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“Othello”: La ceguera más amarga.

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De la mano de la compañía Les Antonietes Teatre, dirigida y adaptada por Oriol Tarrason, nos llega este clásico entre los clásicos de William Shakespeare , este “Othello” exquisito, lleno de ternura y amor por los personajes de Othello y Desdèmona. Como bien nos contó en una de las lecturas teatralizadas que la compañía dio en la biblioteca Francesca Bonnemaison, el autor de la adaptación se encontró con la necesidad de sintetizar en un triángulo de personajes una obra que originalmente tiene bastantes más; así, trabajó con varias traducciones y el original para captar la esencia de la obra, y ponerla en boca de los tres protagonistas, Iago, (Arnau Puig), Desdèmona (Annabel Castán) y Othello (Òscar Intente).

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El resultado nos ha encantado. La obra comienza con toda una declaración de intenciones de Iago: “Odïo El Moro” . El sugerente tono algo burlón, chulesco y socarrón de Puig le cuadra como anillo al dedo al personaje. Asistimos a sus insidiosos comentarios de falso amigo, a esa untuosidad que por la genialidad del Bardo, al espectador le parece tan evidente y sin embargo el pobre Othello no sabe distinguir de verdadera preocupación amistosa. Òscar Intente por su parte, imprime a su personaje un marcado acento de nobleza de espíritu. Sus celos, espoleados por el traidor Iago, nacen casi a despecho, como sin querer. Y sin embargo, las pruebas falsas que Iago le pone bajo los ojos hacen poco a poco mella en su ánimo, que se torna lentamente de alegre y amable en torvo y amargado. Annabel Castán encarna a una Desdèmona frágil, tierna, enamorada que se desvive por su hombre y que asiste sin entender nada al cambio de su marido, a sus cada vez más hoscos ademanes.

 

 

En definitiva, es un Othello intimista, intenso en su concreción y enérgico en sus formas, un Othello en el que los celos son más un hilo conductor que una pasión; El Moro, más que a un hombre celoso, encarna a un hombre engañado por su amigo y consejero, a un hombre que prefiere dejarse guiar que tomar sus propias decisiones y que al final recibirá un merecido aunque implacable castigo por su credulidad.

Imprescindible para todo amante de los clásicos. La obra estará en La Seca Espai Brossa hasta el 24 de junio.

PROS DE LA OBRA: Que capta con pocos recursos la esencia de la obra. Excelentes versión y equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA:  Puede desilusionar a algún purista si espera mayor similitud con el original.

Actualización: “Othello” regresa a la cartelera de Barcelona. La podréis ver del 31 de octubre al 11 de noviembre en La Villarroel.

Ignasi y Laura.

Web de La Seca Espai Brossa – Información sobre “Othello”

Web de La Villarroel – Información sobre “Othello”

Blog de Les Antonietes Teatre

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“Macbeth”: Crónica de una traición.

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Si hay un modo de representar a los clásicos que nos entusiasma particularmente es el modo sobrio y esencial,  aunque al mismo tiempo ágil y dinámico, que ha escogido la compañía Teatrebrik para representar en La Seca Espai Brossa este Macbeth adaptado y dirigido por Joan Gomez.  Cuando habla la genialidad del Bardo y los actores y actrices que lo representan tienen talento, pocos artificios son necesarios…

Shakespeare capta de modo magistral la esencia misma de la traición en su McBeth. Esa traición que todo lo corrompe, incluído la amistad, el matrimonio y  al final la propia alma de su autor.

Asistimos a una obra que empieza como una fiesta, con las noticias de las victorias cosechadas por el general en el campo de batalla, una fiesta teñida eso sí, de algunos negros augurios, como las angelicales Neus Fernández, Mireia Pairó y Paula Vilagran no parecen en un principio transmitirnos, con sus suaves voces entonando una deliciosa canción…  pero pronto adivinamos que no son ángeles, son brujas enviadas por el diablo para insuflar el odio en el corazón del general… Y esas brujas le susurran maldades, no quieren que se conforme con ser el favorito del rey, con todas las grandezas que sus triunfos le deparan…¡tienes que querer más! le dicen al oído.

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La interpretación de los actores y actrices, sobria y realista, confiere a la representación el punto justo de solemnidad y pasión que el clásico requiere:

Un gran Rafel Ferrer capta a la perfección la esencia del personaje, ese debatirse entre el compromiso conyugal, la lealtad a su rey, y la ambición, el querer ser más, y finalmente consumirse por la culpa que su monstruosidad le produce.

Tere Solà, por su parte muy convincente en el papel de rey de Escocia, encantado con los éxitos de su general frente a los noruegos, al que quiere colmar de honores y que no puede siquiera concebir la traición de que será objeto, pureza e ingenuidad frente a la maldad y la doblez.

Ingrid Calpe está también brillante en su papel de Lady Macbeth, la instigadora del crimen, la ambiciosa sin escrúpulos que azuza a su marido a cometer el acto de repugnante traición que contemplamos y quien sin embargo acaba también por derrumbarse.

Genial Salvador Durán en el papel de Macduff, el amigo que asiste al ascenso del tirano , al que primero tiene como gran amigo, aunque vemos como se va apoderando de él la sombra de la duda…

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El montaje, intimista, con una muy acertada iluminación cálida de August Viladomat y espacio sonoro de Panxii Badii (delicioso tema cantado por las brujas)  , con la acción que se desenvuelve en su práctica totalidad en un pequeño círculo central en el escenario y una pequeña tarima en el fondo, permiten que el expectador se centre exclusivamente en lo importante, en la tragedia eterna que se desarrolla ante él , ante lo que lo demás queda en anécdota.

PROS DE LA OBRA: Muy adecuada para quien desee disfrutar de un clásico sin distracciones añadidas, centrado en las emociones y conflictos internos de los protagonistas.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de los montajes grandiosos y/o aparatosos.

Estará en La Seca hasta mañana 11 de febrero.

Os dejamos enlace a trailer de la obra:

Ignasi y Laura.

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“Nit de reis (o el que vulguis)” en el Lliure: Juerga y amoríos en el escenario.

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Twelfth night, or What you will” , en referencia a la noche de epifanía que marca el fin de la Navidad -y  que en época de la  reina Elisabeth había dejado de ser una fiesta de recogimiento como en el mundo católico para convertirse en una noche de juerga y diversión, como en las saturnales romanas, donde los hombres se vestían de mujeres, los criados de señores y viceversa-, es una de nuestras obras preferidas de Shakespeare.

Los amores de Viola disfrazada de Cesario, el Duque de Orsino (Eduardo Lloveras, un gran descubrimiento para nosotros) y Olivia (Raquel Ferri, que recuerda a Mia Farrow en “El gran Gatsby”) son siempre una delicia y más de la mano de esta joven Kompanyia Lliure recién creada y que ya demuestra el extraordinario talento interpretativo de sus integrantes.

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La maestría del argumento de Shakespeare, enlazando una trama amorosa con una subtrama cómica -la desternillante jugarreta que los irreverentes Sir Andrew (Enric Auquer), el bufón Feste (Quim Àvila) y la sirvienta Maria (Júlia Truyol) le gastan al mayordomo de la condesa Olívia (Raquel Ferri), Malvoglio (Joan Amargós)- , es asumida con pericia por la compañía.  Deliciosa Julia Truyol en su papel de sirvienta socarrona y avispada, igual que la pareja de amigotes formada por el tío de Olivia, Tobies (Joan Solé) y Sir. Andrew, acompañados de su acólito el bufón Feste, instalados en la por lo demás respetable casa de la condesa, en la que el pobre Malvoglio (divertidísimo Joan Amargós) trata de poner orden, con escaso éxito. Entre chanzas, malicias, astucias e interludios musicales se acerca el desenlace, el típicamente shakespiriano final en el que el misterio de Viola (encantadora Claudia Benito) y Sebastián (Lluís Marqués) ve la luz entre el asombro generalizado y las aguas vuelven a su cauce.

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La dirección y versión Pau Carrió respeta el aire irreverente y  libertino de la comedia, el vestuario de Silvia Delagneau (confeccionado por Goretti Puente), a lo Chicago años 20 y la iluminación de local nocturno de Raimon Rius imprimen una original estética al clásico, igual que la música de Arnau Vallvé, con los actores tocando guitarra, el saxo y cantando (gran talento de Quim Àvila) en los interludios musicales de la obra.

Juerga, sensualidad, música, disfraz,  juego, equívocos, engaños, todo puede pasar en una noche trepidante que sin duda os hará pasar un buen rato de evasión y disfrute.

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PROS DE LA OBRA: Una presentación del clásico muy ágil y amena, en una gran interpretación coral de sus actores y actrices, con especial mención de Raquel Ferri, Claudia Benito, Joan Amargós, Quim Àvila, Eduardo Lloveras y Julia Truyol.

CONTRAS DE LA OBRA: No hemos apreciado muchos, tal vez la estética años 20 puede decepcionar a algún purista.

Trailer de la obra

Nit de Reis (o el que vulguis)” estará en el Teatre Lliure de Gràcia hasta el 8 de octubre y sin duda es una de las citas teatrales obligadas de este otoño.

Ignasi y Laura.

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“Molt soroll per res”: Eternamente enamorados de Shakesperare.

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En el Àtic22 del Teatre Tantarantana se puede ver estos días una adaptación de “Molt soroll per res”, inmarchitable comedia de William Shakespeare, adaptada en esta ocasión a una puesta en escena casi minimalista como corresponde al espacio donde se representa.

Con tan solo 4 personajes en el escenario, interpretados de forma entregada por Anna Bertran, Eloi Gomez, Oscar Romera y Marantònia Salas (Cia Amyralira), el espectáculo va al hueso de la obra; esto es, las vicisitudes amorosas de 2 parejas, incomunicaciones, equívocos, malentendidos, rupturas y reconciliaciones, mostradas de forma ligera y alegre (la mayor parte del tiempo), con el ingenio textual propio del gran bardo inglés.

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Siendo un trabajo de pequeño formato, cabe destacar la manera tan inteligente y francamente divertida o incluso poética en que se utilizan los pocos medios escénicos que vemos: una simple bolsa de plástico, unas velas artificiales, unas sombras proyectadas por detrás de un gran paraguas blanco… Debemos achacar buena parte del mérito de ello a la ajustada dirección de Gemma Sangerman.

También queremos destacar la hermosa traducción al catalán de Salvador Oliva que pone en solfa todos los matices y juegos de significados del texto original, añadiendo más profundidad a los 4 personajes en escena, y otorgando si cabe un mayor protagonismo a las intérpretes femeninas. En este sentido, constatamos una vez más la imperturbable modernidad de la obra shakesperiana, siempre adaptable a los tiempos actuales en cualquier formato que uno pueda imaginar.

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Son trabajos como éste los que dan auténtico músculo cultural a una ciudad como Barcelona. Felicitamos a todos los participantes en este espectáculo que nos ha hecho pasar un gran rato y nos ha hecho recordar una vez más por qué estaremos eternamente enamorados de Shakespeare.

“Molt soroll per res” se puede ver hasta el próximo 2 de abril, aunque esperamos que se prorrogue o se vuelva a representar en el futuro. Os recomendamos encarecidamente que no os la perdáis.

Ricard.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Molt soroll per res”

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“Sueño de una noche de verano”: Deliciosa y fresca versión del clásico.

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Hace unos días pudimos ver esta deliciosa y fresca versión del clásico de William Shakespeare en el Almeria Teatre de Barcelona.

Sueño de una noche de verano“, es una creación colectiva del director Iván Morales con los alumnos de Joves III del Estudi Laura Jou.

La famosa y reputada directora argentina Deisy Portaluppi recibe el encargo de hacer una versión del clásico de una manera diferente a la que ella está habituada, pues será una superproducción en la que intervendrán jóvenes artistas de diferentes orígenes como youtubers con millones de seguidores, una cantante de hip hop, una estrella italiana, una bailarina de flamenco, etc. Este espectáculo deberá ser comprometidamente contemporáneo, un evento cultural històrico, un hito teatral en definitiva. Las expectativas están todas puestas en Deisy y este variopinto elenco actoral. ¿Qué sucederá?

 

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El resultado es una obra muy divertida y trepidante en la que estos jóvenes y entusiastas actores (Alba EncaboAlbert SalazarÁngela CervantesBerta GarcíaCarla LinaresDavid LópezGemma SastreIraida MartosIvette CallisJudit CortinaSara DiegoRoser Vilajosana) están excelentes en su conjunto. Se van sucediendo diversos números de baile, canciones y un sinfín de situaciones en torno al ensayo y el estreno que hacen que el resultado sea muy innovador, original y lleno de vibrante juventud. Teatro total.

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Desde nuestro blog deseamos a todo el equipo artístico de “Sueño de una noche de verano” un gran éxito. Estarán en el Almeria Teatre sólo hasta el 18 de septiembre, pero esperamos que vuelvan pronto.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Almeria Teatre/Información sobre “Sueño de una noche de verano”

 

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“Shaking Shakespeare”: La esencia musical del genio.

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Hemos iniciado la nueva temporada teatral en El Maldà de Barcelona, una sala a la que tenemos mucho cariño, pues su programación nunca nos decepciona y está gestionada por un gran equipo (ver nuestra entrada sobre “Sing Song Swing“), formado por la compañía Els Pirates Teatre.

Shaking Shakespeare” se ha estrenado por tercera vez en esta sala con gran éxito. En esta ocasión estará en cartel sólo hasta el 2 de septiembre (Actualización: “Shaking Shakespeare” se representará el 26 de noviembre en el Auditori Municipal Miquel Pont de Castellar del Vallés, Barcelona). No habíamos tenido la oportunidad de verla en ocasiones anteriores y nos ha sorprendido gratamente. En este espectáculo musical dirigido por Moisès Maicas (con Albert Massanas como ayudante de dirección), que parte de la idea original de Josep Fadó, Sheila Garcia (que es también la directora musical) y del propio Moisès Maicas, con dramaturgia de Anna Soler Horta, escenografía de Enric Romaní, coreografía de Maria Garriga, vestuario de Moon Vives, audiovisuales y fotografía de Núria Deulofeu e iluminación de Daniel Gener, se realiza un recorrido musical por la obra de William Shakespeare, a través de bellas canciones que aparecen en sus obras (“The Willow Song”), la ópera de Verdi (“Macbeth”, “Othello”), el musical (“West side story”, “El rey León”) y un sinfín de composiciones deliciosamente interpretadas por el elenco formado por Josep Fadó (tenor), Maria Cirici (interpretando al ilustre bardo y sustituyendo a Bernat Cot), Paul Perera (al piano), el grupo The Hanfris Quartet (Juan Bertrand, Jordi Forcadell, Gener Salicrú, Adrià Sivilla), Núria Cuyàs, Laura Pau y Lluna Pindado (de Els Pirates Teatre).

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Nos han sorprendido especialmente la arriesgada elección de la escena de las brujas de Macbeth en la ópera de Verdi, la sensual versión de “Too Darn Hot” de Cole Porter, una delicadísima “The Willow Song” y una divertida vuelta de tuerca a “Maria” de “West Side Story” de Leonard Bernstein, entre otras piezas de gran calidad.

En definitiva, un espectáculo absolutamente recomendable.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de El Maldà/Información sobre “Shacking Shakepeare”

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“Falstaff”: Solemne y mundano.

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Falstaff en uno de los personajes arquetípicos de Shakespeare: borrachín y pendenciero, que aparece en las dos partes de la obra “Enrique IV“, en “Enrique V” y en “Las alegres casadas de Windsor“.

El recientemente aupado al poder rey Henry (excelente Mingo Ràfols), asiste en su reino a la rebelión de un grupo de nobles. El jefe de los rebeldes, Henry Pery “Hotspur” (gran interpretación de Emilià Carilla, que también interpreta al fiel Baldorph), se ha levantado en armas para derrocarlo.

Mientras tanto, el hijo del rey, El príncipe Hal (Jordi Sanosa, que nos ha sorprendido gratamente), lejos de apoyar a su padre en la guerra pasa el tiempo por las tabernas con un grupo de amigotes, aprovechándose de la buena fe de la tabernera (gran Mercé Managuerra), sin pagar el precio de la habitación, e ideando mil maldades y astucias para apropiarse de lo ajeno.  Y el capitoste de la cuadrilla con los que se codea el príncipe Hal es Sir John Falstaff (Francesc Orella), magnífico en su papel de  personaje patibulario y caradura, el clásico vividor del género picaresco.

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En este Falstaff dirigido, traducido y adaptado por Konrad Zschiedrich (de quien ya hablamos en relación a su magnífica “Rieter, Dene, Voss” ), nos encontramos con que el escenario principal, iluminado con claridad, da paso a otro escenario secundario, con iluminación tenue. Las escenas que se desarrollan en esos dos escenarios paralelos difieren mucho: mientras en la primera, inspirada más directamente en la segunda parte del Henry IV, la escena recrea un patio de Monipodio,  pícaro  y desenfadado, con Falstaff como cabecilla de una troupe ocupada en robar y engatusar a la tabernera, en la segunda, en la penumbra, nos introducimos en el hiératico palacio donde, sin descanso, el rey aguarda la llegada de los rebeldes para presentar batalla.

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El nexo es el príncipe Hal, que aunque hace buenas migas con Poins (encantador Jordi Robles), no olvida sus obligaciones reales.  Las deliciososas intentonas del Lord Justice (Xavier Capdet), de interceder por su amigo, no hacen sino echar leña al fuego. En la lucha final, en la que también participa Falstaff, vemos como esos dos mundos, en apariencia tan desconectados, se unen en dramática síntesis. Se trata de un montaje clasicista, riguroso, que huye de resúmenes para recrearse en el universo shakesperiano, con la figura de Sir John Falstaff como eje y epítome de la tradicional balanza del bardo, aquella en la que lo trivial, lo mundano, se cruza con lo heroico y grandioso. Completa el reparto una divertida y seductora Teresa Vallicrosa (también formó parte del reparto de “Ritter, Dene, Voss” junto a Emilià Carilla y Mercè Managuerra) y Rafel Ramis.

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El resto del equipo artístico hace un trabajo impecable: Marc Chornet como ayudante de dirección y en el diseño de sonido, Marta Olivella en la regiduría, Ricard Prat i Coll en el diseño de espacio y vestuario, Alberto Rodríguez en el diseño de iluminación, David Ruano en la fotografía, Gabriella Dilorenzo como productora ejecutiva, Rita Molina como asistenta de dirección, Pau Tebar como ayudante de escenografía, Guille Góngora en los elementos escenográficos y Judith Torres como ayudante de vestuario.

La obra estará hasta el 20 de marzo en el Teatre Akadèmia.

Ignasi y Laura.

Pata más información clica abajo:

Web del Teatre Akadèmia/Información sobre “Falstaff”

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“El rei Lear”: La peor de las batallas.

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En esta ocasión hemos asistido en el Teatre Lliure de Montjuïc a una de las obras teatrales más representadas de la historia, un espectáculo que nos encara con grandiosidad con la lucha entre bien y mal, entre por un lado el cálculo interesado, ambicioso y egoísta y por el otro, la nobleza, la honestidad y la lealtad: “El rei Lear“.

Como línea divisoria entre el bien y el mal, el mítico rey Lear, encarnado esta vez por una enorme Núria Espert (el haber elegido una actriz para el papel, además de una referencia inversa a la propia tradición shakesperiana, confiere acertadamente al personaje un aire de irrealidad que subraya su locura, a lo que también contribuye el grotesco personaje del bufón, interpretado por Teresa Lozano, que siempre le acompaña). El sueño de la razón produce monstruos, y así sucede cuando el viejo señor decide repartir sus dominios entre sus hijas, concediendo ventaja a quien le confiese más amor, con la esperanza de que su favorita, Cordelia (Andrea Ros) ganará la partida; cuando ésta prefiere la sinceridad a la adulación por la que optan sus hermanas, Goneril (Miriam Iscla) y Regan (Laura Conejero), con el consiguiente destierro de Cordelia, se abren las puertas del descenso a los infiernos en que gradualmente se transforma la obra.

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La maldad se encarna magistralmente en el personaje de Edmund (David Selvas) hijo ilegítimo del entrañable y noble duque de Glouster (Jordi Bosch), en las adúlteras y crueles Goneril y Regan, en el  marido de Regan, el duque de Cornwall (Òscar Rabadán) que tortura salvajemente al duque de Glouster, acusándolo falsamente de alta traición… El bien, por su parte, está encarnado por el hijo legítimo de Glouster, Edgar (soberbio Julio Manrique), encantador cuando se transforma en Tom, el vagabundo, para despistar a los hombres de su hermano; también por el fiel conde de Kent (Ramon Madaula), que para seguir a su viejo señor se disfraza a su vez de buscavidas…, por el duque de Albany (Jordi Collet), que comprende las maniobras de los demás y trata de impedirlas.

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La lucha es desigual y terrible: ya vemos a Regan y Goneril tratar con desprecio al monarca, ya Edmund maquina inmisericorde e hipócritamente para acabar con su hermano, ya asistimos con espanto al martirio de Glouster; pero la crueldad del mal es combatida por el amor, por el cariño con que Edgar trata a Glouster o a Kent y el bufón al rey Lear, o por la forma como Cordelia intenta evitar el desastre. Sobrecogidos asistimos acaso a la escena cumbre de la obra, cuando Edgar finge ayudar a su padre a suicidarse y en realidad lo salva, en una sobrecogedora manifestación de amor paterno filial.

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Lo acertado de la puesta en escena del director Lluís Pasqual es que no cae en absoluto en la declamación: a pesar de la densidad y complejidad del texto los actores transmiten sus sentimientos con sinceridad, manteniendo al espectador con el corazón encogido,  más pendiente de la historia que de la elegancia e ingenio con la que es contada, lo que seguramente es uno de los mayores elogios en lo que a representaciones de textos clásicos se refiere.

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El montaje nos ha encantado por su cuidada escenografía del propio Lluís Pasqual y de Alejandro Andujar (responsable también del vestuario). Los elementos minimalistas que subrayan la atemporalidad de la obra,  huyendo de espacios anecdóticos, como el acertado efecto del humo que asciende lentamente y queda suspendido, tenuemente iluminado, en diversas partes de la obra, el escenario alargado cual si se tratara de la nave central de una iglesia, contribuyen a dotar de contenido dramático a una obra que trata uno de los temas universales que tan bien narraba Shakespeare: la eterna guerra entre depredadores y gacelas, entre quienes no reparan en medios para conseguir sus objetivos, y quienes encaran la vida con sencillez y nobleza. Destacamos también a Eva Fernández en la caracterización y a Roc Mateu en el sonido.

Esta imprescindible obra estará en cartel hasta el 31 de enero.

Actualización: Lluís Pasqual ha recibido el Premio Max (XIX edición) a la Mejor adaptación o versión de obra teatral por “El rei Lear”.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Lliure/Información sobre “El Rey Lear”

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4 mirades / shakespeare&marlowe (IV): “Eduard II”, inmoral Marlowe.

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Y cerramos nuestro ciclo dedicado a la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe  con la obra “Eduard II” que se representa estos días en el Teatre Tantarantana -y hasta el 11 de enero- , de uno de los autores que más influyeron en Shakespeare, su contemporáneo, el mítico Christopher Marlowe. De él pocos datos contrastados se saben y por ello han circulado muchos mitos entorno suyo: desde que era un espía al servicio de la reina Elisabeth hasta que fue el verdadero autor de las obras de Shakespeare. Su asesinato antes de cumplir los treinta años contribuye sin duda a formar ese aura de escritor maldito, como lo hace su probable condición de homosexual y las acusaciones de herejía contra él.

Eduard II es uno de los primeros dramas históricos del teatro isabelino (Elizabethan theatre), que nos narra el enfrentamiento de ese rey inglés, que reinó a principios del siglo XIV, con la nobleza, por causa del favorito del monarca Piers Gaveston. Tengamos en cuenta que en el siglo XIV el poder del monarca era mucho más limitado que en épocas posteriores, y no pasaba de ser un primus inter pares que debía estar pactando constantemente con la nobleza para mantener su poder (lo que queda perfectamente subrayado en la obra), por lo que es totalmente verosímil que un grupo de nobles impusiera o depusiera a uno u otro valido.

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La compañía Parking Shakespeare, bajo la dirección de Roberto Romei, nos presenta una nueva versión del clásico, con traducción de Marc Rosich, que destaca por su dinamismo y concentración narrativa, sin añadidos superfluos que le resten intensidad a la representación. Cuenta también este equipo artístico con Anna M. Ricart como ayudante de dirección.

Sin apenas escenografía, focalizando así la carga dramática en el buen trabajo de los intérpretes, la gran virtud de la versión que nos presenta el Tantarantana es sin duda el aire descarnadamente inmoral imprimido por los actores a los personajes, que lo mismo pueden ser nobles enfrentados, que miembros de una banda de barrio en lucha por el territorio o, en fin, niños peleándose en el patio de un colegio (muy acertada la elección de canciones infantiles en contraste, o como refuerzo, de la crueldad de las escenas).

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El rey Eduard II, interpretado por José Pedro García Balada, cual cabecilla de una banda cuyo segundo de a bordo sería Piers Gaveston encarnado por un magistral Adrià Diaz, con unos aires de macarrilla de playa que provoca al resto de miembros de la banda: el camorrista Lancaster (Santi Monreal), el avieso amante de la reina Mortimer (Carles Gilabert) y el untuoso Arquebisbe (Ricard Sadurní)… Gran actuación en su papel de Kent,  hermano del rey, y portavoz del mismo, de Òscar Bosch. Por su parte, la despiadada y adúltera reina Isabel (Ester Cort), se nos presenta como la esposa del jefe que a la postre también conspira contra él. En definitiva, una obra que nos presenta de modo descarnado una lucha por el poder en el que la lealtad, el amor o la amistad son ultrajados y enfangados por las ambiciones de los protagonistas, quienes no reparan en medios para humillar al contrincante.

Esa original propuesta escénica se ve reforzada con el verso blanco (sin rima) típico de Marlowe, en el que con elegancia se desgranan los temas arquetípicos del teatro isabelino: la mitología griega, la crueldad para alzarse el poder y la inmoralidad de éste, la homosexualidad, el adulterio, la traición…

Obra muy recomendable que os animamos a ir a ver en esta última semana de representación…

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre Eduard II

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4 mirades/ shakespeare&marlowe (III): “Com us plagui”, deslumbrante complejidad escénica.

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En esta tercera entrega de las entradas que estamos dedicando a la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe que nos brindan varios teatros de Barcelona, os hablamos de la deliciosa “Com us plagui” (“As you like it”), que se representa estos días y hasta el 18 de enero en el Teatre Akadèmia de Barcelona.

Si algo caracteriza a esta sala es sin duda su exquisito gusto en la selección de los textos y el rigor artístico en las representaciones. Buena muestra es este excelente “As you like it”, con dirección del prestigioso Dugald Bruce-Lockhart (miembro de la compañía shakespiriana Propeller, que también dirigió un excelente “Romeu i Julieta” en el Teatre Akadèmia la temporada pasada) y con traducción, encargada especialmente para la ocasión,  de Miquel Desclot, que ha querido variar el título tradicional de Josep Mª de Sagarra (“Al vostre gust”) por el que juzga más fidedigno “Com us plagui”.

Obra cuestionada como un trabajo “comercial” de Shakespeare por algunos críticos, quienes ven en el título un supuesto distanciamiento del autor con su obra, es sin embargo aclamada por otros como un magnífico despliegue, en clave de comedia, de algunos de los elementos clásicos del autor, como la temática pastoril, los géneros impostados de los protagonistas, las luchas fraticidas de la nobleza, el destino, la vida como representación… Sin duda, mas allá de críticas más o menos acertadas, el Akadèmia nos brinda la oportunidad de volver a los orígenes, de extasiarnos ante un lenguaje escénico que no por clásico es menos expresivo o reflexivo y sin duda de un lirismo poético mucho más exuberante que muchas representaciones actuales.

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De la mano del director teatral y actor británico Dugald Bruce-Lockhart, con una sólida trayectoria profesional en el Reino Unido y en especial en la representación de obras de Shakespeare, asistimos a una obra coral que va mucho más allá de actuaciones individuales (aunque muy destacadas) para emerger como un excelente trabajo colectivo en que cada uno de los actores y actrices en el escenario subrayan con pericia el buen hacer de los demás. Con la dificultad añadida, extraordinariamente bien resuelta, de la complejidad de la trama, los actores “disfrazados” y la duplicidad de personajes que interpretan algunos actores.

En una especie de Arcadia pastoril (magnífico trabajo de escenografía de Ricard Prat i Coll), que obedece al nombre de bosque de Arden (quién sabe si un acrónimo de Arcadia y Edén), nos encontramos con el Vell Duc (Mingo Ràfols) que vive en el bosque exiliado tras haber sido ilegítimamente depuesto por su hermano menor el Duc Frederic (también interpretado por Ràfols).

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Rosalinda (Nuria Deulofeu), la hija del Vell Duc, aunque primero tolerada en la corte del usurpador, es luego forzada al exilio, acompañada por su prima, Celia (Silvia Forns) y el bufón Pedradetoc (Joan Diez), aunque, a la manera shakesperiana, emprenden ese exilio disfrazadas: Rosalinda de joven (Ganímedes, en referencia al copero de Zeus), y Celia de mujer humilde (Aliena); en el bosque se encontrarán con un colono empobrecido, Corí (un magnífico y entrañable Emilià Carilla).

Por su parte, esta vez forzado por los maltratos de su hermano, otro joven exiliado de la corte, que ya estaba enamorado de Rosalinda, Roland (Oriol Casals) acompañado de su fiel Adam (también interpretado por Emilià Carilla) llegan igualmente a Arden donde se encuentran con el Duque y sus acompañantes y viven con ellos; Roland se ocupa en escribir poemas de amor dedicados a Rosalinda que cuelga en los árboles. Cuando se encuentran Ganímedes (es decir Rosalinda), con Roland, se produce el típico juego de equívocos shakesperiano en que una mujer haciendo de hombre pretende convencer a Roland de que “interpreten” el amor que siente por ella. Si tenemos en cuenta que en la época de Shakespeare los papeles de mujer eran interpretados por jóvenes actores, podemos ver hasta qué punto el juego de géneros en escena es ingenioso.

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A partir de esta historia de amor subyacente, se nos presentan el resto de tramas superpuestas, el amor de los pastores Silvi (Guillem Fernandez-Valls) i Febe (Irene Jodar), ésta última a su vez enamorada de Ganimedes… El amor caricaturizado entre Pedradetoc y Constança (Carol Rovira), y finalmente la reconciliación entre los dos hermanos Oliver (Jordi Robles, que también interpreta al músico Amiens), -que a su vez se enamora de Celia-, y Roland…

Todo aderezado con los lúcidos discursos de uno de los acompañantes del Vell Duc, Jaques, (Jacob Torres) , con las conocidas palabras “Todo el mundo es representación”, la muy creíble lucha entre Roland y Carles (Guillem Fernandez-Valls, que también es el coordinador de ese combate escénico), la deliciosa música de Carol Rovira y la memorable escena final donde se arregla el embrollo gracias al ingenio de Rosalinda.

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Como es habitual en el autor, en la obra encontramos elementos que nos son familiares como la dicotomía entre la vida de la corte y la del campo, el amor correspondido y no correspondido, la mitología, la noción de injusticia, usurpación y finalmente el destino, que viene a poner remedio con su mano reparadora.

Una minuciosa y compleja representación resuelta magistralmente con pericia escénica, el extraordinario trabajo colectivo y el virtuosismo de los intérpretes, imprescindible para quien quiera disfrutar de una irrepetible ocasión de disfrutar del teatro clásico en Barcelona.

Ignasi y Laura.

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