Archivo mensual: junio 2014

“Solo los amantes sobreviven”: Reflexiones sobre la atemporalidad.

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Imagen del cartel de “Solo los amantes sobreviven”

Que en un cartel de una película que está próxima a estrenarse rece la frase “La película más cool del año”, sería suficiente motivo para que algunos de nosotros nos alejáramos sin dudarlo de cualquier sala de cine donde se proyectara el film en cuestión. Sin embargo, si el título que se quiere promocionar está dirigido por Jim Jarmusch (Akron, Ohio, 1953), responsable de maravillas como “Extraños en el paraíso” (1984), “Bajo el peso de la ley” (1986) o “Una noche en la tierra” (1991) (por citar algunos ejemplos), no cabe otra cosa que ignorar cualquier torpeza publicitaria y acercarse a un cine para ver una película que, cuanto menos, sabes que no va a dejarte indiferente (algo que no podemos decir de la gran mayoría de films que se estrenan semana tras semana).

Y es que Jarmusch, considerado a veces como un cierto icono de la modernidad, es uno de esos escasos directores contemporáneos que, trabajo a trabajo, y aún tocando muy distintos géneros, es capaz de dejar una impronta propia que lo eleva muy por encima de la mediocridad industrializada del cine actual.

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Tom Hiddleston y Tilda Swinton en un fotograma de la película

“Solo los amantes sobreviven” no es, en este sentido, una excepción en la filmografía del director. Si en películas como “Dead man” (1995) o “Ghost dog” (1999), se apropiaba del western y del cine de acción respectivamente para convertirlos en algo completamente propio, subyugando dichos géneros a su mirada personal e intransferible, en “Solo los amantes sobreviven” es el terror (subgénero vampírico) el que cae en sus redes para transfigurarlo en algo que bien podríamos calificar de jarmuschiano. Incluso afirmaríamos que, con este film, su personalidad creativa se estiliza hasta un punto no visto en los anteriores títulos del realizador quien, lejos de domesticarse con la edad, parece más dispuesto que nunca a ser una rara avis en el presente panorama cinematográfico.

Así las cosas, no sorprende saber que el director tuvo serios problemas para financiar la película, de manera que ésta se fue retrasando varios años hasta que por fin Jarmusch pudo filmarla. Con la ayuda de un puñado de grandes intérpretes (la siempre inquietante Tilda Swinton, los ascendentes Tom Hiddleston y Mia Wasikowska, o ese soberbio actor que es el veterano John Hurt), el film ha conseguido finalmente estrenarse siendo bien recibida por crítica y público en general.

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Mia Wasikowska, Anton Yelchin y Tilda Swinton en otro de los momentos de la película

“Solo los amantes sobreviven” nos cuenta la historia de Adam, un músico de rock tendente a la depresión, y Eve, su amante de fuerte y, a la vez, enigmática personalidad. A ambos les une su condición vampírica que los vuelve casi inmortales. Su amor ha durado varios siglos, pero viven separados desde hace tiempo, intentando sobrevivir en un mundo donde la sangre de la mayoría de los seres humanos “normales” se ha vuelto prácticamente tóxica. Su reencuentro y la irrupción en sus vidas de Ava, la incontrolable hermana de Eve, supondrá para ellos un nuevo punto de inflexión. Ambientada en Detroit y Tánger, en realidad el leve esbozo sobre el argumento de la película que acabamos de hacer no refleja casi nada de la esencia del film, pues es éste un trabajo donde lo alegórico tiene mayor importancia que la mera resolución de un conflicto dramático.

En “Solo los amantes sobreviven” los personajes hablan por los codos de todo lo divino y lo humano: de música (el rock n´roll tiene gran importancia en este film), de arte, de cultura, literatura, ciencia, filosofía… En cierta forma los vampiros son aquí el baluarte de una refinada e ilustrada forma de entender la vida, en contraposición a los alienados humanos, en permanente decadencia. El exceso de intelectualismo que podríamos considerar que existe en el film a partir de lo dicho, se ve compensado por cierto humor negro que es también seña de identidad habitual de las películas de Jarmusch. A esto hay que añadir una puesta en escena muy cuidada, una preciosa fotografía del francés Yorick Le Saux, y un especial mimo por parte del director a la interpretación del elenco de actores (atención a la aparición del antes mencionado John Hurt).

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El director Jim Jarmusch

El resultado es un film hipnótico, una historia auténticamente romántica, un rendido homenaje al lado más gótico y oscuro del rock n´roll… Una película fascinante que, paradójicamente, acaba convirtiendo a Jim Jarmusch (como hemos dicho anteriormente, considerado muchas veces como abanderado de la modernidad) en un apologista de todo lo que es más auténtico en el arte y en la vida, y que en tiempos superficiales como en los que nos encontramos parece haber sido desterrado de la cotidianeidad. En suma, en defensor de aquello que acaba convirtiéndose en clásico, tan válido ahora como lo ha sido años atrás o lo será en el futuro.

Ricard.

Para finalizar, os dejamos con el tráiler de esta magnífica película:

Tráiler oficial de “Solo los amantes sobreviven” (V.O.)

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“Aquellos días azules”: Fascinante viaje a la infancia.

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Hemos asistido en el Círcol Maldà de Barcelona a la representación de “Aquellos días azules” (en referencia a un poema de Antonio Machado),  escrita y dirigida por Marc Artigau i Queralt,  licenciado en dirección escénica por el Institut del Teatre y autor de obras como “Ushuaia(Premi Ciutat de Sagunt 2008 y Accéssit al Premio Nacional Marqués de Bradomín 2008), “A prop, “L’estona que vaig ser poemadentro del ciclo “El juliol a la cuina” del Festival Grec de Barcelona (2010) o “Les sense ànima”,  ganadora del Premi Ciutat de Sagunt 2009 y el Premi Ramon Vinyes 2009.

La obra está representada por los actores Robert González, Jordi Llovet y Joan Solé y estará en cartel hasta el próximo 22 de junio. Actualización de 2015: La obra estará en cartel en el Círcol Maldà del 7 al 24 de abril.

Todos miramos con nostalgia el paso del tiempo, el recuerdo de lo que fue, la reflexión de lo que pudo haber sido, la melancolía por la pérdida, los amores pasados… pero si hay un recuerdo que para muchos puede ser doloroso, es el de la contemplación de la infancia, de esa época irrepetible de la vida de cada uno en que, mirando hacia atrás,  nos vemos como frágiles ante aquel mundo que no comprendíamos pero que hacía mella en nosotros, nos iba modelando inexorablemente, y en fin, nos convirtió en lo que somos.

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Sobre esas reflexiones y las propias de su autor, ha escrito Marc Artigau una obra intimista y tierna, que contempla la infancia con mirada aguda e ironía amarga e incisiva. Nos ha encantado el eclecticismo de la obra que despliega una gran variedad de recursos artísticos, pasando del estilo operístico al cabaret, del mimo al juego con el público, del trío instrumental a la coreografía, del costumbrismo al realismo, pasando por la imitación y la poesía… todo ello para presentarnos precisamente el contrapunto de la infancia, que mira al trasluz de la inocencia el comportamiento muchas veces egoísta y malvado de los adultos.

La obra tiene una gran ambición conceptual, porque pretende tocar, con pinceladas breves pero intensas,  todos los grandes temas de la niñez, la debilidad del niño frente a un ambiente que muchas veces es hostil, -encarnado por el acoso de otros niños, por un padre maltratador, por la indiferencia de los primeros amores platónicos-, la sexualidad, las relaciones familiares, los lugares mágicos de la infancia, el ocio, los juegos, y también hacer un repaso de los iconos de muchos niños de los ochenta, como canciones, modas, programas de televisión, etc.

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Excelente trabajo también de los actores, que se emplean a fondo en los diferentes registros que hemos apuntado (mostrando una polivalencia por la que les felicitamos),  logrando así un meritorio equilibrio entre esa doble faceta de inocencia y desilusión que creemos ha querido transmitir el autor. En conclusión, una obra amena y deliciosa que recomendamos a todo aquel que quiera ver reflejados sus recuerdos de niñez.

Ignasi y Laura.

 

Para más información clica abajo: Web del Círcol Maldà/Información sobre “Aquellos días azules”

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Les Antonietes: Otra vuelta de tuerca a los clásicos (II).

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La compañía teatral Les Antonietes, dirigida por Oriol Tarrasón, que ya nos ha obsequiado con meritorias  adaptaciones teatrales de la talla del “Vània” y “Molt soroll per res”, nos presenta en esta ocasión “Stockmann”, adaptación de la conocida obra de Ibsen “Un enemigo del pueblo”. La obra se estará representando en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el próximo 29 de junio.

“Un enemigo del pueblo” (“En folkefiende en el original noruego)  es una obra escrita en 1882 por el escritor y dramaturgo noruego Henrik Ibsen, al parecer publicada como respuesta al revuelo cosechado entre la tradicionalista sociedad noruega de finales del sigo XIX con  sus anteriores obras “Casa de las muñecas” o “Espectros”, en las que atacaba precisamente los convencionalismos morales de la época.

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La obra está ambientada en un pueblecito noruego que tiene como principal fuente de ingresos los del afamado balneario de la localidad, a cuyo frente se encuentra Peter, el alcalde de la localidad y presidente del consejo de administración del balneario. Thomas Stockmann,  hermano del alcalde y doctor del balneario, descubre que sus aguas están contaminadas por los vertidos provenientes de la fábrica de sus suegros. A partir de ese descubrimiento, y tras un inicial conato de comprensión por parte de las fuerzas vivas encarnadas por el alcalde, el presidente de la Asociación de Comerciantes y la redactora del único diario del pueblo, se produce a continuación el conflicto de intereses que nos presenta la obra. Revelar la verdad o ponerle solución significaría el cierre del balneario.  El conflicto fraterno entre el alcalde pragmático y el idealista doctor está servido.

Siempre resulta sorprendente constatar cómo reflexiones formuladas por autores del pasado  al albur de situaciones de la época son plenamente vigentes hoy en día. Eso es precisamente lo que les otorga la cualidad de clásicos, y sin duda alguna Ibsen es uno de ellos.

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Actualización: Cartel correspondiente a la representación de la obra en el teatro Fernán Gómez de Madrid

La obra puede leerse en clave modernista como la lucha entre la creatividad y lo mundano, y en efecto a menudo se sitúa a Ibsen como uno de los padres del modernismo teatral, que en Cataluña tiene en Ignasi Iglesias o Santiago Russinyol algunos de sus exponentes, como modernista es el gusto por el héroe que opone sus convicciones a la mezquindad burguesa.

Pero más allá de lecturas históricas,  lo que nos presenta Stockmann es también una cuestión muy pertinente hoy en día, la de la desviación de poder y la utilización para ello de los medios de comunicación. Entiéndase como tal desviación la utilización del poder estatal con finalidades diferentes a las que le son propias, es decir con finalidades diferentes a procurar el máximo bien común.  Seguramente muchos lectores enarcarán una  ceja escéptica, dando por supuesto que los políticos no miran precisamente por el interés público. Soslayando esa discusión, estaremos conformes en que ellos gestionan dinero de todos y que al menos deben explicaciones, la esencia de la democracia.

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Y en la obra vemos precisamente que ese poder es ejercitado de un modo no ya desviado, sino hasta abusivo y vil. Pero tan contemporánea es la reflexión de Ibsen que incluso ese ejercicio perverso del poder es refrendado por la mayoría, que ha sido previa y convenientemente desinformada.

La convincente adaptación a cargo de Oriol Tarrasón, con interpretación de Òscar Muñoz, David Vert, Annabel Castan, Mireia Illamola y Santi Ricart, supone un intento logrado de aprehender la esencia de la obra, con la elusión de algunos personajes secundarios del original y un vestuario y escenografía minimalistas que no restan ni un ápice de expresividad a la representación. Encantadora la presentación del balneario, con los actores y actrices tomando displicentemente el sol en sus albornoces, y divertidísima escena de la manipulada asamblea vecinal, sin que tampoco falten escenas de gran carga dramática, como la acuosa lapidación a la que el enfado popular somete a su protagonista.

Recomendamos con entusiasmo esta obra y saludamos el esfuerzo artístico de sus protagonistas y director.

Actualización: Les Antonietes presentan la versión en castellano de “Stockmann” en el teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa de Madrid del 6 de octubre al 1 de noviembre. Reparto: Mario Tardón, Jimena La Motta, Anna Mayo, Jorge Suquet y Bernat Quintana.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Les Antonietes

Web de la Sala Muntaner

Web del teatro Fernán Gómez

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DocsBarcelona: Una gran plataforma para los documentales de autor (II).

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El DocsBarcelona ha cerrado su 17ª edición con gran éxito: Ha registrado 5.400 espectadores, lo que supone un 13% más que en el año anterior. Además, continuará las proyecciones todo el año en más de 50 salas de todo el estado y Latinoamérica. Por ejemplo, a través de El Documental del mes, se podrán ver 6 de los títulos estrenados en 40 salas diferentes desde junio a diciembre. El primero es “Particle fever” de Mark Levinson, un retrato apasionante de la incomprendida élite científica y el descubrimiento del Gran Colisionador de Hadrones en el año 2008.

El festival se consolida este año como el punto de encuentro de la industria del documental en Cataluña, en el que se han reunido profesionales, distribuidoras y universidades.

Tres de los títulos que más éxito han cosechado han sido catalanes: “Bugarach(Nanouk Films), “Ciutat Morta(Metromuster) yDemonstration(Universitat Pompeu Fabra), títulos sobre los que hacemos referencia en nuestro anterior artículo sobre el festival y que destacan por su brillantez y originalidad.

Fotograma perteneciente a “Demonstration”

La calidad de las películas ofrecidas es tan alta que auguramos un gran futuro a esta muestra. El cine documental está en auge y cada vez más presente en la cartelera de los cines europeos.

El palmarés del DocsBarcelona 2014 es el siguiente:

Return to Homs” de Talal Derki

Premio DocsBarcelona-TV3 a la Mejor Película

Joanna” de Aneta Kopacz

Mención Especial del Jurado a la Mejor Película

Belleville Baby”, de Mia Engberg

Premio Nuevas Miradas a la mejor película de esta sección

La muerte de Jaime Roldós”, de Lisandra I. Rivera y Manolo Sarmiento.

Premio del Público a la mejor película de la Sección Oficial y de la Sección Nuevas Miradas

Entre el cel i la terra, de Tono Folguera, David Fernández de Castro y Román Parrado

Premio Docs&Teens a la mejor película de esta sección.
Huellas de ausencia, de Ana Monrás (ESCAC)

Premio DOC-U a la mejor película de esta sección.

Demà moriré” de Justin Webster

Premio Pro-Docs al Mejor Documental Televisivo Catalán de 2013 otorgado per ProDocs.

(Este documental se podrá ver los días 19 y 20 de junio en los Cinemes Girona de Barcelona).

Stereptypecelonade Juan Lesta, Laia Ros, Maria Llobet y Hermes Carretero

Premio al Mejor Prototipo de la InterDocsBarcelona Popathon (taller intensivo para producir prototipos en el ámbito del documental interactivo). Patrocinado por Klynt.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de DocsBarcelona

Web de el Documental del mes

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“El llogaret”: Excelente puerta de entrada al mundo literario de William Faulkner.

1Ya hablamos aquí, con ocasión de la traducción al catalán de sendas obras literarias del escritor norteamericano John Fante, de la editorial Edicions de 1984 y de la estupenda labor que están haciendo sus responsables al recuperar una serie de títulos que, en algunos casos, no habían tenido traslación al mencionado idioma o que, en cualquier caso, costaba mucho localizar. Coincidiendo con su 30 aniversario, la editorial ha lanzado “El llogaret”(1940), obra del también estadounidense William Faulkner (New Albany, Misisipi, 1897-Byhalia, Misisipi, 1962), reconocido como uno de los grandes nombres de la literatura universal del siglo XX.

No es extraño que el común de los mortales haga una mueca cuando se cita a alguien como Faulkner. Su obra se asocia con una complejidad técnica que la hace a veces muy difícil para un lector medio. Es el caso del que probablemente sea su libro más conocido “El ruido y la furia” (1929), una novela que, debo confesar, leí en una primera ocasión casi con dolor, pues es realmente un auténtico tour de force para casi cualquier lector, aunque finalmente la sensación al terminar el libro sea plenamente satisfactoria, sobre todo si se insiste con una segunda o tercera lectura que refuerce la total comprensión de éste.

Creador de un territorio literario propio en un sentido literal, pues sus novelas y relatos acontecen en el ficticio condado de Yoknapatawpha, equivalente a ciertas partes del profundo sur de los Estados Unidos, lugar del que llega a hacer una descripción geográfica y del cual incluso dibuja un preciso mapa, sus aportaciones técnicas al arte narrativo (el monólogo interior, la perspectiva múltiple de lo contado a partir de la visión de distintos personajes, el manejo no cronológico del tiempo, etc), influirían a diversos escritores de renombre como Juan Rulfo, Juan Carlos Onetti, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa e incluso Jorge Luís Borges.

Con todo, la novela que se presenta ahora con magnífica traducción a cargo de Maria Iniesta i Agulló, no es, ni mucho menos, una de las más complicadas del premio Nobel estadounidense. Primera parte de una trilogía que se completa con “La ciutat” (1957) y “La mansió” (1959), obras que la misma Edicions de 1984 tiene previsto publicar en el futuro, “El llogaret” nos cuenta la llegada de la familia Snopes a una pequeña población (apenas cuatros casas) construida sobre una antigua plantación y su posterior ascenso social. Liderada por Flem Snopes (memorable personaje), hombre astuto y enérgico de pasado ambiguo, la familia llegará a dominar el pueblucho merced a toda clase de triquiñuelas y estratagemas urdidas por éste. En contraposición a este personaje tenemos a V.K. Ratliff, hombre inteligente, prudente y con un gran sentido del humor, que viene a representar lo mejor de la sociedad sureña de la época que Faulkner retrata.

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Siendo, como ya hemos apuntado, bastante asequible, “El llogaret” resulta un gran ejemplo de la potencia como autor de Faulkner. En realidad, se trata de un puñado de relatos que el escritor quiso unir dándoles forma novelesca, teniendo como hilo conductor la narración del progreso de la familia Snopes. Como ocurre en la mayoría de obras de Faulkner, hay aquí referencias a personajes, lugares y situaciones que aparecen en novelas y cuentos previos, y que volveremos a encontrar en trabajos posteriores, aunque a diferencia de otros títulos (probablemente las otras dos partes de la trilogía sobre los Snopes sean un buen ejemplo de ello), este libro funciona bien como obra autónoma.

En cualquier caso, en esta novela el autor despliega un sinfín de recursos literarios que se ponen siempre al servicio de una historia que, basculando entre lo irónico y lo crítico, reconstruye una época y un lugar con extraordinaria precisión digna de un escritor que transciende su oficio más allá de lo meramente artesanal. Siendo como era Faulkner un gran artista, sus descripciones del paisaje del sur de los Estados Unidos son de una enorme belleza y contrastan a menudo con la brutalidad del comportamiento humano que el autor narra sin tapujos, mostrándolo tan sórdido y grotesco como pueda llegar a ser.

Así, el interés de una novela como “El llogaret” va más allá de su indudable valor técnico; reside sobre todo, como ocurre con todas las grandes obras literarias que se puedan considerar clásicas, en el análisis de la condición humana que hace el autor, extrapolable en muchos sentidos a otras épocas (también la nuestra) y lugares que no son los que describe. Se trata, en fin, de una excelente puerta de entrada a la excepcional obra de un escritor irrepetible y que nosotros recomendamos, ya sea en esta nueva traducción al catalán, o en cualquier otro idioma. Sea como sea, vale la pena entrar en el fascinante mundo literario de William Faulkner.

Ricard.

En el siguiente enlace podéis leer algunas citas del escritor:

Citas de William Faulkner

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“Fronteres”: Una reflexión sobre los contornos.

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Hemos asistido al espectáculo “Fronteres” en la Sala Petita del TNC (Teatre Nacional de Catalunya), en cartel hasta el próximo 8 de junio.

De la mano de conocidos actores del panorama teatral catalán como Roser Batalla, Jordi Boixaderas, Oriol Genís y Lina Lambert, este espectáculo nos presenta tres piezas de diferentes autores (“Santa Cecília de Borja a Saragossa” de Rafael Spregelburd, “Frontex” de Falk Richter y “Geografia” de Lluïsa Cunillé), dirigidas respectivamente por Rafael Spregelburd, Alicia Gorina y Xavier Martínez; las tres obras presentan un mismo hilo conductor, la frontera entendida como ese espacio simbólico que puede separar cosas tan dispares como estados, sociedades, morales o autoridades. Lo que las obras pretenden transmitir es lo arbitrario de establecer separaciones, divisiones, clasificaciones, ya sean entre blancos y negros, arte y no arte, o entre amor y odio. Pero a la vez que arbitrario y por tanto criticable, la existencia de fronteras es también muy real, y nuestras vidas, nuestras actitudes y en fin nuestras expectativas, no tienen más remedio que tenerlas en cuenta.

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La primera obra, “Santa Cecilia de Borja  a Saragossa”, en la que intervienen los cuatro actores y actrices que después actuarán por parejas en las otras dos obras, nos presenta una divertida parodia de lo académico, lo canónico y la autoridad, por medio de dos pedantes profesores universitarios (él francés y ella belga) que se sienten con la potestad de mirar con desdén a su provinciana alumna portuguesa. Pero a partir de esa caricatura se presenta la eterna discusión de lo que separa arte y no arte, encarnado en la conocida historia de la “restauradora” de un humilde Ecce Hommo convertido en icono. ¿Puede algo ser arte aunque haya sido creado no ya involuntariamente sino hasta contrariamente a lo pretendido? Discusión bizantina, porque el pueblo ya ha dictado sentencia.

La segunda obra y a la vez pieza central del espectáculo, “Frontex” del dramaturgo alemán Falk Richter  (el título es ya en sí una ironía amarga porque es el nombre de la European Union Agency, la agencia europea para la gestión de fronteras), nos presenta la desencantada historia de un matrimonio que ha conseguido el sueño de huir del país de los blancos y llegar a la colonia de los negros, mimetizándose para intentar ser como éstos.  El sueño, sin embargo, es en realidad una pesadilla porque a costa de la realización de algunas aspiraciones materiales y de integrarse en la comunidad la pareja protagonista sacrifica su amor y bienestar emocional, además del sentimiento de culpa que comporta tener que olvidar a quienes quedaron atrás.

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Richter nos presenta una amarga reflexión sobre las sociedades capitalistas actuales y de la contradicción en la que viven, pues mientras la propaganda oficial dictamina que son sociedades libres en las que cada uno puede tener y realizar sus aspiraciones, la realidad impone una monitorizada uniformidad a la que quien no logra adaptarse mediante la apropiación de un bien cada vez más escaso como el trabajo, es expulsado implacablemente, al modo de la selección natural.

La convincente interpretación de Roser Batalla y Oriol Genís nos transmite a la perfección las dos caras de la moneda, la del que ha conseguido desprenderse de sus debilidades y adaptarse a la colonia, y la del que lo ha logrado sólo en apariencia, pero su disidencia interna y su drama interior han sido detectados y será condenado por ello con el destierro. La brillante dirección de Alicia Gorina (autora y directora teatral de obras como “Puputyttö, “Imatges gelades”, o “Flors”) subraya una excelente representación.

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La obra que cierra el espectáculo, “Geografia”, de Lluisa Cunillé, con Jordi Boixaderas y Lina Lambert,  nos presenta a dos personajes que desnudan sus miserias ante el espectador. Aquí la frontera andorrana del blanqueo de dinero sirve como metáfora de la mezquindad de dos personajes a los cuales poco o nada les interesa el otro ni lo que hace, viviendo en una relación viciada y acabada. Es una reflexión sobre la línea divisoria entre subirse al tren de las ilusiones y de los sueños o no subirse, quedarse en medio de la carretera esperando lo que nunca llegará en compañía de uno mismo, de esa persona en la que nunca deseamos convertirnos.

La cuidada escenografía de Quim Roy (construida por Gemma Delaforé y Pascualin y con Laura Clos como ayudante), el espacio sonoro y la realización audiovisual de Ramon Ciércoles y Mar Orfila, el vestuario de Montse Figueras (confeccionado por Eulàlia Cortijo), la caracterización de Toni Santos, la iluminación de Àlex Aviñoa y el trabajo de Susana García-Prieto, Silvia Delagneau y Eulàlia Bergadà como ayudantes de dirección completan el conjunto que ha hecho posible un espectáculo potente que con una triple perspectiva nos hace pensar sobre los difusos contornos que separan nuestras categorías vitales.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del TNC/Información sobre “Fronteres”

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