Archivo mensual: marzo 2014

“Ripper Street”: Bajo la sombra del destripador.

Nos encontramos en 1888. La gran urbe que es Londres vive aterrorizada por un asesino en serie apodado Jack el destripador. El individuo en cuestión ha matado a varias mujeres, todas ellas prostitutas, de la forma más atroz, pues la mayoría de sus víctimas son encontradas terriblemente mutiladas. Se especula con la identidad del asesino: ¿es acaso un cirujano, dada su habilidad diseccionadora? ¿O nos encontramos quizá ante un miembro de la nobleza británica tal y como apuntan algunos leves indicios? ¿Quién puede saberlo?

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El equipo de investigadores de la comisaría de Whitechapel (barrio de Londres en el que suele actuar el destripador) está encabezado por el estricto inspector Edmund Reid (Matthew Macfayden) una suerte de detective visionario que utiliza técnicas forenses poco menos que parejas a las de un equipo del CSI, aunque, claro está teniendo en cuenta la época en la que nos encontramos, realizadas con medios más rudimentarios. Junto a él se encuentran el capitán Homer Jackson (Adam Rothenberg), norteamericano ex miembro de la famosa agencia de detectives Pinkerton con grandes conocimientos científicos y un oscuro pasado, y el sargento Bennet Drake (Jerome Flynn), hombre cuya inclinación a la violencia es tan intensa como la bondad que anida realmente en su corazón. Mientras Jack deja de actuar, los tres personajes descritos se enfrentarán a toda clase de misterios a la vez que sobre ellos persiste la sombra del destripador a quien siguen queriendo atrapar.

Es tal la avalancha de series interesantes, cuando no directamente imprescindibles, que se están produciendo en la actualidad, que resulta imposible visualizar todas ellas a menos que uno se dedique a hacerlo como si de un trabajo a tiempo completo se tratara. Por eso es fácil que se nos “escape” algún serial que nos pueda resultar particularmente atractivo. En mi caso, la casualidad, más que cualquier otra cosa, fue lo que me hizo reparar en la muy notable “Ripper street”, serie auspiciada por el canal americano de la BBC que consta de dos únicas temporadas de ocho capítulos cada una emitidas en 2012 y 2013, aunque su rápido estatus de obra de culto ha hecho que, tras haber sido inicialmente cancelada, se hayan anunciado ocho nuevos episodios, esta vez producidos por Amazon.

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“Ripper Street” destaca por su muy buena puesta en escena, una cruda y magnifica fotografía, unos más que interesantes guiones, y los excelentes actores que encarnan tanto a los protagonistas de la serie como a otros personajes. El contexto en el que se mueven éstos es el de una ciudad, Londres, cuyos ambientes más pobres están soberbiamente recreados. Efectivamente, no se nos ahorra ver la miseria palpable entre los habitantes del East End, zona perteneciente a Whitechapel. Igualmente, somos testigos de las tensiones políticas y sociales del momento histórico, y comprobamos como, en parte debido a ello, la delincuencia corría a sus anchas por los callejones del lugar, de manera que la violencia se consideraba en muchas ocasiones la única forma de erradicarla.

En ese sentido, los policías protagonistas del serial, encabezados por el inspector Reid, se muestran a veces casi tan inmisericordes como los propios criminales a los que persiguen. Con todo, los matices que cada uno de ellos lleva en su interior florecen capítulo a capítulo de forma narrativamente inteligente, de manera que vemos crecer la complejidad psicológica de éstos. Los personajes reales (no solo los mencionados policías, también secundarios que aparecen puntualmente en diversos capítulos como pueda ser Joseph Merrik, el conocido como “hombre elefante”), se mezclan con algunos inventados. De igual modo, los hechos auténticos se combinan con otros ficticios, fruto en buena parte de la falta de una certidumbre absoluta que hoy en día podamos contemplar sobre lo mucho que aconteció en las calles del Londres más deprimido de finales del siglo XIX, sobre todo por lo que tiene que ver con Jack el destripador de quien se sigue desconociendo la identidad.

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Con todo, saber quién es el asesino en serie no es lo que más atormenta al inspector Reid. Conocemos al principio de la serie que la hija de Reid desapareció un año atrás sin que el jefe de la comisaría de Whitechapel tenga certeza alguna de lo que sucedió con ella.  Debido a eso, su matrimonio se resquebraja y su trabajo como investigador se resiente por momentos. Así, el gran hilo conductor de “Ripper Street” quizá sea esa imposibilidad de saber la verdad que devora por dentro a algunas personas y hace que lleguen a obsesionarse hasta extremos enfermizos. De acuerdo con ello, y aunque la historia que se cuenta suceda en una época y lugar diferentes, existe un cierto paralelismo entre el serial y una gran película que ha acudido alguna vez a mi cabeza mientras lo veía como es “Zodiac” de David Fincher. Aunque en el primero, finalmente, se acaban por esclarecer la mayoría de casos que se plantean.

“Ripper street” es una serie que aúna capacidad de llegar a un gran público con una calidad indiscutible. Las diferentes tramas y la acción se entremezclan de manera fluida y con un buen ritmo casi constante episodio tras episodio, sin que por ello se pierda el dibujo de los personajes ni la capacidad de emocionar y hacer reflexionar al espectador. Es, en fin, otra muestra más de esta época de oro de los seriales televisivos en la que estamos inmersos. Y por supuesto, una recomendación muy especial que os hacemos desde “Cultura y algo más”.

Ricard.

Os dejamos con un tráiler de la primera temporada de la serie:

Tráiler de la primera temporada de “Ripper Street”

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Eliane Elias: Delicioso y emotivo tributo a Chet Baker.

El Teatre Coliseum de Barcelona ha iniciado su segunda edición del Round about Midnight, una serie de conciertos que tendrán lugar durante los meses de marzo, abril y mayo, promocionados por Serious Fan Music, Posto Nove y Grup Balañá. El teatro se convierte en un club de música en el que se puede disfrutar del concierto de un artista consagrado de una forma más intima, con una atmósfera que evoca los clubs de jazz y cabarets que se quedaban abiertos hasta pasada la media noche.

La artista que ha iniciado el Round about Midnight el pasado 21 de marzo es Eliane Elias, cantante, pianista y compositora brasileña que posee 5 nominaciones a los premios Grammy y vuelve al Teatre Coliseum (actuó en 2010) para presentar el álbum “I thought about you”, un espléndido y emotivo homenaje a Chet Baker, en el 25 aniversario de su muerte. Este disco ha conseguido el número 1 en las listas de Estados Unidos y de Francia.

Eliane Elias (Sao Paulo, 1960) inició su andadura musical desde una edad muy temprana: con 12 años ya tocaba temas de Bill Evans y con 17 acompañaba instrumentalmente a grandes músicos de la escena brasileña como son Toquinho y Vinicius de Moraes. Es una pianista muy versátil que ha publicado 23 álbumes. Tiene una gran capacidad de improvisación y una deliciosa técnica que brilla especialmente en los temas brasileños. En este recital se presentó con su cuarteto habitual, formado por ella misma (piano, voz), Marc Johnson (contrabajo), Graham Dechter (guitarra eléctrica) y Rafael Barata (batería y percusión) y pudimos disfrutar , entre otros temas, de “Ladeira da Preguiça” de Gilberto Gil, “Chega de Saudade” de Vinicius de Moraes y Antônio Carlos Jobim, “Isso aquí o que é” de Caetano Veloso o “So danço samba” y “Desafinado” de Antônio Carlos Jobim.

En el repertorio también se hallan grandes temas del jazz como “I thought about you” de Jimmy Van Heuser y Johnny Mercer, “This can’t be love” de Rodgers and Hart  o “Embraceable you” de George Gershwin e Ira Gershwin, junto con temas propios de Eliane Elias, como “B is for Butterfly”, “Stairway to the 9th dimension”, “The time is now” e “Inside her old music box” (compuesta conjuntamente con Marc Johnson).

Desde “Cultura y algo más”, os recomendamos el ciclo de conciertos de Round about Midnight, en el que se podrán ver a los siguientes artistas:

Ayo – 28 de marzo

Keziah Jones – 25 de abril

Richard Bona – 9 de mayo

Asaf Avidan – 10 de mayo

Blind Boys of Alabama – 16 de mayo.

Laura.

Os dejamos con una de las fantásticas canciones del último disco de Eliane Elias:

Para más información clica abajo:

Web de RoundAbout Midnight

Web del Grup Balañá

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“Ritter, Dene, Voss/Retorn”: El infierno en la familia.

En esta ocasión, el equipo de “Cultura y Algo más” acudimos al Teatre Akadèmia de Barcelona  a ver la obra “Ritter, Dene, Voss/Retorn”, dirigida por Konrad Zschiedrich, director alemán y profesor de interpretación en Alemania y España, afincado desde hace muchos años en Cataluña, y que ha dirigido multitud de obras de autores de la talla de Shakespeare, Molière, Tchekov o Brecht a lo largo de su dilatada carrera. La obra está protagonizada por Emilià Carilla, director de la compañía teatral del mismo nombre, la actriz y profesora de interpretación en el Institut del Teatre,  Mercè Managuerra y la actriz Teresa Vallicrosa, premio Butxaca por “T´estimo, ets perfecte, ja et canviaré”.

La obra, versionada y traducida al catalán por el mismo Zschiedsrich, se basa en el trabajo homónimo tardío del escritor y dramaturgo austríaco Thomas Bernhard (1931-1989),  estrenada en el año 1986 en el Wiener Burgtheater de Viena.  El nombre de la obra es un homenaje a los actores, con dichos apellidos, que la interpretarían en su estreno.

El escritor era amigo de Paul Wittgenstein, sobrino del célebre filósofo austríaco-británico Ludwig Wittgenstein (1889-1951) y con quien coincidió en un hospital de Viena mientras el autor estaba ingresado por una dolencia pulmonar y Paul por una de sus crisis maníaco-depresivas.

La obra está protagonizada por Ludwig (en referencia al filósofo), y sus dos hermanas, mayor y menor que él. Ludwig pasa unos días en la casa familiar tras una prolongada ausencia en Noruega, Inglaterra y en Steinhof, la clínica psiquiátrica en la que Ludwig había estado ingresado por enésima vez.

Los Wittgenstein formaban parte de una de las más importantes familias de la burguesía industrial  austríaca de la época y la obra transmite con maestría ese inequívoco y contradictorio aire decadente de algunos descendientes de esos creadores de imperios, cuyas vidas por contraste a sus progenitores,  discurren entre el tedio, el hastío, el tormento vital y, en fin, el trastorno psiquiátrico. La obra nos presenta un ambiente enrarecido, enquistado y claustrofóbico, al que cada uno de los tres hermanos se ha adaptado o mejor desadaptado como ha podido, -así, vemos el buenismo de la hermana mayor, la acritud agria de la hermana pequeña, el lúcido trastorno de Ludwig-, ambiente y caracteres que subrayan las grandes interpretaciones de los actores, en especial de Emilià Carilla en el papel de Ludwig –destacamos su gran caracterización y esfuerzo físico en la interpretación-.

Heridas del pasado, secretos, sexualidad reprimida, frustraciones, angustia, hipocresías y celos se nos presentan en un torbellino desatado, en un grito postrero en que lo eludido durante años se convierte en locura desbocada en un instante.

Una obra que desde “Cultura y algo más” os recomendamos vivamente. La obra  está representándose en el Teatre Akadèmia  hasta el domingo 23 de marzo y esperamos que tenga una larga vida en cartel.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web Teatre Akadèmia

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“Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce”: Ruido y furia en la Barcelona de los 80´s.

El pasado viernes, quienes realizamos este blog tuvimos la oportunidad de ver en el Teatre Tantarantana de Barcelona la obra “Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce”, basada en el libro del mismo título escrito por A.G. Porta y Roberto Bolaño, en la que fue, de hecho, la primera novela de ambos autores.

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La adaptación teatral ha sido dirigida por Fèlix Pons, rostro habitual de la escena teatral catalana y conocido también por sus trabajos como actor en la televisión. Recientemente, ha fundado la productora Arsenic Art Studio, de la cual es el director artístico.

La obra cuenta con solo dos actores en el escenario, Nao Albet y Claudia Benito, dos intérpretes muy jóvenes que muestran muy buenas maneras, intensidad y auténtica compenetración en el escenario. Tras haberlos visto trabajar, les auguramos a ambos un gran futuro en el muy complicado mundo de la interpretación.

Por lo que se refiere a la obra,  adapta de forma bastante fiel la historia que encontramos en la novela. Estamos en la Barcelona de principios de los años 80. Durante un verano, Àngel Ros (Nao Albet) un catalán de 29 años con ínfulas de escritor y que toca el bajo en una orquesta tropical conoce a Ana Rios Ricardi (Claudia Benito), sudamericana de 22 años. Ambos se enamoran e impulsados por ella emprenden una sangrienta carrera criminal. Como si de unos modernos Bonnie and Clyde pasados de anfetaminas se tratara, los dos protagonistas entran en una espiral de violencia de la cual parece alimentarse la pasión que sienten el uno por el otro. Narrado por Àngel Ros, admirador de la música de Jim Morrison y de la obra de Joyce de la cual es experto, éste reflexiona sobre su propia creación literaria inconclusa “Canto de Dédalus anunciando fin”. Los fragmentos de este texto se intercalan utilizando técnicas propias del cine (proyecciones en el fondo del escenario) con episodios de violencia, diálogos entre los protagonistas, llamadas telefónicas a la madre de Ana y a amigos de ambos personajes, y flashbacks de la vida de la pareja previa a los actos criminales perpetrados durante ese verano. Los personajes a los que hace referencia el protagonista masculino son asumidos interpretativamente en algunos momentos por su partenaire en el escenario o por él mismo.

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En su conjunto, la obra teatral es, tal y como ocurría con la novela, un gran fresco de cierta Barcelona de los 80, con una buena parte de su juventud que, tras 40 años de dictadura, emergía fuertemente politizada, e incluso en algunos casos se mostraba rabiosa y violenta, con un ideario cercano al nihilismo. Se ha intentado ver algunos paralelismos entre ese contexto histórico y el actual por parte de los creadores de la adaptación escénica de la novela, algo que, personalmente, no alcanzo a contemplar. Pero en cualquier caso, la mera potencia de la historia que idearan Porta y Bolaño, justificaría de sobras esta traslación teatral.

La puesta en escena de la obra juega con pocos elementos: de entrada el espectador observa el interior de un piso que sabremos está situado cerca de la barcelonesa Plaça Lesseps, con una cama en el centro del escenario y elementos típicos de la época que nos sitúan en ésta, como puede ser el caso de una máquina de escribir, un radiocasete, cintas, una grabadora… También la música que suena en algunos instantes, y las ya mencionadas proyecciones en el fondo del escenario, hacen que nos hagamos una mejor idea del momento temporal en el que nos encontramos. Además, dichas proyecciones suponen un apoyo, en momentos puntuales, que ayuda a introducir nuevos personajes que hacen su “aparición” gracias a éstas. Si a todo esto añadimos las frases y pequeños textos que también se proyectan, así como escenas de películas o de noticiarios de la época, podemos decir que en el espectáculo se genera un constante diálogo entre teatro, cine, literatura e incluso periodismo.

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La obra en su conjunto mantiene un buen ritmo que hace que el espectador esté en todo momento atento cuando no expectante por saber lo que vendrá a continuación. Como hemos dicho, el esfuerzo de sus intérpretes tiene mucho que ver en ello. La dirección escénica es igualmente loable, pero quizá hay algún instante en que el espectador se podrá perder, sobre todo si no ha leído la novela previamente. Puede que con una transición más definida entre algunas escenas se hubiese evitado este hecho, pero se trata de pequeños baches en un conjunto que resulta francamente estimulante e intenso.

Hasta el 30 de marzo podéis ver esta obra, como ya hemos mencionado, en el Teatre Tantarantana, algo que os recomendamos encarecidamente, así como queremos invitaros también a leer la estupenda novela en la que está basada.

Ricard.

Os dejamos con un espléndido reportaje televisivo dedicado a Roberto Bolaño:

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana

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“El azul es un color cálido” y “La vida de Adele”: Cuando el arte genera arte.

maroh-azul-color-calido“La vida de Adele” ha sido sin duda una de las grandes sorpresas cinematográficas del pasado 2013. Se trata de uno de esos raros films donde el consenso entre una amplia mayoría de crítica y público llega a unas cotas máximas. Difícil ponerle “peros” a una película intensa y emocionante como pocas que, alcanzando las tres horas de duración, se hace corta.

Dirigida por el realizador franco-tunecino Abdellatif Kechiche, e interpretada por la ya consagrada Léa Seydoux y por ese gran descubrimiento que es Adèle Exarchopoulos, la película logró la palma de oro en el pasado Festival de Cannes, además de haber conseguido muchos otros premios y reconocimientos.

Ha sido tal el (merecido) éxito conseguido por este film, que quizá se ha perdido un poco de vista la obra en el que está basado. Y es una lástima porque el cómic que inspiró “La vida de Adele” es igualmente brillante. Por eso, aprovechando que hemos tenido la noticia de que se ha reeditado de nuevo, hemos querido hablar de él aquí.

Escrito y dibujado por Julie Maroh (Lens, 1985), el título del cómic, “El azul es un color cálido”, hace referencia al tinte de pelo que lleva el personaje de Emma, interpretado en la gran pantalla por Léa Seydoux, aunque éste sea, en realidad, uno de los pocos puntos en común entre la historia que encontramos en la obra gráfica y su adaptación al cine. Y es que una de las grandes sorpresas con la que nos hemos topado aquellos que nos hemos acercado al cómic después de haber visto la película es que el primero difiere considerablemente del film. Incluso podríamos decir que su final es radicalmente opuesto.

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Una de las viñetas de “El azul es un color cálido”

Con todo, la esencia del relato que se nos muestra en la película estaba ya en la obra gráfica de Maroh. “El azul es un color cálido” nos cuenta la historia de Clementine (Adele en su traslación cinematográfica), una adolescente proveniente de un entorno rural que se muda con su familia a la ciudad y se integra en un instituto donde no tiene problemas para adaptarse. Un día se cruza por la calle con una chica que lleva el pelo teñido de azul (de ahí, como ya hemos apuntado, se deduce fácilmente el título del comic). Clementine queda prendada desde un principio de esta joven algo mayor que ella, cuya imagen tiene un halo de misterio. Su vida da un vuelco completo a partir de ese instante: su relación con su familia, amigos o compañeros de estudio, se trastorna al descubrir su sexualidad. La pasión se instala en su vida a través del fuerte vínculo que establece con Emma, la chica del pelo azul, auténtico leit motiv del comic. Pese a esa conexión, las dos jóvenes se encontrarán con múltiples dificultades que lastrarán la posibilidad de dar rienda suelta a sus sentimientos. Como ya hemos mencionado, la historia que se nos explica en la novela gráfica es bastante distinta a la del film, especialmente su final. No daremos aquí detalles de ello para evitar el spoiler, aunque la conclusión del cómic es conocida desde la primera página por el lector y se desarrolla todo a partir de una estructura de largo flashback. De todas formas, los puntos cardinales en que se sustenta la narración sí son parecidos.

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Otro de los dibujos de “El azul es un color cálido”

Julie Maroh cuenta su historia utilizando un trazo delicado y, al mismo tiempo, muy expresivo. En buena parte del comic no hay apenas apoyo textual y el color se aplica solo en algunos momentos, de manera que los tonos grisáceos dominan la mayor parte de la estética de la novela gráfica salvo por el azul del pelo de Emma o por algunos objetos puntuales. Sin duda, los contrastes que se generan de esta manera son uno de los grandes hallazgos del cómic que resulta, desde un primer instante, muy reconocible para el lector. Además, la autora utiliza el color, o la ausencia de éste, con una lograda intención poética.

“El azul es un color cálido” muestra de forma casi naturalista lo que acontece en la vida de la protagonista. Así, somos testigos de las vicisitudes del personaje de Clementine sin que sobresalga demasiado un aspecto de otro, aunque la clave de la historia esté en su relación con Emma. De la misma forma que ha ocurrido con “La vida de Adele”, se ha puesto mucho el acento en las explícitas imágenes sexuales del cómic, pero Maroh sortea la morbosidad fácil y consigue elevar esas viñetas a un plano emocional, algo que, casi milagrosamente, Kechiche también logra en su film donde no hay apenas diferencia (insistimos, en el plano emocional) entre ver a la protagonista comiendo con fruición unos spaghetti, discutiendo acaloradamente con unas compañeras de clase, bailando con unos amigos en una fiesta de cumpleaños, o practicando sexo pasionalmente con Emma.

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Fotograma de “La vida de Adele”, adaptación cinematográfica de “El azul es un color cálido”

Quizá la mayor distinción de fondo que existe entre el cómic y la película es que el primero subraya algo más el asunto del respeto a la diferencia como uno de los temas clave que pone en cuestión la historia, mientras que en el film se pasa por encima de ello de forma más superficial, probablemente porque las intenciones creativas de su director son otras. La película en cambio, desarrolla con mayor profundidad la dinámica de relación entre Adele y Emma, algo que, tratándose de una pareja homosexual, no estamos muy acostumbrados a ver reflejado ni en el cine ni en otras disciplinas artísticas.

En definitiva, “El azul es un color cálido” es un sensible canto al amor y la tolerancia de una gran belleza formal, y que, como simiente de esa fabulosa película que es también “La vida de Adele”, se nos muestra como un excelente ejemplo de cómo al gran arte es capaz, en ocasiones, de generar gran arte.

Ricard.

Os dejamos con un video-montaje donde vemos al completo “El azul es un color cálido”:

Y el tráiler de “La vida de Adele”:

Tráiler de “La vida de Adele”

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“Roba estesa”: Viaje temporal a través del cabaret.

El Círcol Maldà nos lleva sorprendiendo gratamente desde que la compañía Els Pirates Teatre ha tomado las riendas de esta sala.

En esta ocasión, hemos podido presenciar allí el espectáculo de cabaret poético “Roba estesa”, en el que participan tres miembros de la compañía: Núria Cuyàs (voz, dramaturgia y dirección), Ariadna Cabiró (piano) i Adrià Aubert (dramaturgia y dirección). Como productora interviene Marina Marcos.

Este viaje poético-musical ofrece un repertorio de grandes temas conocidos por el público, firmados por autores como Marguerite Monnot, Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, Fred Ebb y John Kander, Stephen Schwartz, Albert Guinovart, Boris Vian y Guillermina Motta, Meredith Wilson y poemas de Joan Salvat-Papasseit, Rosa Leveroni y Maria Mercè Marçal.

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La gracia natural, el savoir faire, el talento de Nuria Cuyàs y el virtuosismo de Ariadna Cabiró quedan claramente demostrados en este emotivo recorrido por los musicales y la poesía del siglo XX, y consiguen transportar al público de tal manera que los sesenta minutos que dura el recital se hacen muy cortos y todo el mundo se queda con ganas de más…

Desde “Cultura y algo más” os recomendamos este espectáculo que en principio iba a estar en cartel hasta el 10 de marzo, pero que tendrá una representación extra el jueves 13 del mismo mes. Esperamos que surjan pronto nuevas posibilidades de verlo.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Circol Maldà

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“Tomás Moro, una utopía”: Convicciones frente a razón de estado.

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Hoy os presentamos la obra teatral que se representa en la Sala BARTS de Barcelona, “Tomás Moro, una utopía”, producida por la Fundación UNIR (Universidad Internacional de la Rioja), bajo la dirección de la directora teatral inglesa afincada en España –primero en Barcelona y luego en Madrid-,  Tamzin Townsend (Liverpool, 1967) , directora de numerosos éxitos teatrales de los últimos años como “El Método Grönholm” y “Un Dios Salvaje”.

Obra adaptada por Ignacio García May (Madrid, 1965), antiguo director de la Real  Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, y reconocido especialista en teatro isabelino inglés y del Siglo de Oro español, (suyas son adaptaciones de “Hamlet” de Shakespeare o “Viaje al Parnaso” de Cervantes), con José Luís Patiño en el papel principal de Tomás Moro.

La obra original en la que se basa la adaptación es  “Sir Thomas More” (1552).  Escrita en la clandestinidad (dada la velada crítica a Enrique VIII que rezuma la obra) a los diecisiete años de la ejecución de Tomás Moro en 1535, por Anthony MundayHenry Chettle, con adiciones de Thomas Heywood, Thomas Dekker y William Shakespeare, que es el autor de tres de sus páginas, según un amplio consenso académico.  En 1964, la obra se representó en los escenarios con Ian McKellen como protagonista. La película “Un hombre para la eternidad” (1966), dirigida por Fred Zinnemann y basada en la obra de teatro homónima de Robert Bolt, describe los últimos años de la vida de Tomás Moro. Obtuvo 6 premios Oscar.

Tomás Moro (1478-1535) fue un humanista y  abogado de la nobleza inglesa que debido a sus brillantes dotes oratorias, su talento como letrado y su sentido de la justicia alcanzó importantes cargos en la Inglaterra de Enrique VIII: Alguacil de Londres (una especie de Consejero de Interior de la época), y Lord Chancellor (responsable del funcionamiento e independencia de los Tribunales de Justicia, figura equivalente a un Ministro de Justicia).

La obra se presenta con una estructura circular, con comienzo y final en la celda de la Torre de Londres en que Moro aguarda su ejecución, y se estructura con diversos episodios independientes que ilustran, con tintes míticos, la vida de Tomás Moro, presentándolo como una persona de gran inteligencia,  vivaz, irónica y honesta.

El trasfondo de la obra, sin embargo, es trágico. Como es sabido, Tomás Moro fue ajusticiado por oponerse a la llamada Acta de Supremacía, ley que suponía la ruptura con el Papa y la creación de una Iglesia de Inglaterra independiente con el rey como líder. Como ferviente católico, que había destacado por la controvertida persecución en Inglaterra de los protestantes luteranos, y hombre de principios, Tomás Moro no podía estar de acuerdo con la ruptura con el Papa, que veía como una auténtica herejía (como heréticos le debían de parecer los motivos de Enrique VIII, al menos oficialmente la obtención de la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragón).

Pero la obra trasciende los hechos históricos concretos para presentarnos algunos de los grandes temas de la literatura universal: la lucha de los oprimidos contra los poderosos (memorable la escena de Moro arengando a la muchedumbre sublevada) y, en fin, la independencia de la opinión y expresión frente al dogmatismo o los dictados del poder político. ¿Alguien puede dejar de pensar qué le pasaría a todo un Ministro de Justicia que se opusiera públicamente a una ley defendida digamos por el Presidente del Gobierno? Salvando las distancias, ¿no recuerda el encarcelado Moro a Tolokonnikova confinada en una prisión de Monrovia por haberse expresado contra Putin?

Una obra muy recomendable que el equipo de “Cultura y algo más” os recomienda vivamente.

“Tomas Moro, una utopía” estará representándose en la sala BARTS de Barcelona hasta el domingo 9 de marzo y se podrá ver en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao el 29 de marzo.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la revista Unir

Web de Barts

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