Archivo mensual: enero 2018

“Blasted”: Descenso al infierno de dos almas podridas.

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Hemos asistido en el Teatre Nacional de CatalunyaTNC (Sala petita) a la ópera prima de la autora británica Sarah Kane, que para hacernos una idea del tipo de teatro que tenía en mente, se sucidió a los 28 años presa de la depresión.

Todo nos ha parecido singular en esta obra: no es habitual que una autora de veinticuatro años escriba un texto de esta densidad; tampoco suele darse que un único espectáculo combine dos lenguajes teatrales opuestos, el realismo – naturalismo de la primera escena con el teatro existencialista de la segunda. Por último, no es corriente encontrar sobre un escenario un torrente de cruda violencia y que a pesar de ello no deje reducida la obra a un panfleto escandaloso. Esta disparidad es lo que hace la obra especialmente recomendable.

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La representación se inicia con toda una declaración de intenciones que el protagonista Ian (Pere Arquillué) le dedica a su acompañane Cate (Marta Ossó) “he cagat en llocs millors”, gélidas palabras que ya nos dejan adivinar la personalidad atormentada de Ian; la habitación, bien cuidada y cubierta de cortinas como las que se estilan en los salones de convenciones de los hoteles más glamurosos de la ciudad, da ella sola la réplica y pone de relieve la amargura de Ian.

El contraste entre ese periodista con ínfulas de policía, alcohólico, enfermo y egoista,  y Cate, chica a la que el contacto que tuvo con Ian años atrás no consiguió del todo torcer su inocencia, pone de relieve las diferentes motivaciones para acudir a la cita: Ian antes de su muerte que se adivina cercana, tan sólo quiere cerciorarse de que aún tiene poder sobre Cate, quien a su vez acude a la cita por ese ánimo redentor con que algunas mujeres se enamoran del hombre equivocado.

Blasted/TNC-Temporada Alta

El egoísmo de Ian queda patente en sus requerimientos sexuales  y en su incapacidad de empatía.  Esta primera escena describe un encuentro antiromántico donde la violación es a lo que la escena conduce inexorable.

Y es en ese punto donde la genialidad de la autora da un giro extraño a la obra.  De repente ya no estamos en un tranquilo hotel de provincias, donde nada sucede fuera de las desagradables paranoias de Ian y de la propia violencia diálectica y física que despliega sobre la chica; un oscuro soldado desaliñado (Blai Juanet) que no se sabe de dónde viene ni adónde va y al que le mueve al parecer el resentimiento por el asesinato de su novia, una guerra que deja el hotel reducido a escombros… todo nos hace descubrir que la miseria moral de Ian no era gran cosa comparada con el reguero de atrocidades que describe el soldado y que pone en práctica sobre Ian.  Si en las primeras críticas de la obra se habló de repugnante festival de vileza, ese tenebroso festival es precisamente a lo que asistimos en los momentos finales del soldado y del propio Ian.

Blasted/TNC-Temporada Alta

Pero la propia autora ya decía que no entendía cómo escandalizaba más la violencia del montaje que la violencia real (era la época de la guerra de Bosnia) y esta versión dirigida por Alicia Gorina, con escenografía de Silvia Delagneau e iluminación de Raimon Rius, permanece fiel a esa reflexión: elude una representación demasiado literal (la iluminación y escenografía de la primera escena son más bien cálidas, intimistas, como si pidieran perdón por lo que va pasar), el montaje se centra en elementos metafóricos (el bebé es una bolsa de agua), en elipsis (de la violación nos enteramos por las palabras de Kate o por lo que vemos al amanecer en la primera escena) y en hipérboles (la desesperación de Ian le hace escarbar la hierba y esconderse en un agujero), para crear un conjunto muy expresivo, que se centra más que en la violencia, en las causas de ella: si Ian es un perdedor que no se da cuenta de que está recogiendo lo que él mismo ha sembrado, el soldado es alguien sobrepasado por la guerra que como último recurso ante tanto dolor le queda convertirse en el peor de todos.

Recomendamos la lectura del texto en inglés (si es posible) y en catalán, editado por Arola Editors y traducido por Albert Arribas (texto al que se ciñe esta versión de la obra).

Blasted” se representará hasta el 11 de febrero y sin duda alguna la recomendamos a todos los amantes del teatro.

PROS DE LA OBRA: Obra polémica, compleja y con muchos matices que gusta mucho más tras el paso del tiempo. Deja poso en el espectador/lector y pide un público crítico, observador y reflexivo.

CONTRAS DE LA OBRA: Obra indicada para el público más exigente y amante del teatro.

Ignasi y Laura.

Web del TNC – Información sobre “Blasted”

 

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“Punt de fuga o la moral de l’herbicida”: Destellos de buen teatro.

 

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Una de las primeras obras de la Companyia Ésgrata, con dirección de Eduard Tudela, dramatugia de María Porras (partiendo de un texto previo de la autora) y Companyia Ésgrata, con Laia Alberch, Georgina Latre y Javier López como protagonistas, nos presenta en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana de Barcelona un relato de ciencia ficción, al modo de las clásicas distopias del género, con resonancias de “Logan’s run” y “Un mundo feliz”.  En un futuro cercano, una secta convence a millares de personas a alejarse de los peligros del mundo y recluirse en pequeños grupos bajo las órdenes de un tutor.

La obra comienza con potencia, con un prometedor video donde se proyecta la presentación de la polémica con la que sociedad ha recibido a la secta, que capta a sus adeptos con anuncios  como si de una nueva promoción inmobiliaria de una urbanización de clase alta se tratara… aunque parece que no todo el mundo está dispuesto a picar el anzuelo.

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Tras esa presentación, ya pasamos al claustrofóbico planteamiento de la trama: una especie de monitor-gurú que convive con dos mujeres que se han dedicado a la secta, una de ellas embarazada y la otra que entregó un hijo hace años a la secta y del que nunca más se supo…

A partir de esa situación, la obra se centra en los diferentes modos de aceptar el encarcelamiento al que están sometidas las mujeres: una de ellas (Laia Alberch) con melancólica resignación, mientras que la otra (Georgina Latre) parece haber caído en el desequilibrio, con alternancia entre desenfrenada danza y ataques histéricos a sus compañeros.

Gran trabajo también por parte del resto del equipo artístico: escenografía de Companyia Ésgrata y Jordi Rovira,  sonido por Guillem Gefaell, diseño de luces de Core Rodríguez Vilaplana, asesoría de movimiento de Xavier Torra y fotografía de Ingrid Ribas. La excelente realización de vídeo es una creación conjunta de Laia Alberch, María Porras, Júlia Barceló, Ignacio F. Rodó, Diana Gómez, Guillaume Maison, Anaïs Muniesa, Glòria Giró, Martí Salvat y Xavier Torra.

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PROS DE LA OBRA: El planteamiento es bueno y da bastante juego; el excelente montaje de vídeo del inicio contribuye a interesarnos por esa extraña secta, las personas que se han retirado con ella, y a querer descubrir qué va a suceder.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el ambicioso punto de partida no se ve compensado con un desarrollado acorde;  la obra prefiere centrarse en la irrespirrable atmósfera que el gurú y los otros jefes de la secta hacen vivir a las chicas, situación opresiva que acaba produciendo una relación dificil entre sus personajes, con alternancia entre broncas, euforias y reproches varios.

Podéis escuchar nuestra entrevista a Laia Alberch y Georgina Latre en el programa Ona Cultural de la radio Ona de Sants del 20 de enero:

Programa Ona Cultural del 20/01/18

Punt de fuga o la moral de l’herbicida” estará en el Àtic22 del Teatre Tantarantana hasta el próximo 28 de enero.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Punt de fuga o la moral de l’herbicida”

 

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”Nixie (Deep inside)”: Viaje al fondo del mar.

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Una mujer que parece una sirena es recibida con aplausos. Comienza un “postureo” divertido ante un público supuestamente masculino (una voz). Ella está todavía sobre la superficie del mar y duda si lanzarse o no a su interior.

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Y comienza un hermoso viaje donde Nixie, quintaesencia de la femineidad  (interpretada por  la coreógrafa,  bailarina  y directora del espectáculo Eulàlia Bergadà) nos lleva hacia las profundidades del océano y de su mar interior, el alejamiento del ego y el reencuentro con el yo.

Con Nixie también nos acompaña la deliciosa música compuesta por Marc Naya e interpretada por él mismo junto a Ferran Echegaray y Carlos Gallardo. En las profundidades del alma, hallamos la parte oscura y la luz, el caos y la belleza, y la sirena va cambiando su ropaje (exquisito vestuario creado y confeccionado por Claire O’Keefe) para pasar a ser una diva en plena actuación, acompañada por unos focos que invitan al espectador (ya entregado) a interactuar…

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Este delicado, casi sobrenatural e intimista espectáculo que se puede ver en la Sala Hiroshima de Barcelona hasta el domingo 21 de enero participa del proyecto INEXCHANGE, que propone intercambios de residencia para piezas en creación. En este caso, el proyecto representa a Tilburg (Holanda), con residencia en Sala Hiroshima, Teatros del Canal (Madrid), Auditori Sa Màniga (Mallorca) y La Blanca (Barcelona).

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PROS DE LA OBRA: Totalmente recomendable para los amantes de la danza. Una joya de la danza que brilla con luz propia.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que a esta maravilla no se le pueden encontrar fallos prácticamente, pero tal vez el público neófito no acabe de captar el significado de la pieza.

Os dejamos un enlace al teaser de la obra:

Laura Clemente.

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MAFIA: Delicioso gore.

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En la Sala Atrium de Barcelona hemos asistido a esta impactante y original comedia de la compañía The Mamzelles Teatre,  escrita por Bàrbara Mestanza, Paula Malia y Paula Ribó, con dirección de las propias Mestanza y Ribó.  Todo nos ha gustado en esta obra: el ingenioso argumento y cuidado decorado es acompañado por una puesta en escena que aúna  expresivo realismo con desenfreno gore y trasfondo social.

Ya desde el inicio nos sorprende gratamente un ágil diálogo en dialecto siciliano con subtítulos que nos introduce en el ambiente sureño mafioso donde se desarrolla la acción. La madre y las tres hijas esperan en la cocina de la casa el regreso de los hombres del clan, con el padre de la familia como capo. Poco a poco nos enteramos de los turbios negocios en los que está envuelta la familia y comenzamos a intuir que hay algo que no marcha… Y si al principio todas parecen empeñadas en ocultarle la verdad a la benjamina de la familia, más tarde vemos con ternura como todas se conjuran para encarar su destino.

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La trama se nos expone de forma fresca, agil: los ingeniosos diálogos entre las cuatro mujeres de sangre caliente alternan la franqueza con el espectáculo, el numerito con los reproches, las rencillas, escarnios y violentos enfrentamientos con emociones desatadas y revelación de traumas familiares.  La obra va in crescendo, los acontecimientos se suceden sin respiro hasta el banquete final, que habéis adivinado, no tendrá mucho de convencional.

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Cada una de las intérpretes presenta un perfil determinado muy marcado: Paula Ribó, la mamma, transmite una personalidad extraordinaria, ella lo organiza todo si bien se ve obligada a contar con el personaje interpretado por Júlia Molins, que da vida a la hermana más inteligente, la que no se hace ilusiones del destino que les espera y conoce perfectamente los hilos mafiosos de la localidad.  Paula Malia, por su parte, es la pequeña del grupo, la aparentemente más inocente aunque al final se une solidaria al plan fijado por el resto; a su vez, Bàrbara Mestanza encarna a la dura pandillera, la más pasional y la que tiene los nervios a flor de piel y no duda en abalanzarse, si conviene y pistola en mano, sobre su hermana pequeña.

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El conjunto de diálogos, escenas gore y puesta en escena nos ha dejado una comedia trepidante, original e ingeniosa que no dejará a nadie indiferente. Está teniendo tanto éxito que incluso han prorrogado hasta el 21 de enero.

PROS DE LA OBRA: Su agilidad de diálogos y cuidada escenografía de Equip Maap (Anna Auquer ,  Maria Auquer) y Javier Sanagustin. Los toques gore salpicados en costumbrismo siciliano confieren a la obra una gran originalidad.

CONTRAS:  No apta para estirados, melindrosos y a quien no les guste el humo del tabaco…

Os dejamos un enlace al trailer de la obra:

Esperamos que la dsfrutéis como nosotros.

Ignasi y Laura.

Web de Sala Atrium – Información sobre “MAFIA”

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“Perfectos desconocidos”: ¡Apaguen los móviles!

En un momento en que la cartelera cinematográfica está especialmente repleta de títulos interesantes, pero acaso muchos de ellos con temáticas bastante densas (nos vienen a la cabeza películas como la sueca “The square”, la griega “El sacrificio de una ciervo sagrado” o la norteamericana “En realidad nunca estuviste aquí”), se nos antojaba a priori como un divertimento más que apetecible “Perfectos desconocidos”, del director donostiarra Alex De la Iglesia, adaptación del film italiano que fue un taquillazo de público en el país transalpino la pasada temporada.

Con más de 2 millones de espectadores que la han visto ya según reza la publicidad que se le está haciendo actualmente a la película, y convertida pues también aquí en un gran éxito, lo cierto es que el visionado del film ha resultado ser más satisfactorio de lo esperado, sobre todo teniendo en cuenta que logra transcender el puro divertimento vodevilesco del que estábamos predispuestos a disfrutar.

La premisa de la película no podía ser más estimulante: un grupo de amigos, en la cuarentena la mayoría, decide juntarse una noche para cenar en casa de dos de ellos, proponiendo una de las congregadas dejar los móviles encima de la mesa para leer en voz alta los mensajes que reciban y escuchar conjuntamente las llamadas que vayan surgiendo. El juego, que en principio se les antoja como algo puramente jocoso, propiciará situaciones cada vez más comprometidas.

Alex De la Iglesia maneja con elegancia la cámara por un espacio casi único, el apartamento de los anfitriones, sorteando la tentación de convertir el film en una especie de obra de teatro filmada. Lejos de ello, “Perfectos desconocidos” es una película con todas las de la ley, que bascula entre la comedia de equívocos y un cierto tono dramático que se acentúa en su tramo final. A falta de haber visto el film original italiano, y desconociendo pues las diferencias que puedan existir con éste, añadiríamos además que el trabajo de De la Iglesia tiene la inteligencia de ir desgranando sutilmente ciertos elementos fantásticos que hacen que, al final, no nos sorprenda demasiado el giro en forma de fábula que tiene la historia.

Con todo lo dicho, nada en esta película podría funcionar bien sin el brillante trabajo de su reparto (perfectos, y nunca mejor dicho, todos y cada uno de los actores y actrices).

Película, en suma, fresca, francamente entretenida, y que pone sobre la mesa una cuestión de plena actualidad: la diferencia que existe entre nuestro yo público, lo privado y lo directamente oculto, en un momento en que las nuevas tecnologías dan pie fácil a eliminar las fronteras entre estas tres dimensiones del individuo.

Ricard.

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