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“Velvet Buzzsaw”: Ácida visión del mundo del arte.

Resulta extraño acostumbrarse al hecho de que algunos de los estrenos cinematográficos más sonados del año se puedan dar en las llamadas plataformas de streaming. Es decir, que sin salir de casa uno pueda ver alguno de los films que más van a sobresalir en las inevitables listas de lo mejor de la temporada que anualmente pueblan las secciones de cultura de prensa generalista, revistas especializadas, y mil y una webs dedicadas al arte cinematográfico.  Aunque en honor a la verdad, quien más ha querido jugar esta carta hasta el momento ha sido Netflix, capaz de generar una gran cantidad de contenidos de escasa repercusión artística y, a la vez, producir películas de una calidad incontestable como en el caso de la oscarizada (aunque no se llevase el premio a mejor película) “Roma”.

Sin llegar ni mucho menos al nivel de la película de Alfonso Cuarón, se ha estrenado no hace mucho “Velvet Buzzsaw”, film dirigido por Dan Gillroy, y que cuenta en su reparto con actores y actrices del prestigio de Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Toni Collete, Zawe Ashton y John Malkovich.

Dan Gillroy ha dado muestras de su talento en películas recientes como “Nightcrawler”, contundente crítica contra el periodismo sensacionalista también con Jake Gyllenhaal en el papel principal y que me atrevo a calificar de obra maestra, o “Roman J. Israel”, trabajo protagonizado por Denzel Washington mucho menos destacable aunque interesante, que pasó discretamente por las sobrecargadas pantallas de nuestros cines y que versaba sobre un personaje real (al que da nombre el título del film) que sobresalió por su activismo social desde su posición de hombre de leyes.

Como hemos dicho, ahora ha estrenado directamente en Netflix “Velvet Buzzsaw”, cuyo argumento de entrada llama mucho la atención: un crítico de arte, de nombre Morf Vandewalt (interpretado por Gyllenhaal) y propietario de una galería de Los Ángeles regentada también por Rhodora Haze (Rene Russo), descubre por intermediación de una de sus empleadas (Zawe Ashton) la obra de un artista muerto completamente desconocido. Dándose cuenta de la genialidad de sus pinturas, los personajes mencionados y algunos otros, intentaran sacar partido mercantilista de dicha obra. Pero una serie de misteriosos y aparentemente sobrenaturales acontecimientos empezaran a trastocar sus intenciones.

El film juega a ser un trabajo de género (terror) con generosas dosis de humor negro. Aunque ambas cosas se ven engullidas un tanto por la crítica hacia el mundo del arte actual que está claro que quiere realizar Dan Gillroy. En este sentido, los personajes de la película, a cual más estereotipado, acaban teniendo un punto caricaturesco que no ayuda a sacar el mayor partido a interpretes del nivel de Toni Collete o John Malkovitch.

Con todo, los elementos que hacen distintivo el cine de Gillroy están ahí empezando por una muy elegante puesta en escena que, en este caso, y creemos que de forma consciente, deriva a un cierto formato televisivo, especialmente apreciable en la segunda mitad del film.

Y es precisamente el tramo que se inicia en ese punto intermedio de la película, cuando, de hecho, se abraza plenamente el género fantástico-terrorífico hasta entonces apenas insinuado, el momento clave en que el espectador tiene que decidir definitivamente si entrar en el juego que se le propone, teniendo en cuenta que la verosimilitud va a brillar por su ausencia a partir de ese instante (ya se sabe que el hecho de que una película sea de género fantástico no significa que tenga que ser inverosímil).

Desde esta perspectiva, “Velvet Buzzsaw” tiene un punto francamente divertido para el espectador que simplemente quiera dejarse llevar.

Y luego está el ya mencionado aspecto crítico sobre el mundo del arte actual. Ya hemos dicho que los personajes están estereotipados, pero no es menos cierto que los dardos envenenados que lanza el film apuntando a la sobrevaloración artificial de cierto tipo de trabajos artísticos, lo injustificado de la etiqueta “genio” colgada a según quien y el esnobismo de ciertos agentes que consideran que el arte solo debe pertenecer a una minoría selecta (sobre todo si dicha minoría está dispuesta a pagar un dineral por la obra de turno), tienen su punto de verdad. En este sentido, es más que reveladora la última escena del film que, obviamente, no vamos a explicaros aquí.

En definitiva, un título irregular, pero diferente y con puntos de interés que podéis contemplar con simplemente encender vuestro televisor.

Ricard.

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Lita Cabellut: Clasicismo avanzado.

Aunque sea de forma ocasional, en nuestro espacio también queremos dar cabida a las recomendaciones relacionadas con el mundo del arte y del diseño, sobre todo cuando nos enteramos de alguna exposición o muestra que tiene que ver con algún artista por el que sentimos especial debilidad. Es el caso de Lita Cabellut (Sarieña, Huesca,1961), creadora de ascendencia gitana a quien la Fundació Vila Casas de Barcelona dedica una retrospectiva cuya inauguración se dio el pasado mes de octubre y que durará hasta el 27 de mayo. Aunque se da el caso de que es la artista española más cotizada del mundo en este momento con solo dos nombres masculinos por delante (Miquel Barceló y Juan Muñoz), ello no significa que no siga siendo una gran desconocida para el público no especialmente versado en el mundo del arte.

De biografía novelesca (no conoció a su padre y su madre la abandonó cuando solo contaba con 3 meses dejándola con su abuela en Barcelona quien la crió hasta su muerte, siendo después de eso internada inicialmente en un orfanato y adoptada por una familia a los 13 años), la propia Lita Cabellut cuenta que su atracción por el arte empezó en una visita al Prado donde pudo admirar la pintura de autores como Goya, Velázquez o Ribera. En 1978 pudo montar su primera exposición en Masnou, y poco después se trasladaría a Holanda con su familia adoptiva, descubriendo allí nuevos artistas que supondrían también una gran influencia para ella, como es el caso de Rembrandt. Más tarde se interesaría por nombres como Francis Bacon, Pollock, Frida Kahlo o Tàpies.

Creadora multidisciplinar (ha dejado su huella no solo en la pintura, sino también en la escultura, la fotografía, la poesía o el arte videográfico), Lita Cabellut destaca especialmente por sus muy reconocibles, normalmente enormes, y siempre inquietantes oleos. En concreto, los retratos de Cabellut que forman el grueso de la exposición a la que nos referimos aquí, destacan por su hiperrealismo, y van desde temáticas simbólico-poéticas a otras más sórdidas como puede ser la de la violencia contra las mujeres. De cualquier forma, casi siempre está presente el paso del tiempo buscando crear texturas de piel en los personajes que muestra de manera que podamos ver no solamente este aspecto en sí, sino también la huella que deja en el carácter o personalidad de las personas, acercando a la artista de esta forma también al expresionismo. A ello contribuye igualmente el uso muy peculiar que hace de los pigmentos.

La Fundació Vila Casas inauguró un nuevo espacio expositivo con esta muestra que, dicen en su web “quiere traspasar los límites de lo convencional para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y retrato psicológico con un clasicismo latente”. Ciertamente advertimos en la obra de Lita Cabellut una impronta propia de esos artistas que están predestinados a influenciar a otros en el presente o el futuro, como ocurre con los nombres a los que hemos aludido en esta entrada de nuestro blog a los que la  propia Cabellut  tanto admira y que tanto la han inspirado. Se podría decir pues que esta exposición da cuenta de una creadora que, siendo absoluta, casi diríamos que rabiosamente moderna, se revela anticipadamente como un nombre ya referencial de su época.

Conectando pues con lo que decíamos al principio, os recomendamos encarecidamente que paséis por la Fundació Vila Casas para disfrutar de esta preciosa exposición.

Ricard.

Web de la Fundació Vila Casas – Información sobre la exposición Lia Cabellut: Retrospective

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BAU Design Forum: Uno de los eventos más relevantes del mundo del diseño.

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El 21 y 22 de septiembre se celebra BAU Design Forum, III Jornadas Interdisciplinares de Diseño y Comunicación, en la sede de BAU, Centro Universitario de Diseño de Barcelona, en calle Pujades, 118 (Edificio A), en el emergente barrio de Poblenou.

BAU Design Forum surgió para establecer un punto de encuentro y reflexión en torno al diseño desde una dimensión multidisciplinaria y está destinado a todas aquellas personas (estudiantes, antiguos alumnos, profesores, profesionales e investigadores) interesadas en explorar los nuevos horizontes éticos, sociales y políticos del diseño contemporáneo.

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En la presente edición, donde se pondrán a debate las implicaciones de cualquier acto de diseño como acto de transformación en el ámbito social, político y ambiental, los participantes son Rafa Martínez de Folch Studio, Laia Miret de PlayGround, CarrySomers de Fashion Revolution, Joan Miquel Gual de La Borda, Miguel Mesa del Castillo, Virginia Tassinari, Vermibus de OpenWalls Gallery, Mercè Rua de Holón y Elisabeth Lorenzi.

BAU, Centro Universitario de Diseño de Barcelona, ​​tiene como una de sus principales máximas la de formar diseñadores capaces de entender los cambios sociales, culturales y económicos que hacen que el diseño sea actualmente un valor estratégico para dar respuesta a las demandas de nuestra sociedad. Otro objetivo primordial de este prestigioso centro que quiere consolidarse como centro de referencia a nivel nacional e internacional es promover la formación, el conocimiento, la cultura, la innovación y el desarrollo del diseño y la comunicación a través de una formación universitaria de calidad que forme diseñadores capaces de hacer frente a cualquier reto profesional.

El Comité Organizador de BAU Design Forum 2017 está formado por:

Dr. Ramon Rispoli – Coordinador científico

Elisa Amann – Moda
Pierino dal Pozzo – Interiores
Pau De Riba – Gráfico
Frank María – Audiovisuales
Dra. Teresa Martínez – Comité científico
Dra. Rebecca Mutell – Comité científico

Próximamente publicaremos otra entrada con nuestras impresiones de este relevante evento del mundo del diseño.

Laura Clemente.

Web de Bau Design Forum

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BJöRK en Barcelona (Poble Espanyol, 24/07/15): Verbena islandesa.

Björk llegó a Barcelona el pasado viernes y como si quisiera traer algo de su Islandia natal con ella, aparecieron, apenas dos horas antes de su concierto, unos amenazantes nubarrones negros que taparon casi por completo el cielo de la Ciudad Condal. Ello solo sirvió para aumentar la sensación de tremendo bochorno que sentíamos quienes nos dirigíamos al Poble Espanyol (donde se iba a celebrar la actuación), preguntándonos si no estaríamos mejor quizá al lado de un ventilador tomando un buen granizado de limón. Pequeños momentos de debilidad para aquellos  que sabemos que no podemos vivir sin música y que, contra viento y marea, siempre solemos estar allí.

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Björk venía a presentar su último disco, el desolador “Vulnicura”, un trabajo que, en cierta forma, me ha reconciliado con ella. No es que mi admiración por la islandesa hubiese decrecido realmente de un tiempo a esta parte. En realidad, se puede decir que se habían unido amigablemente las (sin duda loables) ansias de experimentación de la cantante, con mi absoluta pereza mental. De allí que hubiese observado desde la distancia los últimos pasos realizados por la artista. Empujado por las buenas críticas recibidas por su más reciente propuesta, he vuelto a sumergirme en su mundo.

Tampoco es que “Vulnicura” sea un álbum fácil que ignore por completo las ganas de tantear nuevas fórmulas sonoras. Pero, salvo en algunos momentos aislados, uno no tiene la sensación de que la artista caiga en una cierta retórica experimental como sí ocurría en sus dos o tres anteriores trabajos. No, en “Vulnicura” no hay apenas espacios vacíos; más bien todo lo contrario: es un disco casi asfixiante, de intensa y dolorosa belleza, su particular “Blood on the tracks” (Bob Dylan), o “Forever blue” (Chris Isaak), aunque sin margen alguno para el desahogo del oyente. El canto doliente de un corazón roto en mil pedazos (la tan cacareada finalización de su relación con el artista Mathew Barnney ha sido, como bien se sabe, fuente de inspiración continua en este disco).

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Así las cosas, podíamos esperar que la presentación en directo de este trabajo sería cualquier cosa menos una fiesta. Pero Björk en directo es otra cosa. Acompañado de una orquesta de cuerda, del productor y D.J. venezolano Arca, y del percusionista (especialmente resaltable su trabajo) Manu Delgado, la artista apareció en escena con un atuendo parecido a un kimono japonés y con una estrafalaria máscara que tapaba la parte superior de su rostro. Arrancó con “Stoned milket”, primera pieza de “Vulnicura” (confieso sentir algo parecido al síndrome de Stendhal cada vez que escucho esta canción), y siguió desgranando la mayor parte de los cortes del álbum. Sin concesiones pues a un público entregado que parecía seguir hipnotizado las evoluciones (graciosos bailes incluidos) de la cantante  en el escenario, mientras al fondo se proyectaban imágenes (la mayor parte de ellas relacionadas con la naturaleza) que conectaban bien con la música.

Un espectáculo, en suma, relativamente sobrio, aunque hubo instantes de pirotecnia (fuegos artificiales lanzados desde los lados del escenario en momentos precisamente programados), e incluso dos cañones que emitían llamaradas que fueron empleados al final de “Mouth mantra”. Una pequeña verbena islandesa en la calurosa noche de Barcelona. No hubo necesidad de más: la voz, ya sabiamente domesticada de Björk, y el poder de las canciones, fue suficiente para que la artista mantuviera nuestra atención durante la algo más de hora y media de actuación. Ni siquiera hubo asomo de algo parecido a un repaso de greatest hits: recuperó temas como “Come to me”, “Wanderlust” o “All neon like” (quizá lo más parecido a una canción popular que sonó en el Poble Espanyol).

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Posiblemente los que nunca habíamos podido vivir la experiencia Björk en directo hubiésemos deseado una mayor condescendencia por parte de la artista en el tramo de los bises (tan solo uno acompañada únicamente del antes mencionado Manu Delgado). Hubiese sido un gran colofón final a una velada que, dejándonos arrastrar por el tópico, resultó mágica.

Ricard.

Os dejamos con el vídeo de “Lions”, single de presentación del último disco de Björk:

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La Galería Piramidón celebra su 25 aniversario con una muestra dedicada a Carlos Pazos.

Piramidón Centre d´Arts Contemporani celebra su 25 aniversario y lo hace con una  muestra dedicada a Carlos Pazos. La singular galería barcelonesa, situada en los pisos altos del edifico donde se ubica en la calle Consell de Cent, siempre se ha caracterizado por reunir talleres de distintos artistas cuya producción es objeto de coleccionismo por parte de los impulsores del centro y además se presenta regularmente en muestras temporales. Cabe destacar entre los integrantes habituales de este espacio a Guillermo Pfaff, Diego Pujal, Stella Rahola Matutes y el mencionado Carlos Pazos.

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Carlos Pazos

Pazos, toda una revelación en los años 70, década en la que parecía que iba a estallar como artista de gran proyección, merece sin duda esta retrospectiva, pues creemos que su trayectoria no ha sido nunca suficientemente reconocida, al menos en un sentido mercantil, pese haber recibido algunos importantes premios (cabe resaltar que Piramidón es un espacio muy enfocado a la venta de arte y no solo a la mera exposición).

En las antípodas del tan archifamoso como insufrible (nos referimos a su trabajo artístico) Jeff Koons (“un vendedor de globos muy caros” tal y como se decía en la sección cultural del periódico La Vanguardia en fecha del 13 de julio), con el que podría tener ciertas similitudes conceptuales, aunque lo consideremos como alguien, en realidad, mucho más interesante, Pazos ha tenido algunas retrospectivas en diversos grandes museos. Pese a ello, su obra sigue siendo bastante desconocida incluso en ámbitos artísticos, y se vende (digámoslo explícitamente) a un precio más bien bajo.

Carlos Pazos (Barcelona, 1949), estudió inicialmente arquitectura, aunque después se especializó en diseño. Su obra se caracteriza por una continua exploración de la propia identidad y la poética del objeto. Usando toda clase de elementos (incluyendo los de desecho), en su haber artístico caben muy diversas temáticas, desde las más transgresoras y divertidas, a las mas melancólicas y reflexivas.

Os dejamos con algunas imágenes de su obra y os instamos a que si tenéis la oportunidad os paséis por la galería Piramidón (su muestra se podrá ver durante todo el verano).

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Ricard.

Para más información clica abajo:

Web de Piramidón/Información sobre Carlos Pazos

Web de Carlos Pazos

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“La revolta dels àngels”: Onírica melancolía.

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En el Teatre Akadèmia de Barcelona hemos asistido a “La revolta dels àngels”, del dramaturgo francés contemporáneo Enzo Cormann, con traducción de Joan Casas y dirección de Nicolas Chevallier. En un oscuro garito de cualquier ciudad del mundo, -de fondo la profunda voz de Tom Waits-, una noche se encuentran, bajo los efluvios del alcohol y el humo del tabaco, los espectros del artista pop y grafitero Jean Michel Basquiat (David Menéndez), el trompetista Chet Baker (Xavi Sáez) y el dramaturgo Bernard Marie Koltès (Guillem Motos). A todos ellos les une una prematura muerte con escasos meses de diferencia, a finales de los ochenta.  A pesar de esa circunstancial -o no- coincidencia, cada uno de los protagonistas nos transmite una personalidad muy diferente, cautivadora cada cual a su  modo.

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Potente actuación de David Menéndez encarnando a un Basquiat lúcido en su delirio, que desgrana verdades sobre mitomanía y la muerte del arte mientras narra la suya propia por sobredosis. Por su parte, Guillem Motos da vida a un Bernard Marie Koltès con un aire pensativo, lánguido y abrumado, sin palabras ante el caos y la violencia que tan bien representa en obras míticas como “Roberto Zucco“. Chet Baker contempla al histriónico Basquiat y al melancólico Koltès con cierta ironía y distanciamiento;  todos narran su muerte como algo fatal y consustancial a su condición de artistas, como un accidente que no acabaran de comprender. En efecto, en la obra encontramos la pregunta implícita de qué rara fatalidad lleva a muchos artistas a morir prematuramente, como si su genialidad les alejara de la voluntad de vivir, como si esta voluntad les pareciera prosaica, como si sólo dieran valor a su obra como la única parte trascendente de sí mismos que merecería la pena, y a la que pretenderían dejar paso.

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Cormann representa al creador que ya ha cumplido con su obra, obra que será a menudo mal entendida, vilipendiada, o simplemente ignorada. Acabado su papel,  el artista se convierte en un icono en manos de sus seguidores, quienes parece que esperan de él precisamente que “trascienda”, es decir que desaparezca y les deje a solas con la obra y les permita dar rienda suelta a su mitomanía. En diversos momentos de la representación, estos ángeles rebeldes se lamentan del uso que se hace de ellos, de este vivir alejados de lo humano, en el imaginario colectivo, como meros símbolos, iconos o más sencillamente, productos de merchandising. Así la obra se lee como un diálogo entre la persona y el personaje. Muertos, lejos del frenesí que llenó sus vidas,  los tres espíritus, liberados ya de las convenciones que tampoco siguieron demasiado, añoran el poder ser, la vida que nunca vivieron plenamente al filo de la repercusión de sus obras. Deliciosa música de Tom Waits, Lou Reed, y The Doors que enmarca perfectamente ese aire melancólico que pergeña la representación, que deja en el aire, como suspendido, un aroma de despedida y muerte.

La obra estará en el Teatre Akadèmia hasta el 26 de abril, así que os animamos a irla a ver.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Akademia/Información sobre “La revolta dels àngels”

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