Archivo de la categoría: Teatro y Danza

“Solitud”: Narrativa visual.

solitud 1

Hemos tenido la oportunidad de asistir antes de la suspensión de las actuaciones por la alarma sanitaria a esta deliciosa Solitud basada en el clásico de Caterina Albert i Paradis (Victor Català), adaptada por Albert Arribas y dirigida por Alicia Gorina.

El recurso utilizado en esta ocasión para trasladar al público el clásico de Caterina Albert ha consistido en respetar el texto, repleto de giros dialectales, barroquismo romántico  y simbología; hubiera sido una lástima que se perdiera semejante riqueza idiomática y así la técnica aplicada ha consistido en que los actores y actrices, a modo de lectura teatralizada, narraran el texto.

Pero el recurso narrativo tiene un acompañamiento visual muy acertado, la escenografia de Sílvia Delagneau, con un escenario modular que va cambiando al mismo modo orgánico del relato, la iluminación de Raimon Rius, con esos tonos anaranjados y ocres que transmiten melancolía, el vestuario de Barbara Glaenzel que ha optado por el realismo, dan al relato una cadencia mágica, intimista, que contrasta con la crudeza del relato, ese romanticismo repleto de bajas pasiones, oscuros secretos y soterrada violencia.

solitud 2

La protagonista de la historia es Mila (gran María Ribera), la muchacha que llega cargada de ilusiones al campo y que poco a poco va perdiendo la inocencia al contemplar cómo su marido Maties (Oriol Guinart) se revela una persona holgazana y miserable, que dedica mil recursos a sacar dinero del culto al santo de la ermita y que se aúna con el oscuro Ánima (Pepo Blasco) para entregarse al vicio del juego y a cosas peores. La única brizna de aire fresco es el pastor (Pol López), personaje que da el contrapunto al cargado ambiente de la ermita y que jugará un papel importante en el desenlace. Una historia de formación, una reivindicación de lo femenino (resulta muy significativo que el único hombre virtuoso del relato carezca de virilidad, de lo que se queja amargamente Mila).

solitud 3

Esperamos que pase esta crisis y que vuelva pronto a los escenarios.

LO MEJOR DE LA OBRA: El meticuloso respeto al texto original y el excelente Pol López, que habla todo el rato en dialecto pirenaico (aunque al parecer la montaña en la que se inspiró Caterina Albert estaba cerca de Torroella de Montgrí), con rondalla a los espectadores en un ingenioso entreacto, incluída.

LO PEOR DE LA OBRA:   A veces el recurso visual al continuo devenir orgánico del escenario, con los operarios reales del teatro en continuo montaje, distrae un poco, aunque quién sabe si se ha buscado ese efecto como de sombras que acompañan a los protagonistas en su evolución.

Ignasi.

Deja un comentario

Archivado bajo Literatura y Cómic, Teatro y Danza

“Ànsia (Crave)”: La angustia inevitable.

ANSIA_horizontal-400x270

Hemos asistido en la Sala Atrium a esta inquietante obra de Sarah Kane, de quien ya os hablamos cuando se estrenó ‘Blasted’ en el TNC (dirigida por Alicia Gorina, ver entrada).

Producida por Cia La Salamandra (“Hamlet/Segismundo” en coproducción con Cia Ensemble), con dirección de Loredana Volpe e interpretada por Chap Rodríguez Rosell (también traductor del texto), Anna Casas, Patricia Mendoza y Xavier Pàmies (también ayudante de dirección), la obra es el reflejo de una vida convulsa. La autora (se suicidó a los 28 años) nos presenta este extraño y sombrío monólogo a cuatro voces donde los protagonistas desgranan experiencias traumáticas (acoso -desde el punto de vista del acosador- , maltratos, abusos sexuales, relaciones tóxicas,  trastornos mentales) con un tono resignado, a veces monótono,  desconectados de sus experiencias…, como si de una letanía o un coro fúnebre se tratara, impresión reforzada por el uso de diversos idiomas en el escenario.

teatre_crave_ansia_05

El montaje es sencillo, crudo, en un escenario desnudo con las impactantes luces de Daniel Gener, con los cuatro actores y actrices sin interacción alguna más que la casual coincidencia de temática o ambientación de las tristes historias que evocan y que les deshumanizan y les convierten en víctimas de sus experiencias.

El texto tiene partes brillantes (el acosador encarnado por Chap Rodriguez quien además es el traductor del texto, que narra cómo la atracción y amor puede degenerar en incomprensión y falta de aceptación de la realidad, el penoso relato de los abusos que cortan como una sierra  las brumas de la infancia, la dificil relación con la madre, una violación…) y partes más ininiteligibles, aunque siempre transmite esa desazón, ese revivir el pasado que emponzoña el presente y esa disociación entre lo vivido y la forma casi aséptica de expresarlo.  Sin duda alguna el título no puede estar mejor escogido, esa ansia, ese intranquilidad de espíritu y ese sentimiento de culpa aunque hayas sido la víctima y no el verdugo.

teatre_crave_ansia_03

LO MEJOR DE LA OBRA: El excelente texto de la dramaturga muy bien dirigidido por Loredana Volpe (también poeta, y aquí justamente estamos ante uno de los textos más poéticos de Kane), con momentos realmente brillantes, el monólogo y la traducción de Chap Rodríguez y en general una excelente interpretación de los actores y actrices.  El tono lejano y aséptico que la continua alternancia de voces, los diferentes idiomas y la ausencia de escenario imponen a la obra.

LO PEOR DE LA OBRA: En ocasiones algo oscura e ininteligible. Pero esto justamente puede añadir esa necesaria inquietud que se crea entre el público.

Ànsia (Crave)” estará en Sala Atrium hasta el 19 de enero de 2020.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al trailer:

Deja un comentario

Archivado bajo Literatura y Cómic, Teatro y Danza

“Money”: El dinero mueve el mundo.

money cartel 4

Hay muchas cosas que se pueden hacer por dinero, para conseguirlo, para conservarlo o incluso para rechazarlo. “Money” de Sergio López, interpretada por Felipe Cabezas y Albert Requena, nos habla de aquello que mueve el mundo capitalista en el que vivimos.

Tres relatos que se entrecruzan con gran agilidad, algún sketch intercalado, seis personajes que los protagonizan y un gran número de secundarios. Y mucho humor, mucho. Y muy negro. El espectáculo, de una duración adecuada, vuela en manos de los intérpretes… el realismo de las dos primeras historias liga muy bien con el existencialismo de la tercera, y cuando se dispara la imaginación en los personajes, un mundo surreal se apodera de la escena.

El papel de los bancos, la desesperación de no llegar a fin de mes, la locura de ganar un premio, la inexorable llegada a la muerte, son temas cotidianos que afectan a gran parte de la población. Al público le pedimos que se olvide por un momento de la seriedad con que nos afectan y tratamos estos temas y se deje llevar por “Money”… valdrá la pena.

Money-27-700x467

La obra estará en cartel en la Sala Fènix (es una producción de esta sala) del Raval de Barcelona hasta el 22 de diciembre. Actualización: “Money” prorroga los días 28 y 29 de diciembre!

Excelente interpretación, grandes dosis de humor, lenguaje cercano al cinematográfico, son elementos que convierten a “Money” en un espectáculo atractivo y muy agradable. Hay una gran crítica social y humana tras el acertado texto de Sergio López. Esperamos que el equipo artístico siga trabajando en más proyectos.

Laura Clemente.

Web de Sala Fènix – información sobre “Money”

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza

“La plaça del diamant”: Años que valen una vida.

plaça 1

Dirigida y adaptada por Paco Mir y producida por la compañía Eòlia, nos ha encantado esta soberbia adaptación dramatúrgica de la obra más conocida de Mercè Rodoreda. Carla Pueyo y Nuria Bonet dan vida a una tierna Colometa, mientras que Uri Callau toma el papel de Quimet, con excelentes interpretaciones de todos ellos.

Se nota la mano del Tricicle en la concepción escénica del espectáculos, con los actores y actrices continuamente entrando y saliendo por los laterales, recurso que, constatamos, no solamente sirve para teatro mímico sino también para dramas como esta obra.plaça 2

El espectáculo traslada al espectador el silencioso sufrimiento de Colometa, casada con el machista, histriónico, egoísta e irreflexivo Quimet, que no contento con fiscalizarla y maltratarla, la acaba embarcando en un absurdo proyecto de cría de palomas que fracasa estrepitosamente (es de suponer que, en la simbología rodorediana la obsesión con las palomas de Quimet sea una referencia a la expresión catalana “fer volar coloms” como paradigma de la ensoñación, lo poco práctico y lo disparatado)

Y a partir de ese matrimonio desgraciado, de ese marido que lejos de aportar cordura y solidez al hogar, aporta insensatez y riesgo, la obra nos muestra el discurrir de la vida de Colometa, el nacimiento de sus hijos, el advenimiento de la República, la guerra, la durísima postguerra….

El montaje transmite perfectamente ese contraste entre los sueños de Colometa, ese inicio con la escena de la verbena, ilusionante y esperanzador, y la amarga realidad que primero se insinúa con los primeros signos de alarma del caracter de Quimet, se afianza con la angustiosa llegada del primer hijo y se consolida con la guerra. Todo ello, con el elenco de personajes que lo acompañan y consuelan a Colometa, la vecina (Georgina Llauradó), el amigo (Fran Lahera), los rancios señores de la casa donde va a servir Colometa (en un excelente desdoblamiento también Bonet y Lahera).

plaça3

Los acontecimientos pasan raudos, como a cámara rápida, casi sin advertirlo, como pasa la vida misma.

Cómo bálsamo sanador , como paréntesis breve, el droguero (magnífico Rai Borrell), que proporciona a la Colometa madura (otro acertadísimo desdoblamiento entre Pueyo y Bonet) algo de estabilidad. Pero finalmente, aprendemos, todo vuelve a aquella verbena en la Plaça del Diamant, a aquellos años duros que modelaron su carácter y de los que ya nunca podrá escapar.

LO MEJOR DE LA OBRA: Todo, desde la extraordinaria interpretación de los actores y actrices, a la atmósfera de ensoñación subrayada por las continuas entradas de los personajes y una muy acertada iluminación de Ignasi Morros, así como el vestuario y escenografía de Jordi Bulbena, como los desdoblamientos que confieren una gran plasticidad y dinamismo, y en fin el diseño sonoro de Ricardo González. Es una obra imprescindible esta temporada para quien quiera conocer y / o recrear el universo de Rodoreda.

LO PEOR DE LA OBRA: Cuesta realmente encontrarle algún pero, como no sea que no será apta para quien quiera montajes no naturalistas o para quien guste de innovaciones dramatúrgicas.

La Plaça del diamant” estará hasta el 3 de noviembre en el Teatre Poliorama.

Ignasi.

Os dejamos un enlace a un tráiler de la obra:

Deja un comentario

Archivado bajo Literatura y Cómic, Teatro y Danza

“Assaig sobre la lucidesa”: Amarga visión de la política.

 

assaig lucidesa 1

Producida por la compañía La Danesa, adaptada por Jumon Erra y dirigida por Roger Julià, este “Assaig sobre la lucidesa” a partir de la obra homónima de José Saramago, al que hemos asistido hace poco en el Teatre Akadèmia, no puede dejar a nadie indiferente. Sobre todo porque es imposible no reconocer en ella muchos de los reproches que se formulan a los políticos.

En efecto, partiendo de un desconcertante suceso en que los electores votan masivamente en blanco en unas elecciones menores, la obra disecciona sin piedad el círculo vicioso que generan los políticos a partir de ese hecho.  Porque la reacción de las autoridades no es la que sería éticamente esperable, es decir preguntarse qué es lo que ha desengañado a los electores hasta el punto de votar en blanco, sino  desencadenar una suerte de venganza contra quienes al parecer les niegan el derecho a seguir disfrutando de sus prebendas y poder.

assaig 3

Un excelente Xavier Casán da vida a un primer ministro histérico, hipócrita y mentiroso, a quien sus electores le importan poco o nada, con tal de que lo voten.

Su acólito el Ministro del Interior (un fínisimo Xavier Torra) tampoco duda un instante en hacer uso de todos los medios a su alcance para acallar la disidencia.  Porque de eso va el espectáculo: de la lucha despiadada que emprenden los políticos contra sus electores, de la cruel persecución a que los someten por haber cometido el sacrilegio de no seguir el plan que tenían diseñado para ellos:  votarlos rutinariamente cada cuatro años, sin preguntas, controles ni reproches.

assaigsobrelalucidesa.jpg

Cuando los electores se niegan a seguir ese plan que les ha sido trazado la respuesta es simplemente la vendetta mafiosa y la búsqueda de chivos expiatorios, como la pobre mujer (encarnada por Júlia Santacana) que es acusada de, con su lucidez, haber desencadenado el ataque al sistema.

El alcalde (magnético Marc Pujol), es el que navega a través de los otros. Al principio es manipulado por los gobernantes más altos y va alcanzando lucidez, despojándose de su traje de político y ganando humanidad a medida que va avanzando la obra. Y el maestro de ceremonias, portavoz del gobierno, etc., personaje caleidoscópico interpretado con mucha energía por Elena Fortuny (también productora ejecutiva), va hilvanando la historia y va desvelando la trama al espectador.

josesaramago

Así pues la obra no puede estar más de actualidad, en unos momentos especialmente convulsos en que mucha gente reacciona con rabia y desencanto contra los políticos, a quienes a menudo se ve como personas que anteponen sus intereses al bien común. Este texto, que conceptúa la política como una especie de coto de caza en que las piezas son los electores, se nos antoja imprescindible.

“Assaig sobre la lucidesa” estará en el Teatre Akadèmia hasta el 13 de octubre.

PROS DE LA OBRA:  La brillante interpretación de los protagonistas y la acertada adaptación del texto de Saramago de Jumon Erra y dramaturgia conjunta de Roger Julià (el director) y Jumon Erra. Como siempre, Sylvia Kuchinow realiza un gran trabajo en la iluminación.

CONTRAS DE LA OBRA:  El escenario inexistente (tal vez nos hubiera gustado algún montaje escénico).

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “Assaig sobre la lucidesa”

Os dejamos un enlace a tráiler:

2 comentarios

Archivado bajo Teatro y Danza

“Persones potencialment perilloses”: El peligro eres tú.

persones 1

Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a la previa de “Persones potencialment Perilloses“, escrita y dirigida por Roger Torns, con producción de la compañía Produït per H.I.I.I.T.

Una obra de apariencia inicial muy costumbrista, que nos retrata una familia compuesta por la madre (Romina Cocca), el hijo (David López), la hija (Laura Daza) y el yerno (Alex Sanz), en un pueblo cualquiera. Los hijos son hermanos pero de padres distintos; el regreso del hijo tras una ruptura sentimental rompe la armonía entre madre e hija , ya habituadas a estar solas.

En seguida vemos que el hijo tiene un modo de ver las cosas y de actuar como mínimo diferentes a la de su familia. Y no sólo a las de su familia; el novio de la hija es el contrapunto a su hermano. Donde él es rígido, éste es flexible. Donde él es convencional, éste es bohemio. Donde, en fin, él es agresivo, éste es pacífico.

Un incidente en principio banal desata un drama enorme en la familia. Un drama que hace que todos se presenten en su verdadero rostro.

A partir de esa situación, la obra toca diversos temas, desde la violencia de género, la dicotomía entre vocación y pragmatismo, el enfrentamiento entre el dogmatismo y la tolerancia, las nuevas formas de familia con los problemas de convivencia que plantean, e incluso la dualidad pueblo-ciudad, el vínculo con la tierra en que nacemos y el de la desvinculación como camino para seguir adelante con nuestros sueños.

persones 2

En definitiva, es una obra muy ágil que plantea por boca de actores y actrices un acertado diálogo entre los diversos puntos de vista sobre esos temas, y que de modo inevitable hace posicionarse al espectador.

También puede tener una interpretación mas literal en clave política. A nosotros en particular nos parece algo ligera y reduccionista la denominación “fascista” por extensión a todo el mundo que no tiene la visión de la realidad políticamente correcta que transmiten las redes sociales o la opinión mayoritaria en determinados ambientes, pero si hay quien prefiere una lectura política de la obra también se encontrará a gusto en el teatro.

LO MEJOR DE LA OBRA: Los textos (teatral y poético – las letras de las canciones) de Roger Torns, las grandes interpretaciones de David Lopez y Laura Daza, que hacen totalmente creíbles a esos dos hermanos tan diferentes que interpelan constantemente al espectador y de Romina Cocca, que interpreta a esa madre que está luchando por encontrar su lugar. La voz de Laura Daza.

LO PEOR DE LA OBRA: Las cuñas musicales, pese a tratarse de temas bien compuestos (por Laura Daza y Alex Marteen), nos ha parecido que no acababan de encajar.

#personespotencialmentperilloses (#ppp) estará en el Teatre Tantarantana hasta el 22 de septiembre.

Enlace a trailer de la obra:

Web del Teatre Tantarantana – Informació sobre “Persones potencialment perilloses”

Ignasi y Laura.

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza

“Tancats”: Encerrados en la familia.

tancats 1

Hemos podido ver en el Teatre Gaudí de Barcelona esta comedia adaptada y dirigida por uno de nuestros directores favoritos, Oscar Molina, aquél de cuya pasión por el teatro os hablábamos en una de nuestras primeras entradas, hace ya siete años:

Y del que hemos podido disfrutar de sus obras en diferentes teatros de nuestra ciudad.

En esta ocasión, ha dirigido al actor y también autor de la obra Gal Soler en una comedia muy bien articulada en la que los actores y actrices toman más de un papel -recurso dramatúrgico que nos encanta pues confiere a la obra mucha plasticidad-.

tancats 2

La excusa argumental es presentarnos a una familia de la burguesía fabril catalana, los Fuster, cuya cabeza de familia , la viuda (genial Angela Jove) pretende dar un giro notarial a sus últimas voluntades ante la histeria de sus tres angelicales descendientes, Pilar (Silvia Aranda), la yuppie sin escrúpulos, Narcís (el propio Gal Soler), depredador de empleadas, y Joan (Rubén Serrano) que aunque quiere aparentar alejarse moralmente de la familia, sigue con igual interés que los demás los avatares testamentarios de la digna madre.

La comedia, con el acertado recurso a una serie de cuadros escénicos con el ascensor como denominador común, va desgranando con sarcasmo las miserias que se ocultan tras la apariencia intachable de la familia, hurgando con ironía en el divorcio entre la apariencia y la realidad, el qué dirán, las convenciones, el anhelo por el todopoderoso Don Dinero…

TANCATS 3

Con el poliédrico recurso que ya hemos comentado del desdoblamiento de personajes, el espectáculo caricaturiza con acierto repartiendo estocadas sobre la homofobia, el nacionalismo, el papel de los inmigrantes (deliciosa actuación de Marieta Sanchez como cuidadora (¿adivinan de qué orígen?), el capitalismo, la sexualidad… Todo ello sin perder el tono de comedia de situación costumbrista, con puntos de histrionismo y algunas pinceladas dramáticas.

PROS DE LA OBRA: Ideal para aquellos que no quieren surcar aguas demasiado profundas en las tórridas noches del verano barcelonés, y que prefieren que les corra la brisa escénica. Como decimos, es una obra ágil y con mucho ritmo y dinamismo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien busque grandes montajes escénicos, alambicadas simbologías o alturas conceptuales.

La obra estará en escena hasta el 11 de agosto.

Ignasi y Laura.

2 comentarios

Archivado bajo Teatro y Danza

La cabra o Qui és la Sylvia?: Los límites de la familia.

cabra 1

Hemos asistido en la joven sala Cincómonos de Barcelona a esta sugerente obra del prolífico dramaturgo estadounidense  Edward Albee (conocido sobre todo en nuestro país por “Who’s afraid of Virginia Woolf?) , de la compañía CorEnllà Teatre y dirigida por Marta Roset y David Gómez. 

Un acomodado matrimonio de un buen barrio (Miquel Andrés y Anna Viñallonga); la mujer recibe una carta de un amigo (Xavi Hernández),  una carta que le descubre una parte oculta y muy especial de su marido.

cabra 3

La obra nos presenta la crisis que desencadena la carta y a partir de ahí una reflexión sobre los límites entre lo que es tolerable en la sexualidad y lo que no, sobre dónde acaba el disfrute y comienza la perturbación mental.   Y con ese trasfondo, todo lo que supone para una familia un acto de ruptura del padre (genial Laura Relats en su papel de adolescente perdida en medio del tsunami que provocan las noticias).

cabra 2

No sabemos si la reconocida homosexualidad de Albee le inspiró en parte el trasfondo de la obra, si vivió algún tipo de rechazo o alguien de su entorno le hizo sentir que era una anomalía, pero desde luego el protagonista entona un canto de libertad, quiere dejar atrás prejuicios y cadenas y dejarse llevar por el torbellino emocional que experimenta.  Sin ninguna duda el debate que genera le es totalmente ajeno e indiferente.

Cautivador tono de la obra: comienza con inequívocos toques de comedia para ir derivando a drama y acabando en tragedia.  Nos ha gustado la sugerente  interpretación de Miquel Andrés que desgrana su tragedia personal con comedido tono de seminarista que choca con lo descomunal del terremoto que su revelación causa…

La obra sólo estará hasta el jueves 2 de mayo en la sala.

PROS DE LA OBRA: La profundidad de temas que toca y el tono ecléctico de su lenguaje teatral.

CONTRAS DE LA OBRA: La mezcla de tonos de comedia y drama en algún punto desconcierta al espectador.

Ignasi y Laura.

Os dejamos el enlace a la web de la sala:

Web de Cincómonos – Información sobre “La cabra o Oui es la sylvia?

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza

“Khâlid, l’heroi cosmològic”: Más allá de la guerra.

PRINCIPALTEATRE-BARCELONA-khalid-0-720x320

Hemos visto “Khâlid, l’heroi cosmològic“, poética obra de Helena Gràcia, dirigida por ella (también autora de la música) e interpretada por Aina Balasch y Adriana de Montserrat, en la Sala Atrium de Barcelona.

Khâlid es una niña de 5 años que sueña con ser astronauta. Le ha tocado nacer y vivir en Siria, en una ciudad en ruinas situada en medio del desierto, en plena guerra. Se siente querida por su familia, pero la realidad amenaza con acabar con su inocencia. Khâlid significa “eterno”, y aunque ella es una niña, dice que le sienta bien el nombre, pues quiere viajar a las estrellas, más allá de esa tierra en la que vive, tan hostil y amenazada por los “extraterrestres” (como ve ella al ejército que los quiere dominar, sea por aire o por tierra), y donde la Luna se les cae encima (una bomba les destrozó una parte de la casa).

khalid2

Khâlid está muy unida a su padre y a su abuelo. El primero la acompaña al colegio y comparte su afición por contemplar el cielo e imaginar que están viajando por el espeacio, y el segundo es especialista en inventar objetos diversos, que fascinan a su pequeña nieta.

Khâlid es muy valiente. Mucho. Y muy fuerte. Cuando su familia tiene que partir de casa, amenazada por las bombas (se estaba cayendo a trozos), y se tiene que separar de su abuelo, se va convirtiendo en una pequeña heroina. Y tal vez se convierta ella misma en una estrella, o se vaya a vivir a otra galaxia.

Hermosa historia de una joven autora catalana que sorprende porque parece que se haya escrito desde el otro lado del Mediterráneo. Justamente hace poco la que suscribe este artículo ha entrevistado al escritor palestino Mazen Maarouf (en breve publicaremos un artículo sobre él) en ocasión de su libro “Acudits per a milicians” (Ed. Navona)/ “Chistes para milicianos” (Alianza Editorial) y es maravilloso encontrar coincidencias, como el uso de una deliciosa y cálida imaginación para explicar la dureza de la guerra, la perspectiva de contar la historia desde los ojos de la infancia, y de cómo ésta puede ver truncada su inocencia por vivir tan cruda realidad.

PROS DE LA OBRA: Nos encontramos ante un texto excelente, cercano a la narrativa oriental, y a una autora y directora que además es también DJ en escena y creadora de la música. Las actrices, fabulosas. Enhorabuena a Helena Gràcia, Aina Balasch y Adriana de Montserrat! Y el equipo artistico que la acompaña redondea de forma fantástica la propuesta.

khalid3

Helena Gràcia, autora, directora y creadora de la música de “Khâlid”.

CONTRAS DE LA OBRA: Que esté tan poco tiempo en cartel. Sólo hasta el domingo 14 de abril en Sala Atrium. Esperamos que vuelva en breve!

“Khâlid, l’heroi cosmològic” es, en definitiva, una de las sorpresas teatrales más gratas que nos hemos encontrado en estos últimos tiempos.

Laura Clemente.

Web de Sala Atrium – Información sobre “Khâlid”

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza

“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

akelarre 1

Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

akelarre 2

La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

Deja un comentario

Archivado bajo Música, Teatro y Danza