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“Othello”: La ceguera más amarga.

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De la mano de la compañía Les Antonietes Teatre, dirigida y adaptada por Oriol Tarrason, nos llega este clásico entre los clásicos de William Shakespeare , este “Othello” exquisito, lleno de ternura y amor por los personajes de Othello y Desdèmona. Como bien nos contó en una de las lecturas teatralizadas que la compañía dio en la biblioteca Francesca Bonnemaison, el autor de la adaptación se encontró con la necesidad de sintetizar en un triángulo de personajes una obra que originalmente tiene bastantes más; así, trabajó con varias traducciones y el original para captar la esencia de la obra, y ponerla en boca de los tres protagonistas, Iago, (Arnau Puig), Desdèmona (Annabel Castán) y Othello (Òscar Intente).

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El resultado nos ha encantado. La obra comienza con toda una declaración de intenciones de Iago: “Odïo El Moro” . El sugerente tono algo burlón, chulesco y socarrón de Puig le cuadra como anillo al dedo al personaje. Asistimos a sus insidiosos comentarios de falso amigo, a esa untuosidad que por la genialidad del Bardo, al espectador le parece tan evidente y sin embargo el pobre Othello no sabe distinguir de verdadera preocupación amistosa. Òscar Intente por su parte, imprime a su personaje un marcado acento de nobleza de espíritu. Sus celos, espoleados por el traidor Iago, nacen casi a despecho, como sin querer. Y sin embargo, las pruebas falsas que Iago le pone bajo los ojos hacen poco a poco mella en su ánimo, que se torna lentamente de alegre y amable en torvo y amargado. Annabel Castán encarna a una Desdèmona frágil, tierna, enamorada que se desvive por su hombre y que asiste sin entender nada al cambio de su marido, a sus cada vez más hoscos ademanes.

En definitiva, es un Othello intimista, intenso en su concreción y enérgico en sus formas, un Othello en el que los celos son más un hilo conductor que una pasión; El Moro, más que a un hombre celoso, encarna a un hombre engañado por su amigo y consejero, a un hombre que prefiere dejarse guiar que tomar sus propias decisiones y que al final recibirá un merecido aunque implacable castigo por su credulidad.

Imprescindible para todo amante de los clásicos. La obra estará en La Seca Espai Brossa hasta el 24 de junio.

PROS DE LA OBRA: Que capta con pocos recursos la esencia de la obra. Excelentes versión y equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA:  Puede desilusionar a algún purista si espera mayor similitud con el original.

Ignasi y Laura.

Web de La Seca Espai Brossa – Información sobre “Othello”

Blog de Les Antonietes Teatre

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“Masticar hielo”: El cinismo de la amargura.

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Nos ha encantado esta deliciosa adaptación de la compañía El Eje del clásico teatral de Edward Albee Who´s afraid of Virgina Woolf?” (cuya traducción usual al castellano como “¿Quién teme a Virgina Woolf? hace perder totalmente el sentido del original inglés, que aludía a la canción de Disney de los tres cerditos y por tanto evocaba la pérdida de las ilusiones infantiles -parece que el autor hizo el juego de palabras para no utilizar derechos de autor de Disney-).

La adaptación y dirección de Marc Ribera mantiene la idea del argumento original aunque cambia, con gran acierto, las profesiones de los protagonistas.

Marta (impresionante Mar Pawlosky) y Jorge (enorme Eric Balbás) son un matrimonio joven, ella la niña de papá hija de un afamado galerista (nos ha encantado la escenografía de Sergi Cerdan, representando un lujoso apartamento de Manhattan lleno de valiosos cuadros) y él un artista fracasado que colabora en la galería de su suegro y ha comenzado a dar clases en la universidad. Enseguida nos sorprende la inaudita virulencia con la que se dirigen el uno al otro; en especial Marta se dedica a herir verbalmente a Jorge, tratándole de perdedor, inútil, zángano y borracho, y éste, a su vez, lejos de revolverse, parece reverenciar a su arisca mujer.

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La llegada de otro matrimonio invitado,  Nuna (María Hernandez) y Nick (Jordi Samper) -ella está exponiendo en la galería del padre, él al parecer se ha tomado un año sabático para hacerle de representante-, lejos de apaciguar los ánimos, los solivianta. Marta la toma con Nuca, a la que ridiculiza sin piedad, mientras que George y Nick caen en el enfrentamiento…

Nos soprende sinceramente cómo son capaces los actores y actrices de recuperar la voz en cada representación, porque las escenas de violencia verbal -y conatos de violencia física- transcurren a voz en grito, con una extraordinaria fuerza narrativa e impacto visual.

Y poco a poco, comienza a filtrarse entre las escenas de incoherente y beoda violencia, una insidiosa inquietud… una velada alusión a un hijo ausente, que nos llevará al desenlace, tal vez algo más misericordioso con los protagonistas que el original de Albee.

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Una obra que nos habla de la amargura, de cómo muchas veces el enfado, la ira, la burla y el sexo, ocultan profundas decepciones y conflictos emocionales.

PROS DE LA OBRA:   La enérgica y sólida actuación de los protagonistas, especialmente de Mar Pawlosky, así como el lenguaje visual en ocasiones atrevido (la escena de la felación, el baile que se marca un genial Jordi Samper, con coreografía de Blanca Tolsà). El contundente ritmo de la obra, que mantiene en vilo al espectador todo el tiempo. Y la compañía El Eje, que imprime una pasión especial a su trabajo.

CONTRAS:  Tal vez el desenlace, que como hemos dicho, no deja el final tan abierto como el original y parece justificar a los protagonistas…

La obra estará en el Teatre Tantarantana hasta este domingo 3 de junio.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Masticar hielo”

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“Goldilocks”: El final de la inocencia.

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Hemos podido ver en la Sala Atrium de Barcelona una obra muy impactante: “Goldilocks“, escrita por Jaume Viñas (también ayudante de dirección), dirigida por Júlia Barceló e interpretada por Meritxell Termes y Alba Ribas.

La obra se representa hasta el 20 de mayo dentro del Ciclo de creación escénica DespertaLab, organizado por Sala Atrium y Nau Ivanow, ciclo que nació con el objetivo de dar apoyo a la creación teatral más activa y emergente y que se ha convertido en una auténtica plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas y compañías teatrales. Aplaudimos iniciativas como ésta. “Goldilocks” ha ganado el segundo premio otorgado por DespertaLab.

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“Goldilocks” es un título muy adecuado, pues tanto nos hace recordar a “Rizos de oro” (veremos que una de las protagonistas de esta obra es tan inocente como ese personaje de la literatura infantil y de los dibujos animados), como el cierre de oro de una jaula. Una jaula de oro en la que se encuentran dos jóvenes, que tanto pueden ser hermanas como haber entablado amistad en ese recinto cerrado en el que se encuentran.

Convivir durante tiempo indefinido y crecer sin ver el sol pueden ser letales. Para escapar de la cruda realidad, qué mejor que la imaginación, a través de cuentos de hadas y no tan de hadas, ciencia ficción, historias de pingüinos… estos relatos fueron apareciendo como escenas independientes, según su creador, Jaume Viñas, y luego se unieron para dar forma al texto tal como lo hemos encontrado ahora. Un texto que fue inspirado por una conferencia de Nuria Varela (escritora, experta en violencia de género, profesora y reportera autora de “Cansadas”) en la Sala Beckett de Barcelona, maravillosamente hilvanado, sin grietas, que nos lleva a estar pendientes de todo lo que sucede en ese espacio, acompañando a las dos “hermanas”. El buen hacer de la directora Júlia Barceló contribuye mucho a este excelente resultado.

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El resto del equipo artístico y el trabajo que se ha realizado, asombroso también: la escenógrafa Judit Colomer nos transporta a una casa (que recuerda a las películas “Hard Candy” de David Slade o “Split” de M. Knight Shyamalan) que podría encontrarse en las afueras de una gran ciudad, con unos sobretitulos que van marcando un compás extraño; el sobrio y a la vez bello vestuario de Núria Milà; los vídeos que van intercalándose en la historia y que provocan reacciones y emociones en el espectador, contribuyen mucho a la contundencia de la obra. En cuanto a la promoción y visualización de la obra, destacamos el gran trabajo de Martina Matencio en la fotografía.

PROS DE LA OBRA: Impacta y mantiene en vilo al espectador, gran contenido argumental bien tejido, muy visual, casi cinematográfica. Las actrices, brillantes.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que ninguno. Tal vez lo único es que no todo el público esté preparado para ver o entender la obra, pero nada más.

En definitiva, un espectáculo imprescindible que muestra el estado de buena forma que tienen los jóvenes creadores catalanes.
Laura Clemente.
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“Mary Frankenstein Shelley”: La escritora y su criatura.

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Hemos tenido el placer de volver a ver “Mary Frankenstein Shelley” en Sala Fènix. Esta vez este espectáculo se representará hasta el domingo 1 de abril en ocasión del 5º aniversario de la la emblemática sala del Raval de Barcelona.

Resultado de un exhaustivo trabajo de investigación, esta obra escrita y dirigida por  Felipe Cabezas (con asesoramiento literario de Xavi Quero) nos acerca al particular universo de Mary Shelley (nacida Mary Wollstonecraft Godwin, hija de la escritora, filósofa y activista feminista Mary Wollstonecraft y del filósofo político William Godwin), autora de la famosa novela “Frankenstein“, su marido Percy Bysshe Shelley, su amigo Lord Byron (los tres, grandes representantes del romanticismo inglés), Claire Clairmont (hermanastra de Mary Shelley y amante de ambos escritores) y la famosa “criatura” que creó la escritora, el monstruo de Frankenstein (fantástica marioneta de Vudú Teatro). La convulsa vida de Mary Shelley se funde con la de sus personajes: Victor Frankenstein y la “criatura”.

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Nos remontamos a los orígenes de la escritora: su nacimiento, la muerte prematura de su madre, cómo se fue formando en las letras gracias a su padre… Luego irrumpe en su vida el escritor Percy Bysshe Shelley, como un relámpago que la agita para siempre, con sus ventajas y sus inconvenientes. Entre las primeras, esa relación resultó muy inspiradora para su escritura. El amor que sintió por él fue el más importante de su vida.

Acuciado por las deudas, Mr. Shelley tiene que recurrir a su fiel amigo Lord Byron, que tiene una hermosa villa cerca de Ginebra e invita al matrimonio y a Claire Clairmont a pasar el verano allí. Esta agradable y a la vez estrambótica estancia será trascendental para la gestación de la obra maestra de la escritora, relacionada con el mito de Prometeo.

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Gran trabajo de todo el reparto (Alba Valldaura, Elena Visus, Aleyda Puerto y Felipe Cabezas), que interpretan a diversos personajes y transitan de unos a otros con naturalidad, belleza y especial cariño por los protagonistas de la historia. Una historia conmovedora que nos hace viajar a la primera mitad del siglo XIX y nos acentúa el deseo de saber más sobre una de las épocas más fructíferas y atractivas de la literatura universal. También destacamos al resto del equipo artístico: la música en vivo de Joange, los dibujos de Tareq Salha y Wahab Zeglache, el vestuario de Isabella Pintani y Elena Visus, el diseño de luces de Felipe Cabezas, las luces y videoproyecciones de David Noms, los vídeos de 3LEMENTS, el diseño gráfico de Isabella Pintani, la fotografía de Genia Badano y la producción de Sala Fènix.  Y esa tierna e impresionante marioneta construida por Vudú Teatro que da nueva vida a la imagen que tenemos del famoso monstruo.

PROS DE LA OBRA: Trasciende, se queda en el corazón del espectador, denota todo el trabajo que hay detrás, y permanece. Muy poética.

CONTRAS DE LA OBRA: Creemos que no es apta para aquéllos que no amen la literatura y/o la historia.

Una pieza que va creciendo a medida que se va representando y que esperamos tenga una larga vida.

Laura Clemente.

Web de Sala Fenix – Información sobre “Mary Frankenstein Shelley”

En nuestro programa de radio asociado al blog, Ona Cultural, dedicamos especial atención a “Mary Frankenstein Shelley”, en nuestra edición del 25 de marzo de 2017:

Podcast del programa Ona Cultural de la radio Ona de Sants – edición de 25/03/2017

Trailer de “Mary Frankenstein Shelley”:

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“Olvidémonos de ser turistas”: Orígenes.

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En la Sala Beckett de Barcelona, escrita por Josep María Miró y dirigida por Gabriela Izcovich, nos llega esta historia que explora la búsqueda de las raices y el reencuentro.

Pablo Viña y Lina Lambert dan vida a un matrimonio español de mediana edad que se hospeda en un hotel cercano a las cataratas de Iguazú, en la frontera entre Brasil, Argentina y Paraguay. Un convencional viaje turístico se transforma en algo bastante diferente.

La obra transcurre en dos escenas bien diferenciadas: la primera es la habitación del hotel, donde asistimos a un diálogo forzado, en el que uno de los cónyuges desconfía y el otro niega con apenas fuerza para ocultar ya nada,  cuando la llama del amor hace tiempo que se ha apagado y el viaje lleva a la mujer por otros derroteros. El marido, abandonado, ya sin fuerzas de discutir, encuentra consuelo en la camarera de habitación del hotel (genial y divertida Eugenia Alonso).

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En la segunda escena, asistimos a su vez a la búsqueda de identidad del hijo (Estéban Meloni) de quien se nos cuenta la historia de sus años en Argentina, en casa de una entrañable mujer (Eugenia Alonso) quien años más tarde será también la huésped de su madre.

En un escenario de tonos azulados presenciamos un relato sobre los orígenes, sobre esas raíces que permanecen ocultas pero latentes y las que, especialmente esas personas que han sufrido la expatriación, siempre se tienen en cuenta. Es también una obra sobre las personas como referente y refugio: la camarera sirve de refugio al marido abandonado, una señora acoge a madre e hijo, que se habían perdido buscando su identidad…

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PROS DE LA OBRA:  Gran texto del autor y ese aire como lejano, vagamente ensoñador, que se reproduce con escenario iluminado de azul marino, denso y evocador. Nos ha interesado mucho el enfoque desde una directora y compañía argentinas (Cia. Gabriela Izcovich) del texto de uno de los autores más representativos de la mejor dramaturgia catalana contemporánea.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez la excesiva frialdad de los personajes en algunos momentos, en contraste con los dramas humanos que les toca vivir.

Este domingo 25 es el último día de representación de la obra, junto con “Nerium park“, del mismo autor, dentro del ciclo que dedica Sala Beckett al teatro de Josep María Miró.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al tráiler de la obra:

Web de Sala Beckett – Información sobre “Olvidémonos de ser turistas”

Web de Josep Maria Miró

Web de Gabriela Izcovich

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“Paquito Forever”: Homenaje a una época.

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Ya en su libro “Nits de Barcelona”, el periodista catalán de principios del siglo pasado Josep Maria Planes glosaba la intensidad del ambiente flamenco en aquella Barcelona, contando la anécdota del viajero inglés que, llegado a Sevilla y exclamándose de no encontrar espectáculos flamencos obtuvo la sorprendente respuesta de que no era de extrañar, pues estaban todos los artistas en Barcelona…

En efecto, la Barcelona de revista y cabaret,  magníficamente evocada en el exitoso “Flor de Nit” de Dagoll Dagom estrenado en 1992 y en la que el Paquitu de la obra era este  Paco Alonso,  (Joan Lluís Bozzo, director de Flor de Nit,  es ahora precisamente el narrador de la historia),   nos es representada por medio de este musical con el bailarín como protagonista  quien,  llegado de su Andalucía natal, se dió a conocer en el Paralelo de los cincuenta aunque prefirió finalmente cruzar el charco, hasta Broadway, donde alcanzó cierta fama y reconocimiento con su gran estilo personal.

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Con el oficio propio de un gran director de teatro musical como Fran Arráez, junto a Gerard Alonso, se nos presenta en el Almeria Teatre de Barcelona este “Paquito Forever” inspirado en el bailarín y “transformista” Paco Alonso. El musical ha sido creado por ambos, con libreto de Fran Arráez, dramaturgia de Fran Arráez y Frank Capdet (de la compañía Gataro), dirección de Víctor Álvaro, música y dirección musical de Gerard Alonso, letras de Fran Arráez junto a Roser Batalla, Frank Capdet y Joan Vázquez, coreografía de Bealia Guerra y coaching vocal de Helen Rowson.

Como decimos, con narración de fondo de Joan Lluís Bozzo, éste “Paquito Forever” es interpretado por un magnífico Joan Vázquez, actor, cantante, músico y bailarín de gran talento.

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Lo que más nos ha gustado del espectáculo es la gran versatilidad de su protagonista, quien aparece ataviado de la más variada indumentaria de hombre y mujer e interpreta números musicales tanto de inspiración flamenca como cabaretera, con referencias a la vida portuaria y marinera, a la enfermedad de su madre, a su aventura americana… Versatilidad acompañada en todo momento al piano por Gerard Alonso (también por Haize Lizarazu en diversas funciones). La portentosa voz de Joan Vázquez se alza majestuosa en el escenario, con un magnetismo especial y mágico, que nos transporta hasta esos años dorados del Paralelo, hasta esa ciudad cosmopolita y abierta que ni siquiera bajo el yugo del franquismo perdió su insomne y febril actividad artística. El mundo de la revista era uno de los pocos ambientes donde la opresiva atmósfera de la dictadura se relajaba con cierta indulgencia, permitiendo una serie de números de “transformismo” y picantez que quedarían vetados en otros ámbitos y que hacían las delicias del público de la postguerra. Nombre menos conocido que otros grandes del Paralelo (como el también “transformista” argentino Johnson o Escamillo), Paco Alonso merece sin duda este homenaje que con tanta ternura se nos presenta.

La obra estará en cartel en el Almeria Teatre hasta el 26 de noviembre. Actualización: “Paquito Forever” prorroga en el Almeria Teatre todos los dominogs hasta el 7 de enero.

PROS DE LA OBRA: El gran trabajo del equipo artístico al completo da como resultado una obra impecable y muy emotiva. Sin duda la calidad de la interpretación de Joan Vázquez, con su prodigiosa voz y sus dotes de bailarín.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quienes no les guste el género musical.

Ignasi y Laura.

Web de Almeria Teatre – información sobre “Paquito Forever”

 

 

 

 

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“Yes, potser”: El futuro en el desierto.

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En el Teatre Akadèmia de Barcelona hace unos días hemos visto esta inquietante pieza de Marguerite Duras, adaptada y dirigida por Andrea Segura.

Los tres protagonistas, Alícia González Laá, Anna Casas y Txabi Grass , interactúan en un futuro apocalíptico post guerra nuclear; apenas intuímos que la guerra ha dejado a los pocos supervivientes de un ignorado mundo,  aislados y perturbados, en diferentes grados.  El pobre soldado que llega al dantesco campamento no parece capaz de articular palabra (fuera de algunas crisis en las que canta psicóticamente), mientras que las dos chicas no hilvanan frase con sentido alguna, más allá de inquietantes referencias al desierto de guerra, y a extrañas y perturbadoras imágenes que apenas recuerdan.

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Obra pues enmarcada en la estela de Beckett y su teatro del absurdo, no presenta un argumento causal, sino una metáfora de abandono, soledad e incomunicación. Interesante experimento dramático, con el actor y las actrices vestidos con sucios trajes, trasnochadas y grotescas máscaras antigás, con un aspecto sucio, desaliñado y miserable… Las vagas referencias a alucinantes batallas, campamentos, un pasado mejor que el desolador presente de distopia en el que se encuentran, todo este lenguaje deslavazado e incoherente, queda subrayado por la extraña forma de comunicarse de los personajes, que en vez de decir sí, dicen “yes”, giro idiomático que da un aire ridículo al diálogo.

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Se trata pues de un espectáculo con un mensaje existencialista: si perdemos la comunicación, si perdemos la cotidianeidad y lo habitual, si la persona se traslada a un paisaje dantesco, remoto, desolado,  si se fracasa en todo intento de entablar una conversación, un diálogo, ya no nos queda nada sino la melancolía por un tiempo pasado donde todo era alegre y feliz.

La obra estará en el Teatre Akadèmia hasta el 19 de noviembre.

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PROS DE LA OBRA:  La interpretación de los actores y actrices, que transmiten con convicción esa atmósfera desapacible, gélida, de una postguerra donde se han perdido todos los rasgos de humanidad; como lo transmiten el acertado vestuario y caracterización.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de espectáculos con argumento en el sentido clásico del término.

Ignasi y Laura.

Web del teatre Akademia-Información sobre “Yes, potser”

Os dejamos un enlace donde una de las protagonistas habla de la obra:

 

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