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LUIS BREA Y EL MIEDO – Sala Almo2bar – Barcelona (24/11/17).

Luis Brea surgió hace unos años como un fenómeno costumbrista de las calles madrileñas de Malasaña o de Alcorcón. Sus letras y estéticas audaces hicieron de él el rey del underground musical madrileño. No parecía que el camino fuera muy largo. Más tarde se transformó, formó un grupo , que se hacen llamar El Miedo, y grabaron su primer album: “Luis Brea y el Miedo”. Letras más intimistas y rock de sonido en el que destaca su enorme producción.

Su segundo album , “Usted se encuentra aquí”, confirma el excelente momento del músico y su banda. Después de hacer explotar la Joy Eslava en Madrid, llegaron en el que es su primer directo en Barcelona de esta gira. En la sala Almo2bar, Luis Brea hizo vibrar a los presentes con un sonido tan duro como trabajado y un repertorio que sólo los presentes recordaremos.

Los versos de sus canciones se cuentan por sentimientos constantes: “perder la ilusión por todo es tenerla por cualquier cosa” reza en “Tres cruces” o “el arañazo de un recuerdo escuece todo el tiempo” en “La casa del misterio”. Pero su demoladora banda no hace más que potenciar y resaltar las bonitas melodías. Es la banda española del momento que ha venido para quedarse. Un concierto inolvidable que reclama repetir en aforos donde Luis explote, esta vez de forma escandalosa, en la capital catalana. Al tiempo. Algunos salimos con los ojos húmedos de la sala.

Jordi Martínez, autor de esta crónica, junto a Luis Brea.

Setlist :

  1. El kraken
  2. Amanece
  3. Como una ola
  4. Discotecas
  5. Más de veinte
  6. Pefecto
  7. Nueva generación
  8. Berlin
  9. La casa del misterio
  10. Mil razones
  11. Tres cruces
  12. Dicen Por ahí
  13. After Crisalida
  14. El verano del incendio
  15. Baso se escribe con V
  16. Automaticamente

Jordi Martinez.

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JABIER MUGURUZA – FESTIVAL BARNASANTS: NOVA JAZZ CAVA- TERRASSA (26/02/17).

Jabier Muguruza es de esa clase de músicos tan necesarios como escasos en los días que corren. A sus espaldas, una larga carrera de discos (obras, como a él le gusta matizar) y de recitales a lo largo y ancho del planeta.

Quien escribe lo lleva siguiendo mucho más de cerca desde hace más de una década y ha podido comprobar, obra a obra, recital a recital, no sólo la dulzura de la música o de las letras sino también el cariño intenso que destila para con su público.

Tan tranquilo como hiperáctivo, Jabier prepara nuevo trabajo. Pero entre canciones nuevas y recitales diversos, Jabier asomó la cabeza en la Nova Jazz Cava de Terrassa en el marco de un Festival muy especial para él: el Barnasants. Escogido en 2015 como el cantante que hizo el mejor concierto dentro del evento, y que en inmortalizó en el disco “Barnasants 2015”, Jabier siempre acepta encantado las invitaciones del Festival. Esta vez repasaba su último trabajo : “Tonetti Anaiak” (Los hermanos Tonetti).

A partir de una experiencia personal en la que se enmarca la amistad de los Muguruza con los añorados payasos Tonetti, Jabier recupera el bello sentimiento infantil del niño que todos llevamos dentro. El trágico final de los payasos (uno de ellos se suicidó) que inicialmente ennegrece la historia, se torna luminoso cuando Jabier expresa que un payaso nunca muere (idea recuperada del documental de Oskar Alegría , “Emak Bakia”).

Ese es el espíritu y las canciones tan bonitas que inundaron el bello y mítico local de Terrassa. La última obra, sus explicaciones y algunos rescates, fueron la columna vertebral del recital.

Jabier emociona, y mucho. En esos espacios recogidos, esta vez tan sólo con su acordeón y un piano, se puede degustar aún más el sabor de sus bellas melodías. Jabier da luz y nos recuerda que ,en el frío Noviembre, el calor de tu amada  hace que el mes no sea tan malo (“Azaroak..”). Nos habla del diario de un niño envuelto por tristezas familiares (“Egunkari…”). Y por su puesto está el recuerdo del personaje africano de Bernardo Atxaga (“Mazisik:.”) o las letras de ese oculto y genial escritor, Iñaki Irazu, y que nos recuerda que siempre que vengas a casa tendrás mi caluroso recibimiento (Eskaintza).

Es algo mágico. Un concierto de Jabier es como una bella caricia al corazón. Por eso gusta tanto. Y siempre me maravilla cuando nuevo público (aún ocurre) lo descubre. Vuelve pronto, lagun, se te quiere mucho.

Jordi Martínez.

Repertorio:

  1. Sarrera (texto adaptado de Bernardo Axtaga)
  2. Katherine Schwitzer
  3. Tonetti anaiak
  4. Azaroak baditu gauza onak
  5. Maite zaitut, ez
  6. Ez da komeni exagetzareak
  7. Hurrengo geltokiak
  8. Mazisi Okeita Denbelek
  9. Benino edo benito
  10. Tan Petita
  11. Eskaintza

 

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Bruce Springsteen. Barcelona. Camp Nou. 14/05/16: El Boss en plena forma.

“The River Tour” (gira de 35 aniversario del disco homónimo de Bruce Springsteen) abrió su tanda de conciertos por Europa el sábado en Barcelona. El Camp Nou, repleto con más de 65.000 personas absolutamente entregadas, presenció un Springsteen al uso y disfrute del público europeo, pero alejado de lo que inicialmente era la concepción del tour : interpretar en directo el album “The River” al completo. Esta idea, respetada en la gira americana, tenía como aliciente escuchar canciones que pocas veces se habían disfrutado en vivo. No va a ser así en la gira por el viejo continente.

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El Boss salió a escena confirmando lo que él ya había anunciado: un repertorio diverso con “el río” como eje vertebral. Abrió con “Badlands” y “No Surrender”, dando ya las pistas de que iba a ser un concierto al más puro estilo springsteeniano para satisfacer a la galería heterogénea de fans del músico norteamericano. La entrega, la forma, el carisma, y la compenetración del músico con su mítica banda (la E-Street Band) permanecen intactas. Quizás el sábado algo empañada por un sonido deficiente (hubieron muchos acoples) más debidos a la inadecuación del estadio que a cuestiones técnicas.

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Pero ir a ver al boss siempre tiene premio. “Point Blank”, “Drive all night”, la bella “Atlantic City” o la vieja “She’s the one” fueron sin duda lo mejor de la noche. En ese punto el concierto demandaba más. Pero el Boss atiende peticiones. Y maldita la gracia que sacrificó “Growin’up” por “Glory Days”, o “Independene day” por “Goin down” a petición de una audiencia diversa. Que “The River” fue el guión dominante pudor ser cierto, opinable, claro, sino fuera porque una gran base de las canciones cayeron en el no menos mítico album “Born in the Usa”. Canciones que le sirvieron para encender el estadio. A partir de aquí, fin de fiesta, iluminación del recinto al máximo, clásica del Boss: “Born to run”, “Born in the Usa” o “Tenth Avenue” (con el clásico homenaje a los desaparecidos Clarence y Danny) y una sorpresa: “Purple Rain”, rindiendo tributo a Prince. En total casi 4 horas de rock springsteeniano para todos los gustos. La gira sigue. Próxima parada : Donostia, donde dará otro maratoniano concierto. Genio y figura.

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Foto por Jordi Martínez.

Setlist :

1.Badlands 2.No surrender 3.My love will not let you down 4.The ties that bind 5. Sherry Darling 6.Jackson Cage 7.Two hearts 8. I’m going down 9. Hungry Heart 10.Out in the street 11.I wanna marry you 12. The river 13.Point Blank 14.Atlantic City 15.Darlington County 16. Glory days (petición público.cae growin up) 17. I wanna be with u (petición público) 18. Ramrod 19. The price you pay 20. Drive all nignt 21. Lonesome day 22. Prove it all night 23. The promised land 24. Because the night (Patti Smith cover) 25. She’s the one 26. Brilliant disguise 27. The rising 28. Thunder Road Bises: 29. Purple rain (Prince cover) 30. Born in the USA 31.Born to run 32. Dancing in the dark 33. Tenth Avenue Freeze-Out 34. Shout (The Isley Brothers cover) 35. Bobby Jean Bis final : 36. Twist and shout (The top Notes cover).

Jordi Martínez.

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“Simon Boccanegra” en el Gran Teatre del Liceu 26/04/16: Excelentes voces.

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Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi (Le Roncole, Parma, 1813) fue un fracaso en su estreno en el Teatro de La Fenice de Venecia. Corría el año 1881 y el compositor, ya rico y famoso, no estaba muy motivado para componer por encargo, como fue este caso. Así pues, sea porque el Maestro no andaba en sus días de máxima inspiración, sea porque el público cada vez le exigía más, la ópera no funcionó. Sin embargo, el compositor perfeccionista y sabedor de que el texto era de los grandes, la revisó con correcciones haciendo que a día de hoy sea considerado uno de los títulos más memorables de Verdi.

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El Liceu de Barcelona representa estos días la versión revisada con tres repartos alternativos. En el de ayer la cosa tenía una motivación adicional: escuchar de nuevo al tenor, ahora barítono, Plácido Domingo (Madrid,1941). Domingo está celebrando estos días el 50 aniversario de su debut en el Teatre de la Rambla donde se han organizado eventos paralelos para dicha celebración y, obviamente, sobran las presentaciones. En el programa especial de mano alguien comenta que es un“Superman” de la escena. A sus 74 primaveras,ha batido todos los records imaginables y por imaginar, tiene más de 150 roles en su repertorio de todos los tintes y colores, es un habitual de los teatros más prestigiosos y un eterno etcétera que reclamaría toda una enciclopedia. Pero más allá de la leyenda viva y del público absolutamente entregado al artista, cabe preguntarnos por el resultado de este Simon.

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A nivel vocal, el reparto es brillante. Así pues Ramón Vargas (en el rol de Gabriele), Davinia Rodríguez (en el papel de Amelia) y Ferruccio Furnaletto (Fiesco) brillan en potencia y calidad dando una demostración artística excelente. En lo que respecta al coro, sigue subiendo el nivel dejando entrever el trabajo que la directora Conxita Garcia está realizando. En cambio, Massimo Zanetti, en la dirección musical, no estuvo a la altura. Faltaba pasión y se puso en extremo al servicio de los cantantes al reducir a mínimos la intensidad. Un error típico en los directores algo atemorizados ante las estrellas. La orquesta no tuvo, sin duda, su mejor día. Y fue criticada con razón la moderna, insípida y que nada aporta, dramaturgia de José Luis Gómez, empeñado en reformar lo inreformable.

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Capítulo a parte, don Plácido. Venía de recibir palos en el MET de Nueva York donde ha estado cantando estos días el mismo rol. Sin embargo, el cantante es único. De voz inconfundible, mide los esfuerzos, regula la intensidad y sabe perfectamente cuando debe dar lo máximo. Dominio absoluto de la escena y el papel. Ejerce de director sin proponérselo. Todo un lujo. Decía el NY Times que debería pensar en su retiro. Nada más lejos de la realidad. Ofrece mucho y muy bueno. Dicen que volverá con “Thaïs” (Massenet). Nunca se sabe pero siempre nos deja un recuerdo imborrable. Último round el próximo viernes 29, de nuevo con el cantante veterano. Imprescindible.

Jordi Martínez.

Para más información clica abajo:

Web del Liceu

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“El día que murió Sergio Algora” de Jose Liñán: Poesía entre el desgarro y la celebración.

Decía Nacho Vegas que a veces un hecho concreto y puntual puede desencadenar un canción o un poema. Algo así le debió pasar a Jose Liñán Navarro (Tarrasa, 1974), cuando se enteró de la muerte de Sergio Algora, miembro de la banda de pop El niño gusano. Desencadenó un puñado de poemas de tintes intimistas y muy personales que tituló, al igual que uno de sus poemas, “El día que murió Sergio Algora”.

Escribir poesía y además publicarla supone un ejercicio de riesgo y valentía no al alcance de cualquiera.La poesía es muy exigente, quizás más que la prosa, y las críticas puede que más agresivas. Por ese motivo, “El día que murió Sergio Algora” tiene doble mérito: la valentía y la calidad del trabajo.

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Poeta novel afincado en Rubí, Algora ha conseguido con su poemario una de esas pequeñas maravillas que,como algunas cosas en la vida, te encuentras casi por casualidad, en este caso, en un rincón de una librería. Muerte pero sobre todo vida se dan continuamente la mano en unos poemas desgarradores, como si pidieran auxilio en ocasiones, o como pequeñas celebraciones en otras. Poemas que surgen desde lo más profundo. Una vez más una persona sencilla, sin pretensiones, sorprende con un trabajo que merece que nos acerquemos a él sin prejuicios, para descubrir un mundo alegórico y lleno de detalles. Quizás entonces encontremos algo más de nosotros mismos también.

El autor ha girado por diversos locales de la geografía estatal recitando su libro. Un experiencia spoken-word que resulta ser plenamente gratificante para los que participan en ella .

En suma, un libro de poemas que recomendamos muy especialmente para este inmimente Sant Jordi 2016.

Jordi Martinez.

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John Cale en la Philharmonie de París: Gran homenaje a The Velvet Underground.

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París alberga estos días y hasta el próximo día 21 una exposición dedicada a la mítica banda The Velvet Undreground con motivo del 50 aniversario de la publicación del disco debut de la banda, “The velvet underground and Nico”. La muestra está ubicada en el recinto anexo de la Philharmonie de París. Decía Brian Eno que todo aquel que escuchó aquel disco en aquellos días (finales de los años 60), formó un grupo. Liderado por un joven Lou Reed, la carta de presentación vanguardista de la formación, máxime apadrinados como capricho musical del extrovertido artista Andy Warhol, estaba servida para escándalo de muchos, dando lugar a una de las más grandes leyendas de la historia del rock. La muestra, breve en espacio, pero intensa y cargada de información, cuenta con todo lujo de detalles aspectos relacionados con cada uno de los miembros del grupo. Se pueden ver objetos personales como cartas manuscritas y escucharlas además recitadas por el propio Lou Reed de la época. Por si fuera poco, una carpa gigante y multimedia permite disfrutar del espectáculo ideado por Warhol para presentar a la banda, y al cual llamaron “Exploding Plastic Inevitable”. Todo un parque temático para los amantes de la mítica formación.

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El clímax de esta celebración, sin embargo, llegó de la mano del concierto que realizó John Cale en la Grande Salle de la Philharmonie el pasado 3 de abril. Desaparecido Reed, el que fuera el alma mater de la banda decidió repasar íntegramente el mencionado primer álbum  de ésta e inagurar la muestra. Con un sold out colgado desde hacía meses, disfruté de lo más parecido a ver a la Velvet Underground a que se puede aspirar actualmente. El setlist, sin embargo, vino conformado no solo con canciones de “The Velvet Underground and Nico”, sino también con temas del segundo disco de la banda, “White light/White Heat”. Un conjunto de invitados enriquecieron el sonido y las canciones velvetianas, algunas de las cuales jamás habían sonado en directo. Así, un John Cale soberbio, director musical del evento, contó con los muy brillantes Pete Doherty y Carl Barat de The Libertines (que leyeron perfectamente parte de los temas), con Saul Williams (magnífica y dura “Heroin”), con un notable Mark Lanegan, y con otros músicos que estuvieron a un muy buen nivel.

El resultado no fue para nada un ejercicio nostálgico. Las canciones actualizadas reivindicaron la sorprendente vigencia de una banda capital en la historia de la música popular. Un concierto, en suma, cargado de emociones que concluyó con la bella estridencia de todos los participantes en un “Sister Ray” para el recuerdo. En pantalla multimedia detrás de los músicos se podían observar recuerdos hacia Warhol, Nico, miembros del grupo, y más concretamente y de forma muy seleccionada, el desaparecido Lou Reed. Todo un ejercicio completo de maestría musical y de caballerosidad del Sr. Cale. Y el broche final lo dio el propio artista cuando dirigió sus únicas palabras al entusiasmado público: “París, no olvidéis. Si mantienes el corazón abierto, latirá para siempre”. Genio y figura.

Set list :

1. I’m waiting for the man

2. European Son (con The Libertines)

3. Lady Godiva’s operation

4. All tomorrow parties (con Mark Lanegan)

5. I’ll be your mirror (con Etienne Daho)

6. The Gift

7. The she goes again (con Animal Collective)

8 Sunday Morning

9. White light/white heat (con The Libertines)

10. Femme Fatale (con Lou Daillon)

11. Black Angel’s death son (con Mark Lanegan)

12. Run run run (con The Libertines)

13. Heroin (con Saul Williams)

14. Sister Ray (con todos los invitados)

 

Jordi Martínez.

Para más información clica abajo:

Web de Cité de la Musique – Philharmonie de Paris

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“Götterdämmerung” en el Liceu.

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“Götterdämmerung” (14/03/06 . Gran Teatre del Liceu, Barcelona).

Acercarse al universo de Richard Wagner no es un ejercicio ligero. Requiere un espacio de tiempo y cierta concentración. El músico alemán, apasionado por la mitología germana, ideó dramas musicales de gran complejidad musical y escénica, que encontraron su máxima expresión en las más de 15 horas que conforman la tetralogía de “El anillo del Nibelungo”.

 

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El músico pretendió, sin éxito, representar “el anillo” ininterrumpidamente en el santuario musical que diseñó para tal efecto: Bayreuth. El Gran Teatre del Liceu, consciente de la pasión barcelonesa por el compositor, ha ido representando periódicamente las obras de la tetralogía en diferentes temporadas. En el curso actual se está representando la última jornada de la obra : “Götterdämmerung” (“El ocaso de los dioses”/ “El capvespre dels déus”). Éste es sin duda uno de los grandes aciertos de esta temporada del Liceu. Es cierto que la parte vocal no puede recaer en cantantes al uso, sino que requiere de una resistencia y fuerza especialmente intensas.

 

 

Así pues, en la versión liceísta son cantantes precisamente importados de Bayreuth los que se hacen cargo de la parte cantada. Y la calificación es más que brillante. Sobre todo en Iréne Theorin, en el papel de Brünnhilde, que lleva el peso de buena parte del último acto de una forma absolutamente perfecta. O también Oskar Hillebrandt, en un más que brillante papel de Alberich. Queda un poco más lejos Lance Ryan, que podría hacer más con su Siegfried, o Samuel Youn, Grunter, que queda algo más descolgado ante tanto talento de voces.

 

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La dramaturgia reminiscente nazi de Robert Carsen falla cuando representa el Rin en un verterdero. Nota negativa para una escena en su conjunto acertada.Y nota excelente para el titular del Teatre, Josep Pons, que lleva a la orquesta a estadios sublimes que no veíamos desde el añorado director Sebastian Weigle. El final apoteósico de un Liceu en llamas enterrando el mundo divino con una orquesta literalemente sepultando a los Dioses, hace delirar a un público que, tras más de 5 pacientes horas, no le queda otra alternativa que hacer una cosa : aplaudir con entusiasmo. Excelente versión e imprescindible obra.

Jordi Martínez.

Para más información clica abajo:

Web del Gran Teatre del Liceu/Información sobre”Götterdämmerung”

 

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