Archivo mensual: diciembre 2014

4 mirades/ shakespeare&marlowe (III): “Com us plagui”, deslumbrante complejidad escénica.

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En esta tercera entrega de las entradas que estamos dedicando a la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe que nos brindan varios teatros de Barcelona, os hablamos de la deliciosa “Com us plagui” (“As you like it”), que se representa estos días y hasta el 18 de enero en el Teatre Akadèmia de Barcelona.

Si algo caracteriza a esta sala es sin duda su exquisito gusto en la selección de los textos y el rigor artístico en las representaciones. Buena muestra es este excelente “As you like it”, con dirección del prestigioso Dugald Bruce-Lockhart (miembro de la compañía shakespiriana Propeller, que también dirigió un excelente “Romeu i Julieta” en el Teatre Akadèmia la temporada pasada) y con traducción, encargada especialmente para la ocasión,  de Miquel Desclot, que ha querido variar el título tradicional de Josep Mª de Sagarra (“Al vostre gust”) por el que juzga más fidedigno “Com us plagui”.

Obra cuestionada como un trabajo “comercial” de Shakespeare por algunos críticos, quienes ven en el título un supuesto distanciamiento del autor con su obra, es sin embargo aclamada por otros como un magnífico despliegue, en clave de comedia, de algunos de los elementos clásicos del autor, como la temática pastoril, los géneros impostados de los protagonistas, las luchas fraticidas de la nobleza, el destino, la vida como representación… Sin duda, mas allá de críticas más o menos acertadas, el Akadèmia nos brinda la oportunidad de volver a los orígenes, de extasiarnos ante un lenguaje escénico que no por clásico es menos expresivo o reflexivo y sin duda de un lirismo poético mucho más exuberante que muchas representaciones actuales.

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De la mano del director teatral y actor británico Dugald Bruce-Lockhart, con una sólida trayectoria profesional en el Reino Unido y en especial en la representación de obras de Shakespeare, asistimos a una obra coral que va mucho más allá de actuaciones individuales (aunque muy destacadas) para emerger como un excelente trabajo colectivo en que cada uno de los actores y actrices en el escenario subrayan con pericia el buen hacer de los demás. Con la dificultad añadida, extraordinariamente bien resuelta, de la complejidad de la trama, los actores “disfrazados” y la duplicidad de personajes que interpretan algunos actores.

En una especie de Arcadia pastoril (magnífico trabajo de escenografía de Ricard Prat i Coll), que obedece al nombre de bosque de Arden (quién sabe si un acrónimo de Arcadia y Edén), nos encontramos con el Vell Duc (Mingo Ràfols) que vive en el bosque exiliado tras haber sido ilegítimamente depuesto por su hermano menor el Duc Frederic (también interpretado por Ràfols).

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Rosalinda (Nuria Deulofeu), la hija del Vell Duc, aunque primero tolerada en la corte del usurpador, es luego forzada al exilio, acompañada por su prima, Celia (Silvia Forns) y el bufón Pedradetoc (Joan Diez), aunque, a la manera shakesperiana, emprenden ese exilio disfrazadas: Rosalinda de joven (Ganímedes, en referencia al copero de Zeus), y Celia de mujer humilde (Aliena); en el bosque se encontrarán con un colono empobrecido, Corí (un magnífico y entrañable Emilià Carilla).

Por su parte, esta vez forzado por los maltratos de su hermano, otro joven exiliado de la corte, que ya estaba enamorado de Rosalinda, Roland (Oriol Casals) acompañado de su fiel Adam (también interpretado por Emilià Carilla) llegan igualmente a Arden donde se encuentran con el Duque y sus acompañantes y viven con ellos; Roland se ocupa en escribir poemas de amor dedicados a Rosalinda que cuelga en los árboles. Cuando se encuentran Ganímedes (es decir Rosalinda), con Roland, se produce el típico juego de equívocos shakesperiano en que una mujer haciendo de hombre pretende convencer a Roland de que “interpreten” el amor que siente por ella. Si tenemos en cuenta que en la época de Shakespeare los papeles de mujer eran interpretados por jóvenes actores, podemos ver hasta qué punto el juego de géneros en escena es ingenioso.

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A partir de esta historia de amor subyacente, se nos presentan el resto de tramas superpuestas, el amor de los pastores Silvi (Guillem Fernandez-Valls) i Febe (Irene Jodar), ésta última a su vez enamorada de Ganimedes… El amor caricaturizado entre Pedradetoc y Constança (Carol Rovira), y finalmente la reconciliación entre los dos hermanos Oliver (Jordi Robles, que también interpreta al músico Amiens), -que a su vez se enamora de Celia-, y Roland…

Todo aderezado con los lúcidos discursos de uno de los acompañantes del Vell Duc, Jaques, (Jacob Torres) , con las conocidas palabras “Todo el mundo es representación”, la muy creíble lucha entre Roland y Carles (Guillem Fernandez-Valls, que también es el coordinador de ese combate escénico), la deliciosa música de Carol Rovira y la memorable escena final donde se arregla el embrollo gracias al ingenio de Rosalinda.

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Como es habitual en el autor, en la obra encontramos elementos que nos son familiares como la dicotomía entre la vida de la corte y la del campo, el amor correspondido y no correspondido, la mitología, la noción de injusticia, usurpación y finalmente el destino, que viene a poner remedio con su mano reparadora.

Una minuciosa y compleja representación resuelta magistralmente con pericia escénica, el extraordinario trabajo colectivo y el virtuosismo de los intérpretes, imprescindible para quien quiera disfrutar de una irrepetible ocasión de disfrutar del teatro clásico en Barcelona.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Akademia/Información sobre Com us plagui

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4 mirades/ shakespeare&marlowe (II): “Nit de reis”, bulliciosa velada navideña.

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En una deliciosa velada navideña, asistimos en el Círcol Maldà, en esta segunda entrega del ciclo shakesperiano, a una encantadora representación de “Nit de Reis“, (“Twelfh Night”) , dirigida por Adrià Aubert e interpretada por la compañía Els Pirates Teatre, a la que ya hemos seguido en anteriores entradas.

Fresca, divertida y traviesa, la obra fue compuesta por Shakespeare precisamente con ocasión de los festivales de final de Navidad, que se celebraban la vigilia de reyes. Dictaba la tradición que al final de navidades tomaba temporalmente el poder por un día  el Señor del Desgobierno, y ponía del revés el orden del resto del año, como en carnaval. Así, los amos hacían de esclavos y viceversa, y la juerga y el alborozo se imponían por una noche, antes de la solemne fiesta de la Epifanía.

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Dos hermanos gemelos, Viola y Sebastià, llegan a las costas de Iliria tras naufragar y allí pierden el contacto.  Viola (una fantástica Queralt Casasayas) entra al servicio del Duque de Orsino disfrazada de muchacho adoptando el nombre de Cesario y se enamora de él; el duque  está a su vez enamorado de la duquesa Olivia y utiliza a Cesari-Viola de recadero; la cosa se complica cuando la duquesa se enamora de Cesari-Viola…

La corte de la condesa es verdaderamente disparatada: el mayordomo Malvolio, magistralmente encarnado por Arnau Puig, ampuloso y rígido, es primero el contrapunto a la juerga dominante, aunque más tarde da pie a la divertida escena en que, una vez persuadido contra su voluntad de que la condesa está enamorada de él, se pone en ridículo ante todos. La pareja formada por el tío de la condesa que obedece al nombre de Sr. Tobies, (Bernat Cot) y su compañero de francachelas,  Sr. Andreu (Ricard Farré) ,  representa graciosísimas escenas, aderezadas por el díscolo Bufó (Laura Aubert), memorable cuando encarna al clérigo Topàs que se burla despiadamente de Malvolio.

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Igualmente acertados el resto de actores ( Xavi Frau encarna al Duque de Orsino, Bernat Cot que encarna a Sebastià, Mónica Barrio, a la duquesa Olivia, Nuria Cuyàs a Maria, la criada de la duquesa, Lluna Pindado, de Júlia y  Oscar Jarque de Antoni), en esta comedia de enredos con marcado carácter coral, donde nada es lo que parece y lo que parece no es, donde las apariencias engañan y donde la juerga y la comedia toman el protagonismo por un tiempo en medio de las tradicionalmente severas jornadas navideñas. Si queréis pasar un rato agradable, no dudéis en asistir a esta fabulosa representación.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Circol Maldà/Información sobre Nit de reis

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4 mirades / shakespeare&marlowe (I): “Hamlet”, la tragedia eterna.

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Hace algunos días asistimos en la Sala Atrium de Barcelona a la excelente versión del clásico shakespiriano, y acaso la obra más representada de todos los tiempos, “Hamlet”, de William Shakespeare, la tragedia del príncipe danés que ya relatara el historiador del siglo XIII Saxo Grammaticus en sus crónicas de ese reino; pero  Hamlet excede ampliamente esa añeja crónica para adentrarse, con un hondo rigor conceptual,  en un universo onírico,  con deliciosos elementos precursores de lo gótico:  fantasmas, sepultureros y melancólicas ensoñaciones. 

La versión que presenciamos, traducida por Joan Sellent, con dramaturgia y dirección de Raimon Molins y Marc Chornet e interpretada por Alba José, Marc Rius, Xavi Torra, Clara de Ramon, Toni Guillemat, Raimon Molins (que interpreta a Hamlet) y la voz en off de Lluís Marco, y producida por Atrium Produccions y Nau Ivanow, con la colaboración del Ayuntamiento de Tarragona, nos ha encantado por su naturalidad y el dinamismo con el que trata sus densos temas. Completan la ficha artística la escenografía e imagen de Marc Chornet, la asesoría de movimiento de Maria Salarich (muy destacables en la obra, pues son muy innovadoras y originales), el vestuario de Gloria Viguer y el diseño de luces de Justo Gallego.

La obra forma parte de la ruta 4 mirades / shakespeare&marlowe, en la que cuatro salas proponen al público cuatro miradas particulares para descubrir el teatro británico de los siglos  XVI y XVII, mini ciclo en el que también participan el Círcol Maldà, con “Nit de reis”, el  TeatreTantarantana con ‘Eduard II‘ y el Teatre Akadèmia y su “Com us plagui” (“As you like it”).

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Al inicio de la representación, ya sorprende al espectador “Hey Boy Hey Girl” de The Chemical Brothers y los personajes bailan al ritmo frenético de esta famosa canción de los años 90. El público está expectante. Este “Hamlet” no va a ser nada convencional…

El escenario, cuidadosamente diseñado en forma de una tarima alargada de madera con diferentes módulos correderos que se van desplazando para dar lugar a los diferentes espacios de representación, tiene  la virtud de concentrar visualmente la obra, despojándola así de detalles superfluos y permitiendo al espectador  centrarse en los dialógos y en la tensión dramática.

“Hamlet” nos enseña que la aparentemente aséptica maquinaria del Estado esconde en realidad una trama de intereses personales que desmienten de forma rotunda esa supuesta neutralidad. La monarquía absoluta no ejerce así el poder divino que se le suponía, sino el prosaíco poder terrenal, dominado por la voluntad de dominar, de poseer y de decidir.  Quien osa levantarse contra ese poder, quien pretende denunciar sus oscuras y a veces criminales maniobras,  es atacado arteramente, de forma sutil, para que aparezca a ojos de los demás como un pobre diablo demente al que hay que desterrar.

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Eso es lo que hace de Hamlet una obra intemporal, que ha podido representarse a lo largo de los siglos y suscitado idéntico interés; la lucha de quien trata de reparar una injusticia topa contra el muro del poder, que destruye a quien osa levantar su voz, tachándolo de perturbado.

En efecto, Hamlet es el único que adivina lo sucedido para que el rey pudiera casarse con su madre, el terrible crimen que ese matrimonio encierra. Y, cuando empieza a revolverse, a intentar denunciar ese delito, es cuando es tratado de loco y demente primero, después alejado y finalmente, ya sin ambages, tratado de asesinar.

Raimon Molins en su creíble papel de Hamlet proporciona, con sus monólogos llenos de la rabia y desesperación de quien se sabe solo, un excelente hilo conductor para las escenas más elocuentes de la obra: los diálogos con Ofelia,  la escena de la alcoba de Gertrudis, donde Hamlet mata por error a Polonio, la representación de los actores itinerantes ante el rey Claudio (interpretado por un convincente Marc Rius) los sepultureros,  el funeral de Ofelia, el duelo entre Hamlet y Laertes… clásicas piezas magistrales en las que Marc Chornet y Raimon Molins consiguen dotar de dinamismo a una obra de por sí densa; el despotismo del rey, la pusilanimidad de la madre, la nobleza del amigo, todo se nos presenta en rápida sucesión sin dejarnos indiferentes.

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Las implicaciones de la obra, ya sean psicológicas, con ese debatirse del protagonista entre su deseo de venganza y sus obligaciones morales, ya sean políticas (parece ser que Shakespeare se inspiró en relevantes figuras de la época) o filosóficas (el existencialista “ser o no ser” entre otras muchas referencias) son enormes y pueden dar para muchos estudios que exceden de esta modesta reseña.

En resumen, una acertadísima adaptación de esta tragedia eterna que sin duda alguna recomendamos.

Próximamente seguiremos reseñando el resto de las obras de la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe.

Actualización: “Hamlet” regresa a la Sala Atrium. La obra estará en cartel del 22 de diciembre de 2015 al 3 de enero de 2016 en catalán y del 7 al 17 de enero de 2016 en castellano.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Atrium-Teatre Barcelona/Información sobre Hamlet

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Led Zeppelin: “Led Zeppelin IV”, reedición de una de las obras definitivas del Rock.

Tras la reedición hace unos meses de “I”,” II” y “III”, los primeros tres discos de Led Zeppelin, acaba de hacerse lo mismo con los dos siguientes álbumes de la banda, “Led Zeppelin IV” y “Houses of the holy”.  Aprovechando la ocasión, hemos querido rendir tributo a la mítica banda británica centrando nuestra atención en “Led Zeppelin IV”, su disco probablemente más popular, dando cuenta de él (con el ánimo historicista que caracteriza este blog), como ya hemos hecho con otros grandes álbumes de la música popular como “Berlín” (1973) de Lou Reed, “OK Computer” (1997) de Radiohead, y “Green” (1988) de R.E. M.

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Publicado el 8 de noviembre de 1971, “Led Zeppelin IV”, o “Zoso”, o “Runes”, o sencillamente “IV” como es conocido también el disco, es, no solo el trabajo más famoso de la banda, si no una de los álbumes más vendidos de la historia. Su importancia, con todo, no radica tanto en eso, como en su indudable calidad y en el hecho que en sus surcos encontremos casi todo el gran espectro musical que la banda llegó a abarcar a lo largo de su carrera. Y es que, más allá de los tópicos, y del hecho que Led Zeppelin sean comúnmente considerados (junto a  Black Sabbath) como los padres de la música Heavy-Rock, lo cierto es que se trata de una banda cuya influencia se deja notar, aun hoy en día, en toda clase de estilos y en artistas con personalidades musicales muy diversas.

“Led Zeppelin IV” surgió en parte como respuesta a la templada acogida que público y, especialmente, crítica, había dispensado a su anterior disco, el igualmente brillante en realidad “Led Zeppelin III”. Si en ese trabajo el grupo formado por Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo/teclados) y John Bonham (batería), había profundizado en sus raíces blues y, sobre todo, folk, en “IV” quisieron expandir su sonido, yendo en distintas direcciones sin por ello dejar de lado una idea conceptual; una uniformidad (a la que no es ajena la excelente producción a cargo del propio Jimmy Page) que da un valor de obra compacta al disco.LedZeppelin2

Como hemos dicho, el álbum es conocido de diversas formas, principalmente como “Led Zeppelin IV”, siguiendo la estela de los anteriores trabajos del grupo que habían sido numerados partiendo del nombre de la formación, pero lo cierto es que, a diferencia de esos tres primeros discos, el trabajo no lucía ningún título explícito en su portada. Únicamente vemos, en el lomo de ésta, cuatro símbolos. Con el tiempo, el grupo dio a conocer que cada uno de ellos representaba a uno de los miembros de la banda.  Por lo demás, la imagen del hombre mayor cargando ramas que contemplamos en la carpeta del disco pertenece a una lámina que Robert Plant había comprado en una chatarrería en la población de Reading. Al grupo le gustó la idea de que fuera lo más destacado de la portada del álbum; enmarcada y colgada en una pared de aspecto mugriento, lo consideraron una representación de “lo antiguo en un edificio derruido, con lo nuevo surgiendo por detrás”, según palabras de Jimmy Page.

Musicalmente, como se ha apuntado, el disco viraba en diferentes direcciones sin perder por ello un mínimo de consistencia. Desde el blues-rock poderoso y de letra explícita que es “Black dog” con el que se inicia el trabajo, pasando por el homenaje al rock n´roll primigenio que se titula precisamente así “Rock n´Roll”, o la nueva revisión de las influencias folk-célticas del grupo en un tema como “The battle of evermore”, así como el boogie de “Misty monuntain hop”, el sonido acústico de la preciosa “Going to california”, la matizada psicodelia de “Four sticks”, o la energía rítmica del último corte del álbum “When the levee breaks”; toda la obra respira una frescura que la convierte en un título atemporal e imprescindible para entender el devenir de la música popular a posteriori.

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Mención aparte merece, por supuesto, “Stairway to heaven”, una canción que es un universo en sí misma, y que, dejando a un lado su sobreexposición, sigue considerándose justamente como uno de los momentos cumbre de la historia del rock. Compuesta musicalmente durante un largo periodo de tiempo por Jimmy Page, su letra fue escrita por Robert Plant inspirándose en el libro de Lewis Spence, “Magic arts in Celtic Britain”. Sobre su significado existen muchas interpretaciones, incluyendo alguna tan delirante como que hay un mensaje satanista implícito en ella. Lo cierto es que es una letra llena de misterio, aunque Robert Plant ha apuntado en alguna ocasión al hecho que quiso hacer referencia sobre todo a las Fiestas de Primavera, “cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año”. Musicalmente consta de dos partes diferenciadas: una primera semiacústica de tintes casi medievales que incluye el uso de instrumentos como la flauta y con una sentimiento melancólico que inunda completamente su melodía, y un segundo tramo de carácter épico con una extraordinaria labor en la guitarra de Page, bien acompañado por la expresiva voz de Plant y la contundencia del imbatible combo rítmico que formaron John Paul Jones y el malogrado John Bonham.

La reedición del disco, al igual que ocurre con los otros álbumes de la banda que han ido apareciendo en nuevas publicaciones recientemente, viene cargada de extras, remezclas distintas y algún descarte de las sesiones de grabación, además de textos y fotografías inéditas en su libreto interior. En el futuro está previsto que se siga reeditando en la misma línea el resto de la discografía del grupo.

Terminamos esta entrada de nuestro blog instándoos a que aprovechéis las fechas navideñas en ciernes para escuchar o reescuchar esta obra imperecedera, enigmática y llena de belleza, que es “Led Zeppelin IV”.

Ricard.

Os dejamos con una versión en directo de “Stairway to heaven”:

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“Watching Peeping Tom”: Observando al padre.

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Hace unos días asistimos en el marco del festival Temporada Alta de Girona, al espectáculo -en forma de conferencia teatralizada- dirigido por Alicia Gorina, “Watching Peeping Tom”, cuyo protagonista es, en su debut como actor, su padre, el conocido crítico cinematográfico y muchos años director del Festival de Cine Fantàstic de Sitges, Àlex Gorina.

El montaje, que se representó en la Sala La Planeta, nos presenta un supuesto ensayo general de la obra, en la que Alex Gorina dialoga con su hija Alicia (papel interpretado por la actriz Patricia Mendoza) sobre la legendaria película “Peeping Tom” (“Voyeur”, en traducción libre), emblemático film dirigido en 1960 por el británico  Michael Powell.

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De hecho, para disfrutar de la obra es casi imprescindible haber visto la película, y por eso se proyectaba unas horas antes en los Cines Truffaut de la misma ciudad de Girona.

Con un estilo muy ameno, Àlex Gorina se representa a si mismo y nos hace una muy interesante exposición de la película, explicándonos algunos de sus secretos.

La película provocó una gran conmoción en la Gran Bretaña de los 60, que podía estar preparada para revolucionarios amables como los Beatles pero no para una película que fue catalogada de perversa y escandalosa. La película es una de las primeras de la historia del cine en centrarse en un psychokiller, pero va más alla, ya que se adelanta a los tiempos de Youtube en que casi todo está a la vista de todos, al presentarnos a un particular voyeur con una desmedida afición por grabar con su cámara.  No vamos a hacer una disertación sobre la película porque precisamente es lo que, con mucho más conocimiento que nosotros, ya hace Àlex Gorina en la obra.

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En la representación, Alicia Gorina también hace de voyeur de su padre: parapetada tras la actriz que hace de ella misma, entre bambalinas, observa cómo actúa su padre, quien conoce esta observación; el dialógo con la actriz es en realidad con Alicia, en esa doble faceta de la severa mirada de la directora y la intimista relación con la hija.

Como en la película, en que el mirón es a su vez observado por el público que es a la vez interpelado por el protagonista, en la obra el afamado crítico es contemplado por el espectador y desprovisto de su habitual papel de autoridad en la materia para ser visto como el actor primerizo que recibe instrucciones y cuya intimidad en cuanto a la relación con su hija es expuesta a la vista de todos. La cámara de la actriz-hija se posa inmisericorde en el rostro de Àlex, a quien se filma desde todos los ángulos posibles, y a quien ya no se permite esconder bajo la máscara de la autoridad o de la sabiduría… Y en esa exposición, en esa disección más del crítico que de la película, se produce el diálogo entre cine y teatro, entre las respectivas ocupaciones de padre e hija.

La producción del espectáculo ha ido a cargo de Indi Gest, de la iluminación se ha encargado Raimon Rius, y esperamos ver próximamente el espectáculo en el espacio donde se desarrolló, La Seca Espai Brossa.

“Watching Peeping Tom” se ha podido ver en La Seca Espai Brossa de Barcelona desde el 9 al 27 de marzo de 2016.

Actualización: Vuelve “Watching Peeping Tom” a Barcelona. Estará en Sala Atrium del 29 de junio al 9 de julio de 2017, dentro del ciclo de creación escénica DespertaLab. La obra sigue renovándose e incorpora finales alternativos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Festival Temporada Alta/Información sobre Watching Peeping Tom

Web de La Seca Espai Brossa

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