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“Josefina la gallina, puso un huevo en la cocina”: Dar la vuelta al abuso.

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De la mano de la compañía mexicana Vaca 35 nos llega este entrañable monólogo que hemos presenciado en la Sala Atrium, protagonizado por José Rafael Flores, con dirección de Diana Magallón y con el acompañamiento del acordeón nostálgico de un magnífico Alberto Rosas.

La interpetación de Flores nos ha parecido tan sentida y entrañable, tan intensa y delicada,  que no dudamos que es cierta la historia que nos cuenta el monólogo.  A partir de una burla homófoba que sufrió el protagonista en los años de escuela,  se construye una historia tierna, cercana, donde la metáfora de la gallina subraya la fragilidad de quien se ve zarandeado por los sucesivos agresores que se encuentra en la vida, como las mujeres de Ciudad Juarez.

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La obra  es un homenaje al propio México, esa tierra de frontera entre dos mundos donde Estados Unidos exporta armas para el narco e importa migrantes en un auténtico circulo infernal de consecuencias catastróficas. Y en medio de tanta violencia, emerge una sensibilidad especial, como la de la representación, el contrapunto humano,  tierno y cuidadoso a lo macabro,  abusivo e hiriente.  Tan sensible es el protagonista que habla con cariño de los huevos que ha puesto, que conserva y nombra, como si fueran nietecitos de una abuela que se desvive por ellos.

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Y en ese trasfondo torturado de Ciudad Juarez surge sin embargo una historia de amor, que se nos hace evidente con un guiño en el escenario apenas disimulado de éste Flores a aquellas rosas.    Pocas obras nos muestran con tanta plasticidad la dicotomía entre lo humano, el histrionismo amable de un fortachón haciendo la gallina en el escenario y que cuida de sus huevecillos, y el dolor profundo del que la violencia contra gays y mujeres no es sino el reflejo. El protagonista despliega una frenética actividad en el escenario, cacarea, canta a dúo con el músico, se desnuda en parte, se pinta, se embadurna, acaba cansado pero feliz de haberse dado al público, de haberle hecho partícipe , por un rato, de su parte más íntima.

La obra se representa en la Sala Atrium hasta el 1 de julio.

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PROS DE LA OBRA: Muy recomendable para los amantes de los monólogos y de la temática gay.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien huya de lo tierno e intimista así como de lo histriónico.

Ignasi y Laura.

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“Blasted”: Descenso al infierno de dos almas podridas.

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Hemos asistido en el Teatre Nacional de CatalunyaTNC (Sala petita) a la ópera prima de la autora británica Sarah Kane, que para hacernos una idea del tipo de teatro que tenía en mente, se sucidió a los 28 años presa de la depresión.

Todo nos ha parecido singular en esta obra: no es habitual que una autora de veinticuatro años escriba un texto de esta densidad; tampoco suele darse que un único espectáculo combine dos lenguajes teatrales opuestos, el realismo – naturalismo de la primera escena con el teatro existencialista de la segunda. Por último, no es corriente encontrar sobre un escenario un torrente de cruda violencia y que a pesar de ello no deje reducida la obra a un panfleto escandaloso. Esta disparidad es lo que hace la obra especialmente recomendable.

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La representación se inicia con toda una declaración de intenciones que el protagonista Ian (Pere Arquillué) le dedica a su acompañane Cate (Marta Ossó) “he cagat en llocs millors”, gélidas palabras que ya nos dejan adivinar la personalidad atormentada de Ian; la habitación, bien cuidada y cubierta de cortinas como las que se estilan en los salones de convenciones de los hoteles más glamurosos de la ciudad, da ella sola la réplica y pone de relieve la amargura de Ian.

El contraste entre ese periodista con ínfulas de policía, alcohólico, enfermo y egoista,  y Cate, chica a la que el contacto que tuvo con Ian años atrás no consiguió del todo torcer su inocencia, pone de relieve las diferentes motivaciones para acudir a la cita: Ian antes de su muerte que se adivina cercana, tan sólo quiere cerciorarse de que aún tiene poder sobre Cate, quien a su vez acude a la cita por ese ánimo redentor con que algunas mujeres se enamoran del hombre equivocado.

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El egoísmo de Ian queda patente en sus requerimientos sexuales  y en su incapacidad de empatía.  Esta primera escena describe un encuentro antiromántico donde la violación es a lo que la escena conduce inexorable.

Y es en ese punto donde la genialidad de la autora da un giro extraño a la obra.  De repente ya no estamos en un tranquilo hotel de provincias, donde nada sucede fuera de las desagradables paranoias de Ian y de la propia violencia diálectica y física que despliega sobre la chica; un oscuro soldado desaliñado (Blai Juanet) que no se sabe de dónde viene ni adónde va y al que le mueve al parecer el resentimiento por el asesinato de su novia, una guerra que deja el hotel reducido a escombros… todo nos hace descubrir que la miseria moral de Ian no era gran cosa comparada con el reguero de atrocidades que describe el soldado y que pone en práctica sobre Ian.  Si en las primeras críticas de la obra se habló de repugnante festival de vileza, ese tenebroso festival es precisamente a lo que asistimos en los momentos finales del soldado y del propio Ian.

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Pero la propia autora ya decía que no entendía cómo escandalizaba más la violencia del montaje que la violencia real (era la época de la guerra de Bosnia) y esta versión dirigida por Alicia Gorina, con escenografía de Silvia Delagneau e iluminación de Raimon Rius, permanece fiel a esa reflexión: elude una representación demasiado literal (la iluminación y escenografía de la primera escena son más bien cálidas, intimistas, como si pidieran perdón por lo que va pasar), el montaje se centra en elementos metafóricos (el bebé es una bolsa de agua), en elipsis (de la violación nos enteramos por las palabras de Kate o por lo que vemos al amanecer en la primera escena) y en hipérboles (la desesperación de Ian le hace escarbar la hierba y esconderse en un agujero), para crear un conjunto muy expresivo, que se centra más que en la violencia, en las causas de ella: si Ian es un perdedor que no se da cuenta de que está recogiendo lo que él mismo ha sembrado, el soldado es alguien sobrepasado por la guerra que como último recurso ante tanto dolor le queda convertirse en el peor de todos.

Recomendamos la lectura del texto en inglés (si es posible) y en catalán, editado por Arola Editors y traducido por Albert Arribas (texto al que se ciñe esta versión de la obra).

Blasted” se representará hasta el 11 de febrero y sin duda alguna la recomendamos a todos los amantes del teatro.

PROS DE LA OBRA: Obra polémica, compleja y con muchos matices que gusta mucho más tras el paso del tiempo. Deja poso en el espectador/lector y pide un público crítico, observador y reflexivo.

CONTRAS DE LA OBRA: Obra indicada para el público más exigente y amante del teatro.

Ignasi y Laura.

Web del TNC – Información sobre “Blasted”

 

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“L’ànec salvatge”: Saber o no saber la verdad.

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Hemos tenido el placer de ver una gran versión del clásico de Henrik Ibsen en el Teatre Lliure de Monjuïc, “L’ànec salvatge” (“Vildanden“), dirigida por Julio Manrique y adaptada por Marc Artigau, Cristina Genebat y el propio Julio Manrique.

Ibsen, uno de los dramurgos más relevantes de la historia, fue un gran crítico de la cerrada sociedad noruega de finales del siglo XIX. “Vildanden” [L’ànec salvatge] se publicó el 1884, tras el gran revuelo que había causado “El enemigo del pueblo”, y se estrenó el 9 de enero en Den Nationale Scene de Bergen (Noruega). Luego viajó a Berlín (1888), Londres (1894)… A España llegó en 1982, con adaptación de Antonio Buero Vallejo, dirigida por José Luis Alonso. Existen diversas adaptaciones al cine. Destacamos la versión inglesa de Henri Sagran protagonizada por Jeremy Irons y Liv Ullmann.

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La puesta en escena de la actual versión en el Teatre Lliure es impecable (gran trabajo de escenografía de Lluc Castells asistido por Mercè Lucchetti y de Marc Artigau como ayudante de dirección). El pianista Carles Pedragosa nos deleita con su música, pues en esta obra le tenemos actuando en directo (composición y arreglos del mismo Pedragosa), como también le pudimos disfrutar hace pocos días viendo “Jane Eyre: una autobiografía” en el Lliure de Gràcia.

Hialmar (impresionante Ivan Benet), es un joven fotógrafo padre de familia, casado con Gina (gran Laura Conejero,  idónea para el papel) y con una encantadora y frágil hija Hedvige (sorprendente Elena Tarrats). Forman la familia Ekdal junto el abuelo, padre de Hialmar. Un día, Hialmar es invitado a la boda del poderoso Sr. Werle (grande, cómo no, Andreu Benito) con la joven y encantadora Soerby (talentosa Miranda Gas), y se encuentra con Gregor, hijo de Werle (Pablo Derqui, como pez en el agua en este personaje lleno de matices).

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La revelación de un secreto de su padre despierta en Gregor, que no se siente feliz y cuya relación con su progenitor y amo de la empresa donde trabaja no es nada buena, una ansia de búsqueda de la verdad, pero no tiene en cuenta que Hialmar y Hedvige, las personas más afectadas, al ser tan sensibles, pueden reaccionar de la forma más inesperada. Y mientras, en el sotano de la familia Ekdal hay un pato salvaje encerrado junto a otros animales, apartado del bosque, su habitat natural.

Algunos de los grandes temas de Ibsen figuran en la obra: la apariencia respetable de la burguesía que esconde sus miserias, la corrupción, el poder del dinero, la decrepitud,  los secretos de familia, la fragilidad de los niños en el mundo de los adultos, todo ello conforma una obra coral donde los actores y actrices encajan como en un puzzle y nos conducen hasta el gélido desenlace final.  La figura del doctor Relling (gran Jordi Bosch), el amigo de familia que pone un punto de cordura en la caótica familia (genial actuación de Lluís Marco como el viejo Ekdal, el ex socio de Werle arruinado por él y desterrado a sus devaneos de antiguo cazador).

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Impecable trabajo de Julio Manrique en la dirección. El resultado es una obra inmensa que ha dado mucho de que hablar, una de las perlas de esta temporada teatral catalana que está siendo de muy alta calidad.

“L’ànec salvatge” estará en el Teatre Lliure hasta el domingo 9 de abril y esperamos que regrese pronto a la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Lliure – Información sobre “L’ànec salvatge”

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“Yerma” en el Akadèmia: La riqueza de lo simbólico.

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El clásico de Federico García Lorca en el Teatre Akadèmia, adaptado por Marc Chornet y Ana María Ricart, con dirección del primero, es sin duda una de las apuestas seguras de la temporada. Nos ha gustado especialmente esta versión por la gran actuación de su protagonista, una Alba José que logra dar muchos matices al personaje de Yerma; la esposa atenta y enamorada de Juan (Martí Salvat), que paulatinamente va cayendo en la desesperación por no quedarse embarazada, pasando por diversos estados anímicos representados simbólicamente con ayuda de los diferentes elementos escenográficos (la arena, el agua, los árboles…)  y corales (las amigas, las brujas, los hombres) en lo que es el gran acierto de la obra: la ingenuidad del principio, el enamoramiento puro e inocente del marido, la ilusión por quedarse embarazada, la alegre espera de la vuelta de Juan al término de la jornada, todo ello representado por un dormitorio conyugal iluminado y alegre, todas esas emociones amables y plenas, van desvaneciéndose de modo insidioso,  dejando entrever primero  una leve envidia por la vecina que se queda embarazada,  una creciente inquietud esperando al marido,  un leve atisbo de infidelidad cuando aparece en la escena Victor, amigo de la familia (Xavier Torra), otro labriego del que Yerma intuye tal vez una virilidad que no encuentra en su esposo…. Y así, entre el anhelo de la maternidad, las habladurías de las vecinas, el creciente malestar  de Juan que sospecha una infidelidad de Yerma (la honra, ese concepto de raíces míticas tan presente en la obra de Lorca), se va gestando la tragedia.

Como decimos, la ilusión de los primeros tiempos del matrimonio da paso a la frustración y al resentimiento hasta la tragedia final.

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El ambiente de la Andalucía rural de antes de la Guerra Civil queda perfectamente representado: nos ha encantado el diseño del espacio de Laura Clos en que los propios actores y actrices a modo de campesinos van sembrando el campo y haciendo crecer los olivos, las escenas nocturnas de baile con un macho cabrío simbolizado por Víctor, la brujería de la vieja alcahueta (magnífica Isabel Soriano), con el dormitorio de Yerma, desamparado y vacío en el centro del escenario. La amistad representada por María (Ariadna Fígols) y las demás muchachas, siempre junto a Yerma, aunque se adivina que no consiguen aliviar su sufrimiento…

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Un clásico representado con rigurosidad y plasticidad que nos ha encantado y recomendamos con entusiasmo. La obra se representa hasta el 2 de abril.

Actualización: “Yerma” vuelve al Teatre Akadèmia del 11 de enero al 4 de febrero de 2018.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “Yerma”

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“Déu és bellesa”: Teatro de sensaciones.

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Hemos asistido en El Maldà de Barcelona a la impactante “Déu és bellesa”, de los autores finlandeses Paavo Rintala y Kristian Smeds (traducida por Riikka Laakso y Meritxell Lucini con la ayuda y colaboración de TINFO – Theatre Info Finland), presentada por la compañía Parking Shakespeare con Alícia Gorina como directora, con escenografía y vestuario de Silvia Delagneau, trabajo de cuerpo y movimiento de Riikka Laakso e iluminación de Raimon Rius, interpretada por Òscar Bosch, Maria Casellas, Mireia Cirera, Adrià Díaz, Pep Garcia-Pascual (también es el director artístico), Santi Monreal y Ricard Sadurní. En esta ocasión Parking Shakespeare se aleja de los clásicos para adentrarse en una obra de teatro visual y simbólico, basada en la torturada vida del pintor finlandés Vilho Lampi, que se suicidó con 38 años de edad.

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La obra está dividida en un prólogo y ocho retablos que representan cuadros del pintor, con los actores de la compañía turnándose en el papel de Lampi y representando ocho momentos distintos en la creación artística del pintor. Ahí radica la extrema originalidad de la obra, que huye de un argumento lineal para adentrarse en técnicas del lenguaje visual. La libertad, la Polinesia, París, La matanza del cerdo… son sugerentes títulos de sus cuadros en que el pintor está encarnado por los diferentes actores y actrices de la compañía que se “dejan ir”, juegan entre ellos, dibujan, amasan, modelan el material que está a su disposición en el imaginario taller del pintor.

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Ya aparezca él mismo a lomos de un caballo desbocado, riendo como un poseso, ya sea objeto de público escarnio y sacrificio, ya aparezca como decadente bohemio en una habitación de hotel, como viajero a lugares exóticos, o como impaciente galerista muerto de deseo de colocar alguno de sus cuadros, en todos esos papeles vemos la humanidad del personaje, sus diferentes momentos vitales, de fiebre creadora, de esnobismo, de necesidad económica, de experimentar, de relacionarse con su público.

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El montaje, como decimos, es muy original:  un taller con pintura, yeso, utensilios, mesas, pan (el elemento favorito de la directora, como ya vimos en “Watching Peeping Tom”), con los actores y actrices ataviados con batas blancas, en permanente interacción entre ellos y con el público e intercambiándose en los papeles de pintor y de personajes que se relacionan con él, conforman un impactante cuadro (nunca mejor dicho) visual ,en que acompañamos a un pintor en un fascinante viaje personal en pos de la belleza perdida.

La obra estará en El Maldà hasta este domingo 12 de febrero pero esperamos que regrese pronto a la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de El Maldà – Información sobre “Déu és bellesa”

Web de Parking Shakespeare

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“Una casa a l´Est”: El totalitarismo gris.

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Con claras resonancias del magnífico film “Das Leben der Anderen” (“La vida de los otros”) de Florian Henckel von Donnersmarck o “La broma” de Milan Kundera, “Una casa a l´Est” del Col. lectiu la Santa, escrita y dirigida por Laura Mihon, nos presenta la historia de dos hermanos que regresan tras muchos años a la casa familiar ubicada en algún país de la Europa del Este, tras la caída del telón de acero. Mientras esperan al comprador que les desligará definitivamente de sus recuerdos de infancia, rememoran la vida de sus padres y su tío Viktor bajo el férreo yugo de la dictadura comunista.

La figura del tío, a medio camino entre colaboracionista y héroe, la del archivero que desempolva expedientes, la dialéctica entre los hermanos, entre el querer saber y el no querer hacerlo, componen una obra que va desgranando los recuerdos en forma de flashes. Recuerdos de una época en la que pensar diferente, apartarse del discurso oficial, estaba prohibido  y se pagaba muy caro.

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De esta representación destacamos el escenario de Paco Hernandez Falcón, con una casa-archivo repleta de expedientes hasta el techo, de todos o casi todos los habitantes del país, como era costumbre en aquella época y lugares.  Como en un momento de la obra reconoce la protagonista, no sabías nunca quién te iba a delatar, si un familiar o un vecino. Por su parte, los intérpretes, Arántzazu Ruiz, Adrià Olay y Pau Sastre, que se alternan en los papeles de hermanos, padres, tío y archivero, confieren a esta representación un aire como triste y nostálgico, como ese color gris de los monótonos bloques de viviendas de los países del Este.  Además, la obra transmite un aire vagamente onírico, como de vieja pesadilla que nunca debió haberse vivido.

La obra estará hasta este domingo 29 en la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Una casa a l’Est”

Ignasi y Laura.

 

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“La treva”: La adrenalina de la guerra.

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Hemos asistido en La Villarroel de Barcelona a “La Treva”, traducción de Cristina Genebat del original de Donald MarguliesTime stands still“. Resulta curioso que en catalán se haya elegido el mismo título de la novela de Primo Levi que precisamente narraba el tiempo que el autor pasó, como en un sueño, tras la salida del campo de concentración, al final de la guerra, viajando por media Europa; tiempo en el que pudo liberarse momentáneamente del horror vivido, aunque finalmente comprendería, como narra el último capítulo que “nada de lo que había fuera del campo era verdad. El resto era una vacación breve, un engaño de los sentidos, un sueño: la familia, la naturaleza, las flores, la casa…”

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Y en esa situación de tregua en el sentido de alejamiento temporal de sus fantasmas es la que está Sarah (Clara Segura), que tras sufrir un accidente en Irak junto a su traductor vuelve a su casa de Nueva York junto a su pareja James (David Selvas). Por sus gestos bruscos y crispados, en seguida percibimos que echa de menos estar en el ojo del huracán: lo que le va a Sarah no es una vida urbanita sin sobresaltos. La relación de pareja importa más bien poco a este personaje que en seguida se nos hace antipático: impaciente con James, al que ni siquiera le ha sido fiel, se muestra desdeñosa con Mandy (Mima Riera), la nueva pareja de otro de sus antiguos amantes y ahora jefe (por llamarlo de algún modo, tal es la confianza que reina entre ambos), Richard (Ramon Madaula). Por momentos nos parece estar en un film de Woody Allen -con esos aburguesados personajes que se conforman con llevar una vida cómoda repartida entre sus trabajos bien remunerados y sus dulces obligaciones sociales-, con el foco típicamente “alleniano” en la divertida situación de un señor más que maduro, en la cúspide de su carrera, que tras divorciarse se ha fijado en la típica becaria con ambiciones, a su vez encantada de pescar al buen partido de turno.

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Nada de eso interesa a Sarah, que se enzarza con Richard en discusiones sobre la interpretación de las películas de terror como castigo a sus escarceos sexuales. Más tarde, en el núcleo del debate ético de la obra, se pregunta: ¿está justificada la contemplación y captación fotográfica del sufrimiento humano como supuesta transmisión de información? Nos sabe mal ver como Mandy trata de argumentar que no lo es, con su triste historia del elefantito al que los reporteros no ayudaron, ante la frialdad de Sarah. Al final aparece clara la tesis de la obra: Sarah no precisa de ninguna difusa justificación ética para hacer lo que hace: le va la marcha y punto, como le va el tabaco, al que también vuelve tras otra tregua. Las fotografías, la guerra, todo es secundario. Lo único que desea es huir de si misma, vivir al límite, sentir la adrenalina  y la falta de responsabilidad de una nómada de la guerra, con la cámara como débil excusa de todo ello.

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En este discurrir de su particular tregua hasta reencontrarse con su destino, los demás personajes hacen de comparsas. Son cualitativamente diferentes: de una parte su pareja, su jefe, la becaria, es decir la gente que sufre, se plantea cosas,  tiene anhelos y emociones. De la otra, ella, que en el fondo desprecia a todos y que necesita la guerra como la misma catarsis a la que aludía al hablar de películas de terror. La brillante y convincente Clara Segura, y Mima Riera como contrapunto sensible, así como un David Selvas que en esta ocasión cede protagonismo y un Ramon Madaula que borda a la perfección el papel de jefe pragmático que tiene que aguantar a una subordinada díscola aunque eficiente, conforman esta obra lúcida e incisiva dirigida con gran acierto por Julio Manrique y producida por La Brutal, Bitó Produccions y La Villarroel que estará representándose en esta sala hasta el 15 de enero de 2017.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de La Villarroel/Información sobre “La treva”

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