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“Blade Runner 2049”: Hipnótico espectáculo.

Desde el momento en que se supo que iba a rodarse 35 años después de que fuese estrenada una secuela de la emblemática “Blade Runner” (1982), se generaron una serie de expectativas, alimentadas (cómo no) por las redes sociales, que han llevado a que el estreno hace apenas unos días de esta tardía segunda parte haya sido recibida con un nivel de ansiedad cinéfila poco dada a ver en los tiempos que corren. Sin ir más lejos, el que aquí firma se pasó una larga hora haciendo cola para entrar en un cine de Barcelona el sábado posterior a su estreno, algo que no recuerdo haber hecho desde aquellos lejanos tiempos de niñez y adolescencia en los que, dejando de lado la televisión o acaso los reproductores de vídeo, la forma habitual en que veíamos películas era en salas de cine, la mayoría de ellas de una sola pantalla, donde muy a menudo el estreno de determinados títulos era recibido como un auténtico acontecimiento, algo que muy raramente suele ocurrir en la actualidad. A la postre quizá la cosa no ha sido para tanto a tenor de las cifras de recaudación relativamente pobres que ha obtenido la película en Estados Unidos en sus primeros días de proyección.

Sea como sea, cuando me enteré de que se iba a realizar “Blade Runner 2049”, no pude más que tener una sensación de escepticismo. Es obvio que esa enorme maquinaria industrial que es Hollywood hace mucho tiempo que prefiere no arriesgar en proyectos de cierta originalidad y apuesta, en cambio, por secuelas que, en algunos casos (véase por ejemplo lo que está pasando con “Alien”) acaban casi malbaratando grandes títulos del cine popular. Aunque también se le puede dar la vuelta a esta idea y considerar que, precisamente, estas nuevas películas no hacen más que redimensionar el valor de los originales en los que están basados. Sea como sea, Blade Runner, como se sabe, film que dirigiera Ridley Scott basándose en un relato de Philip K. Dick, se me antoja una obra tan descomunal por si misma, que me resultaba extraña la idea de enfrentarme con una continuación tantos años después.

De entrada hay dos grandes aciertos que sí hay que reconocer en aquellos que pusieron en marcha el proyecto: alejarse temporalmente del momento en que terminaba la anterior película (algo, de todas formas, inevitable si se quería incluir personajes icónicos que aparecían en el film original, dado que los actores que los interpretan, obviamente, han envejecido) y escoger un gran director actual como es el canadiense Denis Villeneuve para llevar adelante el trabajo.

Debo decir que Villeneuve, realizador al que debemos títulos del mérito de “Prisioneros” (2013), “Sicario” (2015) o “La llegada” (2016) (película, esta última, que muchos consideran ya un referente del cine de ciencia ficción moderno), ha estado a la altura de la responsabilidad que se le ha dado, y ha conseguido crear un film en el que, sin duda, ha dejado su propia huella como autor.

Como hemos apuntado y como de hecho indica el título de la película, la historia de esta secuela ocurre bastantes años después de la original. Nos encontramos con un replicante (ya se sabe, una suerte de androide) de nombre K (interpretado por un acertado Ryan Gosling) que ejerce como Blade Runner, es decir, se dedica a “retirar” (eufemísticamente hablando) a otros replicantes como él que han decidido ejercer el libre albedrio en contra de lo que se considera legalmente establecido. El mismo trabajo, pues, que tenía Rick Deckard, el personaje (en principio humano) de Harrison Ford en la película que él protagonizaba. En uno de sus encargos, K se enterará de algo que trastocará completamente los principios de programación con los que actúa, y empezará una historia de descubrimiento que tiene tanto de detectivesco como de proceso existencial. En este sentido, las grandes preguntas que planteaba el film original, y que no son otras que los grandes interrogantes que acarrea la existencia humana (¿quién soy yo? ¿cuál es el sentido de mi existencia? ¿hay algo más después de esta vida?), continúan presentes, unidos a otros que tienen que ver no ya con el futuro, si no con nuestro mundo actual (aspectos relacionados con la clonación, la realidad virtual…).

Villeneuve no descuida la parte de gran espectáculo que necesariamente tenía que tener la película. Todo lo contrario, “Blade Runner” es un film deslumbrante en su apartado visual y sonoro. Un trabajo de gran belleza formal que, ineludiblemente, hay que disfrutar en una sala de cine bien equipada tecnológicamente. Otra cosa bien distinta es que la película consiga llegar emocionalmente al espectador más allá de la capacidad de epatar que tengan sus poderosas imágenes. En este sentido, Villenueve juega básicamente con dos cartas: la aparición esporádica de viejos personajes (con, lógicamente, el que encarna un excelente Harrison Ford a la cabeza) que activa la nostalgia del espectador, y la relación que se establece entre el protagonista que personifica Gosling y una suerte de novia virtual interpretada por una sorprendente Ana de Armas. Es en dicha relación donde aparece la emoción autentica que se echa mucho de menos en buena parte del film. En este sentido, los villanos, encarnados por un excesivamente solemne Jared Leto, y una mucho más interesante Sylvia Hoeks, capaz de pasar de la fragilidad emocional a mostrarse francamente amenazadora en apenas un instante, quedan algo a medias si se trata de ofrecer al relato el contrapunto necesario que lleve a su héroe central a una evolución completamente verosímil. Tampoco nos parece que la relación que se establece entre éste y el personaje que interpreta Robin Wright (una actriz a la que, en cualquier caso, siempre agradecemos ver en pantalla) acabe de estar del todo bien definida.  También nos hubiera gustado que se hubiera desarrollado un poco más el personaje de la científica que encarna Carla Juri, joven intérprete de magnética presencia en pantalla cuya carrera habrá que seguir con interés. Igualmente, creemos que el personaje que encarna con solvencia Mackenzie Davis (vista anteriormente en uno de los episodios de la imprescindible serie “Black mirror”), se queda un poco cojo.

Con todo, hay que decir que no lo tenían nada fácil Hampton Fancher y Michael Green, los guionistas de la película, para llevar a buen puerto un proyecto de las dimensiones que se traían entre manos. El resultado, como hemos apuntado, es algo desigual, pero mantiene la esencia del film original. En el apartado técnico, la fotografía de Roger Deakins resulta portentosa, y tampoco está nada mal la música de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, inevitablemente, muy en la estela de Vangelis.

En suma, Denis Villeneuve ha conseguido realizar una película quizá no perfecta pero sí a la altura de esas expectativas a las que nos referíamos al principio, hipnótica y de gran calado intelectual, con suficientes matices como para que, quizá, lleguemos a apreciarla incluso más con el paso del tiempo como, de hecho, ya nos pasó con el film en cuyo distópico mundo vuelve a sumergirnos.

Ricard con la colaboración de Laura Clemente.

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“Americana”: El Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona se consolida en su cuarta edición.

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Algunos podrían discutir la necesidad de crear un festival de cine norteamericano en Barcelona estando como están las salas de proyección de la ciudad copadas por títulos procedentes de los Estados Unidos. Lo cierto es que el interés real que puedan tener dichas producciones en muchas ocasiones resulta poco menos que nulo, mientras que muchos trabajos creados en ese país que no han sido auspiciados por un gran estudio/productora apenas si llegan a tener distribución aquí, o si la tienen, se entrenan en muy pocas salas, con apenas promoción y normalmente duran muy poco tiempo en pantalla. De allí que nos felicitemos de la consolidación de un festival como el “Americana” en el que se pueden ver películas muy atractivas a priori que no han tenido la posibilidad de ser estrenadas en nuestra ciudad, u otras que quizá lo serán en el futuro pero que ya podremos disfrutar a modo de pre-estreno.

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Fotograma de “Certain women”

De la misma forma que en ediciones pasadas, el festival ordena su programación con diversas secciones: por segundo año tenemos la sección DOCS, dedicada al documental, donde destacan títulos como “The JT Leroy Story” de Jeff Feuerzeig, o “Life animated” de Roger Ross Williams;  SHORTS, en la que se podrán ver diversos cortos; NEXT, que sigue dando a conocer nuevos talentos y en la que este año se podrán ver films como “Donald Cried” de Kristopher Avedisian (película financiada por micromecenazgo) o la animada “My entire high school sinking  into the sea” de Dash Shaw; y TOPS, con proyecciones de títulos ya vistos en otros festivales como puedan ser “Certain women” de Kelly Reichardt con actrices del calibre de Michelle Williams o Kristen Stewart, “Christine” de Antonio Campos, con una, dicen que impresionante, Rebecca Hall, o “Swis army man” de Dan Kwan y Daniel Scheinert, con las interpretaciones de los más que consolidados Paul Dano y Daniel Radcliffe.

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Fotograma de “Swis army man”

Así mismo, este año existe una sección de proyecciones gratuitas y destacamos actividades paralelas como pueda ser el taller “El crítico de cine al desnudo”, o el seminario “Funambulistas americanos” donde se reflexiona sobre qué es lo que se entiende por cine “indie” norteamericano.

Una programación de proyecciones y actividades pues más que atrayente que hará que, como decíamos al principio, ésta sea la edición de consolidación de un festival decididamente indispensable.

Ricard.

Os dejamos con un ingenioso (como lo fue el de la anterior edición) vídeo-presentación del Festival, y un enlace a la web de éste donde podréis ver la parrilla de programación con los horarios de las proyecciones (la mayoría de ellas en el Cine Girona) de todas las películas que pasarán por el evento:

Web del Americana Film Fest

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“Miles ahead”: Cine en clave de Jazz.

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Existen probablemente dos formas de encarar un biopic cinematográfico sobre un personaje más o menos célebre en función de dos circunstancias: el individuo a retratar es una persona común enfrentada a una situación extraordinaria que hace que salga de él algo que no hubiera emergido de no haberse encontrado en tal tesitura, o bien el protagonista de la historia es, de por sí, alguien completamente excepcional. El primer caso demanda en la mayor parte de ocasiones un tratamiento más o menos clásico, que enfoque nuestra atención de espectadores no solamente sobre el personaje en cuestión, sino también sobre el contexto en el que se mueve éste: circunstancias históricas, otros personajes con los que se relacionó (mostrados con cierta profundidad psicológica), u otros elementos en general que aporten luz sobre la personalidad del protagonista y las motivaciones que lo llevaron a actuar de la manera en que lo hizo. Por el contrario, un film dedicado a un genio (en el ámbito que sea) puede centrarse de manera más precisa en el individuo en sí, y escoger una manera más creativa, más libre, de mostrarlo; incluso obviando toda linealidad temporal, y circunscribiéndose a una época o épocas concretas en la trayectoria vital del protagonista.  Esta segunda opción es la que ha escogido con acierto el hasta ahora actor Don Cheadle a la hora de realizar un film dedicado a la figura de ese músico deslumbrante que fue Miles Davis.

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Tomando como punto de partida el final de un parón creativo del genio, acontecido de mediados de los años 70 a principios de los 80, y con la anécdota del robo de algunas grabaciones del músico como una suerte de MacGuffin argumental,  Cheadle realiza una especie de fresco, se diría que de tipo impresionista, sobre una personalidad única, con resultados que consiguen ser divertidos e incluso, por momentos, emotivos.

Con el mismo director encarnando con solvencia al propio Miles Davis, y un muy buen elenco de actores acompañándolo (entre ellos un adecuadamente histriónico Ewan McGregor, y la actriz Emayatzy Corinealdi asumiendo de forma brillante el papel de la que fuera mujer del músico, la bailarina Frances Taylor), el estilo visual y de montaje de la película, con diversos saltos en el tiempo, parece querer imitar el propio estilo experimental de la música de Davis, sin que, como ocurría con ésta, deje de ser un film bastante asequible y entretenido para el común de los mortales.

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Es esta película, en cualquier caso, un trabajo que transpira honestidad y auténtico amor por el personaje que se quiere retratar, sin que ello excluya que se muestren los claroscuros y contradicciones de éste. Añadiendo a todo lo dicho una muy creativa fotografía, y una banda sonora (no podía ser menos) excepcional, “Miles ahead” es uno de los filmes que destacan claramente en la cartelera cinematográfica de este verano. Vale mucho la pena acudir a un cine a disfrutar de ella.

Ricard.

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“Bone tomahawk”: Entre el western clásico y el horror gore.

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Lo dijimos hace ya bastante tiempo cuando hablamos de “Blue valentine”: no se entiende la forma de actuar de muchos programadores culturales en nuestro país. Una afirmación que, si nos parece cierta en general, resulta dolorosamente clara en cuanto fijamos nuestra atención en el circuito de proyección cinematográfica. No resulta comprensible que películas con un más que evidente atractivo como la antes mencionada, o la que nos ocupará en este caso, “Bone tomahawk”, que cuenta con sendos galardones (mejor dirección  y premio de la crítica) en el pasado Festival de Sitges, no encuentren apenas distribución. No se trata de que copen tantas salas como lo hacen los títulos más comerciales que se estrenan cada semana, pero estamos seguros que, con una mínima promoción, las películas mencionadas y otras tantas igualmente interesantes que no consiguen estrenarse en nuestro país o lo hacen en condiciones paupérrimas, lograrían un éxito más que aceptable. Eso partiendo del hecho que el verdadero aficionado al cine siempre intentará ver aquellos trabajos que más le interesan en el recogimiento de una sala de proyección. Dicho esto, la película que os queremos comentar, y que en el caso de Barcelona ha sido estrenada en una única sala, nos ha subyugado por la extraña pero, al mismo tiempo, coherente (argumentalmente) mezcla de géneros que la conforman.

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“Bone tomahawk” está dirigida por el debutante  S. Craig Zahler (Miami, 1973), y protagonizada por un estupendo elenco de actores: Kurt Russell, Matthew Fox, Patrick Wilson y Richard Jenkins. El film se sitúa inicialmente en un pueblo del viejo oeste norteamericano, y se centra en un grupo de personajes que se ven obligados a ir al rescate de una mujer secuestrada por un grupo de salvajes caníbales que viven en una zona montañosa, en tierras apenas exploradas mucho más allá de los límites del mencionado pueblo (un punto de partida argumental pues, más que recurrente en el western si substituimos a los salvajes por indios o bandas de forajidos).

Zahler, hasta ahora músico en bandas de doom metal y escritor de novelas, ha podido sacar adelante la producción de su película gracias a la aportación, sobre todo, de inversores europeos, aunque por lo demás, es éste un trabajo que nos retrotrae al mejor y más atemporal cine estadounidense. Y no deja de ser curioso porque el film oscila de manera admirablemente natural del western al cine de horror con ramalazos del más salvaje gore, pasando también por el género de aventuras, la comedia y el drama, sin que nada chirríe en ningún instante.

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Se puede considerar “Bone tomahawk” como parte de un cierto renacer del cine del oeste, que se viene dando periódicamente y que en los últimos meses ha sido alimentado por títulos como la comentada aquí “El renacido” (film muy sobredimensionado para quien escribe esto), “Deuda de honor”, “Slow west” o la tarantiniana “Los odiosos 8”. “Bone tomahawk” se distingue de ellas por el tono clásico que narrativamente tiene el film, emparentado de alguna forma con el cine que realizaban grandes autores como John Ford, Howard Hawks o Sam Peckinpah (el realizador favorito de Zahler según confesión propia). En este sentido, su director hace que la película discurra con un ritmo más bien pausado, dando tiempo a que conozcamos a sus personajes principales, recreándose en los desolados y, al mismo tiempo, bellos paisajes que les rodean durante su periplo, y consiguiendo una tensión en aumento que hace que, cuando la violencia explícita acaba apareciendo, ésta nos resulte mucho más impactante y cargada de dramatismo que si se hubiera mostrado de una forma constante y gratuita a lo largo del film. Con todo, hay un tramo central de la película al cual quizá le hubiera venido bien un cierto recorte (la cinta se acerca a las dos horas y cuarto de duración). Pero en su conjunto, “Bone tomahawk” es un título de veras estimulante y diferente en el panorama cinematográfico actual, que vale la pena disfrutar en una sala de proyección. Desde luego, estaremos atentos a próximos trabajos de  S. Craig Zahler.

Ricard.

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AMERICANA: Cuatro días del mejor cine independiente norteamericano en Barcelona.

Se celebra en Barcelona desde el día 3 del presente mes de marzo y hasta el día 6 la tercera edición de “Americana”, festival dedicado íntegramente al cine independiente norteamericano.

Siendo como es, hoy por hoy, los Estados Unidos el gran país de referencia en cuanto a cultura audiovisual y cinematográfica se refiere, no cabe duda del gran interés que tiene un evento de estas características.

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En esta ocasión, el festival incluye una nueva sección dedicada al documental que llevará precisamente el nombre de DOCS y que se añade a los otros tres apartados habituales del evento: TOPS, que este año da muestra de un total de siete largos que ya han pasado con éxito por otros festivales, NEXT, que incluye el debut de diversos nuevos talentos del cine norteamericano y películas inclasificables que muy difícilmente conseguirán tener distribución en nuestro país, y SHORTS, dedicado al cortometraje.

En total, en esta edición se proyectarán 19 largometrajes, 12 cortos y se podrá ver también los primeros episodios de las nuevas temporadas de dos series (“Girls” y “Togetherness”). Además, se realizarán diversas actividades paralelas, como el “Americana Kids” dedicado a los más pequeños.

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“Tangerine” de Radium Cheng

Entre los títulos que encontramos este año dentro de la sección TOPS destaca una película como “Tangerine”, film que opta a cuatro Independent Spirit Awards; un trabajo harto curioso, pues está rodado íntegramente en Iphone 5. Precisamente, su director, Radium Cheng, estuvo presente en la rueda de prensa que se celebró ayer martes día 1, donde habló sobre el uso de las nuevas tecnologías de comunicación en el cine presente y futuro. En tándem con el también director Sean Baker, se recuperará su film “Starlet” que ya triunfó en el antes mencionado Independent Spirit Awards hace tres años. Así mismo, podremos ver películas multipremiadas como “Wildlike” de Frank Hall Green, “King Jack” de Felix Thompson,  o “Diggin for fire” de Joe Swanger, esta última con reparto de auténtico lujo (Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, e incluso Orlando Bloom entre otros). Destacamos también “The invitation”, de Karyn Kusama, última ganadora en el Festival de Sitges, y “Trumbo”, drama dirigido por Jay Roach centrado en la figura del gran guionista de cine Dalton Trumbo (encarnado por un magistral Bryan Cranston, inolvidable protagonista de la serie “Breaking Bad” y que ha sido nominado a un Oscar por este nuevo papel), que fue perseguido por sus ideas izquierdosas en el Hollywood clásico.

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“Trunbo” de Jay Roach

En el apartado NEXT, queremos mencionar títulos como “People, Places, Things” de James C. Strouse, que inaugura además el evento (será la única película del Festival que no se proyectará en los Cines Girona, si no en concreto, en el espectacular Phenomena). Se trata de una comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que se ve en la obligación de salir adelante criando a sus dos hijas tras el divorcio de su esposa. Igualmente, resaltamos la inquietante “They look like people” del debutante Perry Blackshear, “Yosemite”, opera prima de Gabrielle Demestere, basada en tres relatos de James Franco y que cuenta con él como actor protagonista en una de las historias, o “Take me to the river” de Matt Sobel, film que a través de la radiografía de una familia muestra la dicotomía existente entre el modus vivendi rural y el cosmopolita.

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“People, Places, Things” de James C. Strouse

Por lo que se refiere a la sección SHORTS, tendremos la posibilidad de ver trabajos como el lynchiano “Footprints”, del ya veterano Bill Plymptom, o “Everything & everything & everything” dirigido por Alberto Roldán y protagonizado por Shane Carruth, autor del fascinante largometraje “Primer” (2005). También destaca en la selección “Interesting ball”, película codirigida por Dan Kwan y Daniel Scheinert, polémicos ganadores a la mejor dirección en el último Festival de Sundance con “Swiss army man”.

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“Interesting ball” de Dan Kwan y Daniel Scheinert

Finalmente a destacar en la flamante nueva sección DOCS títulos como “In Jackson Heights” del celebrado autor de “National Gallery” Frederick Wiseman, quien nos lleva al barrio más intercultural de Nueva York,  “Blood brother” de Steve Hoover, sobre Rocky Braat, un joven que después de un viaje a la India descubrió que su vida solo tenía sentido ayudando a niños huérfanos con SIDA, o “Prophet´s Prey”, documental en clave de thriller sobre una secta polígama, dirigida por Amy Berg, la responsable de “Janis”, estupendo documental sobre Janis Joplin que se pudo ver en la última edición del In-Edit Festival.

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“In Jackson Heights” de Frederick Wiseman

Ya hemos mencionado que el Festival programa actividades paralelas como el “Americana kids” dedicado a los niños. También se realizarán talleres y mesas redondas, como “El crítico al desnudo”, sobre crítica cinematográfica,  o “Funambulistas americanos”, actividad dedicada a reflexionar sobre qué se entiende como cine independiente americano (a celebrar  ambas cosa en La casa del cine).

Toda la programación al completo (recordándoos que salvo la inaugural, el resto de proyecciones del festival se realizan en los Cinemes Girona) con sus horarios, la podéis encontrar clicando en el siguiente enlace:

Web de Americana: Festival de Cine Independent Nord-Americà/Horarios de proyecciones

Ricard.

Os dejamos con esta graciosa presentación del Festival:

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“The revenant” (El renacido): Una historia de supervivencia.

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Si en “Gangs of new York” vimos a Leonardo DiCaprio como protagonista de una historia que se ocupaba de los inicios de la gran ciudad, en esta ocasión cruza el país aunque no cambia de época, y aparece  caracterizado del audaz trampero Hugh Glass, que existió en la vida real, a finales del siglo XVIII,  y paradójicamente acabó sus días a manos de los indios arikara. La película se basa en la novela homónima sobre la vida del explorador escrita por  Michael Punke (escritor, profesor, asesor político, abogado y experto en asuntos exteriores del gobierno estadounidense).

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Nos situamos en los años de la conquista del Oeste; en concreto, de la parte noroeste de Estados Unidos, en las lejanas montañas de Dakota y Montana.  La expedición del capitán Andrew Henry  (interpretado por el actor irlandés Domhnall Gleeson a quien hemos visto hace poco en otro papel militar, el del avieso general Hux en el último episodio de “Star Wars”), es interceptada y diezmada por los arikara lejos de la base de Fort Kiowa, último lugar habitado antes de los bosques.

El agónico intento de regreso al fuerte es narrado con maestría por el genial Alejandro González Iñárritu, (director de películas tan dispares como “Amores perros” o “Birdman“).  No adelantaremos argumento, pero la resistencia frente a una naturaleza despiadada es también en la película una lucha contra la traición y el egoismo (brillante actuación de Tom Hardy en su papel de Fitgerald).

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Si algo hemos de destacar de la cinta es la sobrecogedora y majestuosa grandiosidad de la naturaleza en ella representada (excelente fotografía de Emmanuel Lubezki): magníficas localizaciones, incluso en la Tierra del Fuego argentina, que nos trasladan a ese escenario mítico de los primeros colonos y de su lucha frente a los que -con más razón de la que da a entender el sentido casi peyorativo de la expresión-, son llamados “native americans”, a quienes se les disputa el territorio, como a los franceses (que, dicho sea de paso, no son pintados de modo muy amable). También resaltamos la original e imponente banda sonora firmada por los prestigiosos Ryuychi Sakamoto y Alva Noto.

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La muy comentada escena de la lucha con el oso Grizzly es de un asombroso realismo, igual que el tormento  y venganza de Glass.  La gran versatilidad de DiCaprio da otra lección de buen hacer interpretativo.  Una impecable película de aventuras sin más pretensión que entretener un buen rato pero que exprime sus armas con oficio y delicadeza.

“The Revenant” ha sido premiada con tres Globos de Oro (mejor director, mejor película y mejor actor), tres Óscar (mejor director, mejor actor y mejor fotografía), cinco premios BAFTA (mejor director, mejor película, mejor actor, mejor fotografía y mejor sonido), el premio del Sindicato de Actores a Leonardo DiCaprio y dos premios Critics’ Choice Movie Awards (mejor actor y mejor fotografía).

Ignasi y Laura.

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“Sicario”: El Estado fallido.

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Hemos disfrutado con este gran film, dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y protagonizado por Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin, con guión de Taylor Sheridan.

Siguiendo la estela del extraordinario “Amexica” del periodista Ed Vulliamy y de la mas reciente “Cero Cero Cero” de Roberto Saviano,  la película, a partir de un argumento más o menos anecdótico -una sucia operación secreta para dar caza a un narcotraficante en el interior de México-, nos presenta con toda su intensidad y crudeza la durísima guerra de la droga que se disputa a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos.

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Esta espeluznante guerra, que ya sólo es noticia cuando uno de sus episodios alcanza niveles mayores de los habituales (la masacre de los estudiantes normalistas, por ejemplo), es retratada con maestría en la película.

Así, observamos como la guerra de la droga es fruto, en buena parte, de la pobreza. Con gran parte de la población sumida en la miseria y con escasas alternativas al tráfico de droga, los habitantes de ciudades como Juárez  ven que el poder real no lo ejerce el Estado sino los narcotraficantes, quienes gobiernan con mano de hierro esos dominios, extorsionando a quien no quiere colaborar con ellos (incluída la policía) y aplicando castigos “ejemplares” a aquellos que se atreven a contrariarlos. La brutalidad es representada en el film no como una elección sino como un mecanismo de sometimiento y una amarga adaptación al medio.

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En medio de ese caos, las autoridades, si quieren ir más allá de apresar al camello de barrio, no tienen más remedio que recurrir a la guerra sucia, incluyendo la utilización de miembros de bandas rivales (estupendo Benicio del Toro en su papel de antiguo miembro de una banda colombiana que ya no tiene nada que perder) para llegar hasta los capos. Emily Blunt interpreta con su habitual buen hacer el papel de policía convencional y bastante ingenua que tarda en comprender los métodos que un heterodoxo y cínico jefe del comando, Josh Brolin, tiene en mente.

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La cuidada elección de las localizaciones, la fotografía que transmite la calurosa e inmisericorde luz del desierto de Sonora, los papeles secundarios, con personajes que parecen realmente haber surgido de cualquiera de esas temibles bandas, nos transportan hasta ese desolador panorama de frontera y guerra despiadada; la escena con el capo cenando junto a su familia en su lujosa villa, ajeno a toda la desolación que sus implacables órdenes han generado, es un amargo epílogo a la película y resume la injusticia de esta guerra donde los que caen son, como siempre, los más débiles e indefensos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la película “Sicario”

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