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“Els Gossos”: Disfrutando en familia.

Hemos asistido en la La Villarroel a esta obra intimista escrita y dirigida por el dramaturgo argentino Nelson Valente, traducida al catalán por uno de los actores protagonistas, Joan Negrié (también forma parte de la producción desde la sala que dirige, Sala Trono de Tarragona).

El cuadrilátero de pareja joven (Albert -Joan Negrié- y Laura –Sandra Monclús-) que invita a los suegros a casa (Alicia –Mercé Arànega– y Emili –Albert Pérez) da mucho juego, y el espectáculo de Valente no decepciona.

Es una de estas obras que no se centra tanto en argumentos, simbología o montaje como en la interpretación de los actores y actrices, que habla por sí sola. La virtud del espectáculo es precisamente ésa: su riqueza interpretativa; cada personaje es un mundo y la interacción entre ellos crea un resultado delicioso.

El golpe en la mesa real y figurado de Laura queda algo tamizado por el carácter poco enérgico que se le adivina, y el tono lastimero con el que larga su discurso le resta algunas simpatías, aunque supongo que quien más quien menos se siente identificado con su cuestionamiento radical al sistema. El contrapunto es Emili, genialmente interpretado por Albert Pérez. Cuando Laura es idealista, Emili es pragmático , cuando Laura critica el modelo, Emili lo defiende, y cuando en fin Laura busca salir de los lugares comunes, Emili se revuelca en ellos…. Esta especie de senyor Esteve irritante y monótono hasta la náusea que oscila entre lo banal y lo compulsivo es aquel ser acomodaticio y de vuelo gallináceo que habita en cada uno de nosotros y del que tanto tememos que someta a nuestros mejores sueños.

Alicia y Albert son los meros comparsas que asisten atónitos a esa batalla dialéctica. Madre e hijo comparten el haberse visto obligados a adaptarse al padre, con resultados dispares, la madre entregándose a la bebida y el histerismo, y el hijo escondiendo la cabeza bajo el ala y sometiéndose a los dictados paternos.

LO MEJOR DE LA OBRA: Las interpretaciones de todos y especialmente de Mercè Aránega y Albert Pérez, así como la interesante dialéctica que plantean entre la ambición y la resignación. Gran dirección de actores de Nelson Valente, que también imprime carácter a cada personaje desde el texto.

LO PEOR DE LA OBRA: No apta para quien busque bucear en aguas demasiado profundas.

Els Gossos‘ estará en La Villarroel hasta el 1 de noviembre. Espéctaculo que forma parte del Festival Grec de Barcelona.

Os dejamos un enlace al trailer de la obra:

Cultura y algo más

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“Equus”: Rienda suelta a los símbolos.

Hemos asistido en el Escenari Joan Brossa a este clásico de la escena anglosajona, ‘Equus’ de Peter Schaffer, dirigido por Denis Fornés, y adaptado por Denis Fornés y Bernat Muñoz con el asesoramiento dramatúrgico de Pablo Ley.

Una deliciosa obra con ese inequívoco sabor inglés de los sesenta y setenta, con todo su imaginario: represión sexual, fanatismo religioso, disciplina, equitación, violencia, jueces y psiquiátricos.

El viejo psiquiatra (Carles Fígols), quien sabe si en las postrimerías de su carrera, por encargo de su amiga -jueza, claro- (Ivana Miño) trata de comprender los motivos de la horrenda mutilación que un adolescente (Lluís Arruga) ha cometido sobre seis indefensos caballos de las caballerizas donde trabajaba.

A la luz de las pesquisas del buen doctor, en seguida entran en escena los, cuanto menos pintorescos, progenitores del adolescente (Mercè Rovira y Xavi Lite), los cuales obligan al espectador a pensar que con ellos no es de extrañar que el chico acabe mal. Ella una fanática religiosa bastante histérica y él una especie de Ulises de medio pelo, pasto de cines X (era una época muy anterior a pornhub), rígido y ridículamente puntilloso.

Y el colofón es ese caballo (Andreu Lahoz en doble papel de equino y jinete) del que el niño primero y el adolescente después se prenda perdidamente.

A partir de ahí, la simbología que se nos presenta encarnada en los personajes da pie a múltiples interpretaciones y abre muchos interrogantes: ¿el chico se enamora del caballo o sublima más bien la atracción por el jinete? El psiquiatra y la jueza son sólo amigos? ¿Se dedicaban los padres a juegos BDSM (lo que antes se llamaba sadomaso) en su intimidad?

Con semejante carga de aquello que antes se llamaba “el subconsciente” no es de extrañar que cuando en muy sensual aparición la compañera de trabajo del protagonista, (Julia Ferré) viene a tentar a nuestro héroe entrometiéndose entre él y el caballo, la cosa acabe como acabe.

La obra estará en el Escenari Joan Brossa hasta el 25 de octubre.

LO MEJOR DE LA OBRA: Para nosotros, la acertada escenografía y montaje visual que transmite a la perfección la desazón y disyuntivas del protagonista, ese moverse entre lo divino y lo humano. Hay un gran trabajo del conjunto del equipo artístico y se presume mucha dedicación: la producción ejecutiva y diseño de producción (junto a Denis Fornés) de Martí Santcliment, el movimiento de Mamen Alcázar y Mai Rojas, el espacio sonoro de Guillem Vives y la música de Aleix Vives y Emili Bosch, las luces de Rubén Taltavull, Raul Solsona, Josep Fernández y Roc Laín, etc.

LO PEOR DE LA OBRA: Más que una desventaja, el hecho de que los temas estén algo pasados de moda (es curioso que la escena del coito sea más transgresora porque incumple la distancia social que porque nos presente unos desnudos integrales), pero que sean presentados con convicción y delicadeza , convierte al montaje en una pieza muy natural y en absoluto forzada.

Recordamos que el texto de la presente versión de ‘Equus’ está publicado por Arola Edicions y que podéis adquirirlo en el mismo teatro.

Os dejamos con un tráiler de la obra:

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“Els porcs també mengen verd”: Geometría variable.

Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a esta producción de Medusa Cultura con autoría y dirección de Andreu Rifé.

Hemos subtitulado la entrada “geometría variable” porque la obra se centra en las distintas relaciones que se dan en el seno de una familia entre la madre, Rosa (Teresa Urroz) , el hijo casado Santi (Angel Roldán), el hijo soltero Adam (Jacob Torres), y la nuera Carol (Àngels Bassas). Así la obra se centra tanto en el mismo cuadrilátero en el que interactúa la familia como en los distintos triángulos donde se relaciona: Rosa-Adam-Carol,Carol-Jacob-Adam, Rosa-Adam-Santi y en fin en las líneas que unen a Rosa con la nuera y con cada uno de los hijos.

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En seguida comprendemos que se trata de relaciones complejas y difíciles. La desgracia que le sobreviene al hijo mayor desencadena la crisis que ya se había anunciado; el espectáculo desgrana los diferentes sentimientos que la nueva situación despierta en cada uno de los miembros de la familia: la rivalidad entre suegra y nuera, los celos entre hermanos que les llevan a maniobrar entre ellos, el sometimiento del hijo menor a la madre y la reverencia de ésta por el hijo mayor, que le lleva a estar completamente cegada. A partir de una situación retorcida y grotesca, el texto no deja de ser una exageración dramática del día a día enrarecido de muchas familias, lejos de las armonías estereotipadas que nos venden las series de TV.

En definitiva, es una obra que sin grandilocuencias, dramatiza las tensiones y conflictos que en mayor o menor medida, están presentes en muchas familias.

La obra estará en el Tantarantana hasta el 25 de octubre.

LO MEJOR DE LA OBRA: La interpretación de los protagonistas y lo original del texto; plantear lo grotesco como recurso narrativo para bucear en aguas más profundas.

LO PEOR: El título. Parece que últimamente hay una cierta tendencia a impartir justicia política o social en los teatros, y entendemos que reducir la obra a una crítica del machismo, del abuso o del autoritarismo es hacer un flaco favor a una obra que para nosotros va mucho más allá.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

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“(Des) Encuentros”: Las interioridades en pareja.

En esta tan esperada reentré teatral tras el largo parón a causa de la pandemia, hemos asistido en la sala La Badabadoc a una obra que nos ha deleitado con su cercano intimismo.

La propuesta de Anabel Riquelme y Jesús Luis Jiménez con dirección de Alejandra Jiménez-Cascón es recrear las dinámicas de parejas muy diversas, con cambios de vestuario y registro casi vertiginosos, a base de breves pinceladas de situaciones, interacciones e interioridades que tienen como protagonistas a un amplio abanico de personas. Desde un aragonés apasionado de la jota que conoce una argentina con otras prioridades, una transexual enamorada sin remedio de un amigo, una chica que de tan independiente es incapaz de mantener una relación, hasta una pareja que dejaron pasar la oportunidad cuando eran quinceañeros y se reencuentran muchos años atrás. Todo sin rehuir algún toque dramático como el del maltratador, escena que nos ha parecido especialmente cruda porque además por desgracia es con frecuencia demasiado real.

Aunque el lenguaje de la obra es cercano y la obra huye de grandilocuencias, transmite a la perfección el complejo mundo de las relaciones de pareja, que en muchas ocasiones se dan por supuestas cuando en cambio están en continuo cambio y muchas veces en difícil equilibrio.

Tras el espectáculo asistimos a una charla coloquio con el actor, actriz y directora en que nos contaron cómo el proyecto fue tomando forma con aportaciones de los tres, y cómo se identificaron con los distintos personajes a los que daban vida.

PROS DE LA OBRA: Su frescura y dinamismo, con unas interpretaciones de los protagonistas muy versátiles como corresponde a la gran variedad de personajes que han de interpretar así como la riqueza conceptual ya que en breve tiempo la obra repasa multitud de circunstancias y situaciones.

CONTRAS: A veces te quedas con ganas de conocer el desenlace de algunos de los relatos, que quedan apenas esbozados.

La obra estará en La Badabadoc hasta mañana 21 de septiembre.

Cultura y algo más.

Os dejamos un enlace a una cápsula de la obra:

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“Ànsia (Crave)”: La angustia inevitable.

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Hemos asistido en la Sala Atrium a esta inquietante obra de Sarah Kane, de quien ya os hablamos cuando se estrenó ‘Blasted’ en el TNC (dirigida por Alicia Gorina, ver entrada).

Producida por Cia La Salamandra (“Hamlet/Segismundo” en coproducción con Cia Ensemble), con dirección de Loredana Volpe e interpretada por Chap Rodríguez Rosell (también traductor del texto), Anna Casas, Patricia Mendoza y Xavier Pàmies (también ayudante de dirección), la obra es el reflejo de una vida convulsa. La autora (se suicidó a los 28 años) nos presenta este extraño y sombrío monólogo a cuatro voces donde los protagonistas desgranan experiencias traumáticas (acoso -desde el punto de vista del acosador- , maltratos, abusos sexuales, relaciones tóxicas,  trastornos mentales) con un tono resignado, a veces monótono,  desconectados de sus experiencias…, como si de una letanía o un coro fúnebre se tratara, impresión reforzada por el uso de diversos idiomas en el escenario.

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El montaje es sencillo, crudo, en un escenario desnudo con las impactantes luces de Daniel Gener, con los cuatro actores y actrices sin interacción alguna más que la casual coincidencia de temática o ambientación de las tristes historias que evocan y que les deshumanizan y les convierten en víctimas de sus experiencias.

El texto tiene partes brillantes (el acosador encarnado por Chap Rodriguez quien además es el traductor del texto, que narra cómo la atracción y amor puede degenerar en incomprensión y falta de aceptación de la realidad, el penoso relato de los abusos que cortan como una sierra  las brumas de la infancia, la dificil relación con la madre, una violación…) y partes más ininiteligibles, aunque siempre transmite esa desazón, ese revivir el pasado que emponzoña el presente y esa disociación entre lo vivido y la forma casi aséptica de expresarlo.  Sin duda alguna el título no puede estar mejor escogido, esa ansia, ese intranquilidad de espíritu y ese sentimiento de culpa aunque hayas sido la víctima y no el verdugo.

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LO MEJOR DE LA OBRA: El excelente texto de la dramaturga muy bien dirigidido por Loredana Volpe (también poeta, y aquí justamente estamos ante uno de los textos más poéticos de Kane), con momentos realmente brillantes, el monólogo y la traducción de Chap Rodríguez y en general una excelente interpretación de los actores y actrices.  El tono lejano y aséptico que la continua alternancia de voces, los diferentes idiomas y la ausencia de escenario imponen a la obra.

LO PEOR DE LA OBRA: En ocasiones algo oscura e ininteligible. Pero esto justamente puede añadir esa necesaria inquietud que se crea entre el público.

Ànsia (Crave)” estará en Sala Atrium hasta el 19 de enero de 2020.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al trailer:

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“Assaig sobre la lucidesa”: Amarga visión de la política.

 

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Producida por la compañía La Danesa, adaptada por Jumon Erra y dirigida por Roger Julià, este “Assaig sobre la lucidesa” a partir de la obra homónima de José Saramago, al que hemos asistido hace poco en el Teatre Akadèmia, no puede dejar a nadie indiferente. Sobre todo porque es imposible no reconocer en ella muchos de los reproches que se formulan a los políticos.

En efecto, partiendo de un desconcertante suceso en que los electores votan masivamente en blanco en unas elecciones menores, la obra disecciona sin piedad el círculo vicioso que generan los políticos a partir de ese hecho.  Porque la reacción de las autoridades no es la que sería éticamente esperable, es decir preguntarse qué es lo que ha desengañado a los electores hasta el punto de votar en blanco, sino  desencadenar una suerte de venganza contra quienes al parecer les niegan el derecho a seguir disfrutando de sus prebendas y poder.

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Un excelente Xavier Casán da vida a un primer ministro histérico, hipócrita y mentiroso, a quien sus electores le importan poco o nada, con tal de que lo voten.

Su acólito el Ministro del Interior (un fínisimo Xavier Torra) tampoco duda un instante en hacer uso de todos los medios a su alcance para acallar la disidencia.  Porque de eso va el espectáculo: de la lucha despiadada que emprenden los políticos contra sus electores, de la cruel persecución a que los someten por haber cometido el sacrilegio de no seguir el plan que tenían diseñado para ellos:  votarlos rutinariamente cada cuatro años, sin preguntas, controles ni reproches.

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Cuando los electores se niegan a seguir ese plan que les ha sido trazado la respuesta es simplemente la vendetta mafiosa y la búsqueda de chivos expiatorios, como la pobre mujer (encarnada por Júlia Santacana) que es acusada de, con su lucidez, haber desencadenado el ataque al sistema.

El alcalde (magnético Marc Pujol), es el que navega a través de los otros. Al principio es manipulado por los gobernantes más altos y va alcanzando lucidez, despojándose de su traje de político y ganando humanidad a medida que va avanzando la obra. Y el maestro de ceremonias, portavoz del gobierno, etc., personaje caleidoscópico interpretado con mucha energía por Elena Fortuny (también productora ejecutiva), va hilvanando la historia y va desvelando la trama al espectador.

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Así pues la obra no puede estar más de actualidad, en unos momentos especialmente convulsos en que mucha gente reacciona con rabia y desencanto contra los políticos, a quienes a menudo se ve como personas que anteponen sus intereses al bien común. Este texto, que conceptúa la política como una especie de coto de caza en que las piezas son los electores, se nos antoja imprescindible.

“Assaig sobre la lucidesa” estará en el Teatre Akadèmia hasta el 13 de octubre.

PROS DE LA OBRA:  La brillante interpretación de los protagonistas y la acertada adaptación del texto de Saramago de Jumon Erra y dramaturgia conjunta de Roger Julià (el director) y Jumon Erra. Como siempre, Sylvia Kuchinow realiza un gran trabajo en la iluminación.

CONTRAS DE LA OBRA:  El escenario inexistente (tal vez nos hubiera gustado algún montaje escénico).

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “Assaig sobre la lucidesa”

Os dejamos un enlace a tráiler:

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“Persones potencialment perilloses”: El peligro eres tú.

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Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a la previa de “Persones potencialment Perilloses“, escrita y dirigida por Roger Torns, con producción de la compañía Produït per H.I.I.I.T.

Una obra de apariencia inicial muy costumbrista, que nos retrata una familia compuesta por la madre (Romina Cocca), el hijo (David López), la hija (Laura Daza) y el yerno (Alex Sanz), en un pueblo cualquiera. Los hijos son hermanos pero de padres distintos; el regreso del hijo tras una ruptura sentimental rompe la armonía entre madre e hija , ya habituadas a estar solas.

En seguida vemos que el hijo tiene un modo de ver las cosas y de actuar como mínimo diferentes a la de su familia. Y no sólo a las de su familia; el novio de la hija es el contrapunto a su hermano. Donde él es rígido, éste es flexible. Donde él es convencional, éste es bohemio. Donde, en fin, él es agresivo, éste es pacífico.

Un incidente en principio banal desata un drama enorme en la familia. Un drama que hace que todos se presenten en su verdadero rostro.

A partir de esa situación, la obra toca diversos temas, desde la violencia de género, la dicotomía entre vocación y pragmatismo, el enfrentamiento entre el dogmatismo y la tolerancia, las nuevas formas de familia con los problemas de convivencia que plantean, e incluso la dualidad pueblo-ciudad, el vínculo con la tierra en que nacemos y el de la desvinculación como camino para seguir adelante con nuestros sueños.

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En definitiva, es una obra muy ágil que plantea por boca de actores y actrices un acertado diálogo entre los diversos puntos de vista sobre esos temas, y que de modo inevitable hace posicionarse al espectador.

También puede tener una interpretación mas literal en clave política. A nosotros en particular nos parece algo ligera y reduccionista la denominación “fascista” por extensión a todo el mundo que no tiene la visión de la realidad políticamente correcta que transmiten las redes sociales o la opinión mayoritaria en determinados ambientes, pero si hay quien prefiere una lectura política de la obra también se encontrará a gusto en el teatro.

LO MEJOR DE LA OBRA: Los textos (teatral y poético – las letras de las canciones) de Roger Torns, las grandes interpretaciones de David Lopez y Laura Daza, que hacen totalmente creíbles a esos dos hermanos tan diferentes que interpelan constantemente al espectador y de Romina Cocca, que interpreta a esa madre que está luchando por encontrar su lugar. La voz de Laura Daza.

LO PEOR DE LA OBRA: Las cuñas musicales, pese a tratarse de temas bien compuestos (por Laura Daza y Alex Marteen), nos ha parecido que no acababan de encajar.

#personespotencialmentperilloses (#ppp) estará en el Teatre Tantarantana hasta el 22 de septiembre.

Enlace a trailer de la obra:

Web del Teatre Tantarantana – Informació sobre “Persones potencialment perilloses”

Ignasi y Laura.

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La cabra o Qui és la Sylvia?: Los límites de la familia.

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Hemos asistido en la joven sala Cincómonos de Barcelona a esta sugerente obra del prolífico dramaturgo estadounidense  Edward Albee (conocido sobre todo en nuestro país por “Who’s afraid of Virginia Woolf?) , de la compañía CorEnllà Teatre y dirigida por Marta Roset y David Gómez. 

Un acomodado matrimonio de un buen barrio (Miquel Andrés y Anna Viñallonga); la mujer recibe una carta de un amigo (Xavi Hernández),  una carta que le descubre una parte oculta y muy especial de su marido.

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La obra nos presenta la crisis que desencadena la carta y a partir de ahí una reflexión sobre los límites entre lo que es tolerable en la sexualidad y lo que no, sobre dónde acaba el disfrute y comienza la perturbación mental.   Y con ese trasfondo, todo lo que supone para una familia un acto de ruptura del padre (genial Laura Relats en su papel de adolescente perdida en medio del tsunami que provocan las noticias).

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No sabemos si la reconocida homosexualidad de Albee le inspiró en parte el trasfondo de la obra, si vivió algún tipo de rechazo o alguien de su entorno le hizo sentir que era una anomalía, pero desde luego el protagonista entona un canto de libertad, quiere dejar atrás prejuicios y cadenas y dejarse llevar por el torbellino emocional que experimenta.  Sin ninguna duda el debate que genera le es totalmente ajeno e indiferente.

Cautivador tono de la obra: comienza con inequívocos toques de comedia para ir derivando a drama y acabando en tragedia.  Nos ha gustado la sugerente  interpretación de Miquel Andrés que desgrana su tragedia personal con comedido tono de seminarista que choca con lo descomunal del terremoto que su revelación causa…

La obra sólo estará hasta el jueves 2 de mayo en la sala.

PROS DE LA OBRA: La profundidad de temas que toca y el tono ecléctico de su lenguaje teatral.

CONTRAS DE LA OBRA: La mezcla de tonos de comedia y drama en algún punto desconcierta al espectador.

Ignasi y Laura.

Os dejamos el enlace a la web de la sala:

Web de Cincómonos – Información sobre “La cabra o Oui es la sylvia?

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“Khâlid, l’heroi cosmològic”: Más allá de la guerra.

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Hemos visto “Khâlid, l’heroi cosmològic“, poética obra de Helena Gràcia, dirigida por ella (también autora de la música) e interpretada por Aina Balasch y Adriana de Montserrat, en la Sala Atrium de Barcelona.

Khâlid es una niña de 5 años que sueña con ser astronauta. Le ha tocado nacer y vivir en Siria, en una ciudad en ruinas situada en medio del desierto, en plena guerra. Se siente querida por su familia, pero la realidad amenaza con acabar con su inocencia. Khâlid significa “eterno”, y aunque ella es una niña, dice que le sienta bien el nombre, pues quiere viajar a las estrellas, más allá de esa tierra en la que vive, tan hostil y amenazada por los “extraterrestres” (como ve ella al ejército que los quiere dominar, sea por aire o por tierra), y donde la Luna se les cae encima (una bomba les destrozó una parte de la casa).

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Khâlid está muy unida a su padre y a su abuelo. El primero la acompaña al colegio y comparte su afición por contemplar el cielo e imaginar que están viajando por el espeacio, y el segundo es especialista en inventar objetos diversos, que fascinan a su pequeña nieta.

Khâlid es muy valiente. Mucho. Y muy fuerte. Cuando su familia tiene que partir de casa, amenazada por las bombas (se estaba cayendo a trozos), y se tiene que separar de su abuelo, se va convirtiendo en una pequeña heroina. Y tal vez se convierta ella misma en una estrella, o se vaya a vivir a otra galaxia.

Hermosa historia de una joven autora catalana que sorprende porque parece que se haya escrito desde el otro lado del Mediterráneo. Justamente hace poco la que suscribe este artículo ha entrevistado al escritor palestino Mazen Maarouf (en breve publicaremos un artículo sobre él) en ocasión de su libro “Acudits per a milicians” (Ed. Navona)/ “Chistes para milicianos” (Alianza Editorial) y es maravilloso encontrar coincidencias, como el uso de una deliciosa y cálida imaginación para explicar la dureza de la guerra, la perspectiva de contar la historia desde los ojos de la infancia, y de cómo ésta puede ver truncada su inocencia por vivir tan cruda realidad.

PROS DE LA OBRA: Nos encontramos ante un texto excelente, cercano a la narrativa oriental, y a una autora y directora que además es también DJ en escena y creadora de la música. Las actrices, fabulosas. Enhorabuena a Helena Gràcia, Aina Balasch y Adriana de Montserrat! Y el equipo artistico que la acompaña redondea de forma fantástica la propuesta.

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Helena Gràcia, autora, directora y creadora de la música de “Khâlid”.

CONTRAS DE LA OBRA: Que esté tan poco tiempo en cartel. Sólo hasta el domingo 14 de abril en Sala Atrium. Esperamos que vuelva en breve!

“Khâlid, l’heroi cosmològic” es, en definitiva, una de las sorpresas teatrales más gratas que nos hemos encontrado en estos últimos tiempos.

Laura Clemente.

Web de Sala Atrium – Información sobre “Khâlid”

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“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

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Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

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La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

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