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METROPOLIS: Revisión de un clásico eterno.

El próximo sábado 15 de junio en el cine Aribau se podrá disfrutar de un muy particular acontecimiento, un espectáculo inmersivo que homenajea el 92 aniversario del estreno de “Metropolis” de Fritz Lang. No es, de hecho, una cifra redonda, pero cualquier excusa es válida para poder disfrutar de nuevo de un inmarchitable film que, lejos de envejecer (dejando de lado aspectos como que sea cine silente en blanco y negro), resulta en muchos aspectos más moderno que nunca.

Recordemos, “Metropolis” cuenta con un guión obra de la esposa de Lang, la aristócrata prusiana Thea von Harbou, y está ambientada en un posible futuro como retrato de una civilización marcada por el progreso industrial-tecnológico, y las crecientes diferencias sociales.

En este caso no estamos hablando de una proyección convencional de la película, si no que ésta vendrá acompañada de música especialmente creada para la ocasión por el artista Morales: sonidos sintéticos y experimentales, con percusiones metálicas y aromas a dreampop.

Un título pionero en el campo de la ciencia-ficción, y de hecho, en la historia del cine, visualmente emocionante, icono mudo y futurista, épico e influyente como pocos, adelantado a su tiempo, merece una revisión como ésta, siendo contemplada la película en pantalla grande, y con una nueva banda sonora que sea capaz de arrastrarnos de nuevo, aunque de distinto modo, a ese mundo de fascinantes imágenes, a veces antagónicas, que tantas y tan distintas interpretaciones ha dado a lo largo del tiempo desde su estreno.

Una recomendación muy especial que os hacemos desde “Cultura y algo más”. No os lo perdáis.

Os dejamos con un enlace donde podéis adquirir las entradas para este gran espectáculo, y de paso, descubrir a Café Kino, el proyecto de cine itinerante que ha gestionado el evento del que os hablamos:

Web de Café Kino-Venta de Entradas de “Metropolis Live by Morales”

Ricard y Laura.

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“Velvet Buzzsaw”: Ácida visión del mundo del arte.

Resulta extraño acostumbrarse al hecho de que algunos de los estrenos cinematográficos más sonados del año se puedan dar en las llamadas plataformas de streaming. Es decir, que sin salir de casa uno pueda ver alguno de los films que más van a sobresalir en las inevitables listas de lo mejor de la temporada que anualmente pueblan las secciones de cultura de prensa generalista, revistas especializadas, y mil y una webs dedicadas al arte cinematográfico.  Aunque en honor a la verdad, quien más ha querido jugar esta carta hasta el momento ha sido Netflix, capaz de generar una gran cantidad de contenidos de escasa repercusión artística y, a la vez, producir películas de una calidad incontestable como en el caso de la oscarizada (aunque no se llevase el premio a mejor película) “Roma”.

Sin llegar ni mucho menos al nivel de la película de Alfonso Cuarón, se ha estrenado no hace mucho “Velvet Buzzsaw”, film dirigido por Dan Gillroy, y que cuenta en su reparto con actores y actrices del prestigio de Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Toni Collete, Zawe Ashton y John Malkovich.

Dan Gillroy ha dado muestras de su talento en películas recientes como “Nightcrawler”, contundente crítica contra el periodismo sensacionalista también con Jake Gyllenhaal en el papel principal y que me atrevo a calificar de obra maestra, o “Roman J. Israel”, trabajo protagonizado por Denzel Washington mucho menos destacable aunque interesante, que pasó discretamente por las sobrecargadas pantallas de nuestros cines y que versaba sobre un personaje real (al que da nombre el título del film) que sobresalió por su activismo social desde su posición de hombre de leyes.

Como hemos dicho, ahora ha estrenado directamente en Netflix “Velvet Buzzsaw”, cuyo argumento de entrada llama mucho la atención: un crítico de arte, de nombre Morf Vandewalt (interpretado por Gyllenhaal) y propietario de una galería de Los Ángeles regentada también por Rhodora Haze (Rene Russo), descubre por intermediación de una de sus empleadas (Zawe Ashton) la obra de un artista muerto completamente desconocido. Dándose cuenta de la genialidad de sus pinturas, los personajes mencionados y algunos otros, intentaran sacar partido mercantilista de dicha obra. Pero una serie de misteriosos y aparentemente sobrenaturales acontecimientos empezaran a trastocar sus intenciones.

El film juega a ser un trabajo de género (terror) con generosas dosis de humor negro. Aunque ambas cosas se ven engullidas un tanto por la crítica hacia el mundo del arte actual que está claro que quiere realizar Dan Gillroy. En este sentido, los personajes de la película, a cual más estereotipado, acaban teniendo un punto caricaturesco que no ayuda a sacar el mayor partido a interpretes del nivel de Toni Collete o John Malkovitch.

Con todo, los elementos que hacen distintivo el cine de Gillroy están ahí empezando por una muy elegante puesta en escena que, en este caso, y creemos que de forma consciente, deriva a un cierto formato televisivo, especialmente apreciable en la segunda mitad del film.

Y es precisamente el tramo que se inicia en ese punto intermedio de la película, cuando, de hecho, se abraza plenamente el género fantástico-terrorífico hasta entonces apenas insinuado, el momento clave en que el espectador tiene que decidir definitivamente si entrar en el juego que se le propone, teniendo en cuenta que la verosimilitud va a brillar por su ausencia a partir de ese instante (ya se sabe que el hecho de que una película sea de género fantástico no significa que tenga que ser inverosímil).

Desde esta perspectiva, “Velvet Buzzsaw” tiene un punto francamente divertido para el espectador que simplemente quiera dejarse llevar.

Y luego está el ya mencionado aspecto crítico sobre el mundo del arte actual. Ya hemos dicho que los personajes están estereotipados, pero no es menos cierto que los dardos envenenados que lanza el film apuntando a la sobrevaloración artificial de cierto tipo de trabajos artísticos, lo injustificado de la etiqueta “genio” colgada a según quien y el esnobismo de ciertos agentes que consideran que el arte solo debe pertenecer a una minoría selecta (sobre todo si dicha minoría está dispuesta a pagar un dineral por la obra de turno), tienen su punto de verdad. En este sentido, es más que reveladora la última escena del film que, obviamente, no vamos a explicaros aquí.

En definitiva, un título irregular, pero diferente y con puntos de interés que podéis contemplar con simplemente encender vuestro televisor.

Ricard.

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“Legion”: ¿Héroe o villano?

Entre la alta cantidad de excelentes series televisivas que pueblan actualmente las distintas plataformas de oferta audiovisual, nos ha llamado poderosamente la atención Legion, producción que consta hasta la actualidad de dos temporadas de ocho y once capítulos respectivamente.

Creada para el canal FX y estrenada en febrero de 2017, cuenta con Noah Hawley como máximo impulsor de la serie (eso que hoy se llama showrunner), y con un elenco de actores y actrices excelente encabezado por el actor inglés Dan Estevens (visto en producciones tan British como Downton Abbey), Rachel Keller, Bill Irwin, Jemaine Clement, Jean Smart  o Jeremie Harris entre otros.

Legion se basa en un personaje de la Marvel extraído de los comics de X-Men (aquí más conocidos por la Patrulla-X), creado por el guionista Chris Claremont, quien llevara con su notable trabajo entre mediados de los 70s y principios de los 90s a la franquicia mutante a las más altas cotas de popularidad entre los lectores de tebeos, y el grandísimo dibujante Bill Sienkiewicz, responsable gráfico durante un tiempo de la colección New Mutants, a su vez, una suerte de Spin-off de la mencionada X-Men, donde apareció por primera vez el protagonista de la serie.

Ilustración de Bill Sienkiewicz para la serie de comics New Mutants

No es baladí que mencionemos a Sienkiewicz, porque su estilo gráfico, cercano al expresionismo abstracto y que muchas veces recurre al oleo, el collage o la mimeografía, está, de alguna forma, muy presente en el estilo visual de la producción televisiva a la que nos referimos aquí.

Y es que, si por algo destaca Legion, es por mostrar en sus imágenes un nivel de embelesamiento que nos hace pensar por momentos en todo un David Lynch, si bien hay que reconocer que el resultado no es tan poderosamente estimulante como suelen serlo los trabajos del artista nacido en Montana, y además, a diferencia de lo que ocurre en muchas de sus películas o en una serie como Twin Peaks, a la postre Legion no da tanto espacio al espectador para que llene con su imaginación los huecos que pueda ir dejando su desarrollo como historia.

En cuanto al personaje protagonista (de nombre David Haller) encarnado por el ya mencionado Dan Estevens, que en los comics se nos mostraba como un posible hijo de Charles Xavier, mentor de los X-Men, aquí aparece al principio como un joven que ha sido internado en una institución psiquiátrica, con aparentes problemas esquizoides (de allí el nombre de Legion, palabra que en su origen bíblico hace referencia a alguien “poseído” por múltiples demonios). Pronto sabremos que Haller es un mutante que dispone de tremendos poderes, y que desde pequeño ha sido acosado por otro mutante llamado Shadow King, quien le ha hecho caer en una espiral de caos interno, lidiando con la pura locura. En el psiquiátrico conocerá a una chica, Sydney Barrett (a quien da vida la pujante actriz Rachel Keller), por la que se sentirá fuertemente atraído y que junto a otros personajes que se irán incorporando a la trama, intentará ayudarle a desprenderse de la influencia de Shadow King.

Dan Stevens, protagonista de

Dan Stevens, protagonista de Legion

Como hemos dicho, el nivel de abstracción de la serie hace que por momentos nada resulte especialmente evidente, y que ésta pueda costar de seguir al espectador desprevenido. Los realizadores utilizan distintos formatos de pantalla, más o menos estilizados en función de si nos situamos en la realidad o en una suerte de plano astral, en el tiempo presente o en el pasado o un posible futuro. También utilizan en ocasiones colores saturados que ayudan a aumentar la sensación de sufrimiento psicológico u otras emociones que tienen los personajes (especialmente su protagonista), y usan el sonido de manera magistral para crear inquietud, sensación de aislamiento, desconcierto o incluso comicidad. En este sentido resaltamos la estupenda banda sonora, que incluye canciones de The Who, Rolling Stones, Jane´s Adiction, Serge Gainsbourg & Jane Birkin o Nina Simone, y que por instantes subrayan la trama de manera tan sutil como irónica.

Dan Stevens y Rachel Keller en una escena de la serie.

Lo más interesante en lo visto hasta ahora (las dos temporadas disponibles completas), es la evolución de su personaje principal, por el que al principio sentimos auténtica simpatía (más que como a un héroe lo vemos como una víctima) para pasar a ser, después sí, un aparente paladín de la justicia cuya personalidad se va oscureciendo de forma progresiva y coherente, hasta el punto de hacer preguntarse al espectador si en realidad no puede acabar convirtiéndose en un villano. De esta forma, la serie se convierte en una reflexión sobre el poder y la responsabilidad que este comporta (un tema muy Marvel), sin perder de vista sus puntos cardinales genéricos, más cercanos en realidad a la ciencia ficción que a la temática superheroica al uso.

En contra de la serie diríamos que la segunda temporada (acaso demasiado larga), tiende a un ritmo narrativo lento, por momentos, gratuitamente lisérgico (como recreándose excesivamente en su propia excentricidad visual), con mucha menos acción de la que aparecía en la primera donde sí había bastante y puesta en imágenes, además, de manera deslumbrante (nos referimos a algunas escenas en concreto que están rodadas con sobresaliente buen pulso), aunque por otra parte, tres de los capítulos más originales y brillantes del conjunto de la producción los encontramos precisamente en esta segunda temporada.

En suma, si entre el maremágnum de series interesantes que encontramos en la actualidad no sabéis que elegir, os recomendamos Legion. Seguro que no os dejará indiferentes.

Ricard.

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DocsBarcelona 2018: Cita ineludible para los amantes del documental (I).

Llega a Barcelona una nueva edición (la 21ª) de uno de los festivales internacionales de cine documental más importantes, con ediciones en Medellín (Colombia) y Valparaíso (Chile), el DocsBarcelona.

Del 16 al 27 de mayo, la muestra ofrecerá un amplio repertorio de documentales dentro de sus diversas secciones.

El festival se inaugura con “Petitet“, de Carles Bosch, que se estrena en première mundial en el DocsBarcelona. Esta conmovedora historia sobre un gitano catalán con una rara enfermedad crónica que sueña con llevar la rumba catalana a un gran teatro ha sido elegida para abrir el telón de uno de los eventos culturales más relevantes y exportables de Barcelona.

El director, Carles Bosch, cofundador del mítico programa de Televisió de Catalunya ’30 minuts’ en el año 1984, director de importantes reportajes y documentales, ha viajado por medio mundo cubriendo crónicas para el Telenotícies de TV3. En 2002 dirigió su primera película documental, la multipremiada “Balseros”, que fue nomidada a los Oscar. Luego siguió “Setembres” en 2006 y “Bicicleta, cullera, poma” en 2010, ambas también muy reconocidas y la tercera tuvo mucha difusión.


“Petitet” se podrá ver hoy 16 de mayo a las 19.30 en el Aribau Club en el marco de la inauguración, y el 25 de mayo a las 16h y el 26 de mayo a las 22.15 en la misma sala.

En la sección Panorama se ofrece una selección de los mejores documentales del panorama internacional más reciente. Las películas de esta sección compiten por el Premio DocsBarcelona TV3 al Mejor Documental y el Premio Nuevo Talento a la mejor película de los directores debutantes. Destacamos un film por sección pero en breve publicaremos otro artículo:

Over the limit” de Marta Prus (Polonia, Alemania, Finlandia)

La historia de la dureza del deporte, de la presión a la que se ve sometida la atleta de gimnasia rítmica rusa Margarita Mamun. ¿Vale la pena sacrificarse tanto por el éxito?

La directora fue miembro del equipo polaco de gimnasia rítmica durante 7 años y conoció de primera mano la dureza de este deporte. Posteriormente fue bailarina en el Hanna Kamińska Dance Studio.

La película ha sido premiada en ZagrebDox (Croacia) y en CineDoc Tbilisi (Georgia) y ha participado en diversos festivales.

“Over the limit” se podrá ver el 24 de mayo a las 17h y el 27 de mayo a las 18h en el Aribau Club.

En la sección Latitud, dedicada a los mejores documentales de la Península Ibérica y de América Latina (El premio Latitud DocsBarcelona está patrocinado por Antaviana Films), destacamos la cinta local “Eugenio” de Jordi Rovira y Xavier Baig, directores también (junto a Óscar Moreno), de la prestigiosa “Joana Biarnés, una entre todos”, premio Biznaga de Plata en el Festival de Málaga 2016.

Eugenio ha hecho reír a varias generaciones… ese personaje vestido de negro, que no se inmutaba al explicar los chistes más delirantes y que siempre fumaba y bebía mientras actuaba escondía a otro Eugenio fuera de los escenarios. Retrato del humorista a través de los ojos de sus hijos, parejas y amigos que despertará gran interés entre el público.

“Eugenio” se podrá ver el 19 de mayo a las 19.30 y el 25 de mayo a las 20.30 en el teatro del CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona).

La sección What the Doc ofrece siempre lo más arriesgado y hemos elegido “Treblinka“, de Sérgio Tréfaut (Portugal), que narra un viaje en tren a través de la Europa del Este del siglo XXI con destino a Treblinka, el campo de exterminio nazi. Basado en las memorias de Chil Rajchman “Treblinka: la memoria de un superviviente, judío polaco a quien arrestaron y enviaron al campo de exterminio de Treblinka en 1942 pero que logró escapar y escribir este testimonio único. Este documental nos muestra que actualmente no estamos muy lejos de ese pasado.

El director, Sérgio Tréfaut, es brasileño de nacimiento y luego fue a estudiar y trabajar a Europa. En Lisboa se convirtió en productor y director de cine. Sus documentales han sido premiados y proyectados internacionalmente en más de 40 países y su primer largo de ficción, “Viaje a Portugal” (2011) con María de Medeiros e Isabel Ruth también recibió varios premios.

“Treblinka” se podrá ver el 24 de mayo a las 19.45 y el 25 de mayo a las 14.15 en el Aribau Club.

Otra sección es DOC-U, dedicada a la exhibición del talento documental universitario de Catalunya (El premio DOC-U está patrocinado por 16nou), y el certamen ofrece las sesiones especiales En la brecha – Sesión interactiva, L’Alguer, un pentagrama com un carrer, Mies On Scene. Barcelona en dos actos y Shootball.

La muestra también ofrece un amplio programa para la industria cinematográfica: series documentales (acceso gratuito para todo el público), Interactive Screening, Mesa redonda interactiva, Public Pitch, Latin Pitch, Interactive Pitch, After Pitch, DocsPride Party, Hits and mises, Conferencia My Garage, Master Class 7 plans 7, etc.

Y os recordamos también El Documental del Mes, que nos ofrece la oportunidad de disfrutar de los mejores documentales del DocsBarcelona durante todo el año. Este mes de mayo se puede disfrutar de la película canadiense “Un hombre mejor” (“A better man”) de Attiya Khan y Lawrence Jackman, una producción valiente y necesaria de la actriz y cineasta Sarah Polley que aborda un nuevo paradigma para la prevención de la violencia machista.

En breve tendréis más noticias nuestras respecto al DocsBarcelona. Esperamos que disfrutéis del festival.

Laura Clemente.

Web del DocsBarcelona

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“Americana Film Fest 2018”: Algunas recomendaciones.

Con el tiempo el “Americana Film Fest” (Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona), se ha convertido en un evento de esos que tienes especialmente marcado en el calendario,  algo que da muestra de su plena consolidación dentro de la agenda cultural de nuestra ciudad. Desde nuestro blog llevamos apostando por él desde prácticamente su nacimiento, y nos congratulamos al comprobar que cada año crece en propuestas, cantidad y calidad de películas proyectadas, y secciones varias a cual más atractiva.

No nos extenderemos como hemos hecho otros años en enumerar cuales son y en qué consisten dichas secciones, ni queremos dar una información muy exhaustiva sobre el evento, pues si visitáis la web del Festival (tenéis el enlace al final de esta entrada) encontraréis toda la que deseéis. Pero, dado que son muchas las películas que se van a proyectar los próximos días (entre el 6 y el 11 de este mes), hemos querido destacar cinco títulos (en realidad son algunos más, pues hacemos referencia al completo a la retrospectiva que el Festival dedica al director Alex Ross Perry), que quizá destacan especialmente, a priori, entre todas las que se podrán ver. Aquí tenéis pues nuestras recomendaciones para el “Americana” 2018:

“Lucky” de John Carroll Lynch.

El nombre de Harry Dean Stanton es suficiente para atraernos a ver cualquier película. En este caso estamos hablando del último trabajo que pudo rodar el glorioso actor que aparecía en films como “Pat Garrett y Billy the Kid”, “El Padrino II”, “Alien”, “Paris-Texas”, “Corazón salvaje” y tantos otros títulos. A las órdenes del también veterano actor (aquí realizador) John Carroll Lynch, Stanton encarna en esta película a Lucky, un hombre de 90 años que vive en un pueblo en medio del desierto, sujeto a inamovibles rutinas, y rodeado de personajes igualmente peculiares. En el contexto de una localidad donde apenas nada parece moverse, Lucky emprende una suerte de viaje espiritual que el director de la cinta acaba convirtiendo en una especie de homenaje al propio actor al que cabe confundir más que nunca con su personaje. Y sí, en la película también aparece David Lynch.

“Listen up Philips” y “Queen of earth” de Alex Ross Perry.

Si antes hablábamos de uno de nuestros actores favoritos que ya encarna el pasado del cine, tenemos que referirnos aquí a una actriz del presente y del futuro que también se encuentra ya entre nuestras debilidades: se trata de Elisabeth Moss, vista en series como “Mad Men”, la más reciente “The handmaid´s tale”, o en films como la tan extravagante como imprescindible “The Square”. El festival rescata dos películas del ya mencionado director Alex Ross Perry, “Listen up Philips” y “Queen of earth”, donde de seguro Moss debe desplegar todo su talento interpretativo, si bien por lo que sabemos, su protagonismo es mayor en el segundo título mencionado. Oportunidad en cualquier caso de visionar no sólo estas dos películas no estrenadas aquí de un director muy joven más que interesante, sino también buena parte del resto de su filmografía que incluye dos títulos más igualmente inéditos para nosotros (“Impolex” y “The color wheel”), y su más reciente film “Golden Exits”, estrenado hace pocos meses en su país (aunque en este año 2018 tiene pendiente de llevar a la cartelera dos títulos más; tal es su capacidad creativa).

“The endless” de Justin Benson y Aaron Morhead.

Los realizadores Justin Benson y Aaron Morhead ya nos llamaron la atención con la muy interesante “Spring” y ahora nos traen una historia en la que dos hombres que habían salido de una secta, se ven impulsados a volver a reencontrarse con los miembros de ésta ante determinadas circunstancias. A priori bien recibidos, descubrirán pronto que algo turbio se esconde entre sus antiguos compañeros. Un punto de partida argumental, pues, de lo más estimulante, que nos hace pensar que nos encontramos con un título particularmente interesante.

“The strange ones” de Cristopher Radcliff y Lauren Wolkstein.

Dice John Waters que esta es una de las mejores películas del año pasado. Sabiendo esto, ya sería motivo más que suficiente para ver este film dirigido por los debutantes Cristopher Radcliff y Lauren Wolkstein, y que al parecer versa sobre un hombre joven y un niño, de viaje en busca de un sitio donde acampar y poder pasar unos días de caza. Aparentemente, una andanza sin mayor importancia, muy en la tradición de muchas familias estadounidenses en buena parte del país, pero que pronto empezará a entrever un reverso inquietante y tenebroso, formado de mentiras y hechos terribles. Protagonizada por el, dicen, muy rebelde y de carácter difícil Alex Pettyfer junto al más joven James  Freedson. ¿Os hemos dicho ya que es una de las películas favoritas del pasado año de John Waters?

“Lemon” de Janicza Bravo.

Dirigida por la joven directora nacida en Nueva York pero de ascendencia latina Janicza Bravo, de trayectoria ya bastante dilatada y más que interesante, en esta película Brett Gelman interpreta a Isaac, un ser tan extravagante como insufrible, que tiene una forma de relacionarse con su entorno absolutamente desconcertante. Con esta premisa, parece que nos encontramos previsiblemente con uno de los títulos más divertidos que ofrece este año el Festival. A tener pues muy en cuenta para compensar el visionado de otros títulos más dramáticos o con tramas más densas.

Os dejamos con el gracioso trailer de presentación de la edición de este año del “Americana Film Fest”, así como el prometido enlace a la web del evento donde podréis ver todas las películas que se van a proyectar, actividades paralelas, horarios, forma de comprar entradas:

Web del “Americana Film Fest”

Ricard.

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“Perfectos desconocidos”: ¡Apaguen los móviles!

En un momento en que la cartelera cinematográfica está especialmente repleta de títulos interesantes, pero acaso muchos de ellos con temáticas bastante densas (nos vienen a la cabeza películas como la sueca “The square”, la griega “El sacrificio de una ciervo sagrado” o la norteamericana “En realidad nunca estuviste aquí”), se nos antojaba a priori como un divertimento más que apetecible “Perfectos desconocidos”, del director donostiarra Alex De la Iglesia, adaptación del film italiano que fue un taquillazo de público en el país transalpino la pasada temporada.

Con más de 2 millones de espectadores que la han visto ya según reza la publicidad que se le está haciendo actualmente a la película, y convertida pues también aquí en un gran éxito, lo cierto es que el visionado del film ha resultado ser más satisfactorio de lo esperado, sobre todo teniendo en cuenta que logra transcender el puro divertimento vodevilesco del que estábamos predispuestos a disfrutar.

La premisa de la película no podía ser más estimulante: un grupo de amigos, en la cuarentena la mayoría, decide juntarse una noche para cenar en casa de dos de ellos, proponiendo una de las congregadas dejar los móviles encima de la mesa para leer en voz alta los mensajes que reciban y escuchar conjuntamente las llamadas que vayan surgiendo. El juego, que en principio se les antoja como algo puramente jocoso, propiciará situaciones cada vez más comprometidas.

Alex De la Iglesia maneja con elegancia la cámara por un espacio casi único, el apartamento de los anfitriones, sorteando la tentación de convertir el film en una especie de obra de teatro filmada. Lejos de ello, “Perfectos desconocidos” es una película con todas las de la ley, que bascula entre la comedia de equívocos y un cierto tono dramático que se acentúa en su tramo final. A falta de haber visto el film original italiano, y desconociendo pues las diferencias que puedan existir con éste, añadiríamos además que el trabajo de De la Iglesia tiene la inteligencia de ir desgranando sutilmente ciertos elementos fantásticos que hacen que, al final, no nos sorprenda demasiado el giro en forma de fábula que tiene la historia.

Con todo lo dicho, nada en esta película podría funcionar bien sin el brillante trabajo de su reparto (perfectos, y nunca mejor dicho, todos y cada uno de los actores y actrices).

Película, en suma, fresca, francamente entretenida, y que pone sobre la mesa una cuestión de plena actualidad: la diferencia que existe entre nuestro yo público, lo privado y lo directamente oculto, en un momento en que las nuevas tecnologías dan pie fácil a eliminar las fronteras entre estas tres dimensiones del individuo.

Ricard.

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IN-EDIT: 15ª Edición de cine documental musical de Barcelona.

De nuevo, desde el 26 de octubre hasta el 5 de noviembre, se celebra el Festival In-Edit dedicado a los documentales musicales, evento que nos encanta y del que hemos ido hablando desde que empezamos con nuestro blog.

En esta nueva edición encontramos una muy variada y suculenta programación que se estructura en distintos bloques que se resumen en:

Sección oficial internacional: la sección competitiva del Festival que reúne grandes trabajos del documental musical traídos de todo el mundo.

Sección nacional: títulos patrios que en algunos casos forman parte de la sección competitiva y en otros no.

Etnia Barcelona presenta la mirada: mini sección dedicada a documentales que nos muestran a artistas que han destacado por su capacidad de innovar.

Excedlents: una selección de documentales escogidos por simple gusto por parte de los creadores-gestores del Festival. Se trata de títulos también muy variopintos y atractivos. Eso sí, fuera de concurso todos ellos.

Km0: una nueva sección del Festival que nos muestra historias cercanas e intenta dar a conocer artistas locales.

Sección premios: documentales que han ganado premios en ediciones extranjeras del In-Edit (recordemos que el evento se ha exportado a otros países como Chile o Colombia, y que se celebra de forma paralela en Madrid).

In-Edit shorts: nueva sección dedicada a cortos.

Muy difícil poder escoger entre todos los títulos que se van a proyectar en el Festival, pero a nosotros no nos gustaría perdernos (y os recomendamos especialmente):

“Faithfull” de Sandrine Bonnaire. Francia. 2017. Documental dedicado Marianne Faithfull quien nos habla de su presente y, por supuesto, su pasado como icono de los 60, desmontando tópicos sobre su figura.

“Liveration day” de Ugis Olte y Morten Traavik. Noruega. 2016. Título que documenta la visita del grupo esloveno Laibach a Corea del Norte. Se trató del primer concierto que una banda de pop occidental realizaba en este país absolutamente impermeable, si es que de libertad de información hablamos. Una oportunidad para adentrarse en una realidad a la vez chocante y fascinante.

The Allins” de Sami Saïf. Dinamarca. 2017. Pocos personajes tan extremos deben haber pasado por la faz de la tierra que puedan compararse a GG Allin. Y sin embargo, el malogrado mito punk tuvo, como casi todo el mundo, una familia que, gracias a este documental del danés Sami Saïf, podremos conocer. Ni que decir tiene que no se trata de una familia convencional.

“Eagles of death metal: nos amis” de Colin Hanks. Estados Unidos. 2015. Un trabajo que nos sitúa cuatros meses después de la terrible tragedia acontecida en la Sala Bataclan de Paris, en la que irrumpieron unos terroristas islamistas disparando indiscriminadamente contra el público que asistía a la actuación de la banda norteamericana Eagles of Death Metal causando un gran número de víctimas inocentes. El grupo regresó al local para realizar ese concierto que sentían que les debían a los parisienses. ¿Cómo puede afectar a un músico haber vivido una experiencia semejante?

“A life in the waves” de Brett Whitcom. Estados Unidos. 2017. Otro retrato femenino, en este caso sobre Susane Cianni, pionera de los sonidos electrónicos cuya personalidad nos resulta de lo más atrayente al margen del interés mayor o menor que podamos tener por la llamada música avanzada.

“Conny Plank – The potential of noise” de Reto Caduff y Stephan Plank. Alemania. 2017. Título dedicado a un productor que supo avanzarse a casi todo, ayudando a crear música a bandas de la escena germánica de los 70 tan variopintas, personales y fascinantes como Kraftwerk, Neu! o Cluster. Considerado como el padre espiritual del krautrock, Conny Plank fue un pionero obsesionado con el trabajo, al que nos acercamos a través de la mirada de su propio hijo Stephan Plank quien dirige el documental junto a Reto Caduff.

Queercore: How to punk a revolution” de Yony Leyser. Alemania. 2017. A mediados de los años 80 se acuñó el concepto “queercore” para dar nombre a un movimiento dentro del punk que criticaba la homofobia que existía en dicho género musical y estético. Auspiciado desde la ciudad de Toronto por artistas como G.B. Jones y Bruce LaBruce, el “queercore” (o “homocore”), impulsaba una nueva y subversiva forma de ver la identidad sexual diseminada por la música de bandas como Tribe 8 y Pansy Division, cuyo legado se extendió a través del movimiento Riot Grrrls y ha tenido influencia en artistas más estándar como Peaches o Gossip.

The Public Image is Rotten” de Tabbert Fiiller. Estados Unidos. 2017. Y terminamos este pequeño repaso con un retrato en primera persona de uno de los grandes iconos del Punk, Johnny Rotten o mejor sería llamarlo John Lydon, de quien se nos cuenta en este documental su reinvención personal y musical al frente de los imprescindibles P.I.L. (En este caso os dejamos con un video-clip de P.I.L. ya que no hemos localizado ningún tráiler del documental).

Ricard.

Información sobre el In-Edit: Programación con horarios.

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