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“Calígula”: Las razones del mal.

 

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En el Teatre Romea de Barcelona hemos asistido a uno de los platos fuertes de la temporada: una obra sólida y extraordinariamente lúcida, este Calígula de Albert Camus dirigido por Mario Gas, relato centrado en el emperador romano de ingrato recuerdo, símbolo de lo peor de esa época, la otra cara de la moneda de la civilización fundadora de la cultura occidental, que también llevó a sus extremos el poder absoluto, la asfixia financiera de sus llamados ciudadanos, las intrigas palaciegas, los espectáculos crueles… de lo que Calígula ha pasado a la historia como paradigma.

Desde el inicio nos recibe una impactante puesta en escena, con el escenario en  pronunciado desnivel y arquitéctura aséptica en contraste con el desatado frenesí al que asistiremos,  escenario que contribuye a aumentar nuestros desasosiego;  en seguida comprendemos que el Calígula (Pablo Derqui) que anhela capturar la Luna no lo hace porque desee aprehender su belleza, sino porque no tolera ninguna limitación en su poder.

A partir de esa inicial escena, contemplamos con el corazón encogido como una persona con poder absoluto sobre la vida y la muerte de sus subalternos, experimenta con ellos la contradicción que le produce saber que obra el mal y que disfruta con ello.

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Pablo Derqui está sin duda apoteósico, enorme: su interpretación capta toda la miseria moral del personaje, que no duda en crear artificiales distinciones entre quienes van a morir: los que considera más cobardes caen los primeros, pero eso no hace que ni su amigo Quereas (Borja Espinosa), ni su antigua cuidadora Cesonia (Mónica López), ni su propio hijo Escipión (Bernat Quintana) estén completamente a salvo. Resulta fascinante el juego al que somete a un dignísimo Quereas, a quien, pese a que el emperador conoce su papel director en el complot, perdona la vida desde su bañera. Tan sólo Helicón, (David Vert), esclavo liberto, acompaña a su amo hasta el final.

La aparición de este Calígula despierta el terror entre sus corifeos, ese terror servil,  a duras penas disimulado con heladas sonrisas y vacuas lisonjas; pero Calígula sólo atiende a Calígula, quien está en continuo monólogo con su poder, su capacidad de causar el mal y su decisión de hacerlo.

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El espectáculo va pasando y nos deja con el corazón encogido: humillaciones, asesinatos, abusos, el poder absoluto no tiene ninguna limitación más allá de la imaginación del soberano. Un estudio del mal en toda regla, un experimento sobre las raíces de la crueldad, sobre el bestial placer de hacer daño.

PROS DE LA OBRA: La deslumbrante interpretación de Pablo Derqui y la acertadísima puesta en escena.

CONTRAS: No apta para estómagos delicados.

Estará en el Teatre Romea hasta el próximo 10 de diciembre.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Romea – información sobre “Calígula”

Trailer de la Obra:

 

 

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“Paquito Forever”: Homenaje a una época.

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Ya en su libro “Nits de Barcelona”, el periodista catalán de principios del siglo pasado Josep Maria Planes glosaba la intensidad del ambiente flamenco en aquella Barcelona, contando la anécdota del viajero inglés que, llegado a Sevilla y exclamándose de no encontrar espectáculos flamencos obtuvo la sorprendente respuesta de que no era de extrañar, pues estaban todos los artistas en Barcelona…

En efecto, la Barcelona de revista y cabaret,  magníficamente evocada en el exitoso “Flor de Nit” de Dagoll Dagom estrenado en 1992 y en la que el Paquitu de la obra era este  Paco Alonso,  (Joan Lluís Bozzo, director de Flor de Nit,  es ahora precisamente el narrador de la historia),   nos es representada por medio de este musical con el bailarín como protagonista  quien,  llegado de su Andalucía natal, se dió a conocer en el Paralelo de los cincuenta aunque prefirió finalmente cruzar el charco, hasta Broadway, donde alcanzó cierta fama y reconocimiento con su gran estilo personal.

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Con el oficio propio de un gran director de teatro musical como Fran Arráez, junto a Gerard Alonso, se nos presenta en el Almeria Teatre de Barcelona este “Paquito Forever” inspirado en el bailarín y “transformista” Paco Alonso. El musical ha sido creado por ambos, con libreto de Fran Arráez, dramaturgia de Fran Arráez y Frank Capdet (de la compañía Gataro), dirección de Víctor Álvaro, música y dirección musical de Gerard Alonso, letras de Fran Arráez junto a Roser Batalla, Frank Capdet y Joan Vázquez, coreografía de Bealia Guerra y coaching vocal de Helen Rowson.

Como decimos, con narración de fondo de Joan Lluís Bozzo, éste “Paquito Forever” es interpretado por un magnífico Joan Vázquez, actor, cantante, músico y bailarín de gran talento.

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Lo que más nos ha gustado del espectáculo es la gran versatilidad de su protagonista, quien aparece ataviado de la más variada indumentaria de hombre y mujer e interpreta números musicales tanto de inspiración flamenca como cabaretera, con referencias a la vida portuaria y marinera, a la enfermedad de su madre, a su aventura americana… Versatilidad acompañada en todo momento al piano por Gerard Alonso (también por Haize Lizarazu en diversas funciones). La portentosa voz de Joan Vázquez se alza majestuosa en el escenario, con un magnetismo especial y mágico, que nos transporta hasta esos años dorados del Paralelo, hasta esa ciudad cosmopolita y abierta que ni siquiera bajo el yugo del franquismo perdió su insomne y febril actividad artística. El mundo de la revista era uno de los pocos ambientes donde la opresiva atmósfera de la dictadura se relajaba con cierta indulgencia, permitiendo una serie de números de “transformismo” y picantez que quedarían vetados en otros ámbitos y que hacían las delicias del público de la postguerra. Nombre menos conocido que otros grandes del Paralelo (como el también “transformista” argentino Johnson o Escamillo), Paco Alonso merece sin duda este homenaje que con tanta ternura se nos presenta.

La obra estará en cartel en el Almeria Teatre hasta el 26 de noviembre. Actualización: “Paquito Forever” prorroga en el Almeria Teatre todos los dominogs hasta el 7 de enero.

PROS DE LA OBRA: El gran trabajo del equipo artístico al completo da como resultado una obra impecable y muy emotiva. Sin duda la calidad de la interpretación de Joan Vázquez, con su prodigiosa voz y sus dotes de bailarín.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quienes no les guste el género musical.

Ignasi y Laura.

Web de Almeria Teatre – información sobre “Paquito Forever”

 

 

 

 

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“La pell escrita”: El valor de la elección.

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Hemos podido ver en Sala Atrium de Barcelona el mónologo “La Pell Escrita“,  cuyo autor es Manel Bonany y está dirigido por Manel Dueso e interpretado por Míriam Marcet.

Se trata de un brillante monólogo donde la protagonista evoca la peculiar e intensa relación amorosa, ya truncada, que tuvo con su “nino”.  Los vendajes que envuelven a la protagonista nos hablan de heridas,  físicas y emocionales.  La actriz encarna  magistralmente la esencia de la feminidad, de una feminidad inequívoca y militante, de una consciencia rotunda y determinada; y a pesar del canto a lo individual, a la elección personal e intransferible, la obra alude igualmente al juicio de los demás, al juicio de quienes pretenden arrogarse capacidad de decidir sobre los cuerpos ajenos. Metáfora de la metáfora, porque ese arrogado y nunca otorgado papel de juez en que se encarna la muchedumbre, es esbozado en la obra por una francachela de vándalos, bosquejados de modo particularmente sádico, brutal, descarnado…  del mismo modo que  probablemente deba de sentir sobre sí la mirada de los demás (y no solamente la mirada)  quien únicamente está facultado para querer ser: uno mismo.

Pero a pesar de las dificultades, de la necesidad de reivindicación y de lucha, por encima de todo está -enseña la obra de la mano de una prodigiosa Miriam Marcet- la propia dignidad, la convicción y lo espontáneo por encima del juicio, la censura y la imposición.

Nos ha encantado la obra porque aúna la exigencia de un monólogo con una caracterización muy particular, con una temática presentada a la vez con realismo y dulzura. Miriam Marcet mima, se recrea en el personaje, que nos es presentado como en un arrullo no exento de sobresaltos; imposible no sentirse identificados con él, porque todos en un momento u otro hemos sentido la incomprensión de nuestros semejantes, el rechazo y a veces la agresión despiadada.

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En ocasión de la temática de la obra, Sala Atrium ha organizado diversos coloquios postfunción para poder debatir determinados aspectos de ella, invitando a diversas entidades y personas representativas o activistas del colectivo trans, como acertado epílogo a la representación, para poder acercarnos a las particularidades de un colectivo muchas veces desconocido.

La pieza estará hasta el 19 de noviembre en la Atrium.

PROS DE LA OBRA: Sin duda, la delicada y convincente interpretación de Miriam Marcet.

CONTRAS:  No apta para quien le resulten desagradables las evocaciones de imagenes descarnadas y crueles.

Ignasi y Laura.

Web de la Sala Atriun – Información sobre La Pell Escrita

 

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“Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”: Nuestra pesada herencia.

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La joven compañía José y sus hermanas, formada por alumnos del Institut del Teatre, nos presenta en el  Teatre Tantarantana esta fascinante obra, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos“, que cuenta con el aval del propio Institut con el sello Talent IT que la institución concede a obras concebidas por sus alumnos a las que se juzga con suficiente calidad para acceder a los escenarios.

Con dramaturgia y dirección de Silvia Ferrando y la genial interpretación de Francesc Cuéllar, Alejandro Curiel, Marta Díez, Carme González, Carolina Manero, Gemma Polo Glòria Ribera, sin duda, esta obra, por su elevado impacto visual, ingenio y plasticidad, es una de las imprescindibles de la temporada.

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Con el hilo conductor de una supuesta trama para trasladar los cuerpos de personajes tan dispares como Francisco Franco y Federico García Lorca a fosas comunes en los aledaños del propio Institut del Teatre, la obra nos presenta diversos cuadros que pretenden trasladar al espectador algunas de las esencias españolas de la transición, desde finales de los setenta hasta nuestros días. No dejan títere con cabeza: desde los episodios más negros de la Guerra Civil y la postguerra (sobrecogedoras referencias a las desapariciones forzadas), la caricatura de las  familias pijas afectas al régimen, hasta las chonis y canis poligoneros /as, pasando por el desarrollismo, el gusto por la música y vestimenta hortera, la inmigración,  el culto al turista, la canción protesta,  todo ello presentado a base de números musicales (genial parodia de la canción “Mi querida España” de Cecilia), desnudos integrales con vertido de pintura, incluso un curioso concurso de adivinar si determinadas frases habían sido pronunciadas en dictadura o democracia…

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No nos equivoquemos: con una estética desenfadada e irónica, la tesis de la obra es más bien pesimista: España es el país europeo donde una dictadura ha durado más años, donde más desapariciones forzadas hubo,  y por tanto, la destrucción del pensamiento, de la cultura y de las libertades ha dejado un poso de alienación colectiva, una pauperización de la vida cultural y una degeneración de los valores que sigue teniendo efectos otros cuarenta años después; además muchos políticos de derechas de hoy son directamente familia de políticos franquistas.

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PROS DE LA OBRA: Su original estética y variedad de recursos, desde la danza, música, la expresión corporal y la proyección de imágenes, hasta la interpretación excelente de sus protagonistas y la labor de investigación y documentación desarrollada por la dramaturga.

CONTRAS: Tal vez una imagen de España excesivamente pesimista, como si en el país nadie leyera un libro o tuviera un mínimo de pensamiento crítico.

Por desgracia la obra sólo estará en cartel hasta este domingo 29 de octubre por lo que debéis daros prisa si queréis disfrutar con ella.

Ignasi y Laura.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”

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“La calavera de Connemara”: Relato de la noche de Todos los Santos.

 

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Nos ha encantado esta sombría comedia que estos días se representa en la Villarroel, de la mano del joven autor irlandés Martin McDonagh, traducido y adaptado por Paul Gener.

El relato no puede ser más morboso y macabro: el viejo Mick (Pol López), aficionado al whisky y a pasar el tiempo deprimido en el sofá, con ocasionales conversaciones de escasos vuelos con su vecina adicta al bingo Maryjohnny (Marta Millà), no tiene otra ocupación conocida que desenterrar esqueletos del cementerio local cada siete años para hacer hueco a los recién fallecidos, como expeditivo método para lidiar con la sobreexplotación del cementerio. Pronto le toca el turno al cadáver de su esposa, de quien se rumorea que fue él su asesino siete años atrás…

La prodigiosa labor de escenografía de Marc Salicrú, con la excelente iluminación de Sylvia Kuchinow, nos trasladan a un paraje rural de la Irlanda profunda, al lugar de procedencia del autor, Martin McDonagh, conocido en Irlanda por sus obras cargadas de violencia y humor negro, con indisimuladas referencias a Quentin Tarantino y Harold Pinter.

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En efecto, algunos de los clichés ya clásicos del género tarantinesco se dan cita en la obra, ese discurso sarcástico como contrapunto de fondo a escenas demenciales, esos personajes de escasas luces pero con gran imaginación en lo que a violencia se refiere, ese nihilismo siniestro que impregna la obra… porque al depresivo Mick le viene a ayudar un peculiar joven, Mairtin (brillante Oriol Plà) al que su corto intelecto no le impide desarrollar un gusto siniestro a darle al pico y la pala en el cementerio y posteriormente al martillo para pulverizar  junto a un borracho Mick cráneos cual si de funestos escultores se tratara..  Y el contrapunto a tanta vileza es el bienintencionado pero torpe Thomas (Xavi Saez) que como inspector de policía local  pretende querer desentrañar el misterio de la muerte de Mairtin…

Una obra que sin duda calificamos de diferente, por la original estética que la impregna y que sin duda es ideal para las noches de otoño cercanas a Todos los Santos.

La obra estará en La Villarroel hasta el 19 de noviembre.

PROS DE LA OBRA: La cuidada iluminación y escenografía, que nos trasladan convincentemente a un húmedo paraje irlandés teñido de desolacion y tristeza. La interpretación magistral de sus protagonistas y la muy  acertada dirección de Iván Morales.

CONTRAS DE LA OBRA: Es una obra más de situación que de argumento.

 

Ignasi y Laura.

 

Trailer de unos ensayos:

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“Nit de reis (o el que vulguis)” en el Lliure: Juerga y amoríos en el escenario.

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Twelfth night, or What you will” , en referencia a la noche de epifanía que marca el fin de la Navidad -y  que en época de la  reina Elisabeth había dejado de ser una fiesta de recogimiento como en el mundo católico para convertirse en una noche de juerga y diversión, como en las saturnales romanas, donde los hombres se vestían de mujeres, los criados de señores y viceversa-, es una de nuestras obras preferidas de Shakespeare.

Los amores de Viola disfrazada de Cesario, el Duque de Orsino (Eduardo Lloveras, un gran descubrimiento para nosotros) y Olivia (Raquel Ferri, que recuerda a Mia Farrow en “El gran Gatsby”) son siempre una delicia y más de la mano de esta joven Kompanyia Lliure recién creada y que ya demuestra el extraordinario talento interpretativo de sus integrantes.

Nit de reis (o el que vulguis)/ Teatre Lliure

La maestría del argumento de Shakespeare, enlazando una trama amorosa con una subtrama cómica -la desternillante jugarreta que los irreverentes Sir Andrew (Enric Auquer), el bufón Feste (Quim Àvila) y la sirvienta Maria (Júlia Truyol) le gastan al mayordomo de la condesa Olívia (Raquel Ferri), Malvoglio (Joan Amargós)- , es asumida con pericia por la compañía.  Deliciosa Julia Truyol en su papel de sirvienta socarrona y avispada, igual que la pareja de amigotes formada por el tío de Olivia, Tobies (Joan Solé) y Sir. Andrew, acompañados de su acólito el bufón Feste, instalados en la por lo demás respetable casa de la condesa, en la que el pobre Malvoglio (divertidísimo Joan Amargós) trata de poner orden, con escaso éxito. Entre chanzas, malicias, astucias e interludios musicales se acerca el desenlace, el típicamente shakespiriano final en el que el misterio de Viola (encantadora Claudia Benito) y Sebastián (Lluís Marqués) ve la luz entre el asombro generalizado y las aguas vuelven a su cauce.

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La dirección y versión Pau Carrió respeta el aire irreverente y  libertino de la comedia, el vestuario de Silvia Delagneau (confeccionado por Goretti Puente), a lo Chicago años 20 y la iluminación de local nocturno de Raimon Rius imprimen una original estética al clásico, igual que la música de Arnau Vallvé, con los actores tocando guitarra, el saxo y cantando (gran talento de Quim Àvila) en los interludios musicales de la obra.

Juerga, sensualidad, música, disfraz,  juego, equívocos, engaños, todo puede pasar en una noche trepidante que sin duda os hará pasar un buen rato de evasión y disfrute.

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PROS DE LA OBRA: Una presentación del clásico muy ágil y amena, en una gran interpretación coral de sus actores y actrices, con especial mención de Raquel Ferri, Claudia Benito, Joan Amargós, Quim Àvila, Eduardo Lloveras y Julia Truyol.

CONTRAS DE LA OBRA: No hemos apreciado muchos, tal vez la estética años 20 puede decepcionar a algún purista.

Trailer de la obra

Nit de Reis (o el que vulguis)” estará en el Teatre Lliure de Gràcia hasta el 8 de octubre y sin duda es una de las citas teatrales obligadas de este otoño.

Ignasi y Laura.

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