Archivo mensual: enero 2014

“Ignasi M.”: El nuevo documental de Ventura Pons.

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Cartel del documental

El pasado lunes tuvimos la oportunidad de asistir al preestreno en el cine Aribau de Barcelona de “Ignasi M.”, la nueva película de Ventura Pons en la que supone su tercera experiencia en el género del documental tras “Ocaña, retrat intermitent” (1977) y “El gran gato” (2002). Presentada en el “Festival Internacional de Cinema de Toronto”, u otros certámenes similares en ciudades como Chicago, Estocolmo o Buenos Aires, “Ignasi M.” se centra en la figura de Ignasi Millet, prestigioso museólogo que vive momentos difíciles que afronta con valentía y gran sentido del humor.

La historia de su vida es de esas que le hacen pensar al espectador que la realidad supera en muchas ocasiones con creces la ficción. Durante los años de bonanza económica su empresa dedicada a la restauración de arte iba bien, pero tras la crisis, entra en quiebra. Para intentar salvarla, Ignasi hipotecó su casa, la cual ahora está a punto de perder asediado por los bancos. Es seropositivo, lo que le obliga a medicarse fuertemente a diario. Además, participa en un programa de ensayo clínico mientras intenta aguantar los malos tiempos y rehacer su vida cotidiana disfrutando de cada minuto de su existencia. Las dificultades en su vida no solo le atañen directamente a él sino que tienen que ver también con su familia: su padre artista ha intentado suicidarse y está recluido en una residencia; su madre anciana vive con las secuelas emocionales que conllevan el comportamiento de su marido; su ex mujer, que se mueve en silla de ruedas debido a una enfermedad, ha descubierto su lesbianismo…  Por otro lado, sus dos hijos que viven en Londres se han convertido en un gran diseñador de efectos especiales en un caso y en un prestigioso fotógrafo en el otro, pero este último ha abrazado el evangelismo, y su moral choca frontalmente con el hecho de que su padre sea homosexual, y también con la fuerte personalidad y convicciones de éste.

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El director Ventura Pons

Ventura Pons sigue al protagonista de la historia por los distintos ambientes en los que se mueve: lo vemos en su casa medicándose, en el hospital donde se le hace el seguimiento por el tratamiento experimental que está realizando, hablando con toda sinceridad con su padre primero y su madre después, charlando con antiguos compañeros de trabajo, exponiendo sus convicciones políticas independentistas ante un amigo argentino, escalando con sus hermanos en Montserrat, fotografiándose durante una fiesta gay, etc… Todo ello conforma un collage completo que no solo logra retratar al personaje, sino captar en cierta forma un determinado estado de ánimo que se vive en la sociedad actualmente y del que Ignasi Millet, con todas sus peculiaridades, podría ser representativo.

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Ignasi, protagonista del documental

Con todo, al final uno tiene la sensación de que la lección de vida que nos transmite Ignasi es lo que prevalece por encima de todo tras ver el documental: su visión crítica de la realidad, valentía, honestidad y ácido humor, dan muestra de la capacidad del ser humano para sobreponerse a las más duras dificultades.

Desde “Cultura y algo más” no podemos hacer otra cosa que recomendaros esta película que se estrena hoy.

Ricard.

Os dejamos con un vídeo donde podéis ver algunas escenas del documental:

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John Fante: El alter ego como figura literaria.

Hace unos meses, tuvimos la oportunidad de estar en la presentación de las traducciones al catalán de dos novelas ,“La germandat del raïm” y “Plens de vida”, de John Fante (Denver, 1909 – Los Ángeles, 1983). Fue poco después de la inauguración de la librería “La impossible”, de la que os hablamos en este espacio el pasado verano. Los libros han sido  traducidos magníficamente por Martí i Sales y publicados por “Edicions de 1984”, una editorial que ha ido incorporando poco a poco una muy atractiva lista de autores y títulos a su catálogo en lengua catalana. La presentación de los libros corrió a cargo del escritor Kiko Amat, gran conocedor de la obra de Fante del que se considera un absoluto admirador, además de reconocerlo como una de sus máximas influencias.

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Con motivo de la asistencia a este acto, pensamos en dedicarle un espacio al escritor norteamericano por el cual, al igual que Amat, sentimos gran devoción. No ha sido antes que lo hemos hecho porque queríamos leer las dos traducciones mencionadas arriba. Por otra parte, se da el hecho de que, justamente ahora, la editorial Anagrama ha cerrado la publicación completa en castellano de la obra de Fante con su recopilación de cuentos “El vino de la juventud”.

John Fante nació en el seno de una familia italoamericana de clase humilde-trabajadora. Su padre, Nicola Fante, albañil con tendencias alcohólicas, y su madre, Mary Capolungo, mujer de fuertes creencias católicas, marcaron profundamente la niñez del autor. Motivado por una profesora de instituto, quien vio en él un talento natural para la escritura, John Fante empezó a elaborar sus primeros textos recién llegada la adolescencia y, poco después, se animó a enviar algunos relatos a revistas literarias viendo publicados algunos de ellos.

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La mala suerte hizo que cuando iba a lanzarse su novela “Pregúntale al polvo” (la más famosa y, seguramente, la mejor de sus obras), la editorial que tenía que hacerlo desviase el dinero inicialmente previsto para publicarla con el propósito de sufragar la sanción correspondiente al hecho de haber editado el “Mein Kampf” de Hitler sin tener los permisos de autor necesarios (nos encontramos en 1939 y Estados Unidos todavía no ha entrado en la segunda guerra mundial).

La mala fortuna, de hecho, fue algo que acompañó al autor durante casi toda su vida, hasta el punto de que, probablemente, si no hubiese sido por la admiración que le profesaba Charles Bukowski (una de las pocas influencias reconocidas abiertamente por el sin par escritor angelino), todavía ahora sería prácticamente un desconocido. De allí que se le considere a veces como escritor referencial a la hora de hablar de eso que se ha denominado “malditismo” en la literatura; un calificativo, el de “maldito”, que, como ya reflexionamos aquí en una ocasión aludiendo a la publicación de todos los cuentos del también norteamericano Breece D’J Pancake, puede llevar a equívocos e impulsar a muchos a leer a un autor por los motivos más equivocados.

Lo cierto es que la literatura de John Fante hubiese tenido el mismo valor aunque hubiese conseguido publicar “Preguntale al polvo” en 1939 y éste hubiese sido el pistoletazo de salida a una carrera larga, fructífera y llena de éxitos, tanto por las ventas de sus libros, como por el beneplácito ganado a la crítica. Lejos de ello, a la no publicación de la novela siguió un largo periplo en el desierto en el que Fante dedica su esfuerzo a los guiones cinematográficos en un intento de salir de las muchas penurias económicas a las que se había visto expuesto hasta ese momento.  No fue hasta 1952 que volvió a escribir literatura y, de hecho, publicó su novela “Llenos de vida”, obra que tendría más adelante una traslación al cine.

La escritura y publicación de “Llenos de vida” fue un pequeño paréntesis en realidad, ya que, hasta 1977, Fante no volvió a escribir y editar ningún libro. En 1959 se le diagnosticó diabetes, cosa que le llevó a alejarse del alcohol del cual había abusado durante años para sufrimiento de su mujer y de sus múltiples hijos (entre ellos, el que sería también escritor Dan Fante). Fue pues a finales de la década de los 70 que, gracias a Charles Bukowski que la recomendó apasionadamente a su editor, el autor consiguió ver publicada de nuevo “Pregúntale al polvo”, novela que había sido descatalogada y que, en esta ocasión, iba a ser prologada por el propio Bukowski, algo que sin duda hizo atraer a muchos nuevos lectores a la obra de Fante.

En los años siguientes, fueron publicándose títulos inéditos del autor que éste había ido escribiendo en diferentes etapas previas a la edición de “Llenos de vida”, y consiguió completar algún manuscrito más que también fue editado, pero la mala suerte volvió a cebarse en él, y el progresivo aumento de su reconocimiento como escritor corrió paralelo al deterioro de su salud que se agravó hasta su fallecimiento en 1983, no sin que antes terminara una última novela, dictándosela casi a ciego (tal era su mal estado físico) a su mujer.

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En la literatura de Fante destaca el hecho de que sus personajes principales, como el Arturo Bandini protagonista de varias de sus novelas incluida “Pregúntale al polvo”, sean, de facto, alter egos del propio autor, algo en lo que el escritor fue, en cierta forma, un precursor al acercar ficción y autobiografía hasta llegar a crear una frontera difusa entre ambas cosas. Influenciado por ello, Bukowski  concibió el personaje de Henry Chinaski como sosias de él mismo a la hora de protagonizar un gran número de sus novelas y relatos.

Por otra parte, las novelas de Fante acontecen en los ambientes en los que se movió el escritor durante su infancia en su pueblo del estado de Colorado, o bien en la ciudad de Los Ángeles donde se trasladó más tarde. Siempre con un pie en lo dramático y sentimental, y otro en lo irónico o directamente cómico, en las historias de John Fante no es difícil ver reflejada su propia experiencia familiar, la angustia casi existencial de un chico abocado aparentemente a la pobreza y la mediocridad, o el absurdo cotidiano en una ciudad como Los Ángeles capaz de devorar a sus habitantes y despojarlos de cualquier esencia espiritual.

Otra de las características que hacen especial la obra de Fante es su capacidad de concreción: la mayoría de sus novelas no son demasiado largas y tienen un estilo vivo, dinámico y aparentemente sencillo que, en realidad, esconde la gran depuración de su trabajo narrativo conseguida con enorme esfuerzo y tesón. Probablemente, solo Hemingway, entre los escritores norteamericanos de la misma época, se acerca en este sentido a Fante.

9788433967763Tierna en algunos momentos, dura y explícita en otros, a la literatura de Fante se le critica a veces la ligereza de su prosa, uno de los aspectos que personalmente me resultan más atractivos del estilo del autor italoamericano. También se le achaca en ocasiones un exceso de sentimentalismo. Lo cierto es que sus textos rezuman una conseguida frescura, que logran atrapar al lector sin remedio, y que consiguen transmitir una emoción que a través de la lengua escrita es muy difícil llegar a crear sin caer (Fante nunca lo hace) en una excesiva e impostada afectación.

Sea como sea, vale la pena que os acerquéis o redescubráis su obra, ya sea en las flamantes ediciones en catalán, las traducciones al castellano de Anagrama o, quizá, si domináis bien el idioma inglés, en alguna edición original donde podréis disfrutar de la especial musicalidad del lenguaje del autor (otra de las características de su prosa).

Terminamos con el tráiler de la adaptación cinematográfica que se hizo en 2006 de “Preguntale al polvo”, protagonizada por Salma Hayek y Colin Farrell, y dirigida por el poco prolífico Robert Towne. Una película cuyo título en su versión española fue traducido por obra y gracia de algún avispado distribuidor como “Preguntale al viento”.

Ricard.

Tráiler oficial de “Ask the dust”

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“Sing Song Swing”: Una historia mágica.

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Sing Song Swing” es un musical, una comedia, un espectáculo de cabaret, un vodevil…

Esta obra creada por la compañía Els Pirates Teatre, en la que interviene todo el equipo formado por 14 personas, con dirección  y dramaturgia de Adrià Aubert, coreografías de Anna Romaní, escenografía de Enric Romaní e interpretada por Laura Aubert, Ricard Farré, Núria Cuyàs, Ariadna Cabiró, Marta Teixidó y Lluna Pindado, hace las delicias del público. Es un espectáculo elegante, dinámico, evocador, hilarante, muy emotivo, que habla sobre una joven compañía que recibe el encargo de montar una obra basada en Bob Fosse, pero que finalmente realiza un recorrido por la historia del teatro musical, desde Jacques Offenbach (uno de los creadores de la opereta) hasta el mencionado Fosse (incluyen varios temas del autor, entre ellos el famosísimo “Money” de “Cabaret”), pasando por Gilbert & Sullivan (“The Mikado”), hasta Maury Yeston (con el tema “Be Italian” de “Nine”).

sing song swingEste entrañable musical hace que el teatro se pueda sentir en la piel: se muestran los entresijos de la obra, las historias sentimentales de los componentes, los conflictos que surgen entre ellos, etc. Un personaje destacado es la espectadora, una mujer adicta al teatro que pagaría lo que fuera por ver su obra favorita, encarnado por Laura Aubert y por los demás intérpretes de forma caleidoscópica. Todos los actores son muy completos (actúan, cantan, bailan y tocan diversos instrumentos): Ricard Farré es un fantástico maestro de ceremonias, Nuria Cuyàs es versátil y camaleónica, Laura Aubert es una gran cómica, Lluna Pindado tiene una voz llena de dulce lirismo y Ariadna Cabiró es una virtuosa del piano.

Els Pirates Teatre tienen ya 13 años de recorrido, con un repertorio que incluye obras de Yukio Mishima, William Shakespeare y Joan Brossa (con este último hicieron el espectáculo “Teatre de Carrer”, que pudieron realizar en una gira europea). Ahora han decidido tomar las riendas del emblemático teatro barcelonés Círcol Maldà, con el fin de poder tener un espacio propio, multidisciplinar y ofrecer espectáculos de otras jóvenes compañías, exposiciones, etc. En cuanto a música, esta temporada ofrecerán un ciclo de jazz, en abril un ciclo de música antigua y más tarde un ciclo de cantautor.

“Sing Song Swing” estará en cartel hasta el domingo 26 de enero. Desde “Cultura y algo más” la recomendamos y esperamos que perdure por mucho tiempo, pues es absolutamente mágica.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Els Pirates Teatre

Web de Círcol Maldà

Tráiler de Sing song swing

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“Sigue la tormenta”: Viaje a través del dolor.

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Dos personajes se encuentran en un día de tormenta. Desde una ventana virtual-pantalla podemos apreciar una lluvia incesante entremezclada con citas de diversas obras de Shakespeare. Theo Steiner, gran actor austriaco que brilló por sus interpretaciones, desapareció de escena hace veinticinco años y se fue a vivir a una casa de campo de la Borgoña francesa.

Nathan Goldring, famoso actor y director de escena, está montando “El rey Lear” en uno de los teatros más importantes de Berlín. Para preparar este personaje, decide visitar a Steiner, explorar sobre su manera de interpretar e indagar sobre su extraña huida. Al principio Steiner se muestra huraño y muy negativo debido a todo el tiempo que ha permanecido en soledad, pero luego irá abriendo su corazón y exponiendo sus emociones a Goldring.

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Este es un viaje sin retorno, en el que Goldring también se verá expuesto y sufrirá, pero los dos personajes se van acercando progresivamente y descubren algo que les une aparte de su pasión por el teatro shakesperiano: el dolor. En 1941, Steiner fue deportado a Terezin, campo de concentración de la república checa, en el que perdió a sus padres y vivió una experiencia escalofriante…

 Este espectáculo de Tranvía Teatro es impactante y muy conmovedor. El texto del gran dramaturgo francés Enzo Cormann tiene una gran fuerza dramática. La sobria puesta en escena, la muy acertada dirección (ambas de Cristina Yáñez) y las magistrales interpretaciones de Mariano Anós y Miguel Pardo enfatizan más este efecto.

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Tranvía Teatro es la compañía residente del Teatro de la Estación de Zaragoza. Fue creada en 1987 por un grupo de jóvenes actores recién salidos de la escuela de Arte Dramático y desde entonces ha realizado un largo y amplio recorrido por la escena teatral (más de un millón de espectadores a escala nacional e internacional), llegando a poder tener una obra en repertorio hasta más de tres años.

“Sigue la tormenta” estará en cartel en el Teatre Tantarantana de Barcelona hasta el 19 de enero. Desde “Cultura y algo más”, le auguramos una larga vida.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana

Web del Teatro Estación/Tranvía Teatro

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Sharon Jones and The Dap Kings: Buen soul para empezar el 2014.

El año ha empezado musicalmente hablando de la mejor manera para quienes elaboramos este blog. Ni más ni menos que con la publicación del último disco (el sexto de su carrera) de Sharon Jones, acompañada, como no, de los insustituibles The Dap Kings.

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El álbum, titulado “Give the people what they want”, supone el regreso por la puerta grande de una artista a quien el éxito le ha llegado tardíamente y que, aún ahora, parece que se ve enfrentada a toda clase de dificultades, incluyendo la lucha contra la enfermedad que hizo que la edición del trabajo se retrase unos meses hasta llegar a ver la luz en este principio de año.

Afortunadamente, todo apunta a que Jones ha conseguido superar el mal trago y ha vuelto con energías renovadas. El disco ofrece, tal y como apunta su título, lo que esperamos todos sus seguidores:  Soul y Rhythm and Blues de muy altos octanajes, con una textura sonora que se mueve con elegancia entre lo clásico y lo actual como ocurría con la música de la añorada Amy Winehouse (recordemos que The Dap Kings era también el grupo de acompañamiento de esta última).

Con todo, la voz de Sharon Jones es más áspera que la de la malograda estrella británica, más cercana al estilo enérgico de una Aretha Franklin que a la dulzura de unas Supremes, pero, pese a ello, su música crea una especie de puente entre ambas propuestas clásicas del soul. Los coros angelicales en contraste con la fuerza y personalidad de Jones, dan como resultado excelentes canciones como las preciosas  “We get along” o “Get up and get out”, mientras que en temas como la inicial “Retreat!” o “You´ll be lonely”,  destaca la habilidad de The Dap Kings para crear arreglos casi imposibles. Aunque quizá sea en la central y maravillosa “Making up and breaking up (and making up and breaking up and over again)”, donde la simbiosis entre cantante y banda dé unos resultados más brillantes.

El disco, de tan solo diez temas y que alcanza poco más que la media hora de duración (algo que se agradece en unos tiempos en que cualquier nadería, no solo musical si no también en otros ámbitos artísticos como el cine o la literatura, se alarga hasta la extenuación), está soberbiamente producido por Gabriel Roth, quien sabe perfectamente como otorgar al sonido de las canciones ese punto especial entre lo clásico y lo moderno. Así, el trabajo rezuma frescura y buenas vibraciones por todos sus poros, incluso teniendo en cuenta la amargura que destilan algunas de las letras de las canciones con las habituales historias sobre amores truncados.

Os dejamos con el vídeo del que ha supuesto ya el segundo single del disco, “Stranger to my happiness”, donde vemos a Sharon Jones todavía con las secuelas del tratamiento de su enfermedad; una muestra del coraje del que siempre ha hecho gala esta gran artista:

Ricard.

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“Estimat mentider”: Cartas que cobran vida.

En “Cultura y algo más” hoy os presentamos la obra teatral “Estimat mentider” que estará en cartel en el Teatre Gaudí de Barcelona hasta el próximo domingo 12 de enero.

La obra, dirigida por el polifacético actor y director teatral Oscar Molina, del que ya os hemos hablado en anteriores entradas, parte de un guión del dramaturgo estadounidense Jerome Kilty escrito en 1960 basado en la correspondencia que durante más de cuarenta años, casi toda la primera mitad del siglo XX, sostuvieron el crítico literario y dramaturgo irlandés George Bernard Shaw-la única persona en la historia que ha recibido un Oscar por la adaptación cinematográfica de su obra “Pigmalión”  y un Premio Nobel de Literatura- y la actriz inglesa Beatrice Stella Campbell.

Aquí en un cartel de la obra Pigmalión, caracterizada como Eliza:

George Bernard Shaw quedó fascinado por la actriz al conocerla en las postrimerías del siglo XIX, y desde entonces sostuvo con ella el intenso romance platónico que se describe con maestría en la obra; en efecto, dicha relación parece ser que nunca se consumó, entre otras razones porque Bernard Shaw estaba casado con la rica heredera  Charlotte Payne-Townshend.   La relación estuvo plagada de altibajos, y tuvo su punto de inflexión en 1912 cuando los dos amantes virtuales “rompieron”,  poco antes de estrenarse la obra “Pigmalión”, escrita por el mismo Bernard Shaw pensando en la propia actriz como protagonista principal. A pesar del posterior matrimonio de Beatrice en 1914, continuaron la relación epistolar, ya como supuestos amigos, hasta la muerte de aquella en 1940, empobrecida en un pueblecito del sur de Francia. Bernard Shaw nunca permitió que publicara la correspondencia por temor al enfado que podría provocar en su esposa, a pesar de que con dicha publicación la actriz habría podido aliviar su situación financiera.

La versión dirigida por Oscar Molina que se representa en el Teatre Gaudí, protagonizada por los conocidos actores catalanes Iraida Sardà y Joan Massotkleiner, es una representación fresca y dinámica, con los dos protagonistas en continua interacción de modo que las emociones escapan al papel en que fueron escritas para desplegarse ante el espectador vivaz y ágilmente.

La relación contenida, nunca consumada, a distancia,  que nos presenta la obra guarda un curioso paralelismo con las relaciones virtuales que muchas veces sostienen personas separadas por kilómetros de distancia,  de nuestra era de internet, en el que la palabra escrita ha tomado de nuevo el protagonismo que nunca debió haber perdido.

Os animamos a que si tenéis oportunidad de verla, no dejéis de hacerlo porque hará las delicias de todos.

Ignasi.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Gaudí

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Mapi Rivera: Imagen y epifanía.

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“Sin Orillas” (detalle) 2013

Hoy os hablamos de una artista visual por la que sentimos un gran interés y a la que hemos podido entrevistar. Se trata de Mapi Rivera, nacida en Huesca en 1976, y que se ha destacado por su trabajo con la imagen fotográfica en la que suele retratarse a sí misma en un marco natural, dándole una gran importancia a la luz.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, Mapi  amplía estudios en la Universidad de Saint Martins de Londres, donde obtiene el Diploma de Estudios Avanzados al cursar el doctorado “Arte y pensamiento”. Como artista, Mapi ha expuesto en diversas galerías de ciudades como Barcelona, Madrid, Zaragoza, Ámsterdam o Estrasburgo, entre otras localizaciones.

Su última exposición, de título “Mares sin orillas”, se ha dado en la Sala de Arte la Carbonería, de Huesca, donde permaneció hasta el pasado día 7 de diciembre después de que pasase  por la feria multidisciplinar de Madrid “La Estampa”. Se trata de un proyecto realizado durante una estancia de la artista en Marruecos, inspirándose en los textos del místico sufí Ibn Al Arabi.

La temática de tu última exposición nos resulta muy llamativa. Nos gustaría que nos contaras algo de tu experiencia en Marruecos. ¿Cómo era tu día a día en la residencia de artistas de la cual formaste parte?

Cuando preparé el equipaje para irme a la residencia de artistas Ifitry decidí llevarme conmigo un libro sobre el místico sufí Ibn Al Arabi. La residencia estaba situada en la costa septentrional de Marruecos y realizaba sesiones fotográficas durante el amanecer y durante el atardecer, porque era la luz intersticial la que me interesaba, una luz que se encuentra entre el día y la noche. Había otros artistas que trabajaban en sus talleres, pero para mí el taller era el espacio abierto de la playa. Cuando iba a desayunar ya había hecho mi primera sesión, era una sensación reconfortante. Cuando el resto trabajaba yo paseaba, revisaba las imágenes de sesiones anteriores o me recogía en la lectura de los textos de Ibn Al Arabi. Parecía que no hiciera nada, pero siempre estaba como en un estado de atención interna, preparándome para la siguiente sesión. Cuando todos paraban de trabajar porqué casi no había luz en los estudios, yo me ponía de nuevo en acción. Cuando el sol se ocultaba yo también paraba de hacer fotos. Después, al irme a descansar tenía la sensación de tener las retinas saturadas de luz.

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“Sinapsis III” 2013

En las fotografías de la exposición tenemos la impresión de que consigues llegar a una especie de estado de revelación o epifanía. ¿Qué te inspiró de los textos de Ibn Al Arabi?

Siguiendo el ritmo de trabajo del que te hablaba antes, en seguida comenzaron a darse una serie de sincronicidades entre la lectura de los textos de Ibn Arabi y todas las experiencias que estaba viviendo en Ifitry. El sentido definitivo del proyecto surgió de esta conjunción entre la vivencia y la lectura. Hubo algún momento en que se me puso la carne de gallina, parecía realmente que Ibn Arabi me estuviera viendo y me hablara desde la eternidad. La frase que da título al proyecto, “Mares sin orillas”, proviene de un poema suyo que dice que “las iluminaciones de los místicos son como mares sin orillas, océanos de luz sin límites”. La orilla era para este místico un lugar fronterizo, igual que la luz de la aurora o la del crepúsculo, que está entre dos mundos, el de la tierra de lo familiar y el del océano de lo desconocido. Quien se sumerge en este océano no puede perder de vista la orilla si quiere regresar para explicar su experiencia. En la orilla realicé todas mis fotografías, con el tiempo fui conociendo los ritmos de las mareas, sabía dónde tenía que colocar la cámara si no quería que una ola la tirara a mitad de la sesión. La espuma, muy simbólica también en la poesía de Ibn Arabi, quedaba como un recuerdo suave de las olas.

En el proyecto “Mares sin orillas” los colores son la manifestación de la luz invisible. Otra de las sincronicidades que se dio en Ifitry  fue que no me había llevado velos suficientes para cubrir el espectro visible de la luz y en uno de los talleres había rollos de velos de colores.  Si piensas que la residencia se encontraba en medio de la nada, totalmente aislada, es una curiosa coincidencia.

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Imagen de making off de la serie “Sinapsis” 2013

La luz, de hecho, es algo que siempre está muy presente en tu obra. ¿Qué simbología le das a ésta?

La luz a la que hago referencia es una luz interior, es la luz de la que hablan los místicos en sus relatos visionarios. Según sus descripciones, se trata de una luz más luminosa que cualquier luz natural, es una luz palpitante y viva. Este tipo de visión luminosa no está limitada al territorio de la espiritualidad porque existen muchos testimonios de personas que la han visionado  en circunstancias de crisis profundas o de experiencias cercanas a la muerte. A mí me interesa esta luz extraordinaria y en mis últimas series la intento revelar por medio de halos, refulgencias cordiales, rayos, nubes luminosas… Los medios digitales me permiten indagar esta realidad aparentemente oculta, que sólo se hace visible en estados no ordinarios de consciencia.

A tenor de lo que vemos en tus imágenes la naturaleza tiene gran importancia en tu vida. ¿Cómo llevas esto de vivir en una sociedad hipertecnificada?

Durante mi infancia viví en un pueblo de Huesca, pasaba horas infinitas jugando al aire libre y este vínculo con la naturaleza está muy arraigado en mí. En Barcelona tenemos la suerte de tener mar y horizonte abierto, pero para mí Barcelona es ante todo el acceso a la cultura, a los libros, que puedo consultar en bibliotecas o comprar en las librerías. Aquí dispongo de un espacio de recogimiento donde realizo la ideación de los proyectos, casi todos se nutren de estas lecturas poéticas y místicas. Cuando busco localizar espacios para las sesiones fotográficas suelo localizar entornos naturales en los que no se perciba la huella de lo humano. En realidad me interesa que sean lugares “imaginales”, como diría Henry Corbin, lugares que no son del todo reales, un poco oníricos y paradisiacos. Porque las imágenes que creo, a pesar de estar tomadas en entornos exteriores, surgen del interior.

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“Nube del no saber X” 2011

Casi siempre te autorretratas. ¿Cuál es el motivo de ello?

En ocasiones he colaborado con alguna otra modelo, en proyectos con un soporte económico, como fue el caso de “nua” 2004,  “anuntius” 2006, o “La semilla de la imagen” 2009, que me permitían remunerar a las modelos y contar con un equipo de colaboradores. Es enriquecedor trabajar con gente y, generalmente, que cada uno pueda especializarse en su trabajo, hace que las cosas sean más sencillas, un poco como se hace cuando se rueda una película de cine.

Últimamente, en parte debido a la situación crítica del momento, y gracias a los medios digitales, he podido continuar desarrollando proyectos en solitario, posando y disparando la cámara al mismo tiempo. Esto me da mucha libertad, puedo llegar a un lugar nuevo, después de caminar ascendiendo una montaña durante horas, y si la luz es la adecuada, simplemente ponerme a hacer una sesión de fotos. Cuando voy sola y exploro nuevas localizaciones, me muevo por la intuición. Cuando trabajas con un equipo no puedes permitirte dejar muchas cosas al azar, hay que tenerlo todo más controlado.

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“Heliosis del solsticio de invierno IX” 2011

¿Cómo sobrevive una artista cómo tú en un país tan complicado para el arte como es tradicionalmente el nuestro, más aún en un contexto de crisis como el actual?

El arte es mi vocación. Llevo dedicándome a la creación más de quince años. He tenido la suerte de disfrutar de becas y ayudas que me han permitido desarrollar proyectos complejos, ahora la situación es más crítica, económicamente más árida, pero he conseguido compensar esta circunstancia con mucha imaginación y trabajo. Al ocuparme de todo el proceso creativo, desde la ideación del proyecto hasta la postproducción, el proceso se alarga. Al mismo tiempo, es muy gratificante sentir que has encontrado los medios de materializar esa fuerza creadora que no se puede contener, porque no entiende de crisis.

Ricard.

Para más información, clica abajo:

Web de Mapi Rivera.

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