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“Americana”: El Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona se consolida en su cuarta edición.

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Algunos podrían discutir la necesidad de crear un festival de cine norteamericano en Barcelona estando como están las salas de proyección de la ciudad copadas por títulos procedentes de los Estados Unidos. Lo cierto es que el interés real que puedan tener dichas producciones en muchas ocasiones resulta poco menos que nulo, mientras que muchos trabajos creados en ese país que no han sido auspiciados por un gran estudio/productora apenas si llegan a tener distribución aquí, o si la tienen, se entrenan en muy pocas salas, con apenas promoción y normalmente duran muy poco tiempo en pantalla. De allí que nos felicitemos de la consolidación de un festival como el “Americana” en el que se pueden ver películas muy atractivas a priori que no han tenido la posibilidad de ser estrenadas en nuestra ciudad, u otras que quizá lo serán en el futuro pero que ya podremos disfrutar a modo de pre-estreno.

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Fotograma de “Certain women”

De la misma forma que en ediciones pasadas, el festival ordena su programación con diversas secciones: por segundo año tenemos la sección DOCS, dedicada al documental, donde destacan títulos como “The JT Leroy Story” de Jeff Feuerzeig, o “Life animated” de Roger Ross Williams;  SHORTS, en la que se podrán ver diversos cortos; NEXT, que sigue dando a conocer nuevos talentos y en la que este año se podrán ver films como “Donald Cried” de Kristopher Avedisian (película financiada por micromecenazgo) o la animada “My entire high school sinking  into the sea” de Dash Shaw; y TOPS, con proyecciones de títulos ya vistos en otros festivales como puedan ser “Certain women” de Kelly Reichardt con actrices del calibre de Michelle Williams o Kristen Stewart, “Christine” de Antonio Campos, con una, dicen que impresionante, Rebecca Hall, o “Swis army man” de Dan Kwan y Daniel Scheinert, con las interpretaciones de los más que consolidados Paul Dano y Daniel Radcliffe.

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Fotograma de “Swis army man”

Así mismo, este año existe una sección de proyecciones gratuitas y destacamos actividades paralelas como pueda ser el taller “El crítico de cine al desnudo”, o el seminario “Funambulistas americanos” donde se reflexiona sobre qué es lo que se entiende por cine “indie” norteamericano.

Una programación de proyecciones y actividades pues más que atrayente que hará que, como decíamos al principio, ésta sea la edición de consolidación de un festival decididamente indispensable.

Ricard.

Os dejamos con un ingenioso (como lo fue el de la anterior edición) vídeo-presentación del Festival, y un enlace a la web de éste donde podréis ver la parrilla de programación con los horarios de las proyecciones (la mayoría de ellas en el Cine Girona) de todas las películas que pasarán por el evento:

Web del Americana Film Fest

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“Miles ahead”: Cine en clave de Jazz.

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Existen probablemente dos formas de encarar un biopic cinematográfico sobre un personaje más o menos célebre en función de dos circunstancias: el individuo a retratar es una persona común enfrentada a una situación extraordinaria que hace que salga de él algo que no hubiera emergido de no haberse encontrado en tal tesitura, o bien el protagonista de la historia es, de por sí, alguien completamente excepcional. El primer caso demanda en la mayor parte de ocasiones un tratamiento más o menos clásico, que enfoque nuestra atención de espectadores no solamente sobre el personaje en cuestión, sino también sobre el contexto en el que se mueve éste: circunstancias históricas, otros personajes con los que se relacionó (mostrados con cierta profundidad psicológica), u otros elementos en general que aporten luz sobre la personalidad del protagonista y las motivaciones que lo llevaron a actuar de la manera en que lo hizo. Por el contrario, un film dedicado a un genio (en el ámbito que sea) puede centrarse de manera más precisa en el individuo en sí, y escoger una manera más creativa, más libre, de mostrarlo; incluso obviando toda linealidad temporal, y circunscribiéndose a una época o épocas concretas en la trayectoria vital del protagonista.  Esta segunda opción es la que ha escogido con acierto el hasta ahora actor Don Cheadle a la hora de realizar un film dedicado a la figura de ese músico deslumbrante que fue Miles Davis.

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Tomando como punto de partida el final de un parón creativo del genio, acontecido de mediados de los años 70 a principios de los 80, y con la anécdota del robo de algunas grabaciones del músico como una suerte de MacGuffin argumental,  Cheadle realiza una especie de fresco, se diría que de tipo impresionista, sobre una personalidad única, con resultados que consiguen ser divertidos e incluso, por momentos, emotivos.

Con el mismo director encarnando con solvencia al propio Miles Davis, y un muy buen elenco de actores acompañándolo (entre ellos un adecuadamente histriónico Ewan McGregor, y la actriz Emayatzy Corinealdi asumiendo de forma brillante el papel de la que fuera mujer del músico, la bailarina Frances Taylor), el estilo visual y de montaje de la película, con diversos saltos en el tiempo, parece querer imitar el propio estilo experimental de la música de Davis, sin que, como ocurría con ésta, deje de ser un film bastante asequible y entretenido para el común de los mortales.

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Es esta película, en cualquier caso, un trabajo que transpira honestidad y auténtico amor por el personaje que se quiere retratar, sin que ello excluya que se muestren los claroscuros y contradicciones de éste. Añadiendo a todo lo dicho una muy creativa fotografía, y una banda sonora (no podía ser menos) excepcional, “Miles ahead” es uno de los filmes que destacan claramente en la cartelera cinematográfica de este verano. Vale mucho la pena acudir a un cine a disfrutar de ella.

Ricard.

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“Bone tomahawk”: Entre el western clásico y el horror gore.

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Lo dijimos hace ya bastante tiempo cuando hablamos de “Blue valentine”: no se entiende la forma de actuar de muchos programadores culturales en nuestro país. Una afirmación que, si nos parece cierta en general, resulta dolorosamente clara en cuanto fijamos nuestra atención en el circuito de proyección cinematográfica. No resulta comprensible que películas con un más que evidente atractivo como la antes mencionada, o la que nos ocupará en este caso, “Bone tomahawk”, que cuenta con sendos galardones (mejor dirección  y premio de la crítica) en el pasado Festival de Sitges, no encuentren apenas distribución. No se trata de que copen tantas salas como lo hacen los títulos más comerciales que se estrenan cada semana, pero estamos seguros que, con una mínima promoción, las películas mencionadas y otras tantas igualmente interesantes que no consiguen estrenarse en nuestro país o lo hacen en condiciones paupérrimas, lograrían un éxito más que aceptable. Eso partiendo del hecho que el verdadero aficionado al cine siempre intentará ver aquellos trabajos que más le interesan en el recogimiento de una sala de proyección. Dicho esto, la película que os queremos comentar, y que en el caso de Barcelona ha sido estrenada en una única sala, nos ha subyugado por la extraña pero, al mismo tiempo, coherente (argumentalmente) mezcla de géneros que la conforman.

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“Bone tomahawk” está dirigida por el debutante  S. Craig Zahler (Miami, 1973), y protagonizada por un estupendo elenco de actores: Kurt Russell, Matthew Fox, Patrick Wilson y Richard Jenkins. El film se sitúa inicialmente en un pueblo del viejo oeste norteamericano, y se centra en un grupo de personajes que se ven obligados a ir al rescate de una mujer secuestrada por un grupo de salvajes caníbales que viven en una zona montañosa, en tierras apenas exploradas mucho más allá de los límites del mencionado pueblo (un punto de partida argumental pues, más que recurrente en el western si substituimos a los salvajes por indios o bandas de forajidos).

Zahler, hasta ahora músico en bandas de doom metal y escritor de novelas, ha podido sacar adelante la producción de su película gracias a la aportación, sobre todo, de inversores europeos, aunque por lo demás, es éste un trabajo que nos retrotrae al mejor y más atemporal cine estadounidense. Y no deja de ser curioso porque el film oscila de manera admirablemente natural del western al cine de horror con ramalazos del más salvaje gore, pasando también por el género de aventuras, la comedia y el drama, sin que nada chirríe en ningún instante.

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Se puede considerar “Bone tomahawk” como parte de un cierto renacer del cine del oeste, que se viene dando periódicamente y que en los últimos meses ha sido alimentado por títulos como la comentada aquí “El renacido” (film muy sobredimensionado para quien escribe esto), “Deuda de honor”, “Slow west” o la tarantiniana “Los odiosos 8”. “Bone tomahawk” se distingue de ellas por el tono clásico que narrativamente tiene el film, emparentado de alguna forma con el cine que realizaban grandes autores como John Ford, Howard Hawks o Sam Peckinpah (el realizador favorito de Zahler según confesión propia). En este sentido, su director hace que la película discurra con un ritmo más bien pausado, dando tiempo a que conozcamos a sus personajes principales, recreándose en los desolados y, al mismo tiempo, bellos paisajes que les rodean durante su periplo, y consiguiendo una tensión en aumento que hace que, cuando la violencia explícita acaba apareciendo, ésta nos resulte mucho más impactante y cargada de dramatismo que si se hubiera mostrado de una forma constante y gratuita a lo largo del film. Con todo, hay un tramo central de la película al cual quizá le hubiera venido bien un cierto recorte (la cinta se acerca a las dos horas y cuarto de duración). Pero en su conjunto, “Bone tomahawk” es un título de veras estimulante y diferente en el panorama cinematográfico actual, que vale la pena disfrutar en una sala de proyección. Desde luego, estaremos atentos a próximos trabajos de  S. Craig Zahler.

Ricard.

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AMERICANA: Cuatro días del mejor cine independiente norteamericano en Barcelona.

Se celebra en Barcelona desde el día 3 del presente mes de marzo y hasta el día 6 la tercera edición de “Americana”, festival dedicado íntegramente al cine independiente norteamericano.

Siendo como es, hoy por hoy, los Estados Unidos el gran país de referencia en cuanto a cultura audiovisual y cinematográfica se refiere, no cabe duda del gran interés que tiene un evento de estas características.

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En esta ocasión, el festival incluye una nueva sección dedicada al documental que llevará precisamente el nombre de DOCS y que se añade a los otros tres apartados habituales del evento: TOPS, que este año da muestra de un total de siete largos que ya han pasado con éxito por otros festivales, NEXT, que incluye el debut de diversos nuevos talentos del cine norteamericano y películas inclasificables que muy difícilmente conseguirán tener distribución en nuestro país, y SHORTS, dedicado al cortometraje.

En total, en esta edición se proyectarán 19 largometrajes, 12 cortos y se podrá ver también los primeros episodios de las nuevas temporadas de dos series (“Girls” y “Togetherness”). Además, se realizarán diversas actividades paralelas, como el “Americana Kids” dedicado a los más pequeños.

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“Tangerine” de Radium Cheng

Entre los títulos que encontramos este año dentro de la sección TOPS destaca una película como “Tangerine”, film que opta a cuatro Independent Spirit Awards; un trabajo harto curioso, pues está rodado íntegramente en Iphone 5. Precisamente, su director, Radium Cheng, estuvo presente en la rueda de prensa que se celebró ayer martes día 1, donde habló sobre el uso de las nuevas tecnologías de comunicación en el cine presente y futuro. En tándem con el también director Sean Baker, se recuperará su film “Starlet” que ya triunfó en el antes mencionado Independent Spirit Awards hace tres años. Así mismo, podremos ver películas multipremiadas como “Wildlike” de Frank Hall Green, “King Jack” de Felix Thompson,  o “Diggin for fire” de Joe Swanger, esta última con reparto de auténtico lujo (Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, e incluso Orlando Bloom entre otros). Destacamos también “The invitation”, de Karyn Kusama, última ganadora en el Festival de Sitges, y “Trumbo”, drama dirigido por Jay Roach centrado en la figura del gran guionista de cine Dalton Trumbo (encarnado por un magistral Bryan Cranston, inolvidable protagonista de la serie “Breaking Bad” y que ha sido nominado a un Oscar por este nuevo papel), que fue perseguido por sus ideas izquierdosas en el Hollywood clásico.

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“Trunbo” de Jay Roach

En el apartado NEXT, queremos mencionar títulos como “People, Places, Things” de James C. Strouse, que inaugura además el evento (será la única película del Festival que no se proyectará en los Cines Girona, si no en concreto, en el espectacular Phenomena). Se trata de una comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que se ve en la obligación de salir adelante criando a sus dos hijas tras el divorcio de su esposa. Igualmente, resaltamos la inquietante “They look like people” del debutante Perry Blackshear, “Yosemite”, opera prima de Gabrielle Demestere, basada en tres relatos de James Franco y que cuenta con él como actor protagonista en una de las historias, o “Take me to the river” de Matt Sobel, film que a través de la radiografía de una familia muestra la dicotomía existente entre el modus vivendi rural y el cosmopolita.

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“People, Places, Things” de James C. Strouse

Por lo que se refiere a la sección SHORTS, tendremos la posibilidad de ver trabajos como el lynchiano “Footprints”, del ya veterano Bill Plymptom, o “Everything & everything & everything” dirigido por Alberto Roldán y protagonizado por Shane Carruth, autor del fascinante largometraje “Primer” (2005). También destaca en la selección “Interesting ball”, película codirigida por Dan Kwan y Daniel Scheinert, polémicos ganadores a la mejor dirección en el último Festival de Sundance con “Swiss army man”.

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“Interesting ball” de Dan Kwan y Daniel Scheinert

Finalmente a destacar en la flamante nueva sección DOCS títulos como “In Jackson Heights” del celebrado autor de “National Gallery” Frederick Wiseman, quien nos lleva al barrio más intercultural de Nueva York,  “Blood brother” de Steve Hoover, sobre Rocky Braat, un joven que después de un viaje a la India descubrió que su vida solo tenía sentido ayudando a niños huérfanos con SIDA, o “Prophet´s Prey”, documental en clave de thriller sobre una secta polígama, dirigida por Amy Berg, la responsable de “Janis”, estupendo documental sobre Janis Joplin que se pudo ver en la última edición del In-Edit Festival.

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“In Jackson Heights” de Frederick Wiseman

Ya hemos mencionado que el Festival programa actividades paralelas como el “Americana kids” dedicado a los niños. También se realizarán talleres y mesas redondas, como “El crítico al desnudo”, sobre crítica cinematográfica,  o “Funambulistas americanos”, actividad dedicada a reflexionar sobre qué se entiende como cine independiente americano (a celebrar  ambas cosa en La casa del cine).

Toda la programación al completo (recordándoos que salvo la inaugural, el resto de proyecciones del festival se realizan en los Cinemes Girona) con sus horarios, la podéis encontrar clicando en el siguiente enlace:

Web de Americana: Festival de Cine Independent Nord-Americà/Horarios de proyecciones

Ricard.

Os dejamos con esta graciosa presentación del Festival:

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“The revenant” (El renacido): Una historia de supervivencia.

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Si en “Gangs of new York” vimos a Leonardo DiCaprio como protagonista de una historia que se ocupaba de los inicios de la gran ciudad, en esta ocasión cruza el país aunque no cambia de época, y aparece  caracterizado del audaz trampero Hugh Glass, que existió en la vida real, a finales del siglo XVIII,  y paradójicamente acabó sus días a manos de los indios arikara. La película se basa en la novela homónima sobre la vida del explorador escrita por  Michael Punke (escritor, profesor, asesor político, abogado y experto en asuntos exteriores del gobierno estadounidense).

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Nos situamos en los años de la conquista del Oeste; en concreto, de la parte noroeste de Estados Unidos, en las lejanas montañas de Dakota y Montana.  La expedición del capitán Andrew Henry  (interpretado por el actor irlandés Domhnall Gleeson a quien hemos visto hace poco en otro papel militar, el del avieso general Hux en el último episodio de “Star Wars”), es interceptada y diezmada por los arikara lejos de la base de Fort Kiowa, último lugar habitado antes de los bosques.

El agónico intento de regreso al fuerte es narrado con maestría por el genial Alejandro González Iñárritu, (director de películas tan dispares como “Amores perros” o “Birdman“).  No adelantaremos argumento, pero la resistencia frente a una naturaleza despiadada es también en la película una lucha contra la traición y el egoismo (brillante actuación de Tom Hardy en su papel de Fitgerald).

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Si algo hemos de destacar de la cinta es la sobrecogedora y majestuosa grandiosidad de la naturaleza en ella representada (excelente fotografía de Emmanuel Lubezki): magníficas localizaciones, incluso en la Tierra del Fuego argentina, que nos trasladan a ese escenario mítico de los primeros colonos y de su lucha frente a los que -con más razón de la que da a entender el sentido casi peyorativo de la expresión-, son llamados “native americans”, a quienes se les disputa el territorio, como a los franceses (que, dicho sea de paso, no son pintados de modo muy amable). También resaltamos la original e imponente banda sonora firmada por los prestigiosos Ryuychi Sakamoto y Alva Noto.

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La muy comentada escena de la lucha con el oso Grizzly es de un asombroso realismo, igual que el tormento  y venganza de Glass.  La gran versatilidad de DiCaprio da otra lección de buen hacer interpretativo.  Una impecable película de aventuras sin más pretensión que entretener un buen rato pero que exprime sus armas con oficio y delicadeza.

“The Revenant” ha sido premiada con tres Globos de Oro (mejor director, mejor película y mejor actor), tres Óscar (mejor director, mejor actor y mejor fotografía), cinco premios BAFTA (mejor director, mejor película, mejor actor, mejor fotografía y mejor sonido), el premio del Sindicato de Actores a Leonardo DiCaprio y dos premios Critics’ Choice Movie Awards (mejor actor y mejor fotografía).

Ignasi y Laura.

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“Sicario”: El Estado fallido.

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Hemos disfrutado con este gran film, dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y protagonizado por Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin, con guión de Taylor Sheridan.

Siguiendo la estela del extraordinario “Amexica” del periodista Ed Vulliamy y de la mas reciente “Cero Cero Cero” de Roberto Saviano,  la película, a partir de un argumento más o menos anecdótico -una sucia operación secreta para dar caza a un narcotraficante en el interior de México-, nos presenta con toda su intensidad y crudeza la durísima guerra de la droga que se disputa a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos.

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Esta espeluznante guerra, que ya sólo es noticia cuando uno de sus episodios alcanza niveles mayores de los habituales (la masacre de los estudiantes normalistas, por ejemplo), es retratada con maestría en la película.

Así, observamos como la guerra de la droga es fruto, en buena parte, de la pobreza. Con gran parte de la población sumida en la miseria y con escasas alternativas al tráfico de droga, los habitantes de ciudades como Juárez  ven que el poder real no lo ejerce el Estado sino los narcotraficantes, quienes gobiernan con mano de hierro esos dominios, extorsionando a quien no quiere colaborar con ellos (incluída la policía) y aplicando castigos “ejemplares” a aquellos que se atreven a contrariarlos. La brutalidad es representada en el film no como una elección sino como un mecanismo de sometimiento y una amarga adaptación al medio.

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En medio de ese caos, las autoridades, si quieren ir más allá de apresar al camello de barrio, no tienen más remedio que recurrir a la guerra sucia, incluyendo la utilización de miembros de bandas rivales (estupendo Benicio del Toro en su papel de antiguo miembro de una banda colombiana que ya no tiene nada que perder) para llegar hasta los capos. Emily Blunt interpreta con su habitual buen hacer el papel de policía convencional y bastante ingenua que tarda en comprender los métodos que un heterodoxo y cínico jefe del comando, Josh Brolin, tiene en mente.

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La cuidada elección de las localizaciones, la fotografía que transmite la calurosa e inmisericorde luz del desierto de Sonora, los papeles secundarios, con personajes que parecen realmente haber surgido de cualquiera de esas temibles bandas, nos transportan hasta ese desolador panorama de frontera y guerra despiadada; la escena con el capo cenando junto a su familia en su lujosa villa, ajeno a toda la desolación que sus implacables órdenes han generado, es un amargo epílogo a la película y resume la injusticia de esta guerra donde los que caen son, como siempre, los más débiles e indefensos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la película “Sicario”

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“Irrational man”: Un Allen nada desdeñable.

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Empieza a resultar un tópico decir que las películas de Woody Allen, de un tiempo a esta parte, resultan sistemáticamente mediocres o directamente malas. Incluso antes del estreno anual al que el cineasta neoyorkino nos tiene acostumbrados, ya sabemos que buena parte de la crítica especializada y del público va a darle rápido carpetazo al nuevo trabajo de Allen sin que tan siquiera se hayan dignado, en muchos casos, a pasar por una sala de cine para ver la película en cuestión. Y sin embargo, a nosotros nos parece que el nivel medio de los títulos que el director ha realizado en los últimos tres lustros largos es, cuanto menos, notable; algo que, teniendo en cuenta su ritmo de producción, resulta de lo más meritorio. Es verdad que, salvo por la excepción de algún film aislado como “Match point”(2005) —quizá la película menos “alleniana” junto a “Interiores” (1978), “Septiembre” (1987) y “El sueño de Cassandra (2007) de la filmografía del realizador—, no hay un título que sobresalga especialmente entre todos los estrenados en este periodo de tiempo, e incluso hay que admitir que encontramos alguno —pensamos en concreto en “Vicky, Cristina, Barcelona”(2008)—, que sí merece ciertamente el calificativo de mediocre.

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Sin embargo, en la mayoría de ellos sigue existiendo la impronta que, desde principios de los años 70, una vez superado un primer tramo de carrera cinematográfica repleto de títulos puramente cómicos, ha hecho grande al cine de Allen. Esto es: los imaginativos planteamientos argumentales de sus películas, la concreción, precisión y ritmo narrativo inalterable con que se desarrollan, la sabia, casi invisible (en el mejor sentido de la expresión) puesta en escena de sus films, la naturalidad y buen hacer que extrae de la mayoría de sus actores, etc.

Si bien sus más recientes trabajos basculan entre distintos géneros (más cercanos a la comedia unos, más dramáticos otros), “Irrational man”, última película del director, nos parece un buen ejemplo de lo que viene siendo el cine de Woody Allen desde hace un tiempo. En él encontramos, no solo los elementos antes descritos, si no alguno más que viene repitiéndose de forma remarcable en este postrero trecho de su carrera, como un gusto casi esteticista por el encuadre cinematográfico, algo que, si bien forma parte en general de su personalidad como realizador, se ha intensificado particularmente en su cine más reciente. Y es que Allen siempre ha tenido muy buen ojo tanto para escoger los escenarios donde acontecen sus películas (sea en su habitual New York o en otros parajes), como en elegir técnicos capaces de dar respuesta a sus exigencias en el ámbito de la fotografía.

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En la película además continúan presentes las obsesiones del autor: sus reflexiones sobre el amor, el sexo, el vacío de la existencia y muy particularmente el sentido (o no) del crimen como forma de quebrantamiento moral capaz de salvar, redimir o dar incluso sentido a la vida de una persona; ponderaciones que ya aparecían en films como el antes mencionado “Match point” o en el aún más afinado “Delitos y faltas” (1989). Aquí es un profesor de filosofía recién llegado al campus de una universidad que le ha contratado quien se plantea esta última cuestión con la intención de salir de una dinámica de autodestructiva desazón existencial. El personaje, interpretado por Joaquin Phoenix, quien logra darle una personalidad propia obviando los habituales histrionismos imitativos de Allen a los que suelen recurrir los actores principales de sus películas como si se vieran en la obligación de, en cierta forma, substituir en la pantalla a éste, nos habla por momentos directamente con voz en off, un recurso que se extiende también a su comparsa femenina encarnada por la muy expresiva Emma Stone. De esta forma, el espectador se ve guiado por dos voces distintas, dos puntos de vista diferentes que, de forma equívoca, parecen confluir en un momento de la película para separarse después hasta llegar a un final (obviamente, no lo vamos a desvelar aquí) tragicómico. A diferencia del protagonista de “Match point”, el cual sentía una gran sensación de culpabilidad por los crímenes que había cometido, el de este film no muestra el más mínimo arrepentimiento por lo que hace; todo lo contrario: se siente liberado y feliz. Allen crea un diálogo inteligente entre esa forma de transgresión y el convencionalismo que acaba mostrando el personaje de Stone; como si se tratara de las dos voces que pudieran enfrentarse en nuestra cabeza ante un dilema ético. Las conclusiones finales, a pesar de un cierre de la película que podría pasar incluso por moralista (a nosotros nos parece en realidad maliciosamente sarcástico o incluso cínico), quedan  en manos del espectador.

Un film, en suma, plenamente recomendable.

Ricard.

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