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“Goldilocks”: El final de la inocencia.

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Hemos podido ver en la Sala Atrium de Barcelona una obra muy impactante: “Goldilocks“, escrita por Jaume Viñas (también ayudante de dirección), dirigida por Júlia Barceló e interpretada por Meritxell Termes y Alba Ribas.

La obra se representa hasta el 20 de mayo dentro del Ciclo de creación escénica DespertaLab, organizado por Sala Atrium y Nau Ivanow, ciclo que nació con el objetivo de dar apoyo a la creación teatral más activa y emergente y que se ha convertido en una auténtica plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas y compañías teatrales. Aplaudimos iniciativas como ésta. “Goldilocks” ha ganado el segundo premio otorgado por DespertaLab.

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“Goldilocks” es un título muy adecuado, pues tanto nos hace recordar a “Rizos de oro” (veremos que una de las protagonistas de esta obra es tan inocente como ese personaje de la literatura infantil y de los dibujos animados), como el cierre de oro de una jaula. Una jaula de oro en la que se encuentran dos jóvenes, que tanto pueden ser hermanas como haber entablado amistad en ese recinto cerrado en el que se encuentran.

Convivir durante tiempo indefinido y crecer sin ver el sol pueden ser letales. Para escapar de la cruda realidad, qué mejor que la imaginación, a través de cuentos de hadas y no tan de hadas, ciencia ficción, historias de pingüinos… estos relatos fueron apareciendo como escenas independientes, según su creador, Jaume Viñas, y luego se unieron para dar forma al texto tal como lo hemos encontrado ahora. Un texto que fue inspirado por una conferencia de Nuria Varela (escritora, experta en violencia de género, profesora y reportera autora de “Cansadas”) en la Sala Beckett de Barcelona, maravillosamente hilvanado, sin grietas, que nos lleva a estar pendientes de todo lo que sucede en ese espacio, acompañando a las dos “hermanas”. El buen hacer de la directora Júlia Barceló contribuye mucho a este excelente resultado.

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El resto del equipo artístico y el trabajo que se ha realizado, asombroso también: la escenógrafa Judit Colomer nos transporta a una casa (que recuerda a las películas “Hard Candy” de David Slade o “Split” de M. Knight Shyamalan) que podría encontrarse en las afueras de una gran ciudad, con unos sobretitulos que van marcando un compás extraño; el sobrio y a la vez bello vestuario de Núria Milà; los vídeos que van intercalándose en la historia y que provocan reacciones y emociones en el espectador, contribuyen mucho a la contundencia de la obra. En cuanto a la promoción y visualización de la obra, destacamos el gran trabajo de Martina Matencio en la fotografía.

PROS DE LA OBRA: Impacta y mantiene en vilo al espectador, gran contenido argumental bien tejido, muy visual, casi cinematográfica. Las actrices, brillantes.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que ninguno. Tal vez lo único es que no todo el público esté preparado para ver o entender la obra, pero nada más.

En definitiva, un espectáculo imprescindible que muestra el estado de buena forma que tienen los jóvenes creadores catalanes.
Laura Clemente.
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“Fuga de conills”: Retablo del precariado.

 

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“Fuga de conills” en Sala Atrium es una comedia con un trasfondo muy amargo: la realidad de muchos jóvenes (o no tan jóvenes) de nuestro país que sólo pueden aspirar a empleos como los de los protagonistas del espectáculo: animadores en fiestas infantiles y cosas por el estilo, minijobs que apenas les dan para costearse un piso compartido, y que hacen que su independencia sea un espejismo.

 

Escrita y dirigida por Martina Cabanas Collell, la compañía 010 nos presenta unas horas en las vidas de tres jóvenes: los personajes que interpretan Pau Zabaleta y Maria Cirici han acabado una de sus actuaciones en un cumpleaños, comunión o similar, y reflexionan sobre su vida, ataviados con unos grotescos disfraces que dan título a la obra y que son perfecta metáfora del sufrimiento de una generación que tiene que aparentar que siempre tiene que estar de buen rollo; la fachada es despreocupada, pero se va dejando entrever una insatisfacción, una angustia latente…  poco a poco la apenas esbozada queja se convierte en abierta y decidida evasión.

Así, los jóvenes se adentran en una discoteca, donde pincha el DJ que encarna Artur Rodriguez. A partir de ahí, en acción que va acelerándose,  emprenden un viaje hacia ninguna parte.

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PROS DE LA OBRA:  Es una obra que evoca con sorprendente precisión las sensaciones de una generación en las garras de la precariedad laboral, que se refugia en drogas, sexo, alcohol y nihilismo antes que asumir que nunca llegarán a lo que soñaban de niños.  El amargo viaje interior, en la discoteca, y luego el triste viaje exterior en motocicleta, y esa acertada escena onírica, componen un cuadro de gran sensibilidad y sencillez. Todos nos sentimos identificados con alguno de los aspectos de este agridulce trio. La sobriedad del montaje, la gran ambientación de la disco, los altisonantes disfraces, son elementos que nos han parecido muy bien jugados y que contribuyen a crear un ambiente intimista, donde los personajes, por más que intenten fugarse, acabarán por encontrarse con ellos mismos.

CONTRAS DE LA OBRA: La obra, como decimos, es un retablo, un cuadro que capta unos instantes… nos quedamos con ganas de conocer más de la historia de esos personajes.

 

 

“Fuga de conills” estará en cartel hasta el 25 de marzo, y os la recomendamos muy especialmente.

Ignasi y Laura.

 

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“La pell escrita”: El valor de la elección.

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Hemos podido ver en Sala Atrium de Barcelona el mónologo “La Pell Escrita“,  cuyo autor es Manel Bonany y está dirigido por Manel Dueso e interpretado por Míriam Marcet.

Se trata de un brillante monólogo donde la protagonista evoca la peculiar e intensa relación amorosa, ya truncada, que tuvo con su “nino”.  Los vendajes que envuelven a la protagonista nos hablan de heridas,  físicas y emocionales.  La actriz encarna  magistralmente la esencia de la feminidad, de una feminidad inequívoca y militante, de una consciencia rotunda y determinada; y a pesar del canto a lo individual, a la elección personal e intransferible, la obra alude igualmente al juicio de los demás, al juicio de quienes pretenden arrogarse capacidad de decidir sobre los cuerpos ajenos. Metáfora de la metáfora, porque ese arrogado y nunca otorgado papel de juez en que se encarna la muchedumbre, es esbozado en la obra por una francachela de vándalos, bosquejados de modo particularmente sádico, brutal, descarnado…  del mismo modo que  probablemente deba de sentir sobre sí la mirada de los demás (y no solamente la mirada)  quien únicamente está facultado para querer ser: uno mismo.

Pero a pesar de las dificultades, de la necesidad de reivindicación y de lucha, por encima de todo está -enseña la obra de la mano de una prodigiosa Miriam Marcet- la propia dignidad, la convicción y lo espontáneo por encima del juicio, la censura y la imposición.

Nos ha encantado la obra porque aúna la exigencia de un monólogo con una caracterización muy particular, con una temática presentada a la vez con realismo y dulzura. Miriam Marcet mima, se recrea en el personaje, que nos es presentado como en un arrullo no exento de sobresaltos; imposible no sentirse identificados con él, porque todos en un momento u otro hemos sentido la incomprensión de nuestros semejantes, el rechazo y a veces la agresión despiadada.

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En ocasión de la temática de la obra, Sala Atrium ha organizado diversos coloquios postfunción para poder debatir determinados aspectos de ella, invitando a diversas entidades y personas representativas o activistas del colectivo trans, como acertado epílogo a la representación, para poder acercarnos a las particularidades de un colectivo muchas veces desconocido.

La pieza estará hasta el 19 de noviembre en la Atrium.

PROS DE LA OBRA: Sin duda, la delicada y convincente interpretación de Miriam Marcet.

CONTRAS:  No apta para quien le resulten desagradables las evocaciones de imagenes descarnadas y crueles.

Ignasi y Laura.

Web de la Sala Atriun – Información sobre La Pell Escrita

 

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“Les associades del club dels úters penedits”: Ser madre en el mundo actual.

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Corinne Mayer, economista, psicoanalista y escritora francesa nacida en Ginebra (Suiza), figura destacada de la contracultura y solidaria con el movimiento childfree (participó en las tres ediciones de la “Fête des non-parents” – “Fiesta de los no-padres”), cosechó un gran éxito con sus ensayos “Buenos días, pereza” y “No kid. 40 razones para no tener hijos”. En este segundo se ha basado Pere Sagristà-Ollé (también director de la obra) para crear “Les associades del club dels úters penedits“.

De forma directa, sincera y humilde, dos mujeres que esperan recoger a sus hijos a la salida de la escuela, explican su experiencia de la maternidad. De cómo aquello tan deseado se convierte en un peso con el que han de convivir por siempre jamás. Con humor nos relatan aquellos momentos de “ya no puedo más” pero “sí he de poder porque estoy metida hasta el cuello”.

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Pero lo más relevante es la lectura que hacen de aquello que se supone que como madres tienen que hacer, de lo que la sociedad espera de ellas para que sean consideradas madres “aptas”. Y aquí es donde se ve claramente que el problema no son los hijos, sino que el problema viene de ellas mismas, de las personas adultas, de las otras madres (que parece que siempre lo hagan mejor) y de la sociedad en general que las juzga, para saber si han pasado o no las pruebas a las que cada dia se enfrentan: los deberes, las superextraescolares, la alimentación, la pareja (cómo cambia, dónde está el erotismo cuando lo único que quieres es descansar después de una jornada maratoniana), el segundo círculo familiar (suegra, madre, cuñada), etc., así como las expectativas que han puesto en el hecho de ser madres y sobre todo en sus hijos.

La conclusión es que tal vez nos tengamos que relajar un poco, que no pasa nada si a tu hijo le has dado biberón o “potitos”, y si algún día riñes a tu hijo será por algo y no nos tenemos que sentir culpables.

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Excelente y muy apasionada interpretación de las actrices (y madres también) Sara Visac y Marina Bou. El texto de Maier llega al espectador con un ritmo trepidante, con palabras certeras, sin embudos ni máscara. Buen trabajo también de Helena Gràcia como ayudante de dirección, Conchita Pons en el diseño de iluminación y Cristina Ferrer en la producción.

Con un final un punto amargamente real, cuando suena el timbre que anuncia la hora de salida (sobre las 17:00 en Cataluña) y al oír las risas y voces de los niños que corren hacia la puerta, la mayoría de nosotros nos damos cuenta de que sí que vale la pena, aunque nadie nos dijera que iba a ser fácil.

Obra altamente recomanable para mujeres y hombres, tanto para quien es madre o padre como para quien no.

Este espectáculo de la compañía Produccions Teatrals Aleatòries estará en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana hasta el domingo 11 de junio.

María Rosa Iglesias y Laura Clemente.

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“Ivànov”: Un alma torturada.

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Hemos disfrutado mucho en el Teatre Lliure de Montjuich con esta versión del clásico de Chéjov, dirigida por Àlex Rigola con dramaturgia de Ferran Dordal. El director nos presenta la obra, con diseño del espacio escénico de Max Glaenzel, dando a la misma una presentación chocante, con los actores y actrices vestidos informalmente y con el suelo lleno de confetti y gatos de la suerte, como si toda la obra no fuera más que un delirio de mañana de resaca. La original máscara diseñada por Silvia Delagneau y la idea de que algunos actores (como el virtuoso Nao Albet, que también ha diseñado el espacio sonoro) interpreten música (Queen, Pixies, Talking Heads) en el escenario, subvierten la original concepción de Chéjov y nos trasladan el drama moral a un código estético actual.  La impresionante máscara sin duda contribuye a subrayar la dicotomía entre la persona y su personaje, que es diseccionado sin compasión.

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Tal vez, con esa presentación tan casual el director haya pretendido centrar al público en el texto, en el dilema moral y existencial que se le presenta a Ivànov, magistralmente interpretado por Joan Carreras, que imprime un aire torturado y vagamente ausente al personaje, como si hubiera sufrido algún trauma y como si en realidad escondiera algo. La fuerza expresiva de la representación radica en la confrontación continua del personaje con sus propios fantasmas y con el resto de personajes, que, provistos de micrófonos,  contemplan y juzgan a Ivànov.  En especial el doctor Luov (el mencionado Nao Albet), médico de la familia…

Porque en efecto, la obra se construye como una alegoria o parodia de un juicio, en que el acusado es Ivànov, el fiscal el doctor Luov, la parte perjudicada su mujer Anna (Sara Espígul), quien a las puertas de su muerte debe aguantar las frecuentes visitas de Ivànov, supuestamente para negociar con la familia que le ha prestado dinero (geniales Andreu Benito y Sara Monclús interpretando al matrimonio Levedev) pero cuya hija se enamora de ese personaje de aire atribulado (Sasha magníficamente interpretada por Vicky Luengo).  La figura del anciano conde Shabelsky (Pep Cruz), y ese personaje tan de Chéjov que es el administrador de la finca Borkin (Pau Roca), son los testigos del implacable juicio a que es sometido.

¿Qué es lo que debe juzgarse de Ivànov? ¿Es una persona virtuosa, un alma que ha sufrido, que sólo ha pretendido consolidar su posición social, como le considera el señor Levedev o bien es un aprovechado, un trepa que no ha dudado en utilizar a las mujeres de su entorno, a ojos del doctor Lvov?

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Dejemos que cada uno saque sus propias conclusiones: la obra deja abierta la cuestión central, el juicio moral de un personaje del que siempre dudaremos, del que no sabremos nunca si es un farsante o alguien simplemente superado por la vida.

La representación estará en el Teatre Lliure hasta el 28 de mayo.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Lliure – Información sobre “Ivànov”

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“Alicia”: Viaje al universo de Lewis Carroll.

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Hemos visto “Alicia” de la Compañía Menú Teatral, en la Sala Atrium de Barcelona. Un delicioso texto que Pablo Ley ha elaborado a partir de “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia a través del espejo” de Lewis Carroll.

David Maqueda, director de la obra, formó, junto a Marina Mulet, Aïda Bellet, Alba Duñó y Núria Montes (intérpretes de “Alicia” junto con Eleazar Masdeu), la compañía Menú Teatral en 2013, con la intención de acercar el teatro al público a través de la exploración de nuevos códigos teatrales y propuestas innovadoras. La compañía tiene en cuenta que la aportación de más actores y colaboradores sirve para conseguir la realización de sus proyectos.

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Con “Alicia”, Menú Teatral consigue un espectáculo totalmente mágico, que nos transporta al mundo de Lewis Carroll, a esa invisible barrera entre lo onírico y lo real, lo imaginario y lo tangible. Buenísimas las escenas de la fiesta del no cumpleaños y el juicio de Alicia.

El espacio y el tiempo se transforman… nos encontramos con efectos diversos de luces y sombras, música y sonido, todo conformando un alocado mimo en el que encontramos a los personajes más emblemáticos de las dos entregas de la Alicia de Lewis Carroll.

El conejo blanco, el baile de los animales, la oruga fumando un narguile, el gato de Cheshire, las flores que hablan, la merienda de locos -escena muy conseguida en la que no hay modo de aclararse-, las partidas de ajedrez, los animales fantásticos y al final la escena del juicio de Alicia, entre peticiones de que corten la cabeza a todo el mundo, nos transportan a ese universo tan particular de Carroll, a ese disparatado lugar imaginario donde la estricta y rígida educación victoriana queda volteada como un calcetín y donde la ilógica imaginación de los niños se apodera del escenario.

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Nos ha gustado especialmente el diseño del vestuario, la iluminación y el escenario, todo entre penumbra y marcadamente en blanco y negro, como si de los grabados de principios del siglo pasado se tratasen, lo que contribuye a crear una atmósfera muy especial, con un punto irreal y de ensoñación.  El piano en directo de Jorge de la Torre también contribuye al frescura y dinamismo de la obra.

Quedan ya pocos días para esta representación, que nos deleitará (ideal para ver en familia) hasta el día 31 en la Sala Atrium.

Ignasi y Laura.

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“La rebel·lia possible”: Respuesta ciudadana al sistema (I).

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Hemos podido disfrutar de la versión catalana (traducida por Gemma Roura) de esta multipremiada obra de Javier García Yagüe y Luis García Araus (estrenada en 2007 por La Cuarta Pared), llevada a escena por la Companyia Anònima con dirección de José Sánchez Orosa, que estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo después de pasar por La Seca Espai Brossa el otoño pasado.

García, un joven que trabaja en una empresa gris y vive con su novia, está cansado de llamar a su compañía telefónica para hacer una reclamación, hasta que decide interponerle una demanda por una cantidad irrisoria de dinero. Su novia se queja y su jefe no comprende que tenga que pedir permisos en el trabajo para ir a los juicios, pero él está decidido a seguir luchando.

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Un padre de familia que se ha quedado viudo recientemente no sabe cómo hacer que su hija adolescente vuelva a comer. Las sucesivas visitas médicas en el ambulatorio no sirven para nada. Lós médicos expiden recetas pero no examinan detenidamente a la chica debido al poco tiempo que tienen para cada paciente.

La secretaria de la empresa donde trabajaba García tiene toda la casa en ruinas. Con diversas averías y las aseguradoras que no se ponen de acuerdo, la mujer está al borde del colapso…

Un amigo de García quiere ser apóstata, pero la Iglesia no quiere aceptar que renuncie a su catolicismo. En cambio, él está decidido y quiere conseguirlo cueste lo que cueste.

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Entre todos, deciden apoyarse y darse ánimos para dar una respuesta a ese sistema que tanto les rehúye y no les tiene en cuenta. Porque en la sociedad hay muchos Garcías que ponen su pequeño grano de arena.

La rebel·lia possible” es teatro político y social en clave de comedia. Nos hace reflexionar entre carcajadas y nos deja una buena sensación cuando se termina la obra.

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Excelente trabajo de los intérpretes: Xavi Casan, Toni González, Carla Mercader, Joan Sureda, Núria Valls y Maria Villarejo. Destacamos también el buen hacer de Jose Espigares en el diseño de luces, Esmeralda Díaz en la escenografía y Sergí Cerdán en el vestuario.

“La rebel·lia possible” estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo.

Laura.

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