Archivo mensual: enero 2015

“Cena con amigos”: Sociología de la pareja.

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Hace unos días asistimos en el Teatre Tantarantana de Barcelona a “Cena con Amigos”, producida e interpretada por la compañía andaluza Gloria López Producciones, protagonizada por la actriz que da nombre a la compañía y bajo la dirección del argentino Daniel Veronese.

Gloria López Producciones es una compañía que lleva ya diez años de trayectoria en Andalucía, donde ha cosechado diversos premios como el premio del público en la Feria de Palma del Río del año 2013. “Cena con amigos” ha recibido el premio a la mejor dirección para Daniel Veronese y el de mejor actriz principal para Gloria López y May Pascual en el Certamen nacional de Teatro Garnacha de Rioja.

La obra, escrita por el dramaturgo y profesor universitario estadounidense Donald Margulies, cosechó un Premio Pulitzer en el año 2000, nos narra la historia a lo largo de varios años de dos parejas, compuestas por Gaby (Orencio Ortega), Karen (May Pascual), Tomás (José Olmo) y Bea (Gloria López), que se conocen desde la juventud y  comparten comidas y viajes.

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Gloria López Producciones construye un relato realista, en el que tenemos la impresión de no asistir a la representación de una cena con amigos, si no de asistir a una cena (o varias) con amigos. La naturalidad de los diálogos, lo fluído de las escenas, la credibilidad de la historia y de los actores y actrices, subrayan una narración que seguramente interpelerá a la historia personal de muchos asistentes.

En un suspiro, se pasa revista al nacimiento, evolución y muerte de una relación de pareja, con el voluntarismo y la ceguera inicial (“Nunca he estado en Italia, yo tampoco, tenemos mucho en común”), la transición de pareja a padres (“martes tú llevas a los niños a tal sitio, jueves los llevo yo”), hasta el hastío y ruptura final, con terceros de por medio con los que se “recupera la pasión”.

Todo ello narrado con el tono periódistico y distanciamiento irónico habitual en autores norteamericanos: mientras una pareja es presentada como los “perfectos” repelentes que todos conocemos, con apariencia de pareja modélica y feliz, virtuosa en la cocina y en todas las áreas, la otra se nos presenta más presa de sus debilidades… Bea de su improductiva pasión artística y Tomás de la crisis de los cuarenta con ese deseo de enamorarse nuevamente y revivir la pasión juvenil.

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El texto tiene claras referencias sociológicas, en especial al trabajo de las sociólogas estadounidenses Stephanie Coonz y Arlie Russell, y a muchos otros autores que se han ocupado de los profundos cambios experimentados por las familias de la era postindustrial. El matrimonio ha dejado de ser vivido como una institución para ser considerado como una relación más o menos pasajera, como una experiencia efímera con fecha de caducidad (en referencia a la conocida obra “La corrosión del carácter” de Richard Sennett). La sociedad postindustrial exige un “desarrollo personal” del individuo, una contínua mejora de sus capacidades, y fomenta una conciencia egocéntrica y hedonista difícilmente compatible con la institución del matrimonio que en su sentido más clásico preconiza una posposición de lo individual a favor de lo colectivo.

En definitiva, una interesante obra que recomendamos ver a todo el mundo excepto tal vez, si nos permitís la broma, a quien esté inmerso en una crisis de pareja. Estará en el Teatre Tantarantana hasta el 1 de febrero.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre Cena con amigos

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“Speak Low”: Existencia vs. Existencialismo.

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Hemos acudido a la sala  y escuela de teatro Porta 4 , en pleno barrio de Gracia de Barcelona, (c/ Esglèsia, 4) a ver “Speak Low” (en referencia al tema jazzistico compuesto por Kurt Weil), escrita y dirigida por el dramaturgo brasileño Kleber Luiz Bosque, que también es uno de los coordinadores de la ADNI, (Mostra de la Nova Dramatúrgia Iberoamericana, para promover el intercambio entre proyectos teatrales de países iberoamericanos y Catalunya, que este otoño tuvo su segunda edición en el Teatre Tantarantana de Barcelona, con la lectura teatralizada de diversos fragmentos de dramaturgos de esos países).

La obra es un proyecto producido por la joven compañía Macb (Moviment l´Art Contra la Barbàrie), cuyo lema fundacional es la voluntad de ser: “la respuesta artística-política-creativa a la masacre del poder hegemónico de la barbarie sobre las artes, promoviendo la discivilización, el incivismo e individualidad exacerbada”.

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Raül Levi (Josep Antoni Lej), dramaturgo “underground” que pasa sus días debatiéndose entre la lucidez de su blog “Disparen al dramaturgo” y las nieblas de su alcoholismo, recibe en una lluviosa tarde otoñal la visita del joven Oriol (Albert Rivera Solé) , desconocido para el dramaturgo,  en busca de un texto que “le cambie la vida”.

A partir de ese encuentro, Kleber contrapone el nihilismo existencialista del alcoholizado y desencantado Raül,  a la búsqueda apasionada de un ideal estético por parte de Oriol. La puesta en escena es sencilla, apenas un escritorio mal iluminado entre el humo del tabaco y los vapores del alcohol, oscuridad deliberada que subraya el cansancio vital y amargura del protagonista.  Entre los personajes se entabla una especie de esgrima dialéctica en abierta competencia para ver quien envuelve con su discurso al otro. El del dramaturgo es existencialista, citando a BukowskiBuñuel…  Nos narra su juventud revolucionaria, el paso por las comunas hippies y su gradual desengaño, la pérdida de su pareja y la añoranza por una revolución absorbida por la economía de mercado. Con cierto grado de resentimiento, decide seguir al margen de la sociedad “mainstream” y producir sus obras para un público minoritario. A partir de ahí, su reflexión: si la vida es una calamidad, más vale destruirse. El joven Oriol, en cambio,  pretende aferrarse a un ideal estético, a una respuesta en los textos  a su inquietud juvenil, aunque, en lucha contra el fatalismo de Raül,  acabe vencido momentáneamente por éste… Un sorprendente giro final nos dará la respuesta a la cuestión que plantea la obra: la existencia supera  el existencialismo.

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Una obra que pone de relieve la creciente cooperación entre compañías de nuestro país y de diversos países iberoamericanos así como la importancia que las obras de pequelo formato tienen para la vida cultural de la ciudad. Sin duda seguiremos de cerca las nuevas propuestas de esta compañia y del dramaturgo Kleber Luiz Bosque que  van a enriquecer el panorama tetral de la ciudad.

Si queréis ver la obra, a ésta sólo le queda un último pase el próximo sábado 24 de enero.

 Ignasi y Laura.

La nueva denominación de la compañía Macb (Moviment l´Art Contra la Barbarie) es Teatre dels Argonautes.

Para más información clica abajo:

Web de Porta 4/Información sobre Speak Low

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“Leviatan”: Contra el Estado y contra sí mismo.

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Hoy os hablamos del film ruso “Leviathan” (“Левиафан), dirigido por Andrey Zvyagintsev, cineasta que ya fue reconocido con un León de Oro en el Festival de Venecia 2003 con su film “El regreso”, (“Возвращение”). Por su parte, su película Elena (Елена) ganó el premio especial del jurado en el Festival de Cannes 2011, en la sección Un certain regard.

La película ha obtenido entre otros los premios al mejor guión original en el Festival de Cannes 2014, el Globo de Oro a la mejor película extranjera del año 2015, y está nominada también como mejor película extranjera para los Oscar de este mismo año.

Es una película con múltiples referencias literarias y religiosas: así, el título (que por cierto en hebreo significa precisamente “ballena”) está tomado de un monstruo marino al que se refiere el “Libro de Job” del Antiguo Testamento, como el propio personaje de Kolia se inspira en Job, a quien Dios sometió a diversos infortunios para probar su fe. Pero también “Leviathan” es el titulo de la célebre obra de Hobbes, el filósofo inglés de finales del siglo XVI, que significó con ese nombre el poder del Estado.

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Más referencias bíblicas: el “Libro de Reyes” del Antiguo Testamento refiere la historia de la viña de Nabot, usurpada por el rey Acab con ayuda de la artera Jezabel que levanta testigos falsos contra Nabot (igual que en la película).

Finalmente, los guionistas también encontraron inspiración en la obra del escritor alemán del siglo XVIII Heinrich von Kleist, “Michael Kohlhaas” que narra el enfrentamiento de un caballero con un noble tras serle arrebatados injustamente dos caballos; desengañado de la justicia, decide tomársela por su mano; como también quiso hacer, al parecer, el norteamericano Marvin John Heemeyer , propietario de un taller mecánico que protagonizó hace algunos años un sonado enfrentamiento con el Ayuntamiento por unas obras que consideraba invadían su propiedad, que le llevó a destruir con un bulldozer la casa consistorial, tras lo cual se suicidó. (Andrey Zvyagintsev conoció estos sucesos durante una estancia en Estados Unidos y lo utilizó para su película.)

A partir de todas esas referencias, el director construye un convincente relato ambientado en una remota península rusa del mar de Barents, es decir en el Ártico.

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La cinta está protagonizada por el actor, muy popular en Rusia, Aleksei Valeryevich Serebryakov (Kolia), y los actores Vladimir Vdovichenkov (Dimitri), Elena Lyadova (Lilya) y Roman Madianov (Alcalde Vadim). Nos narra la historia de  Kolia, su pareja Lilya y el hijo de Kolia, Roman, que no acepta a Lilya como pareja de Kolia tras la muerte de su padre.

Ocurre que los terrenos donde se ubica la vivienda y taller de Kolia son codiciados por el Alcalde Vadim para construir una iglesia.

Kolia alberga la ingenua esperanza de poder hacer algo contra el monstruo que se dirige a aplastarlo, pero se topa con unas autoridades corruptas que, aunque se esfuerzan por aparentar que actúan dentro de la legalidad, en realidad están sirviendo a los intereses del alcalde, que se toma como un asunto personal arrebatar la finca a Kolia.

leviathanb620350La película, que nos muestra los bellos e inhóspitos parajes de la costa norte de Rusia, está poseída de una atmósfera triste, pesada, claustrófobica, donde la violencia verbal, el alcoholismo, la brutalidad, están muy presentes, donde todos traicionan a todos y donde triunfa la hipocresía y el despotismo, encarnado por el alcalde y el obispo ortodoxo. El lenguaje narrativo es pausado e implacable: las desgracias que se van sucediendo en la vida de Kolia nos son narradas desapasionadamente, entre silencios, elipsis e insinuaciones, sin aspavientos. Es una película preciosista y delicada, donde los detalles son elocuentes y nada sucede por azar.

El gran rigor conceptual de la película trasciende la mera crítica política o social, para adentrarse en temas universales como las relaciones enrarecidas, el significado de la amistad,  o la desesperación ante la injusticia.

Sin duda alguna esperamos que la película obtenga el Oscar y os recomendamos que la vayáis a ver.

Ignasi y Laura.

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Josep Llimona en el MEAM: Noucentisme Simbolista.

Hace algunos días asistimos a la exposición que el MEAM (Museu Europeu d´Art Modern) está dedicando desde el pasado 3 de diciembre al escultor Josep Llimona, cuya obra, profusamente reproducida en panteones, parques, y viviendas particulares, forma parte del imaginario de muchos barceloneses.

De esta interesante muestra nos ha llamado la atención el modo magistral en cómo este artista aunó los principios del noucentisme,  -es decir,  la mesura, el pragmatismo y el sentido patriótico y religioso-, con el simbolismo romántico  precursor de las vanguardias, -dominante por ejemplo en su contemporáneo Aristides Maillol-. No en vano Josep Llimona fue uno de los fundadores del Cercle Artístic de Sant Lluc, grupo de artistas fuertemente influídos por sus creencias católicas, con Antoni Gaudí a la cabeza. Así, en la obra de Llimona, el pudor y la fe están muy presentes…  Sin embargo, algo tiene el escultor que trasciende la adscripción a uno u otro movimiento: en su obra podemos entrever con toda claridad unas pinceladas, un halo, una referencia a ese simbolismo que pretendía alejarse de la fiel representación de la realidad mediante la evocación de estados de animo, valores, o experiencias místicas o ascéticas.

La primera comunió, 1902, yeso policromado.

“La primera comunió”, 1902, yeso policromado.

Por ejemplo, en la obra “La Primera Comunió” en absoluto se nos presenta una imagen arquetípica y aséptica del sacramento, sino que sus protagonistas aparecen como sensuales bellezas arrebatadas de misticismo, en un estado de aparente extásis, con los labios entreabiertos en evocadoras poses. De algún modo cuesta imaginarse semejante despliegue de exuberancia espiritual y sensual en la casa de algún circunspecto fabricante como el que él mismo esculpió y pudimos disfrutar en la exposición.

Retrat d'un industrial de Terrassa, 1892, mármol

“Retrat d’un industrial de Terrassa”, 1892, mármol

En la escultura “Retrat d’un industrial de Terrassa“, por el contrario, de caracter más realista, en el que se representa a un señor de la floreciente burguesía téxtil terrassense, vemos reflejado el gusto historicista adquirido en la estancia romana del escultor; la gravedad y dignidad del gesto asemejan los de un magistrado romano y la escultura transmite la serenidad y seguridad de unos valores bien arraigados, de un pater familias que guía con mano firme los destinos de sus fábricas y su familia.

"Senador Romà", 1880, Bronce

“Senador Romà”, 1880, Bronce

La obra “Senador Romà” fue la primera realizada por el autor una vez obtenida una beca (llamada pensión en aquella época) del Ayuntamiento que le permitió marchar a Roma (a la que le faltaba poco para ser sustituída por París como meca artística de la época) para proseguir sus estudios de escultura. En ella ya podemos apreciar el virtuosismo de un joven Llimona (contaba solo 16 años cuando la ejecutó) . La gravedad del personaje queda perfectamente humanizada por su mirada noble y los pliegues de su cara.

"El Treball", 1908, bronce con base de piedra

“El Treball”, 1908, bronce con base de piedra

Y para cerrar el círculo conceptual, reproducimos una escultura realizada para su presentación en la Exposición de Bruselas de 1910, “El treball“, obra fuertemente influída por el trabajo del escultor belga Constantin Meunier, escultor que pretendía reflejar en sus obras el imaginario de la revolución industrial que se encontraba en su apogeo en Bélgica. En la escultura de Llimona vemos un intento de dignificación y una idealización del trabajo manual precursor de las vanguardias, en especial del arte sovietico, aunque atenuado por la visión católica de Llimona que más nos remite a la doctrina social de la Iglesia (pocos años antes se había publicado la encíclica de rerum novarum, del Papa León XIII, en la que se denunciaba la situación miserable de la clase obrera). El trabajador, herramienta en mano y mirada en el horizonte, enjuto en comparación con el patrono que antes hemos contemplado, parece reivindicar la importancia de su obra y reclamar una mejora en las abyectas condiciones laborales y sociales que debía padecer la clase obrera de la época.

La exposición estará en el MEAM hasta el próximo 1 de marzo, y os animamos a acudir a visitarla, como exposición ideal para todo aquel que se interese por la escultura figurativa de principios del siglo pasado, y el contexto social que la produjo.

Como ya os habíamos comentado en una de nuestras anteriores entradas, el MEAM, además de las exposiciones, ofrece otras actividades culturales, entre las que se encuentran conciertos y recitales diversos. Esta semana se ha iniciado el I Cicle de Gospel i Espirituals de Catalunya con la actuación del grupo Sedeta Gospel Sisters. El entorno arquitectónico del museo es ideal para este tipo de conciertos, pues favorece mucho la acústica y el público se puede sentir muy cercano a los artistas. También participan en él 8 corales catalanas. Os adjuntamos la programación de este ciclo que tendrá lugar cada jueves durante los meses de enero, febrero y marzo. Los promotores son Vicente Zumel y Roser Blues, expertos en el género, que también organizan el ciclo “Friday’s Blues” cada viernes en el MEAM.

Ignasi y Laura.

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4 mirades / shakespeare&marlowe (IV): “Eduard II”, inmoral Marlowe.

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Y cerramos nuestro ciclo dedicado a la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe  con la obra “Eduard II” que se representa estos días en el Teatre Tantarantana -y hasta el 11 de enero- , de uno de los autores que más influyeron en Shakespeare, su contemporáneo, el mítico Christopher Marlowe. De él pocos datos contrastados se saben y por ello han circulado muchos mitos entorno suyo: desde que era un espía al servicio de la reina Elisabeth hasta que fue el verdadero autor de las obras de Shakespeare. Su asesinato antes de cumplir los treinta años contribuye sin duda a formar ese aura de escritor maldito, como lo hace su probable condición de homosexual y las acusaciones de herejía contra él.

Eduard II es uno de los primeros dramas históricos del teatro isabelino (Elizabethan theatre), que nos narra el enfrentamiento de ese rey inglés, que reinó a principios del siglo XIV, con la nobleza, por causa del favorito del monarca Piers Gaveston. Tengamos en cuenta que en el siglo XIV el poder del monarca era mucho más limitado que en épocas posteriores, y no pasaba de ser un primus inter pares que debía estar pactando constantemente con la nobleza para mantener su poder (lo que queda perfectamente subrayado en la obra), por lo que es totalmente verosímil que un grupo de nobles impusiera o depusiera a uno u otro valido.

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La compañía Parking Shakespeare, bajo la dirección de Roberto Romei, nos presenta una nueva versión del clásico, con traducción de Marc Rosich, que destaca por su dinamismo y concentración narrativa, sin añadidos superfluos que le resten intensidad a la representación. Cuenta también este equipo artístico con Anna M. Ricart como ayudante de dirección.

Sin apenas escenografía, focalizando así la carga dramática en el buen trabajo de los intérpretes, la gran virtud de la versión que nos presenta el Tantarantana es sin duda el aire descarnadamente inmoral imprimido por los actores a los personajes, que lo mismo pueden ser nobles enfrentados, que miembros de una banda de barrio en lucha por el territorio o, en fin, niños peleándose en el patio de un colegio (muy acertada la elección de canciones infantiles en contraste, o como refuerzo, de la crueldad de las escenas).

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El rey Eduard II, interpretado por José Pedro García Balada, cual cabecilla de una banda cuyo segundo de a bordo sería Piers Gaveston encarnado por un magistral Adrià Diaz, con unos aires de macarrilla de playa que provoca al resto de miembros de la banda: el camorrista Lancaster (Santi Monreal), el avieso amante de la reina Mortimer (Carles Gilabert) y el untuoso Arquebisbe (Ricard Sadurní)… Gran actuación en su papel de Kent,  hermano del rey, y portavoz del mismo, de Òscar Bosch. Por su parte, la despiadada y adúltera reina Isabel (Ester Cort), se nos presenta como la esposa del jefe que a la postre también conspira contra él. En definitiva, una obra que nos presenta de modo descarnado una lucha por el poder en el que la lealtad, el amor o la amistad son ultrajados y enfangados por las ambiciones de los protagonistas, quienes no reparan en medios para humillar al contrincante.

Esa original propuesta escénica se ve reforzada con el verso blanco (sin rima) típico de Marlowe, en el que con elegancia se desgranan los temas arquetípicos del teatro isabelino: la mitología griega, la crueldad para alzarse el poder y la inmoralidad de éste, la homosexualidad, el adulterio, la traición…

Obra muy recomendable que os animamos a ir a ver en esta última semana de representación…

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre Eduard II

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