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“Les associades del club dels úters penedits”: Ser madre en el mundo actual.

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Corinne Mayer, economista, psicoanalista y escritora francesa nacida en Ginebra (Suiza), figura destacada de la contracultura y solidaria con el movimiento childfree (participó en las tres ediciones de la “Fête des non-parents” – “Fiesta de los no-padres”), cosechó un gran éxito con sus ensayos “Buenos días, pereza” y “No kid. 40 razones para no tener hijos”. En este segundo se ha basado Pere Sagristà-Ollé (también director de la obra) para crear “Les associades del club dels úters penedits“.

De forma directa, sincera y humilde, dos mujeres que esperan recoger a sus hijos a la salida de la escuela, explican su experiencia de la maternidad. De cómo aquello tan deseado se convierte en un peso con el que han de convivir por siempre jamás. Con humor nos relatan aquellos momentos de “ya no puedo más” pero “sí he de poder porque estoy metida hasta el cuello”.

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Pero lo más relevante es la lectura que hacen de aquello que se supone que como madres tienen que hacer, de lo que la sociedad espera de ellas para que sean consideradas madres “aptas”. Y aquí es donde se ve claramente que el problema no son los hijos, sino que el problema viene de ellas mismas, de las personas adultas, de las otras madres (que parece que siempre lo hagan mejor) y de la sociedad en general que las juzga, para saber si han pasado o no las pruebas a las que cada dia se enfrentan: los deberes, las superextraescolares, la alimentación, la pareja (cómo cambia, dónde está el erotismo cuando lo único que quieres es descansar después de una jornada maratoniana), el segundo círculo familiar (suegra, madre, cuñada), etc., así como las expectativas que han puesto en el hecho de ser madres y sobre todo en sus hijos.

La conclusión es que tal vez nos tengamos que relajar un poco, que no pasa nada si a tu hijo le has dado biberón o “potitos”, y si algún día riñes a tu hijo será por algo y no nos tenemos que sentir culpables.

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Excelente y muy apasionada interpretación de las actrices (y madres también) Sara Visac y Marina Bou. El texto de Maier llega al espectador con un ritmo trepidante, con palabras certeras, sin embudos ni máscara. Buen trabajo también de Helena Gràcia como ayudante de dirección, Conchita Pons en el diseño de iluminación y Cristina Ferrer en la producción.

Con un final un punto amargamente real, cuando suena el timbre que anuncia la hora de salida (sobre las 17:00 en Cataluña) y al oír las risas y voces de los niños que corren hacia la puerta, la mayoría de nosotros nos damos cuenta de que sí que vale la pena, aunque nadie nos dijera que iba a ser fácil.

Obra altamente recomanable para mujeres y hombres, tanto para quien es madre o padre como para quien no.

Este espectáculo de la compañía Produccions Teatrals Aleatòries estará en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana hasta el domingo 11 de junio.

María Rosa Iglesias y Laura Clemente.

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“Ivànov”: Un alma torturada.

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Hemos disfrutado mucho en el Teatre Lliure de Montjuich con esta versión del clásico de Chéjov, dirigida por Àlex Rigola con dramaturgia de Ferran Dordal. El director nos presenta la obra, con diseño del espacio escénico de Max Glaenzel, dando a la misma una presentación chocante, con los actores y actrices vestidos informalmente y con el suelo lleno de confetti y gatos de la suerte, como si toda la obra no fuera más que un delirio de mañana de resaca. La original máscara diseñada por Silvia Delagneau y la idea de que algunos actores (como el virtuoso Nao Albet, que también ha diseñado el espacio sonoro) interpreten música (Queen, Pixies, Talking Heads) en el escenario, subvierten la original concepción de Chéjov y nos trasladan el drama moral a un código estético actual.  La impresionante máscara sin duda contribuye a subrayar la dicotomía entre la persona y su personaje, que es diseccionado sin compasión.

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Tal vez, con esa presentación tan casual el director haya pretendido centrar al público en el texto, en el dilema moral y existencial que se le presenta a Ivànov, magistralmente interpretado por Joan Carreras, que imprime un aire torturado y vagamente ausente al personaje, como si hubiera sufrido algún trauma y como si en realidad escondiera algo. La fuerza expresiva de la representación radica en la confrontación continua del personaje con sus propios fantasmas y con el resto de personajes, que, provistos de micrófonos,  contemplan y juzgan a Ivànov.  En especial el doctor Luov (el mencionado Nao Albet), médico de la familia…

Porque en efecto, la obra se construye como una alegoria o parodia de un juicio, en que el acusado es Ivànov, el fiscal el doctor Luov, la parte perjudicada su mujer Anna (Sara Espígul), quien a las puertas de su muerte debe aguantar las frecuentes visitas de Ivànov, supuestamente para negociar con la familia que le ha prestado dinero (geniales Andreu Benito y Sara Monclús interpretando al matrimonio Levedev) pero cuya hija se enamora de ese personaje de aire atribulado (Sasha magníficamente interpretada por Vicky Luengo).  La figura del anciano conde Shabelsky (Pep Cruz), y ese personaje tan de Chéjov que es el administrador de la finca Borkin (Pau Roca), son los testigos del implacable juicio a que es sometido.

¿Qué es lo que debe juzgarse de Ivànov? ¿Es una persona virtuosa, un alma que ha sufrido, que sólo ha pretendido consolidar su posición social, como le considera el señor Levedev o bien es un aprovechado, un trepa que no ha dudado en utilizar a las mujeres de su entorno, a ojos del doctor Lvov?

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Dejemos que cada uno saque sus propias conclusiones: la obra deja abierta la cuestión central, el juicio moral de un personaje del que siempre dudaremos, del que no sabremos nunca si es un farsante o alguien simplemente superado por la vida.

La representación estará en el Teatre Lliure hasta el 28 de mayo.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Lliure – Información sobre “Ivànov”

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“Alicia”: Viaje al universo de Lewis Carroll.

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Hemos visto “Alicia” de la Compañía Menú Teatral, en la Sala Atrium de Barcelona. Un delicioso texto que Pablo Ley ha elaborado a partir de “Alicia en el país de las maravillas” y “Alicia a través del espejo” de Lewis Carroll.

David Maqueda, director de la obra, formó, junto a Marina Mulet, Aïda Bellet, Alba Duñó y Núria Montes (intérpretes de “Alicia” junto con Eleazar Masdeu), la compañía Menú Teatral en 2013, con la intención de acercar el teatro al público a través de la exploración de nuevos códigos teatrales y propuestas innovadoras. La compañía tiene en cuenta que la aportación de más actores y colaboradores sirve para conseguir la realización de sus proyectos.

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Con “Alicia”, Menú Teatral consigue un espectáculo totalmente mágico, que nos transporta al mundo de Lewis Carroll, a esa invisible barrera entre lo onírico y lo real, lo imaginario y lo tangible. Buenísimas las escenas de la fiesta del no cumpleaños y el juicio de Alicia.

El espacio y el tiempo se transforman… nos encontramos con efectos diversos de luces y sombras, música y sonido, todo conformando un alocado mimo en el que encontramos a los personajes más emblemáticos de las dos entregas de la Alicia de Lewis Carroll.

El conejo blanco, el baile de los animales, la oruga fumando un narguile, el gato de Cheshire, las flores que hablan, la merienda de locos -escena muy conseguida en la que no hay modo de aclararse-, las partidas de ajedrez, los animales fantásticos y al final la escena del juicio de Alicia, entre peticiones de que corten la cabeza a todo el mundo, nos transportan a ese universo tan particular de Carroll, a ese disparatado lugar imaginario donde la estricta y rígida educación victoriana queda volteada como un calcetín y donde la ilógica imaginación de los niños se apodera del escenario.

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Nos ha gustado especialmente el diseño del vestuario, la iluminación y el escenario, todo entre penumbra y marcadamente en blanco y negro, como si de los grabados de principios del siglo pasado se tratasen, lo que contribuye a crear una atmósfera muy especial, con un punto irreal y de ensoñación.  El piano en directo de Jorge de la Torre también contribuye al frescura y dinamismo de la obra.

Quedan ya pocos días para esta representación, que nos deleitará (ideal para ver en familia) hasta el día 31 en la Sala Atrium.

Ignasi y Laura.

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“La rebel·lia possible”: Respuesta ciudadana al sistema (I).

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Hemos podido disfrutar de la versión catalana (traducida por Gemma Roura) de esta multipremiada obra de Javier García Yagüe y Luis García Araus (estrenada en 2007 por La Cuarta Pared), llevada a escena por la Companyia Anònima con dirección de José Sánchez Orosa, que estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo después de pasar por La Seca Espai Brossa el otoño pasado.

García, un joven que trabaja en una empresa gris y vive con su novia, está cansado de llamar a su compañía telefónica para hacer una reclamación, hasta que decide interponerle una demanda por una cantidad irrisoria de dinero. Su novia se queja y su jefe no comprende que tenga que pedir permisos en el trabajo para ir a los juicios, pero él está decidido a seguir luchando.

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Un padre de familia que se ha quedado viudo recientemente no sabe cómo hacer que su hija adolescente vuelva a comer. Las sucesivas visitas médicas en el ambulatorio no sirven para nada. Lós médicos expiden recetas pero no examinan detenidamente a la chica debido al poco tiempo que tienen para cada paciente.

La secretaria de la empresa donde trabajaba García tiene toda la casa en ruinas. Con diversas averías y las aseguradoras que no se ponen de acuerdo, la mujer está al borde del colapso…

Un amigo de García quiere ser apóstata, pero la Iglesia no quiere aceptar que renuncie a su catolicismo. En cambio, él está decidido y quiere conseguirlo cueste lo que cueste.

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Entre todos, deciden apoyarse y darse ánimos para dar una respuesta a ese sistema que tanto les rehúye y no les tiene en cuenta. Porque en la sociedad hay muchos Garcías que ponen su pequeño grano de arena.

La rebel·lia possible” es teatro político y social en clave de comedia. Nos hace reflexionar entre carcajadas y nos deja una buena sensación cuando se termina la obra.

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Excelente trabajo de los intérpretes: Xavi Casan, Toni González, Carla Mercader, Joan Sureda, Núria Valls y Maria Villarejo. Destacamos también el buen hacer de Jose Espigares en el diseño de luces, Esmeralda Díaz en la escenografía y Sergí Cerdán en el vestuario.

“La rebel·lia possible” estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo.

Laura.

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“Nora”: La dignidad de la esposa.

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Hemos asistido hace poco a la primera obra de la “Trilogía de la imperfección” que esta temporada llevará a la Sala Atrium de Barcelona obras de Ibsen, StrindbergChéjov, a partir del hilo común del feminismo, entendido como la emancipación de la mujer de la tutela del marido que progresivamente tuvo lugar a principios del siglo pasado, con diversos matices que iremos descubriendo en nuestro blog.

El convencionalismo con el que se inicia la representación, con un matrimonio pequeñoburgués al inicio de su pujanza económica gracias al puestazo conseguido por él al frente de un banco, dará en seguida un giro para desenmascarar todas las miserias que a veces rodean esos ascensos metéoricos. La adaptación y dirección de Raimon Molins desproveen al clásico de cualquier valor más o menos anecdótico para convertirlo, con un arriesgado lenguaje visual, en una obra de plena actualidad.

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Mireia Trias en su papel de Nora está magnífica, dotando al personaje de ricos matices;  así, al principio, se nos presenta como una tontuela pequeñoburguesa empeñada en fundirse la tarjeta de crédito del marido, por lo que recibe un cariñoso tirón de orejas  de Torvald (Oriol Tarrasón), que considera el malgasto como un pecadillo menor fácilmente perdonable y que entra incluso en lo que se espera de una mujer de esa clase y condición.

Pero en seguida vemos que esa presentación del personaje esuna cortina de humo para distraer al espectador. Nora es mucho más que eso. Cuando su amiga Kristine (genial Patricia Mendoza) se presenta en su casa como el contrapunto de fracaso ante tanta pujanza, implorando que interceda ante su marido por un empleo en el banco, vemos otra dimensión del personaje, mucho más tierna y sensible:  parece ocuparse de los problemas de su amiga de modo altruista y se muestra decidida a rogar  por ella ante su  marido.

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Pero es cuando entra en escena Oda (Gal.la Sabaté), el dramatismo que había permanecido contenido se desata en toda su intensidad:  Oda no viene como Kristine a implorar nada, sino a exigir que se le restituya lo suyo, y amenaza con las consecuencias de no hacerlo, consecuencias que se llevarán por delante el matrimonio.

La inocentona burguesa del principio de la obra ha mutado ya en una mujer que reivindica su actuación en favor de su marido, y que incluso, cuando acaba sufriendo la ira de él -que le reprocha haber roto en esta ocasión las reglas del juego-, se rebela.

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Lo que siempre sorprende de Ibsen es la extraordinaria actualidad de sus argumentos. Si en “Un enemigo del pueblo” el argumento es la corrupción política, en “Casa de  muñecas” los temas centrales son el matrimonio,  dinero, el empleo y el chantaje.  Como decíamos al principio, la puesta en escena huye del convencionalismo clásico para adentrarse en un lenguaje visual más elaborado, enriqueciendo la obra con un cierto experimento metateatral, en el que los actores y actrices parecen dirigirse y filmarse al tiempo, con sus  imágenes proyectadas al fondo, cual unos amigos rodando la obra  (en algún momento los actores y actrices se llaman por sus nombres), lo que añade dramatismo al espectáctulo, al dejar de confinarse en un páis escandinavo a finales del siglo pasado,  para interpelar directamente a los presentes que se sienten perfectamente identificados. La liberación final de Nora, que rompe con todas sus ataduras, es como un alivio colectivo al espectador, que ha asistido con angustia a la creciente presión que vive esa mujer y que comparte con ella como un soplo de aire fresco.

La obra estará en la Atrium hasta el 8 de enero.

Ignasi y Laura.

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“Bijou”: Transición y libertad.

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Tras el sorprendente estreno de “Wakefield Poole: Visiones y revisiones“, nos encontramos con la segunda pieza de la artista Celeste González, “Bijou“, inspirada en su propia vida y en el segundo largometraje de Wakefield Poole, también en la sala Hiroshima de Barcelona, donde se encuentra Celeste en residencia.

La pieza se inicia de una manera contundente a ritmo tecno, recordando a los universos de Daft Punk y del zentai japonés. Celeste se va liberando poco a poco de los flotadores que lastran sus movimientos. Luego se muestran escenas de cisnes blancos y negros con la gran bailarina rusa Maya Plisétskaya (dirigió la Compañía Nacional de Danza), gran intérprete de la famosa pieza de ballet  “La muerte del cisne”, coreografiada por Michel Forkine sobre la composición “El cisne”, que forma parte de “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns.

A partir de esta pieza y la del ballet cómico “La fille mal gardée”, Celeste sigue revisitando el ballet desde su original punto de vista, mostrando al público su transición de Mauricio a Celeste como un camino de liberación. Es en esta etapa donde se vuelve a encontrar la confluencia de la danza con el porno, incitando al público a que dé una respuesta a aquello que ve.

“Bijou”, pieza en proceso de creación, se está representando en la sala Hiroshima hasta el domingo 13 de noviembre. Esperamos poder volverla a ver pronto, así como aplaudimos a creadores como Celeste González por la valentía de las propuestas que presentan.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la sala Hiroshima /Información sobre “Bijou”

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“La fiesta en paz”: Una crítica de la transición.

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En la Sala Àtic22 del Teatre Tantarantana hemos asistido a la representación de la divertida “La fiesta en paz“, de Aleix Duarri, una recreación tragicómica de la transición española, en la que los intérpretes (Eva Ortega, Oriol Escalé y Júlia Santacana) se van caracterizando sucesivamente en diferentes personajes arquetípicos de esa parte de la historia de España.

Con ambición conceptual, se habla de la familia, las ansias de libertad de los jóvenes que habían vivido un ambiente represivo, los espantajos del carlismo y los guerrilleros de Cristo Rey, las revueltas unversitarias con un decano empingorotado que pretende que nada cambie, los artistas en el exilio con sus aires impostados de importancia, las bandas callejeras de los ochenta… un elenco de situaciones y personajes con tan sólo tres actores y actrices en el escenario que conforman una obra amena y ágil.

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Al término de la función fuimos partícipes de un debate muy interesante en que se habló, bajo la moderación del propio director, de la imperfecta transición española, sus herencias y lastres en el momento actual, y la forma en que los jóvenes de hoy contemplan esa época, entre distantes y asombrados.

A la representación le quedan pocos días, hasta el 6 de noviembre, y la recomendamos especialmente a quien tenga interés por esa época.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre “La fiesta en paz”

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