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“Josefina la gallina, puso un huevo en la cocina”: Dar la vuelta al abuso.

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De la mano de la compañía mexicana Vaca 35 nos llega este entrañable monólogo que hemos presenciado en la Sala Atrium, protagonizado por José Rafael Flores, con dirección de Diana Magallón y con el acompañamiento del acordeón nostálgico de un magnífico Alberto Rosas.

La interpetación de Flores nos ha parecido tan sentida y entrañable, tan intensa y delicada,  que no dudamos que es cierta la historia que nos cuenta el monólogo.  A partir de una burla homófoba que sufrió el protagonista en los años de escuela,  se construye una historia tierna, cercana, donde la metáfora de la gallina subraya la fragilidad de quien se ve zarandeado por los sucesivos agresores que se encuentra en la vida, como las mujeres de Ciudad Juarez.

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La obra  es un homenaje al propio México, esa tierra de frontera entre dos mundos donde Estados Unidos exporta armas para el narco e importa migrantes en un auténtico circulo infernal de consecuencias catastróficas. Y en medio de tanta violencia, emerge una sensibilidad especial, como la de la representación, el contrapunto humano,  tierno y cuidadoso a lo macabro,  abusivo e hiriente.  Tan sensible es el protagonista que habla con cariño de los huevos que ha puesto, que conserva y nombra, como si fueran nietecitos de una abuela que se desvive por ellos.

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Y en ese trasfondo torturado de Ciudad Juarez surge sin embargo una historia de amor, que se nos hace evidente con un guiño en el escenario apenas disimulado de éste Flores a aquellas rosas.    Pocas obras nos muestran con tanta plasticidad la dicotomía entre lo humano, el histrionismo amable de un fortachón haciendo la gallina en el escenario y que cuida de sus huevecillos, y el dolor profundo del que la violencia contra gays y mujeres no es sino el reflejo. El protagonista despliega una frenética actividad en el escenario, cacarea, canta a dúo con el músico, se desnuda en parte, se pinta, se embadurna, acaba cansado pero feliz de haberse dado al público, de haberle hecho partícipe , por un rato, de su parte más íntima.

La obra se representa en la Sala Atrium hasta el 1 de julio.

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PROS DE LA OBRA: Muy recomendable para los amantes de los monólogos y de la temática gay.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien huya de lo tierno e intimista así como de lo histriónico.

Ignasi y Laura.

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“Masticar hielo”: El cinismo de la amargura.

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Nos ha encantado esta deliciosa adaptación de la compañía El Eje del clásico teatral de Edward Albee Who´s afraid of Virgina Woolf?” (cuya traducción usual al castellano como “¿Quién teme a Virgina Woolf? hace perder totalmente el sentido del original inglés, que aludía a la canción de Disney de los tres cerditos y por tanto evocaba la pérdida de las ilusiones infantiles -parece que el autor hizo el juego de palabras para no utilizar derechos de autor de Disney-).

La adaptación y dirección de Marc Ribera mantiene la idea del argumento original aunque cambia, con gran acierto, las profesiones de los protagonistas.

Marta (impresionante Mar Pawlosky) y Jorge (enorme Eric Balbás) son un matrimonio joven, ella la niña de papá hija de un afamado galerista (nos ha encantado la escenografía de Sergi Cerdan, representando un lujoso apartamento de Manhattan lleno de valiosos cuadros) y él un artista fracasado que colabora en la galería de su suegro y ha comenzado a dar clases en la universidad. Enseguida nos sorprende la inaudita virulencia con la que se dirigen el uno al otro; en especial Marta se dedica a herir verbalmente a Jorge, tratándole de perdedor, inútil, zángano y borracho, y éste, a su vez, lejos de revolverse, parece reverenciar a su arisca mujer.

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La llegada de otro matrimonio invitado,  Nuna (María Hernandez) y Nick (Jordi Samper) -ella está exponiendo en la galería del padre, él al parecer se ha tomado un año sabático para hacerle de representante-, lejos de apaciguar los ánimos, los solivianta. Marta la toma con Nuca, a la que ridiculiza sin piedad, mientras que George y Nick caen en el enfrentamiento…

Nos soprende sinceramente cómo son capaces los actores y actrices de recuperar la voz en cada representación, porque las escenas de violencia verbal -y conatos de violencia física- transcurren a voz en grito, con una extraordinaria fuerza narrativa e impacto visual.

Y poco a poco, comienza a filtrarse entre las escenas de incoherente y beoda violencia, una insidiosa inquietud… una velada alusión a un hijo ausente, que nos llevará al desenlace, tal vez algo más misericordioso con los protagonistas que el original de Albee.

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Una obra que nos habla de la amargura, de cómo muchas veces el enfado, la ira, la burla y el sexo, ocultan profundas decepciones y conflictos emocionales.

PROS DE LA OBRA:   La enérgica y sólida actuación de los protagonistas, especialmente de Mar Pawlosky, así como el lenguaje visual en ocasiones atrevido (la escena de la felación, el baile que se marca un genial Jordi Samper, con coreografía de Blanca Tolsà). El contundente ritmo de la obra, que mantiene en vilo al espectador todo el tiempo. Y la compañía El Eje, que imprime una pasión especial a su trabajo.

CONTRAS:  Tal vez el desenlace, que como hemos dicho, no deja el final tan abierto como el original y parece justificar a los protagonistas…

La obra estará en el Teatre Tantarantana hasta este domingo 3 de junio.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Masticar hielo”

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“Goldilocks”: El final de la inocencia.

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Hemos podido ver en la Sala Atrium de Barcelona una obra muy impactante: “Goldilocks“, escrita por Jaume Viñas (también ayudante de dirección), dirigida por Júlia Barceló e interpretada por Meritxell Termes y Alba Ribas.

La obra se representa hasta el 20 de mayo dentro del Ciclo de creación escénica DespertaLab, organizado por Sala Atrium y Nau Ivanow, ciclo que nació con el objetivo de dar apoyo a la creación teatral más activa y emergente y que se ha convertido en una auténtica plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas y compañías teatrales. Aplaudimos iniciativas como ésta. “Goldilocks” ha ganado el segundo premio otorgado por DespertaLab.

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“Goldilocks” es un título muy adecuado, pues tanto nos hace recordar a “Rizos de oro” (veremos que una de las protagonistas de esta obra es tan inocente como ese personaje de la literatura infantil y de los dibujos animados), como el cierre de oro de una jaula. Una jaula de oro en la que se encuentran dos jóvenes, que tanto pueden ser hermanas como haber entablado amistad en ese recinto cerrado en el que se encuentran.

Convivir durante tiempo indefinido y crecer sin ver el sol pueden ser letales. Para escapar de la cruda realidad, qué mejor que la imaginación, a través de cuentos de hadas y no tan de hadas, ciencia ficción, historias de pingüinos… estos relatos fueron apareciendo como escenas independientes, según su creador, Jaume Viñas, y luego se unieron para dar forma al texto tal como lo hemos encontrado ahora. Un texto que fue inspirado por una conferencia de Nuria Varela (escritora, experta en violencia de género, profesora y reportera autora de “Cansadas”) en la Sala Beckett de Barcelona, maravillosamente hilvanado, sin grietas, que nos lleva a estar pendientes de todo lo que sucede en ese espacio, acompañando a las dos “hermanas”. El buen hacer de la directora Júlia Barceló contribuye mucho a este excelente resultado.

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El resto del equipo artístico y el trabajo que se ha realizado, asombroso también: la escenógrafa Judit Colomer nos transporta a una casa (que recuerda a las películas “Hard Candy” de David Slade o “Split” de M. Knight Shyamalan) que podría encontrarse en las afueras de una gran ciudad, con unos sobretitulos que van marcando un compás extraño; el sobrio y a la vez bello vestuario de Núria Milà; los vídeos que van intercalándose en la historia y que provocan reacciones y emociones en el espectador, contribuyen mucho a la contundencia de la obra. En cuanto a la promoción y visualización de la obra, destacamos el gran trabajo de Martina Matencio en la fotografía.

PROS DE LA OBRA: Impacta y mantiene en vilo al espectador, gran contenido argumental bien tejido, muy visual, casi cinematográfica. Las actrices, brillantes.

CONTRAS DE LA OBRA: La verdad es que ninguno. Tal vez lo único es que no todo el público esté preparado para ver o entender la obra, pero nada más.

En definitiva, un espectáculo imprescindible que muestra el estado de buena forma que tienen los jóvenes creadores catalanes.
Laura Clemente.
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“Macbeth”: Crónica de una traición.

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Si hay un modo de representar a los clásicos que nos entusiasma particularmente es el modo sobrio y esencial,  aunque al mismo tiempo ágil y dinámico, que ha escogido la compañía Teatrebrik para representar en La Seca Espai Brossa este Macbeth adaptado y dirigido por Joan Gomez.  Cuando habla la genialidad del Bardo y los actores y actrices que lo representan tienen talento, pocos artificios son necesarios…

Shakespeare capta de modo magistral la esencia misma de la traición en su McBeth. Esa traición que todo lo corrompe, incluído la amistad, el matrimonio y  al final la propia alma de su autor.

Asistimos a una obra que empieza como una fiesta, con las noticias de las victorias cosechadas por el general en el campo de batalla, una fiesta teñida eso sí, de algunos negros augurios, como las angelicales Neus Fernández, Mireia Pairó y Paula Vilagran no parecen en un principio transmitirnos, con sus suaves voces entonando una deliciosa canción…  pero pronto adivinamos que no son ángeles, son brujas enviadas por el diablo para insuflar el odio en el corazón del general… Y esas brujas le susurran maldades, no quieren que se conforme con ser el favorito del rey, con todas las grandezas que sus triunfos le deparan…¡tienes que querer más! le dicen al oído.

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La interpretación de los actores y actrices, sobria y realista, confiere a la representación el punto justo de solemnidad y pasión que el clásico requiere:

Un gran Rafel Ferrer capta a la perfección la esencia del personaje, ese debatirse entre el compromiso conyugal, la lealtad a su rey, y la ambición, el querer ser más, y finalmente consumirse por la culpa que su monstruosidad le produce.

Tere Solà, por su parte muy convincente en el papel de rey de Escocia, encantado con los éxitos de su general frente a los noruegos, al que quiere colmar de honores y que no puede siquiera concebir la traición de que será objeto, pureza e ingenuidad frente a la maldad y la doblez.

Ingrid Calpe está también brillante en su papel de Lady Macbeth, la instigadora del crimen, la ambiciosa sin escrúpulos que azuza a su marido a cometer el acto de repugnante traición que contemplamos y quien sin embargo acaba también por derrumbarse.

Genial Salvador Durán en el papel de Macduff, el amigo que asiste al ascenso del tirano , al que primero tiene como gran amigo, aunque vemos como se va apoderando de él la sombra de la duda…

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El montaje, intimista, con una muy acertada iluminación cálida de August Viladomat y espacio sonoro de Panxii Badii (delicioso tema cantado por las brujas)  , con la acción que se desenvuelve en su práctica totalidad en un pequeño círculo central en el escenario y una pequeña tarima en el fondo, permiten que el expectador se centre exclusivamente en lo importante, en la tragedia eterna que se desarrolla ante él , ante lo que lo demás queda en anécdota.

PROS DE LA OBRA: Muy adecuada para quien desee disfrutar de un clásico sin distracciones añadidas, centrado en las emociones y conflictos internos de los protagonistas.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de los montajes grandiosos y/o aparatosos.

Estará en La Seca hasta mañana 11 de febrero.

Os dejamos enlace a trailer de la obra:

Ignasi y Laura.

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“Blasted”: Descenso al infierno de dos almas podridas.

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Hemos asistido en el Teatre Nacional de CatalunyaTNC (Sala petita) a la ópera prima de la autora británica Sarah Kane, que para hacernos una idea del tipo de teatro que tenía en mente, se sucidió a los 28 años presa de la depresión.

Todo nos ha parecido singular en esta obra: no es habitual que una autora de veinticuatro años escriba un texto de esta densidad; tampoco suele darse que un único espectáculo combine dos lenguajes teatrales opuestos, el realismo – naturalismo de la primera escena con el teatro existencialista de la segunda. Por último, no es corriente encontrar sobre un escenario un torrente de cruda violencia y que a pesar de ello no deje reducida la obra a un panfleto escandaloso. Esta disparidad es lo que hace la obra especialmente recomendable.

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La representación se inicia con toda una declaración de intenciones que el protagonista Ian (Pere Arquillué) le dedica a su acompañane Cate (Marta Ossó) “he cagat en llocs millors”, gélidas palabras que ya nos dejan adivinar la personalidad atormentada de Ian; la habitación, bien cuidada y cubierta de cortinas como las que se estilan en los salones de convenciones de los hoteles más glamurosos de la ciudad, da ella sola la réplica y pone de relieve la amargura de Ian.

El contraste entre ese periodista con ínfulas de policía, alcohólico, enfermo y egoista,  y Cate, chica a la que el contacto que tuvo con Ian años atrás no consiguió del todo torcer su inocencia, pone de relieve las diferentes motivaciones para acudir a la cita: Ian antes de su muerte que se adivina cercana, tan sólo quiere cerciorarse de que aún tiene poder sobre Cate, quien a su vez acude a la cita por ese ánimo redentor con que algunas mujeres se enamoran del hombre equivocado.

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El egoísmo de Ian queda patente en sus requerimientos sexuales  y en su incapacidad de empatía.  Esta primera escena describe un encuentro antiromántico donde la violación es a lo que la escena conduce inexorable.

Y es en ese punto donde la genialidad de la autora da un giro extraño a la obra.  De repente ya no estamos en un tranquilo hotel de provincias, donde nada sucede fuera de las desagradables paranoias de Ian y de la propia violencia diálectica y física que despliega sobre la chica; un oscuro soldado desaliñado (Blai Juanet) que no se sabe de dónde viene ni adónde va y al que le mueve al parecer el resentimiento por el asesinato de su novia, una guerra que deja el hotel reducido a escombros… todo nos hace descubrir que la miseria moral de Ian no era gran cosa comparada con el reguero de atrocidades que describe el soldado y que pone en práctica sobre Ian.  Si en las primeras críticas de la obra se habló de repugnante festival de vileza, ese tenebroso festival es precisamente a lo que asistimos en los momentos finales del soldado y del propio Ian.

Blasted/TNC-Temporada Alta

Pero la propia autora ya decía que no entendía cómo escandalizaba más la violencia del montaje que la violencia real (era la época de la guerra de Bosnia) y esta versión dirigida por Alicia Gorina, con escenografía de Silvia Delagneau e iluminación de Raimon Rius, permanece fiel a esa reflexión: elude una representación demasiado literal (la iluminación y escenografía de la primera escena son más bien cálidas, intimistas, como si pidieran perdón por lo que va pasar), el montaje se centra en elementos metafóricos (el bebé es una bolsa de agua), en elipsis (de la violación nos enteramos por las palabras de Kate o por lo que vemos al amanecer en la primera escena) y en hipérboles (la desesperación de Ian le hace escarbar la hierba y esconderse en un agujero), para crear un conjunto muy expresivo, que se centra más que en la violencia, en las causas de ella: si Ian es un perdedor que no se da cuenta de que está recogiendo lo que él mismo ha sembrado, el soldado es alguien sobrepasado por la guerra que como último recurso ante tanto dolor le queda convertirse en el peor de todos.

Recomendamos la lectura del texto en inglés (si es posible) y en catalán, editado por Arola Editors y traducido por Albert Arribas (texto al que se ciñe esta versión de la obra).

Blasted” se representará hasta el 11 de febrero y sin duda alguna la recomendamos a todos los amantes del teatro.

PROS DE LA OBRA: Obra polémica, compleja y con muchos matices que gusta mucho más tras el paso del tiempo. Deja poso en el espectador/lector y pide un público crítico, observador y reflexivo.

CONTRAS DE LA OBRA: Obra indicada para el público más exigente y amante del teatro.

Ignasi y Laura.

Web del TNC – Información sobre “Blasted”

 

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MAFIA: Delicioso gore.

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En la Sala Atrium de Barcelona hemos asistido a esta impactante y original comedia de la compañía The Mamzelles Teatre,  escrita por Bàrbara Mestanza, Paula Malia y Paula Ribó, con dirección de las propias Mestanza y Ribó.  Todo nos ha gustado en esta obra: el ingenioso argumento y cuidado decorado es acompañado por una puesta en escena que aúna  expresivo realismo con desenfreno gore y trasfondo social.

Ya desde el inicio nos sorprende gratamente un ágil diálogo en dialecto siciliano con subtítulos que nos introduce en el ambiente sureño mafioso donde se desarrolla la acción. La madre y las tres hijas esperan en la cocina de la casa el regreso de los hombres del clan, con el padre de la familia como capo. Poco a poco nos enteramos de los turbios negocios en los que está envuelta la familia y comenzamos a intuir que hay algo que no marcha… Y si al principio todas parecen empeñadas en ocultarle la verdad a la benjamina de la familia, más tarde vemos con ternura como todas se conjuran para encarar su destino.

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La trama se nos expone de forma fresca, agil: los ingeniosos diálogos entre las cuatro mujeres de sangre caliente alternan la franqueza con el espectáculo, el numerito con los reproches, las rencillas, escarnios y violentos enfrentamientos con emociones desatadas y revelación de traumas familiares.  La obra va in crescendo, los acontecimientos se suceden sin respiro hasta el banquete final, que habéis adivinado, no tendrá mucho de convencional.

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Cada una de las intérpretes presenta un perfil determinado muy marcado: Paula Ribó, la mamma, transmite una personalidad extraordinaria, ella lo organiza todo si bien se ve obligada a contar con el personaje interpretado por Júlia Molins, que da vida a la hermana más inteligente, la que no se hace ilusiones del destino que les espera y conoce perfectamente los hilos mafiosos de la localidad.  Paula Malia, por su parte, es la pequeña del grupo, la aparentemente más inocente aunque al final se une solidaria al plan fijado por el resto; a su vez, Bàrbara Mestanza encarna a la dura pandillera, la más pasional y la que tiene los nervios a flor de piel y no duda en abalanzarse, si conviene y pistola en mano, sobre su hermana pequeña.

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El conjunto de diálogos, escenas gore y puesta en escena nos ha dejado una comedia trepidante, original e ingeniosa que no dejará a nadie indiferente. Está teniendo tanto éxito que incluso han prorrogado hasta el 21 de enero.

PROS DE LA OBRA: Su agilidad de diálogos y cuidada escenografía de Equip Maap (Anna Auquer ,  Maria Auquer) y Javier Sanagustin. Los toques gore salpicados en costumbrismo siciliano confieren a la obra una gran originalidad.

CONTRAS:  No apta para estirados, melindrosos y a quien no les guste el humo del tabaco…

Os dejamos un enlace al trailer de la obra:

Esperamos que la dsfrutéis como nosotros.

Ignasi y Laura.

Web de Sala Atrium – Información sobre “MAFIA”

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“Homenaje a Federico García Lorca”: Teatro envolvente.

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Nos ha encantado la obra “Homenaje a Federico García Lorca” que estos días se representa en el Àtic22 del Teatre Tantarantana, de la mano de la jóven compañía La Coquera Teatro, fundada en 2009 por Alberto Rizzo y Adriana Raventós.

La compañía crea una atmosféra intimista e inquietante muy acorde con el universo lorquiano, con fragmentos de obras tan emblemáticas como “Mariana Pineda”, “Bodas de Sangre” (Ay luna mala, deja para el amor la oscura rama), “La Casa de Bernarda Alba”, “El Público” (con su tierna escena homosexual)… las tinieblas en que están envueltas las escenas, la cadencia de las declamaciones, el vestuario de época, todo nos traslada a una España rural presa de sus fantasmas y complejos, sus atrasos, su rígida estructura semifeudal, todo nos es presentado con rigor y cariño.

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El espectador entra de lleno en la escena (no desvelaremos los detalles) y se sumerge en la atmósfera lorquiana como en un arrullo no exento de sobresaltos.

La obra, de Alberto Rizzo, dirigida por él y Jordi Lafuente, estará hasta el día 30 de junio en el Àtic22 y la recomendamos con entusiasmo a quien desee degustar el teatro lorquiano con una presentación muy actual.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Homenaje a Federico García Lorca”

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