de la prestigiosa “Joana Biarnés, una entre todos”, premio Biznaga de Plata en el Festival de Málaga 2016.

Eugenio ha hecho reír a varias generaciones… ese personaje vestido de negro, que no se inmutaba al explicar los chistes más delirantes y que siempre fumaba y bebía mientras actuaba escondía a otro Eugenio fuera de los escenarios. Retrato del humorista a través de los ojos de sus hijos, parejas y amigos que despertará gran interés entre el público.

“Eugenio” se podrá ver el 19 de mayo a las 19.30 y el 25 de mayo a las 20.30 en el teatro del CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona).

La sección What the Doc ofrece siempre lo más arriesgado y hemos elegido “Treblinka“, de Sérgio Tréfaut (Portugal), que narra un viaje en tren a través de la Europa del Este del siglo XXI con destino a Treblinka, el campo de exterminio nazi. Basado en las memorias de Chil Rajchman “Treblinka: la memoria de un superviviente, judío polaco a quien arrestaron y enviaron al campo de exterminio de Treblinka en 1942 pero que logró escapar y escribir este testimonio único. Este documental nos muestra que actualmente no estamos muy lejos de ese pasado.

El director, Sérgio Tréfaut, es brasileño de nacimiento y luego fue a estudiar y trabajar a Europa. En Lisboa se convirtió en productor y director de cine. Sus documentales han sido premiados y proyectados internacionalmente en más de 40 países y su primer largo de ficción, “Viaje a Portugal” (2011) con María de Medeiros e Isabel Ruth también recibió varios premios.

“Treblinka” se podrá ver el 24 de mayo a las 19.45 y el 25 de mayo a las 14.15 en el Aribau Club.

Otra sección es DOC-U, dedicada a la exhibición del talento documental universitario de Catalunya (El premio DOC-U está patrocinado por 16nou), y el certamen ofrece las sesiones especiales En la brecha – Sesión interactiva, L’Alguer, un pentagrama com un carrer, Mies On Scene. Barcelona en dos actos y Shootball.

La muestra también ofrece un amplio programa para la industria cinematográfica: series documentales (acceso gratuito para todo el público), Interactive Screening, Mesa redonda interactiva, Public Pitch, Latin Pitch, Interactive Pitch, After Pitch, DocsPride Party, Hits and mises, Conferencia My Garage, Master Class 7 plans 7, etc.

Y os recordamos también El Documental del Mes, que nos ofrece la oportunidad de disfrutar de los mejores documentales del DocsBarcelona durante todo el año. Este mes de mayo se puede disfrutar de la película canadiense “Un hombre mejor” (“A better man”) de Attiya Khan y Lawrence Jackman, una producción valiente y necesaria de la actriz y cineasta Sarah Polley que aborda un nuevo paradigma para la prevención de la violencia machista.

En breve tendréis más noticias nuestras respecto al DocsBarcelona. Esperamos que disfrutéis del festival.

Laura Clemente.

Web del DocsBarcelona

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