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“Una gossa en un descampat”: Crónica del dolor íntimo.

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En el marco del Festival Grec de Barcelona, hemos asistido en la Sala de Baix de la Sala Beckett a esta interesante obra de Clàudia Cedó, con dirección de Sergi Berbel.

El espectáculo se adentra en el tormentoso mundo del dolor íntimo, de esos dramas personales que sólo quien los ha vivido conoce, mientras que quienes están alrededor, cerca pero a la vez muy lejos, sólo perciben por reflejo de quienes los están padeciendo.

El paisaje desolado de lo que pudo haber sido y no fue, de lo que ya pasó, es el marco de esta obra. Un paisaje emocional que evoca un cautivador espacio visual  a media luz (se nota el oficio y creatividad de Max Glaenzel y Kiko Planas) repleto de objetos abandonados, como un fantasmagórico Chernóbil. El paseo de las protagonistas entre las ruinas se interrumpe, en un acertado juego escénico, por las escenas hospitalarias que se rememoran  , donde las protagonistas Vicky Luengo y Maria Rodriguez, una el alter ego de la otra, (gran trabajo de ambas actrices, que además se alternan en sus papeles según el día de la función),  dan vida a una mujer que está a punto de dar a luz, o eso cree.  La autora ha querido centrarse en la soledad ante el dolor y la tragedia. Es curioso como alguien como el propio padre del bebé, interpretado con acierto por Pep Ambrós, se presenta como alejado, dando soporte a la mujer pero a la vez incapaz de participar de su miedo durante una parte de la obra.

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El inexorable desenlace al que se acerca la obra es cíclicamente tamizado, en un ritmo muy sabio, por la aparición de personajes y una historia secundaria, que permiten algunos respiros al espectador, y a actrices y actores. En ese sentido, genial como siempre Queralt Casasayas, en sus entrañables papeles de enfermera primeriza y hermana de la protagonista, y especialmente Anna Barrachina, que se alterna con soltura en los papeles de grave doctora portadora de malas noticias, en alocada madre que ni siquiera vagamente participa en la tragedia, en la actriz de la que se enamora el director, interpretado por Xavi Ricart,  que también representa al padre que cuando entra en la habitación de su hija pretende de modo pueril dar lecciones sobre la medicación…

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PROS DE LA OBRA: Una exploración del dolor muy realista y fidedigna, en la que hay escenas que realmente hacen olvidar que estamos presenciando teatro.  El doble lenguaje visual -ruinas y hospital- transmite perfectamente los dos momentos del drama, el angustioso presente y la mirada nostálgica y amarga que se vuelve atrás y que no encuentra consuelo.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el desdoblamiento del personaje principal en las escenas de hospital no le añade fuerza narrativa ni simbólica.

La obra estará en cartel hasta el 29 de julio.

Os dejamos un enlace al tráiler de la obra

Ignasi y Laura.

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“Masticar hielo”: El cinismo de la amargura.

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Nos ha encantado esta deliciosa adaptación de la compañía El Eje del clásico teatral de Edward Albee Who´s afraid of Virgina Woolf?” (cuya traducción usual al castellano como “¿Quién teme a Virgina Woolf? hace perder totalmente el sentido del original inglés, que aludía a la canción de Disney de los tres cerditos y por tanto evocaba la pérdida de las ilusiones infantiles -parece que el autor hizo el juego de palabras para no utilizar derechos de autor de Disney-).

La adaptación y dirección de Marc Ribera mantiene la idea del argumento original aunque cambia, con gran acierto, las profesiones de los protagonistas.

Marta (impresionante Mar Pawlosky) y Jorge (enorme Eric Balbás) son un matrimonio joven, ella la niña de papá hija de un afamado galerista (nos ha encantado la escenografía de Sergi Cerdan, representando un lujoso apartamento de Manhattan lleno de valiosos cuadros) y él un artista fracasado que colabora en la galería de su suegro y ha comenzado a dar clases en la universidad. Enseguida nos sorprende la inaudita virulencia con la que se dirigen el uno al otro; en especial Marta se dedica a herir verbalmente a Jorge, tratándole de perdedor, inútil, zángano y borracho, y éste, a su vez, lejos de revolverse, parece reverenciar a su arisca mujer.

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La llegada de otro matrimonio invitado,  Nuna (María Hernandez) y Nick (Jordi Samper) -ella está exponiendo en la galería del padre, él al parecer se ha tomado un año sabático para hacerle de representante-, lejos de apaciguar los ánimos, los solivianta. Marta la toma con Nuca, a la que ridiculiza sin piedad, mientras que George y Nick caen en el enfrentamiento…

Nos soprende sinceramente cómo son capaces los actores y actrices de recuperar la voz en cada representación, porque las escenas de violencia verbal -y conatos de violencia física- transcurren a voz en grito, con una extraordinaria fuerza narrativa e impacto visual.

Y poco a poco, comienza a filtrarse entre las escenas de incoherente y beoda violencia, una insidiosa inquietud… una velada alusión a un hijo ausente, que nos llevará al desenlace, tal vez algo más misericordioso con los protagonistas que el original de Albee.

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Una obra que nos habla de la amargura, de cómo muchas veces el enfado, la ira, la burla y el sexo, ocultan profundas decepciones y conflictos emocionales.

PROS DE LA OBRA:   La enérgica y sólida actuación de los protagonistas, especialmente de Mar Pawlosky, así como el lenguaje visual en ocasiones atrevido (la escena de la felación, el baile que se marca un genial Jordi Samper, con coreografía de Blanca Tolsà). El contundente ritmo de la obra, que mantiene en vilo al espectador todo el tiempo. Y la compañía El Eje, que imprime una pasión especial a su trabajo.

CONTRAS:  Tal vez el desenlace, que como hemos dicho, no deja el final tan abierto como el original y parece justificar a los protagonistas…

La obra estará en el Teatre Tantarantana hasta este domingo 3 de junio.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Masticar hielo”

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“Distància”: Educadores vs. alumnos.

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Hemos podido ver “Distància” de Roger Torns (autor y director) en Sala Beckett de Barcelona, una obra que hace reflexionar sobre el papel de los educadores (y también de los padres) respecto de los alumnos.

Este drama, buen teatro de texto, nos explica la historia de Dolors, profesora que acaba de llegar al centro de secundaria (privado) dirigido por su hermano. Profesional con ganas de enseñar, inicia de manera rompedora sus clases de ética mostrando un vídeo donde se muestra una fuerte agresión a una chica. Los alumnos comienzan a reaccionar, discutiendo sobre este tema, y Esther, alumna ejemplar pero también comedida y callada, rompe su imagen empujando a un compañero escaleras abajo.

Padres y alumnos comienzan a opinar sobre Dolors y se replantean su papel como educadora. Su hermano, desconcertado, no sabe cómo actuar, pero la dimisión de Dolors es una opción. Paralelamente, el padre de ambos profesores se encuentra en el hospital gravemente enfermo.

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Alba Florejachs, actriz que cada vez tiene más presencia en la escena y en las pantallas catalanas, brilla con su papel de educadora e hija, una mujer que ha recibido una amplia educación y que se ha tenido que dedicar a cuidar de sus padres. También el resto del reparto es excelente: Laura Daza, que todavía no conocíamos, en el papel de Esther y como coautora de la música (junto a Roger Torns) e intérprete de ésta (posee una bellísima voz) y José Perez Ocaña, cuyo difícil paper del director de centro, hermano e hijo está interpretado con extrema naturalidad.

¿Qué papel tienen los educadores y los padres a estas alturas del siglo XXI? ¿Caben todavía la condescendencia y la distancia? ¿No es mejor entender al adolescente-niño, ponerse en su piel y llegar a la raíz del problema? Todas estas preguntas y muchas más surgen después de ver “Distància”.

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Y la verdad es que nos rendimos ante autores como Roger Torns (y Jaume Viñas en el caso de “Goldilocks“), joven dramaturgo que también es actor, director, músico, profesor de teatro. Artistas como Torns y Viñas impulsan el teatro catalán, y hacen incrementar mucho su calidad.

PROS DE LA OBRA: Obra bien tejida argumentalmente que plantea cuestiones éticas, pedagógicas y sociales. Excelente simbiosis entre todo el equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA: Sólo que… nos hubiera gustado que hubiera estado más tiempo en cartel.

“Distància” se podrá ver en Sala Beckett sólo hasta el domingo 20 de mayo, pero esperamos que vuelva muy pronto a la cartelera.

Laura Clemente.

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“Goldilocks”: El final de la inocencia.

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Hemos podido ver en la Sala Atrium de Barcelona una obra muy impactante: “Goldilocks“, escrita por Jaume Viñas (también ayudante de dirección), dirigida por Júlia Barceló e interpretada por Meritxell Termes y Alba Ribas.

La obra se representa hasta el 20 de mayo dentro del Ciclo de creación escénica DespertaLab, organizado por Sala Atrium y Nau Ivanow, ciclo que nació con el objetivo de dar apoyo a la creación teatral más activa y emergente y que se ha convertido en una auténtica plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas y compañías teatrales. Aplaudimos iniciativas como ésta. “Goldilocks” ha ganado el segundo premio otorgado por DespertaLab.

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“Goldilocks” es un título muy adecuado, pues tanto nos hace recordar a “Rizos de oro” (veremos que una de las protagonistas de esta obra es tan inocente como ese personaje de la literatura infantil y de los dibujos animados), como el cierre de oro de una jaula. Una jaula de oro en la que se encuentran dos jóvenes, que tanto pueden ser hermanas como haber entablado amistad en ese recinto cerrado en el que se encuentran.

Convivir durante tiempo indefinido y crecer sin ver el sol pueden ser letales. Para escapar de la cruda realidad, qué mejor que la imaginación, a través de cuentos de hadas y no tan de hadas, ciencia ficción, historias de pingüinos… estos relatos fueron apareciendo como escenas independientes, según su creador, Jaume Viñas, y luego se unieron para dar forma al texto tal como lo hemos encontrado ahora. Un texto que fue inspirado por una conferencia de Nuria Varela (escritora, experta en violencia de género, profesora y reportera autora de “Cansadas”) en la Sala Beckett de Barcelona, maravillosamente hilvanado, sin grietas, que nos lleva a estar pendientes de todo lo que sucede en ese espacio, acompañando a las dos “hermanas”. El buen hacer de la directora Júlia Barceló contribuye mucho a este excelente resultado.

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El resto del equipo artístico y el trabajo que se ha realizado, asombroso también: la escenógrafa Judit Colomer nos transporta a una casa (que recuerda a las películas “Hard Candy” de David Slade o “Split” de M. Knight Shyamalan) que podría encontrarse en las afueras de una gran ciudad, con unos sobretitulos que van marcando un compás extraño; el sobrio y a la vez bello vestuario de Núria Milà; los vídeos que van intercalándose en la historia y que provocan reacciones y emociones en el espectador, contribuyen mucho a la contundencia de la obra. En cuanto a la promoción y visualización de la obra, destacamos el gran trabajo de Martina Matencio en la fotografía.

PROS DE LA OBRA: Impacta y mantiene en vilo al espectador, gran contenido argumental bien tejido, muy visual, casi cinematográfica. Las actrices, brillantes.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que ninguno. Tal vez lo único es que no todo el público esté preparado para ver o entender la obra, pero nada más.

En definitiva, un espectáculo imprescindible que muestra el estado de buena forma que tienen los jóvenes creadores catalanes.
Laura Clemente.
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“Ícaro”: Viaje a ninguna parte.


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Nos ha subyugado en el Àtic22 del Teatre Tantarantana esta adaptación del mito de Dédalo e Ícaro, ambientado en el fatal accidente que el piloto Andreas Lubitz provocó estrellando un avión en los Alpes franceses.

Escrita por Albert Lladó, producida y representada por la compañía Meridiano 70ymedio Teatro, dirigida por Marcela Terra (responsable también del espacio escénico y de las fotografías) e interpretada por Padi Padilla y Eloi Benet, la puesta en escena nos ha parecido perfecta:  la iluminación de Consuelo Barrera, una iluminación cálida que le da a la obra un inquietante aire de sala de hospital, como si, alejados de la ensoñación, los personajes despertaran en una inquietante realidad.

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Muy interesante el diálogo que se entabla entre Dédalo e Icaro. El padre (Eloi Benet), que ha proporcionado al hijo las herramientas para volar, ve como éste , de forma perturbadora, cambia una inicial ilusión infantil de construir un avión, por la pretensión de ir más allá, mucho más allá, porque para el hijo volar no es solamente una forma de noble arte, una pericia liberadora y útil, sino un espejo en el que se reflejan sus propios miedos; oscuras referencias a medicación que se confunden con las desesperadas llamadas de la voz en off que representa a la sala de control, que llama al avión que se ha perdido….   todo nos hace acompañar a Dédalo e Icaro hasta un extraño viaje a ninguna parte. Dédalo, que comprende que su hijo se ha perdido para lo humano y sólo busca ya una extraña redención para su locura, trata desesperadamente de convencerlo, de rogarle, (gran actuación de Eloi Benet), pero todo es en balde, éste Icaro (extraordinaria también Padi Padilla) ha tomado ya su decisión  y nada podrá detenerle.

Ícaro” se representa en el Atic 22 hasta este sábado 12 de mayo.

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PROS DE LA OBRA: La sugerente puesta en escena, con una cuidada y evocadora iluminación y una perturbadora voz en off (Eles Alavedra), que crea una acertada atmósfera de inquietud y evoca perfectamente el drama. Una muy convincente interpretación de los protagonistas.

CONTRAS DE LA OBRA: Ninguno, es una obra que aprovecha con extraordinario acierto un escenario de pequeño formato, y la dota de muchos recursos.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Ícaro”

 

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“La caída de Ícaro” de Jacob Pieter Gowy, Museo del Prado

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“Fuga de conills”: Retablo del precariado.

 

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“Fuga de conills” en Sala Atrium es una comedia con un trasfondo muy amargo: la realidad de muchos jóvenes (o no tan jóvenes) de nuestro país que sólo pueden aspirar a empleos como los de los protagonistas del espectáculo: animadores en fiestas infantiles y cosas por el estilo, minijobs que apenas les dan para costearse un piso compartido, y que hacen que su independencia sea un espejismo.

 

Escrita y dirigida por Martina Cabanas Collell, la compañía 010 nos presenta unas horas en las vidas de tres jóvenes: los personajes que interpretan Pau Zabaleta y Maria Cirici han acabado una de sus actuaciones en un cumpleaños, comunión o similar, y reflexionan sobre su vida, ataviados con unos grotescos disfraces que dan título a la obra y que son perfecta metáfora del sufrimiento de una generación que tiene que aparentar que siempre tiene que estar de buen rollo; la fachada es despreocupada, pero se va dejando entrever una insatisfacción, una angustia latente…  poco a poco la apenas esbozada queja se convierte en abierta y decidida evasión.

Así, los jóvenes se adentran en una discoteca, donde pincha el DJ que encarna Artur Rodriguez. A partir de ahí, en acción que va acelerándose,  emprenden un viaje hacia ninguna parte.

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PROS DE LA OBRA:  Es una obra que evoca con sorprendente precisión las sensaciones de una generación en las garras de la precariedad laboral, que se refugia en drogas, sexo, alcohol y nihilismo antes que asumir que nunca llegarán a lo que soñaban de niños.  El amargo viaje interior, en la discoteca, y luego el triste viaje exterior en motocicleta, y esa acertada escena onírica, componen un cuadro de gran sensibilidad y sencillez. Todos nos sentimos identificados con alguno de los aspectos de este agridulce trio. La sobriedad del montaje, la gran ambientación de la disco, los altisonantes disfraces, son elementos que nos han parecido muy bien jugados y que contribuyen a crear un ambiente intimista, donde los personajes, por más que intenten fugarse, acabarán por encontrarse con ellos mismos.

CONTRAS DE LA OBRA: La obra, como decimos, es un retablo, un cuadro que capta unos instantes… nos quedamos con ganas de conocer más de la historia de esos personajes.

 

 

“Fuga de conills” estará en cartel hasta el 25 de marzo, y os la recomendamos muy especialmente.

Ignasi y Laura.

 

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“If (L’últim desig)”: Homenaje a la madre.

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De la mano de la compañía de la actriz, coreógrafa, bailarina, directora, performer y pintora Vero Cendoya nos ha llegado a la Sala Atrium de Barcelona este “If (L’últim desig)”, sobre tres hermanas (Alba Florejachs, Gloria Sirvent y la propia Vero Cendoya)  que cumplen el último deseo de su madre fallecida: ser enterrada en el cámping, ya abandonado, donde la familia pasaba cada verano.

El escenario, presidido por una desvencijada tienda de campaña, evoca a la perfección ese aire de nostalgia inequívoca que produce recorrer los lugares de la infancia, conscientes de que el sitio físico nunca podrá devolvernos al tiempo que ya pasó.

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A partir de ahí, asistimos con fruición a una obra cálida, intimista, donde las tres hermanas interactúan de la forma habitual en que lo hacen los hermanos: entre puyas, bromas, unas cuantas verdades y sobre todo mucho cariño.

A cada una le llega su momento, momento en que es interpelada por las otras dos: ya la que se ha separado, la divorciada, la soltera…

Juegan con un bingo, entran en la tienda donde componen entre las tres una imagen onírica de la madre, con cada una de las actrices representando una parte del cuerpo, como metáfora de ese recuerdo que pervive en todas ellas.

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Excelente trabajo de Cia Vero Cendoya y todo el equipo artístico: la escenografía de Sebastià Brosa y Sergi Corbera, el diseño de luces de Sylvia Kuchinow, el vestuario de Laura Garcia, la música original compuesta por Adele Madau, la fotografía de Jordi Larrea y Mercè Vila Godoy como ayudante de dirección.

Vero Cendoya incorpora momentos de danza que impregnan la obra de magia, recordando a un célebre cuento (no haremos spoilers). La obra consigue llegar al corazón del espectador, reviviendo la infancia y la relación entre las hermanas y de ellas hacia su madre.

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Hemos entrevistado a Vero Cendoya en nuestro programa Ona Cultural de la radio Ona de Sants, asociado al blog. Os adjuntamos el enlace:

Ivoox del programa de radio Ona Cultural – emisión del sábado 03.02.2018

PROS DE LA OBRA: Muy apta para el público que ame las historias intimistas. El lenguaje teatral incorpora diversas disciplinas combinadas de forma que resulta sencillo y natural.

CONTRAS DE LA OBRA: Muy pocos se le pueden encontrar. No apta para quien no se quiera emocionar con una historia que le resulte cercana y familiar.

“If (L’últim desig) estará sólo hasta el domingo 18 de febrero a Sala Atrium. Luego la compañía de Vero Cendoya llevará su premiado espectáculo “La partida” al Mercat de les Flors de Barcelona del 23 al 25 de febrero.

Ignasi y Laura.

Web de Vero Cendoya – Información sobre “If”

Web de Sala Atrium – Información sobre “If (L’últim desig”

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