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La cabra o Qui és la Sylvia?: Los límites de la familia.

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Hemos asistido en la joven sala Cincómonos de Barcelona a esta sugerente obra del prolífico dramaturgo estadounidense  Edward Albee (conocido sobre todo en nuestro país por “Who’s afraid of Virginia Woolf?) , de la compañía CorEnllà Teatre y dirigida por Marta Roset y David Gómez. 

Un acomodado matrimonio de un buen barrio (Miquel Andrés y Anna Viñallonga); la mujer recibe una carta de un amigo (Xavi Hernández),  una carta que le descubre una parte oculta y muy especial de su marido.

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La obra nos presenta la crisis que desencadena la carta y a partir de ahí una reflexión sobre los límites entre lo que es tolerable en la sexualidad y lo que no, sobre dónde acaba el disfrute y comienza la perturbación mental.   Y con ese trasfondo, todo lo que supone para una familia un acto de ruptura del padre (genial Laura Relats en su papel de adolescente perdida en medio del tsunami que provocan las noticias).

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No sabemos si la reconocida homosexualidad de Albee le inspiró en parte el trasfondo de la obra, si vivió algún tipo de rechazo o alguien de su entorno le hizo sentir que era una anomalía, pero desde luego el protagonista entona un canto de libertad, quiere dejar atrás prejuicios y cadenas y dejarse llevar por el torbellino emocional que experimenta.  Sin ninguna duda el debate que genera le es totalmente ajeno e indiferente.

Cautivador tono de la obra: comienza con inequívocos toques de comedia para ir derivando a drama y acabando en tragedia.  Nos ha gustado la sugerente  interpretación de Miquel Andrés que desgrana su tragedia personal con comedido tono de seminarista que choca con lo descomunal del terremoto que su revelación causa…

La obra sólo estará hasta el jueves 2 de mayo en la sala.

PROS DE LA OBRA: La profundidad de temas que toca y el tono ecléctico de su lenguaje teatral.

CONTRAS DE LA OBRA: La mezcla de tonos de comedia y drama en algún punto desconcierta al espectador.

Ignasi y Laura.

Os dejamos el enlace a la web de la sala:

Web de Cincómonos – Información sobre “La cabra o Oui es la sylvia?

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“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

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Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

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La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

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“La dansa de la venjança”: El sufrimiento del divorcio.

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Hemos asistido en la sala La Villarroel de Barcelona a esta gran obra dirigida por Pere Riera de Jordi Casanovas, un autor con un gran talento para la introspección, para ahondar en los abismos emocionales de las personas. Si en “Vilafranca retrataba con maestría las diversas generaciones de una familia extensa, en “La Dansa de la venjança” se acerca a la ruptura de la pareja. En un último encuentro en el que fue domicilio familiar para recoger pertenencias, Roger (Pablo Derqui) y Clàudia (Laia Marull), una ex pareja que acaba de firmar su acuerdo de divorcio, tiene una conversación que se adivina tensa desde el inicio y que poco a poco sube de voltaje hasta alcanzar un desenlace propio de novela negra.

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La maestría del autor y de los actores acercan la obra a ese drama íntimo que viven las parejas que se acaban, esa vorágine en la que tras la decisión de poner fin a la pareja o precisamente a causa de ella  comienzan las preguntas, las acusaciones, el sentimiento de culpa y los reproches. Y además, de todo ello se hace siempre partícipe a quienes tienen menos culpa, los hijos, como este Nil que al final será el protagonista indirecto.

Y aquí está la sutileza de la obra: al espectador se le hace partícipe de todo ello y se le invita tácitamente a tomar partido.  Resulta fascinante cómo se nos plantea una especie de lucha de esgrima, donde cada estocada dialéctica aparentemente inapelable es de inmediato superada por otra más hiriente aún.

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¿Por quién decantarse?: Por el dueño de una editorial que al parecer ha dejado de lado a su familia preso de su ambición o por la mujer que ha vivido la maternidad como un sacrificio? ¿Por el infiel compulsivo y arrogante o por la mujer amargada que se refugia en la pintura? La excelente interpretación de Pablo Derqui y Laia Marull hace que tomar partido sea dificil, muy dificil. La decisión queda por tanto en manos del espectador, el mejor elogio que puede decirse de una obra.

“La dansa de la venjança” estará en La Villarroel hasta el 31 de marzo. Este extraordinario texto se ha publicado en la editorial Comanegra, dentro de su colección Dramaticles, coeditada con el Institut del Teatre.

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PROS DE LA OBRA: Su sutileza y hondura  psicológica y la intepretación de sus protagonistas. Excelentes escenografía de Sebastià Brosa e iluminación de Sylvia Kuchinov.

CONTRAS DE LA OBRA:  Hará sufrir a quien hayan vivido una separación dolorosa, tan cercana les parecerá.

Ignasi y Laura.

Web de La Villarroel – Información sobre “La dansa de la venjança”

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“Al sostre”: Los que están a la sombra.

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Acabamos de asisitir en el Escenari Joan Brossa a la obra “Al sostre” (“On the ceiling:) de Nigel Planer, el inolvidable Neil de “The Young Ones” , con dirección de Israel Solà, quien nos trae esta comedia sobre la intrahistoria, la cruz de la moneda , lo que está a la sombra de los grandes nombres y sucesos de la historia. Y así, la Capilla Sixtina, esa cumbre de la pintura, es asociada por todos a Miguel Angel, sin que nadie se pregunte quién le ayudó, porque es evidente que alguien lo hizo.  Y así, lejos de la mirada del Papa  Julio y el cardenal Alidosi que van siguiendo sin demasiado interés el progreso de la pintura, dos de los ayudantes de Miguel Angel, Lapo (Oriol Grau) y Loti (Pau Ferran), se refieren en ausencia de su maestro a él como Mari Àngels“. Asistimos así a un ameno diálogo entre esos dos ayudantes. Lapo habla del maestro con despecho, con ese desdén tan humano  producto de la envidia , aunque, que en el fondo admira a Miguel Angel, es innegable. También Loti, más sinceramente, le venera.  La rabia que a veces asoma en su discurso es también fruto de la falta de reconocimiento de su labor por parte del maestro… Entre esos diálogos, Loti cuenta cómo seduce a una chica haciéndose pasar por el pintor. Despedidos fulminantemente,  cambian de oficio y pasan a ser comediantes itinerantes, hasta que en una tierna escena final, vuelven de escondidas a la Capilla a rendir un último homenaje a la obra que les fascina y a la que aman.

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PROS DE LA OBRA: Nos ha gustado la obra por su falta de pretensiones, por su planteamiento sincero e intimista  en forma de diálogo,  por la ternura con la que trata a sus personajes y por su acertado juego escénico y de vestuario, con una reproducción que nos ha parecido muy fiel, de un taller de una época donde la creatividad de Miguel Angel al servicio de un Papa debió de influir en muchas vidas, como la de los protagonistas de la obra.

CONTRAS DE LA OBRA:  Tal vez se hace corta, nos hubiera gustado algún desenlace algo más trabajado.

Por desgracia, hoy ha sido el último día que estaba en cartel en el Escenari Joan Brossa, aunque esperamos verla de vuelta muy pronto. La obra estará en la Sala Trono de Tarragona del 8 al 10 de febrero, en la sala La Planeta de Girona del 9 al 10 de marzo y participa en la Mostra d’Igualada, que tendrá lugar del 4 al 7 de abril.

Ignasi y Laura.

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“inFAUST”: Impacto visual en el Akadèmia.

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La tragedia eterna de Fausto, aquel personaje arquetípico tan insatisfecho con su vida y sediento de sabiduría y poder, a quien ni el diablo pudo satisfacer -plasmado por el genio de Goethe que lo convirtió en el clásico por excelencia de las letras alemanas-, nos es presentado -en coproducción con el Teatre Akadèmia– por la siempre interesante compañía Projecte Ingenu (Yerma, Romeo i Julieta, La tempesta), de la que ya nos esperábamos un espectáculo de calidad.

La adaptación de Anna Maria Ricart que toma para esta versión algunas de las escenas más memorables de las dos partes del Fausto de Goethe nos ha parecido muy acertada y fluída, bien hilvanada y con el mérito de haber resumido lo esencial de una obra tan monumental.  Si a ello se aúna  la maestría habitual de Marc Chornet, el director de la obra, el resultado debía ser bueno.

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Lo más destacable de esta versión es su audacia visual (Alfonso Ferri en el diseño de proyecciones), que huye del clasicismo para adentrarse en interesantes juegos escénicos y de luz (Laura Clos y David Bofarull), sonoros (Pol Queralt) y de vestuario (Marta Rafa), que logran darle a la obra un aire preciosista y poco convencional. El melancólico Fausto (Toni Guillemat) de la primera escena, un Fausto envejecido y desesperado, seducido por un Mefistofeles interpretado por una actriz  (Neus Pàmies), que capta perfectamente la esencia más traviesa  que maligna  de ese diablo creado por Goethe, da paso a un Fausto más determinado que acepta los retos que le pone el diablo, al que incluso acaba apremiando. El aprendizaje de Fausto en la lucha contra el hermano de la chica a quien el diablo ayuda a seducir, ante el Emperador (Cristina Arenas)  a quien Mefistófeles  ayuda con sus problemas económicos, todo es una maravillosa e intimista alegoría de la ambición humana y de la voluntad de poder, de la seducción y del dominio.

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PROS DE LA OBRA: Sin duda alguna, el planteamiento visual de la obra que actualiza de modo magistral el mito de Fausto, así como la gran interpretación de Toni Guillemat, Neus Pàmies, Martí Salvat (muy divertido en sus diversos papeles; uno de ellos recuerda al conejo de “Alicia en el País de las Maravillas”) y Roser Tapias (Margarita y otros personajes).

Argumentalmente, nos ha llamado mucho la atención el efecto bucle en los diálogos, como si se fuera adelante y atrás en el tiempo. Aquí hemos encontrado otra referencia de la Alicia de Lewis Carroll.

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Destacamos también la deliciosa música a cargo de Neus Pàmies, el original vestuario de Marta Rafa, la impactante fotografía de David Ruano, el efecto futurista de OMEN en vídeo y en definitiva, el excelente trabajo del equipo artístico al completo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de planteamientos más clasicistas.

La obra estará en el Akadèmia hasta el 25 de noviembre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “inFAUST”

Adjuntamos el podcast de ivoox correspondiente a la entrevista a los actores Roser Tapias y Martí Salvat, de la compañía Projecte Ingenu:

Podcast del programa Ona Cultural de 3 de noviembre – entrevista a Roser Tapias y Martí Salvat de Projecte Ingenu

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“La dona de negre”: Homenaje a los clásicos del cuento gótico en el Raval.

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En el Teatre del Raval  hemos asistido a este relato de fantasmas y aparecidos a partir del relato homónimo de la escritora contemporánea británica Susan Hill y adaptado al teatro por Stephen Malatratt, y a esta versión y traducción al catalán por Tamar Aguilar . 

En esta obra, muy adecuada para estas fechas cercanas a la noche de todos los santos, la autora homenajea a algunos de los clásicos del cuento gótico victoriano, como Mary Shelley, Edgar Allan Poe, Emily Brontë, entre muchos otros, y también algún guiño a Sir Arthur Conan Doyle (Cómo no pensar en el Perro de los Baskerville).

En este delicioso cuento de terror vemos en efecto muchos de los elementos del género:  la arquitectura medieval con criptas y tumbas incluídas, las mansiones misteriosas, los páramos con arenas movedizas, la niebla, los acantilados, el cochero misterioso, los aparecidos, las habitaciones donde el tiempo se detuvo…  en definitiva, la obra nos hace participar de todo ese gusto victoriano por lo fúnebre y decadente. Era una época en que la muerte era algo mucho más familiar que ahora, una época en que morir joven e incluso de niño no era algo excepcional. No es de extrañar por tanto que en el imaginario de la literatura de la época la muerte, lo funerario , lo sobrenatural, esté bien presente.

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Susan Hill nos presenta el relato de un abogado (Carlos Vicente) que contrata a un actor  (Gerard Clavell) para representar la tenebrosa historia de lo que le sucedió años atrás, cuando era un pasante que, comisionado por el bufete donde trabaja, ha de trasladarse a la aislada mansión de una anciana señora de un pueblo perdido de comarcas para hacerse cargo de su legado…. las noticias que atisban no resultan demasiado tranquilizadoras.

Nos ha gustado en especial la iluminación (diseño de luces de Xavier Costas y Víctor Cárdenas como técnico), el decorado con dos niveles de profundidad (espacio escénico de Estanis Aboal y ayudantía de dirección de Àngel Llamazares) y los efectos sonoros (diseño de sonido de Jordi Ballbé y Víctor Cárdenas como técnico); todo ello consigue transmitir una atmósfera inquietante.

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PROS DE LA OBRA:  Imprescindible para quienes gusten de los cuentos de terror gótico y no busquen un lenguaje teatral innovador o una puesta en escena original.

CONTRAS DE LA OBRA:  Que nadie piense que va a ver realmente una obra que da terror; la obra, como hemos repetido, es más un guiño u homenaje a una época de la literatura que un espectáculo dirigido a provocar sustos, para eso ya está el cine.

La obra estará en cartel hasta el 28 de octubre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

Web de Teatre del Raval – Información sobre “La dona de negre”

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“La màquina de parlar”: Parodia de la explotación.

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Hemos asistido en El Maldà a este espectáculo de Victòria Szpunberg ambientado en un futuro cercano, con resonancias de Philip K. Dick (imposible pasar por alto las referencias a las muñecas sexuales o los muñecos de compañía), George Orwell, Aldous Huxley o el más cercano Manuel de Pedrolo, en el que el protagonista, un petulante Marc Rosich, da vida a un solitario infeliz y tiránico, un tal Bruno, cuya única compañía es un grotesco monigote confinado en una especie de trona (estupenda Sandra Monclús) que habla y habla sin respiro obedeciendo supuestamente a un ridículo mando a distancia….  como dueño y señor de esa indefensa y a la vez digna maniquí,  el repulsivo protagonista la emprende con la pobre habladora, la maltrata sin cortapisas como un marido abusivo. Cuando irrumpe en escena otro monigote, esta vez no un maniquí sino un extraño híbrido a medio camino entre un perro androide y una muñeca sexual (excelente Jordi Andújar), la carga de la obra se hace más evidente. El usar y tirar a los demás, el utilizar a las personas como vehículo y descarga de las propias frustraciones, pueden llegar en este futuro que se nos evoca, a la fabricación de robots androides para nuestro solaz y entretenimiento. Y sin embargo, como los clásicos del género que hemos  comentado, finalmente las supuestas máquinas tienen unos sentimientos de los que carece el egoísta y pedante dueño.

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Pero no estamos ante un espectáculo de ciencia ficción, sino más bien un estudio psicológico: la obra retrata de modo impecable la dinámica del abuso: por un lado, el soltero irritable, que no siente ilusión por nada, que no le coge el teléfono ni a su madre y que parece no esperar nada de su vida excepto por sus gustos perversos y que descarga toda su amargura en lo que tiene más a mano. La máquina parlante, por su parte, parece estar aquejada de un síndrome de Estocolmo, mientras que el perro androide muñeco sexual desea en apariencia redimirse de pasadas culpas a base de hacer justicia.

Además, parece que las leyes del mercado y oscuras compañías sacan partido de esa soledad y desesperanza, ofreciendo, en el colmo de la alienación, esos extraños muñecos como los que protagonizan la obra. Muñecos de usar y tirar y que no debían oponer la mínima resistencia a sus abusadores.

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PROS DE LA OBRA: La reflexión sobre el abuso y la explotación , con mirada incisiva que presenciamos. Las brillantes interpretaciones de los tres actores.

CONTRAS DE LA OBRA: Es una obra minimalista, sin escenario prácticamente  y de argumento austero.  La función del perro que da placer queda un poco difuminada.

El 6 de octubre entrevistamos a la creadora y directora de la obra, Victoria Szpunberg, en nuestro programa de radio asociado al blog, Ona Cultural (radio Ona de Sants). Aquí tenéis un enlace al podcast de la entrevista:

Podcast del programa Ona Cultural – Entrevista a Victoria Szpunberg

La obra estará en El Maldá hasta el 18 de octubre.

Ignasi y Laura.

 

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