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“Calígula”: Las razones del mal.

 

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En el Teatre Romea de Barcelona hemos asistido a uno de los platos fuertes de la temporada: una obra sólida y extraordinariamente lúcida, este Calígula de Albert Camus dirigido por Mario Gas, relato centrado en el emperador romano de ingrato recuerdo, símbolo de lo peor de esa época, la otra cara de la moneda de la civilización fundadora de la cultura occidental, que también llevó a sus extremos el poder absoluto, la asfixia financiera de sus llamados ciudadanos, las intrigas palaciegas, los espectáculos crueles… de lo que Calígula ha pasado a la historia como paradigma.

Desde el inicio nos recibe una impactante puesta en escena, con el escenario en  pronunciado desnivel y arquitéctura aséptica en contraste con el desatado frenesí al que asistiremos,  escenario que contribuye a aumentar nuestros desasosiego;  en seguida comprendemos que el Calígula (Pablo Derqui) que anhela capturar la Luna no lo hace porque desee aprehender su belleza, sino porque no tolera ninguna limitación en su poder.

A partir de esa inicial escena, contemplamos con el corazón encogido como una persona con poder absoluto sobre la vida y la muerte de sus subalternos, experimenta con ellos la contradicción que le produce saber que obra el mal y que disfruta con ello.

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Pablo Derqui está sin duda apoteósico, enorme: su interpretación capta toda la miseria moral del personaje, que no duda en crear artificiales distinciones entre quienes van a morir: los que considera más cobardes caen los primeros, pero eso no hace que ni su amigo Quereas (Borja Espinosa), ni su antigua cuidadora Cesonia (Mónica López), ni su propio hijo Escipión (Bernat Quintana) estén completamente a salvo. Resulta fascinante el juego al que somete a un dignísimo Quereas, a quien, pese a que el emperador conoce su papel director en el complot, perdona la vida desde su bañera. Tan sólo Helicón, (David Vert), esclavo liberto, acompaña a su amo hasta el final.

La aparición de este Calígula despierta el terror entre sus corifeos, ese terror servil,  a duras penas disimulado con heladas sonrisas y vacuas lisonjas; pero Calígula sólo atiende a Calígula, quien está en continuo monólogo con su poder, su capacidad de causar el mal y su decisión de hacerlo.

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El espectáculo va pasando y nos deja con el corazón encogido: humillaciones, asesinatos, abusos, el poder absoluto no tiene ninguna limitación más allá de la imaginación del soberano. Un estudio del mal en toda regla, un experimento sobre las raíces de la crueldad, sobre el bestial placer de hacer daño.

PROS DE LA OBRA: La deslumbrante interpretación de Pablo Derqui y la acertadísima puesta en escena.

CONTRAS: No apta para estómagos delicados.

Estará en el Teatre Romea hasta el próximo 10 de diciembre.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Romea – información sobre “Calígula”

Trailer de la Obra:

 

 

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“Paquito Forever”: Homenaje a una época.

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Ya en su libro “Nits de Barcelona”, el periodista catalán de principios del siglo pasado Josep Maria Planes glosaba la intensidad del ambiente flamenco en aquella Barcelona, contando la anécdota del viajero inglés que, llegado a Sevilla y exclamándose de no encontrar espectáculos flamencos obtuvo la sorprendente respuesta de que no era de extrañar, pues estaban todos los artistas en Barcelona…

En efecto, la Barcelona de revista y cabaret,  magníficamente evocada en el exitoso “Flor de Nit” de Dagoll Dagom estrenado en 1992 y en la que el Paquitu de la obra era este  Paco Alonso,  (Joan Lluís Bozzo, director de Flor de Nit,  es ahora precisamente el narrador de la historia),   nos es representada por medio de este musical con el bailarín como protagonista  quien,  llegado de su Andalucía natal, se dió a conocer en el Paralelo de los cincuenta aunque prefirió finalmente cruzar el charco, hasta Broadway, donde alcanzó cierta fama y reconocimiento con su gran estilo personal.

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Con el oficio propio de un gran director de teatro musical como Fran Arráez, junto a Gerard Alonso, se nos presenta en el Almeria Teatre de Barcelona este “Paquito Forever” inspirado en el bailarín y “transformista” Paco Alonso. El musical ha sido creado por ambos, con libreto de Fran Arráez, dramaturgia de Fran Arráez y Frank Capdet (de la compañía Gataro), dirección de Víctor Álvaro, música y dirección musical de Gerard Alonso, letras de Fran Arráez junto a Roser Batalla, Frank Capdet y Joan Vázquez, coreografía de Bealia Guerra y coaching vocal de Helen Rowson.

Como decimos, con narración de fondo de Joan Lluís Bozzo, éste “Paquito Forever” es interpretado por un magnífico Joan Vázquez, actor, cantante, músico y bailarín de gran talento.

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Lo que más nos ha gustado del espectáculo es la gran versatilidad de su protagonista, quien aparece ataviado de la más variada indumentaria de hombre y mujer e interpreta números musicales tanto de inspiración flamenca como cabaretera, con referencias a la vida portuaria y marinera, a la enfermedad de su madre, a su aventura americana… Versatilidad acompañada en todo momento al piano por Gerard Alonso (también por Haize Lizarazu en diversas funciones). La portentosa voz de Joan Vázquez se alza majestuosa en el escenario, con un magnetismo especial y mágico, que nos transporta hasta esos años dorados del Paralelo, hasta esa ciudad cosmopolita y abierta que ni siquiera bajo el yugo del franquismo perdió su insomne y febril actividad artística. El mundo de la revista era uno de los pocos ambientes donde la opresiva atmósfera de la dictadura se relajaba con cierta indulgencia, permitiendo una serie de números de “transformismo” y picantez que quedarían vetados en otros ámbitos y que hacían las delicias del público de la postguerra. Nombre menos conocido que otros grandes del Paralelo (como el también “transformista” argentino Johnson o Escamillo), Paco Alonso merece sin duda este homenaje que con tanta ternura se nos presenta.

La obra estará en cartel en el Almeria Teatre hasta el 26 de noviembre. Actualización: “Paquito Forever” prorroga en el Almeria Teatre todos los dominogs hasta el 7 de enero.

PROS DE LA OBRA: El gran trabajo del equipo artístico al completo da como resultado una obra impecable y muy emotiva. Sin duda la calidad de la interpretación de Joan Vázquez, con su prodigiosa voz y sus dotes de bailarín.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quienes no les guste el género musical.

Ignasi y Laura.

Web de Almeria Teatre – información sobre “Paquito Forever”

 

 

 

 

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“La pell escrita”: El valor de la elección.

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Hemos podido ver en Sala Atrium de Barcelona el mónologo “La Pell Escrita“,  cuyo autor es Manel Bonany y está dirigido por Manel Dueso e interpretado por Míriam Marcet.

Se trata de un brillante monólogo donde la protagonista evoca la peculiar e intensa relación amorosa, ya truncada, que tuvo con su “nino”.  Los vendajes que envuelven a la protagonista nos hablan de heridas,  físicas y emocionales.  La actriz encarna  magistralmente la esencia de la feminidad, de una feminidad inequívoca y militante, de una consciencia rotunda y determinada; y a pesar del canto a lo individual, a la elección personal e intransferible, la obra alude igualmente al juicio de los demás, al juicio de quienes pretenden arrogarse capacidad de decidir sobre los cuerpos ajenos. Metáfora de la metáfora, porque ese arrogado y nunca otorgado papel de juez en que se encarna la muchedumbre, es esbozado en la obra por una francachela de vándalos, bosquejados de modo particularmente sádico, brutal, descarnado…  del mismo modo que  probablemente deba de sentir sobre sí la mirada de los demás (y no solamente la mirada)  quien únicamente está facultado para querer ser: uno mismo.

Pero a pesar de las dificultades, de la necesidad de reivindicación y de lucha, por encima de todo está -enseña la obra de la mano de una prodigiosa Miriam Marcet- la propia dignidad, la convicción y lo espontáneo por encima del juicio, la censura y la imposición.

Nos ha encantado la obra porque aúna la exigencia de un monólogo con una caracterización muy particular, con una temática presentada a la vez con realismo y dulzura. Miriam Marcet mima, se recrea en el personaje, que nos es presentado como en un arrullo no exento de sobresaltos; imposible no sentirse identificados con él, porque todos en un momento u otro hemos sentido la incomprensión de nuestros semejantes, el rechazo y a veces la agresión despiadada.

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En ocasión de la temática de la obra, Sala Atrium ha organizado diversos coloquios postfunción para poder debatir determinados aspectos de ella, invitando a diversas entidades y personas representativas o activistas del colectivo trans, como acertado epílogo a la representación, para poder acercarnos a las particularidades de un colectivo muchas veces desconocido.

La pieza estará hasta el 19 de noviembre en la Atrium.

PROS DE LA OBRA: Sin duda, la delicada y convincente interpretación de Miriam Marcet.

CONTRAS:  No apta para quien le resulten desagradables las evocaciones de imagenes descarnadas y crueles.

Ignasi y Laura.

Web de la Sala Atriun – Información sobre La Pell Escrita

 

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“Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”: Nuestra pesada herencia.

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La joven compañía José y sus hermanas, formada por alumnos del Institut del Teatre, nos presenta en el  Teatre Tantarantana esta fascinante obra, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos“, que cuenta con el aval del propio Institut con el sello Talent IT que la institución concede a obras concebidas por sus alumnos a las que se juzga con suficiente calidad para acceder a los escenarios.

Con dramaturgia y dirección de Silvia Ferrando y la genial interpretación de Francesc Cuéllar, Alejandro Curiel, Marta Díez, Carme González, Carolina Manero, Gemma Polo Glòria Ribera, sin duda, esta obra, por su elevado impacto visual, ingenio y plasticidad, es una de las imprescindibles de la temporada.

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Con el hilo conductor de una supuesta trama para trasladar los cuerpos de personajes tan dispares como Francisco Franco y Federico García Lorca a fosas comunes en los aledaños del propio Institut del Teatre, la obra nos presenta diversos cuadros que pretenden trasladar al espectador algunas de las esencias españolas de la transición, desde finales de los setenta hasta nuestros días. No dejan títere con cabeza: desde los episodios más negros de la Guerra Civil y la postguerra (sobrecogedoras referencias a las desapariciones forzadas), la caricatura de las  familias pijas afectas al régimen, hasta las chonis y canis poligoneros /as, pasando por el desarrollismo, el gusto por la música y vestimenta hortera, la inmigración,  el culto al turista, la canción protesta,  todo ello presentado a base de números musicales (genial parodia de la canción “Mi querida España” de Cecilia), desnudos integrales con vertido de pintura, incluso un curioso concurso de adivinar si determinadas frases habían sido pronunciadas en dictadura o democracia…

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No nos equivoquemos: con una estética desenfadada e irónica, la tesis de la obra es más bien pesimista: España es el país europeo donde una dictadura ha durado más años, donde más desapariciones forzadas hubo,  y por tanto, la destrucción del pensamiento, de la cultura y de las libertades ha dejado un poso de alienación colectiva, una pauperización de la vida cultural y una degeneración de los valores que sigue teniendo efectos otros cuarenta años después; además muchos políticos de derechas de hoy son directamente familia de políticos franquistas.

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PROS DE LA OBRA: Su original estética y variedad de recursos, desde la danza, música, la expresión corporal y la proyección de imágenes, hasta la interpretación excelente de sus protagonistas y la labor de investigación y documentación desarrollada por la dramaturga.

CONTRAS: Tal vez una imagen de España excesivamente pesimista, como si en el país nadie leyera un libro o tuviera un mínimo de pensamiento crítico.

Por desgracia la obra sólo estará en cartel hasta este domingo 29 de octubre por lo que debéis daros prisa si queréis disfrutar con ella.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”

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“Dos Familias”: Choque entre acogida y paternidad.

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Hemos ido a ver la obra “Dos Familias“, de José Pascual Abellán, dirigida por Sergio Arróspide y producida por Cía. La Familia, en Sala Atrium de Barcelona.

El tema de partida es tan interesante como conflictivo: ¿qué pasa cuando una familia de acogida tiene que devolver a su familia biológica (ya sea el padre, la madre o ambos) el niño al que durante un tiempo ha cuidado? Lo que en principio debería ser asumible y correcto se convierte en una situación de angustia vital tanto para la familia de acogida que se tiene que desprender del niño que ha criado con tanto amor, como para el progenitor de origen que se ha recuperado de su propio infierno y que no obstante se enfrenta a una situación también angustiosa.

Los primeros no asimilan la inminente pérdida, aunque sabían desde el primer momento que esto era muy probable que pasara. Y además, dudan de que ese niño vaya a estar mejor con su familia biológica, dudan de que la reinserción haya funcionado. Y al segundo le da vértigo el momento que tanto ansiaba y por el que tanto ha luchado, y también duda de sí mismo.

No obstante, ambas partes saben que aunque el bien mayor a proteger es el bienestar de la criatura, nadie puede arrebatar un hijo de su padre.

Obra sencilla, emotiva, dolorosa, luminosa, esperanzadora. Te pones desde el primer momento en la piel de los tres personajes, cada uno expresa con una honestidad y transparencia abrumadoras todo aquello por lo que está pasando, con todos los cambios sutiles que van apareciendo.

Impecable el trabajo de los actores: Anabel Totusaus, Pau Sastre y Eduardo Telletxea. Dirección milimétrica, concisa, justa, con un resultado tan natural como la vida misma. Y el texto brillante, que como una rosa se va abriendo y sacando a la luz muchos aspectos y cuestiones que todos llevamos dentro.

“Dos Familias” estará en Sala Atrium hasta el domingo 29 de octubre. Un espectáculo muy recomendable para todo aquél que esté interesado en el tema de la acogida y para los amantes del teatro más realista.

María Rosa Iglesias con la colaboración de Laura Clemente.

 

Web de Sala Atrium – Información sobre “Dos Familias”

 

 

 

 

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“Blade Runner 2049”: Hipnótico espectáculo.

Desde el momento en que se supo que iba a rodarse 35 años después de que fuese estrenada una secuela de la emblemática “Blade Runner” (1982), se generaron una serie de expectativas, alimentadas (cómo no) por las redes sociales, que han llevado a que el estreno hace apenas unos días de esta tardía segunda parte haya sido recibida con un nivel de ansiedad cinéfila poco dada a ver en los tiempos que corren. Sin ir más lejos, el que aquí firma se pasó una larga hora haciendo cola para entrar en un cine de Barcelona el sábado posterior a su estreno, algo que no recuerdo haber hecho desde aquellos lejanos tiempos de niñez y adolescencia en los que, dejando de lado la televisión o acaso los reproductores de vídeo, la forma habitual en que veíamos películas era en salas de cine, la mayoría de ellas de una sola pantalla, donde muy a menudo el estreno de determinados títulos era recibido como un auténtico acontecimiento, algo que muy raramente suele ocurrir en la actualidad. A la postre quizá la cosa no ha sido para tanto a tenor de las cifras de recaudación relativamente pobres que ha obtenido la película en Estados Unidos en sus primeros días de proyección.

Sea como sea, cuando me enteré de que se iba a realizar “Blade Runner 2049”, no pude más que tener una sensación de escepticismo. Es obvio que esa enorme maquinaria industrial que es Hollywood hace mucho tiempo que prefiere no arriesgar en proyectos de cierta originalidad y apuesta, en cambio, por secuelas que, en algunos casos (véase por ejemplo lo que está pasando con “Alien”) acaban casi malbaratando grandes títulos del cine popular. Aunque también se le puede dar la vuelta a esta idea y considerar que, precisamente, estas nuevas películas no hacen más que redimensionar el valor de los originales en los que están basados. Sea como sea, Blade Runner, como se sabe, film que dirigiera Ridley Scott basándose en un relato de Philip K. Dick, se me antoja una obra tan descomunal por si misma, que me resultaba extraña la idea de enfrentarme con una continuación tantos años después.

De entrada hay dos grandes aciertos que sí hay que reconocer en aquellos que pusieron en marcha el proyecto: alejarse temporalmente del momento en que terminaba la anterior película (algo, de todas formas, inevitable si se quería incluir personajes icónicos que aparecían en el film original, dado que los actores que los interpretan, obviamente, han envejecido) y escoger un gran director actual como es el canadiense Denis Villeneuve para llevar adelante el trabajo.

Debo decir que Villeneuve, realizador al que debemos títulos del mérito de “Prisioneros” (2013), “Sicario” (2015) o “La llegada” (2016) (película, esta última, que muchos consideran ya un referente del cine de ciencia ficción moderno), ha estado a la altura de la responsabilidad que se le ha dado, y ha conseguido crear un film en el que, sin duda, ha dejado su propia huella como autor.

Como hemos apuntado y como de hecho indica el título de la película, la historia de esta secuela ocurre bastantes años después de la original. Nos encontramos con un replicante (ya se sabe, una suerte de androide) de nombre K (interpretado por un acertado Ryan Gosling) que ejerce como Blade Runner, es decir, se dedica a “retirar” (eufemísticamente hablando) a otros replicantes como él que han decidido ejercer el libre albedrio en contra de lo que se considera legalmente establecido. El mismo trabajo, pues, que tenía Rick Deckard, el personaje (en principio humano) de Harrison Ford en la película que él protagonizaba. En uno de sus encargos, K se enterará de algo que trastocará completamente los principios de programación con los que actúa, y empezará una historia de descubrimiento que tiene tanto de detectivesco como de proceso existencial. En este sentido, las grandes preguntas que planteaba el film original, y que no son otras que los grandes interrogantes que acarrea la existencia humana (¿quién soy yo? ¿cuál es el sentido de mi existencia? ¿hay algo más después de esta vida?), continúan presentes, unidos a otros que tienen que ver no ya con el futuro, si no con nuestro mundo actual (aspectos relacionados con la clonación, la realidad virtual…).

Villeneuve no descuida la parte de gran espectáculo que necesariamente tenía que tener la película. Todo lo contrario, “Blade Runner” es un film deslumbrante en su apartado visual y sonoro. Un trabajo de gran belleza formal que, ineludiblemente, hay que disfrutar en una sala de cine bien equipada tecnológicamente. Otra cosa bien distinta es que la película consiga llegar emocionalmente al espectador más allá de la capacidad de epatar que tengan sus poderosas imágenes. En este sentido, Villenueve juega básicamente con dos cartas: la aparición esporádica de viejos personajes (con, lógicamente, el que encarna un excelente Harrison Ford a la cabeza) que activa la nostalgia del espectador, y la relación que se establece entre el protagonista que personifica Gosling y una suerte de novia virtual interpretada por una sorprendente Ana de Armas. Es en dicha relación donde aparece la emoción autentica que se echa mucho de menos en buena parte del film. En este sentido, los villanos, encarnados por un excesivamente solemne Jared Leto, y una mucho más interesante Sylvia Hoeks, capaz de pasar de la fragilidad emocional a mostrarse francamente amenazadora en apenas un instante, quedan algo a medias si se trata de ofrecer al relato el contrapunto necesario que lleve a su héroe central a una evolución completamente verosímil. Tampoco nos parece que la relación que se establece entre éste y el personaje que interpreta Robin Wright (una actriz a la que, en cualquier caso, siempre agradecemos ver en pantalla) acabe de estar del todo bien definida.  También nos hubiera gustado que se hubiera desarrollado un poco más el personaje de la científica que encarna Carla Juri, joven intérprete de magnética presencia en pantalla cuya carrera habrá que seguir con interés. Igualmente, creemos que el personaje que encarna con solvencia Mackenzie Davis (vista anteriormente en uno de los episodios de la imprescindible serie “Black mirror”), se queda un poco cojo.

Con todo, hay que decir que no lo tenían nada fácil Hampton Fancher y Michael Green, los guionistas de la película, para llevar a buen puerto un proyecto de las dimensiones que se traían entre manos. El resultado, como hemos apuntado, es algo desigual, pero mantiene la esencia del film original. En el apartado técnico, la fotografía de Roger Deakins resulta portentosa, y tampoco está nada mal la música de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, inevitablemente, muy en la estela de Vangelis.

En suma, Denis Villeneuve ha conseguido realizar una película quizá no perfecta pero sí a la altura de esas expectativas a las que nos referíamos al principio, hipnótica y de gran calado intelectual, con suficientes matices como para que, quizá, lleguemos a apreciarla incluso más con el paso del tiempo como, de hecho, ya nos pasó con el film en cuyo distópico mundo vuelve a sumergirnos.

Ricard con la colaboración de Laura Clemente.

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“Sólo creo en el fuego”: Henry Miller y Anaïs Nin en la intimidad.

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“Sólo creo en el fuego. Vida Fuego. Estando yo misma en llamas enciendo a otros. Jamás muerte. Fuego y vida.”

Esta famosa cita de la escritora franco-americana Anaïs Nin, que refleja su apasionada personalidad y su manera de relacionarse con sus parejas, es toda una declaración de intenciones y da nombre al título de la obra de la que os hablamos en esta ocasión.

Sólo creo en el fuego” es un espectáculo creado por la compañía Los Prometidos, formada por Ángela Palacios y Carlos Martín-Peñasco desde 2016. Ellos son los protagonistas de la obra y también se encargan de la dirección, la dramaturgia, la escenografía, la puesta en escena y el vestuario, acompañados por Laura Cortés como ayudante de dirección, Mª Paloma Remolina Gallego en la iluminación y el sonido (creando una excelente banda sonora de la obra, desde “La Bohème” de Charles Aznavour, pasando por Edith Piaf y el “Truhán” de Julio Iglesias hasta la música más contemporánea, ) y Rubén Rocha en el vídeo y en el diseño gráfico.

La obra es un viaje íntimo al universo de la relación entre el escritor americano Henry Miller con Anaïs Nin a través de la correspondencia que mantuvieron durante 20 años (os recomendamos la prestigiosa edición de Gunther Stuhlmann en inglés, su idioma original, de estas famosas cartas). La pareja se conoció en el París de 1931 y de forma inmediata se encendió la pasión entre ellos. Una relación muy intensa en medio de la bohemia y una época convulsa, que queda reflejada en los diarios de Anaïs Nin. Su marido, Hugo (el banquero y artista Hugh Parker Guiler), no aparece casi en los diarios a petición de él, pero mantuvo siempre una buena relación con Nin, debido a la gran devoción que profesaba por ella y al cariño que Nin le tenía.

Henry y Anaïs compartieron su pasión por las letras (fue un período muy fructífero literariamente para los dos. Miller publicó su famosa novela “Trópico de Cáncer” en 1934. Nin había publicado un ensayo sobre D. H. Lawrence en 1932 y el impresionante primer volumen de sus diarios comprende el período de 1931 a 1934) y por la vida hasta que más tarde se separaron y continuaron su relación por correspondencia (hasta 1953).

La obra consigue traernos el fuego surgido entre ambos artistas, ese carpe diem, a través de unos diálogos muy ágiles, una encarnación sorprendente en los personajes, una potente escenografía donde las camas y la máquina de escribir juegan, se mueven y se transforman, donde se habla de censura, de atrevimiento y de riesgo, y los autores nos traen sus propias historias y las comentan con el público como si de una nota a pie de página se tratara, pero de una forma muy divertida que da ligereza a la trascendencia de la relación entre los dos grandes escritores.

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En definitiva, una obra que ha sabido transmitir muy bien el espíritu de los personajes trasladándolo a 2017 y haciéndolos nuestros. Gran trabajo de Ángela Palacios (os recordamos nuestra reseña sobre un anterior espectáculo de ella, “Mirta en espera“) y Carlos Martín-Peñasco, completos creadores que transmiten su pasión por la literatura y el teatro a los espectadores.

PROS DE LA OBRA: La devoradora pasión creadora y de lujuria que embarga a los actores y envuelve al público. La cálida y sensual atmósfera que consiguen crear los autores-directores.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para alérgicos al humo.

La obra se podrá ver en La Badabadoc del barrio de Gracia de Barcelona (Calle Quevedo, 36) hasta el domingo 22 de octubre, y para nosotros es una de las sorpresas más gratas de la temporada.

Laura e Ignasi.

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