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La cabra o Qui és la Sylvia?: Los límites de la familia.

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Hemos asistido en la joven sala Cincómonos de Barcelona a esta sugerente obra del prolífico dramaturgo estadounidense  Edward Albee (conocido sobre todo en nuestro país por “Who’s afraid of Virginia Woolf?) , de la compañía CorEnllà Teatre y dirigida por Marta Roset y David Gómez. 

Un acomodado matrimonio de un buen barrio (Miquel Andrés y Anna Viñallonga); la mujer recibe una carta de un amigo (Xavi Hernández),  una carta que le descubre una parte oculta y muy especial de su marido.

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La obra nos presenta la crisis que desencadena la carta y a partir de ahí una reflexión sobre los límites entre lo que es tolerable en la sexualidad y lo que no, sobre dónde acaba el disfrute y comienza la perturbación mental.   Y con ese trasfondo, todo lo que supone para una familia un acto de ruptura del padre (genial Laura Relats en su papel de adolescente perdida en medio del tsunami que provocan las noticias).

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No sabemos si la reconocida homosexualidad de Albee le inspiró en parte el trasfondo de la obra, si vivió algún tipo de rechazo o alguien de su entorno le hizo sentir que era una anomalía, pero desde luego el protagonista entona un canto de libertad, quiere dejar atrás prejuicios y cadenas y dejarse llevar por el torbellino emocional que experimenta.  Sin ninguna duda el debate que genera le es totalmente ajeno e indiferente.

Cautivador tono de la obra: comienza con inequívocos toques de comedia para ir derivando a drama y acabando en tragedia.  Nos ha gustado la sugerente  interpretación de Miquel Andrés que desgrana su tragedia personal con comedido tono de seminarista que choca con lo descomunal del terremoto que su revelación causa…

La obra sólo estará hasta el jueves 2 de mayo en la sala.

PROS DE LA OBRA: La profundidad de temas que toca y el tono ecléctico de su lenguaje teatral.

CONTRAS DE LA OBRA: La mezcla de tonos de comedia y drama en algún punto desconcierta al espectador.

Ignasi y Laura.

Os dejamos el enlace a la web de la sala:

Web de Cincómonos – Información sobre “La cabra o Oui es la sylvia?

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“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

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Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

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La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

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“Velvet Buzzsaw”: Ácida visión del mundo del arte.

Resulta extraño acostumbrarse al hecho de que algunos de los estrenos cinematográficos más sonados del año se puedan dar en las llamadas plataformas de streaming. Es decir, que sin salir de casa uno pueda ver alguno de los films que más van a sobresalir en las inevitables listas de lo mejor de la temporada que anualmente pueblan las secciones de cultura de prensa generalista, revistas especializadas, y mil y una webs dedicadas al arte cinematográfico.  Aunque en honor a la verdad, quien más ha querido jugar esta carta hasta el momento ha sido Netflix, capaz de generar una gran cantidad de contenidos de escasa repercusión artística y, a la vez, producir películas de una calidad incontestable como en el caso de la oscarizada (aunque no se llevase el premio a mejor película) “Roma”.

Sin llegar ni mucho menos al nivel de la película de Alfonso Cuarón, se ha estrenado no hace mucho “Velvet Buzzsaw”, film dirigido por Dan Gillroy, y que cuenta en su reparto con actores y actrices del prestigio de Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Toni Collete, Zawe Ashton y John Malkovich.

Dan Gillroy ha dado muestras de su talento en películas recientes como “Nightcrawler”, contundente crítica contra el periodismo sensacionalista también con Jake Gyllenhaal en el papel principal y que me atrevo a calificar de obra maestra, o “Roman J. Israel”, trabajo protagonizado por Denzel Washington mucho menos destacable aunque interesante, que pasó discretamente por las sobrecargadas pantallas de nuestros cines y que versaba sobre un personaje real (al que da nombre el título del film) que sobresalió por su activismo social desde su posición de hombre de leyes.

Como hemos dicho, ahora ha estrenado directamente en Netflix “Velvet Buzzsaw”, cuyo argumento de entrada llama mucho la atención: un crítico de arte, de nombre Morf Vandewalt (interpretado por Gyllenhaal) y propietario de una galería de Los Ángeles regentada también por Rhodora Haze (Rene Russo), descubre por intermediación de una de sus empleadas (Zawe Ashton) la obra de un artista muerto completamente desconocido. Dándose cuenta de la genialidad de sus pinturas, los personajes mencionados y algunos otros, intentaran sacar partido mercantilista de dicha obra. Pero una serie de misteriosos y aparentemente sobrenaturales acontecimientos empezaran a trastocar sus intenciones.

El film juega a ser un trabajo de género (terror) con generosas dosis de humor negro. Aunque ambas cosas se ven engullidas un tanto por la crítica hacia el mundo del arte actual que está claro que quiere realizar Dan Gillroy. En este sentido, los personajes de la película, a cual más estereotipado, acaban teniendo un punto caricaturesco que no ayuda a sacar el mayor partido a interpretes del nivel de Toni Collete o John Malkovitch.

Con todo, los elementos que hacen distintivo el cine de Gillroy están ahí empezando por una muy elegante puesta en escena que, en este caso, y creemos que de forma consciente, deriva a un cierto formato televisivo, especialmente apreciable en la segunda mitad del film.

Y es precisamente el tramo que se inicia en ese punto intermedio de la película, cuando, de hecho, se abraza plenamente el género fantástico-terrorífico hasta entonces apenas insinuado, el momento clave en que el espectador tiene que decidir definitivamente si entrar en el juego que se le propone, teniendo en cuenta que la verosimilitud va a brillar por su ausencia a partir de ese instante (ya se sabe que el hecho de que una película sea de género fantástico no significa que tenga que ser inverosímil).

Desde esta perspectiva, “Velvet Buzzsaw” tiene un punto francamente divertido para el espectador que simplemente quiera dejarse llevar.

Y luego está el ya mencionado aspecto crítico sobre el mundo del arte actual. Ya hemos dicho que los personajes están estereotipados, pero no es menos cierto que los dardos envenenados que lanza el film apuntando a la sobrevaloración artificial de cierto tipo de trabajos artísticos, lo injustificado de la etiqueta “genio” colgada a según quien y el esnobismo de ciertos agentes que consideran que el arte solo debe pertenecer a una minoría selecta (sobre todo si dicha minoría está dispuesta a pagar un dineral por la obra de turno), tienen su punto de verdad. En este sentido, es más que reveladora la última escena del film que, obviamente, no vamos a explicaros aquí.

En definitiva, un título irregular, pero diferente y con puntos de interés que podéis contemplar con simplemente encender vuestro televisor.

Ricard.

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Mutis – El Festival de Teatro Independiente de Barcelona celebra su décima edición (IV).

Continuamos con nuestros artículos sobre este festival tan interesante, el X Mutis, Festival de Teatro Independiente de Barcelona. Hoy somos mucho más breves por falta de tiempo, al haber estado “on air” en el programa de radio Ona Cultural.

De las propuestas que vimos ayer, nos gustaron mucho dos, casualmente relacionadas con México, una de las potencias teatrales por excelencia:

Set segons – In God we trust“, versión del texto del dramaturgo y director alemán Falk Richter, por la compañía Parece una tontería, en el teatro La Vilella, nos pareció impactante, dinámica, divertida (llena de humor negro y cáustico), seductora e hipnótica. En definitiva, una de las mejores piezas que hemos podido ver en este festival. Esta compañía tiene mucho futuro por delante. Y el actor Juan Pablo Mazorra nos pareció grandioso.

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Tomás. El silencio es complicidad” de Rocio León, en Sala Cincómonos. Tal como nos imaginábamos, sabíamos que esta propuesta no nos iba a decepcionar. Extraordinaria Rocío León, que ha sabido transmitir esta historia real a través de su imaginario, contándonos una historia que pone la piel de gallina de una manera más humana, acompañando al público en su sentir, al tratar un tema tan duro y terrible como el abuso sexual infantil.

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La programación de hoy sábado es tan completa como la de ayer. Mañana o como máximo el lunes os daremos nuestras impresiones. Hoy se representa “El Festín” de Felipe Vergara, a quien hemos entrevistado este mediodía en Ona Cultural, junto a la actriz Paz Franco, en Sala Melmac. Aquí os dejamos con el enlace al podcast:

https://www.ivoox.com/33642935

Os dejamos con el programa completo de hoy. Y mañana ya llega la ceremonia de Clausura, con la entrega de los múltiples premios de la muestra.

Laura Clemente.

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“La dansa de la venjança”: El sufrimiento del divorcio.

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Hemos asistido en la sala La Villarroel de Barcelona a esta gran obra dirigida por Pere Riera de Jordi Casanovas, un autor con un gran talento para la introspección, para ahondar en los abismos emocionales de las personas. Si en “Vilafranca retrataba con maestría las diversas generaciones de una familia extensa, en “La Dansa de la venjança” se acerca a la ruptura de la pareja. En un último encuentro en el que fue domicilio familiar para recoger pertenencias, Roger (Pablo Derqui) y Clàudia (Laia Marull), una ex pareja que acaba de firmar su acuerdo de divorcio, tiene una conversación que se adivina tensa desde el inicio y que poco a poco sube de voltaje hasta alcanzar un desenlace propio de novela negra.

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La maestría del autor y de los actores acercan la obra a ese drama íntimo que viven las parejas que se acaban, esa vorágine en la que tras la decisión de poner fin a la pareja o precisamente a causa de ella  comienzan las preguntas, las acusaciones, el sentimiento de culpa y los reproches. Y además, de todo ello se hace siempre partícipe a quienes tienen menos culpa, los hijos, como este Nil que al final será el protagonista indirecto.

Y aquí está la sutileza de la obra: al espectador se le hace partícipe de todo ello y se le invita tácitamente a tomar partido.  Resulta fascinante cómo se nos plantea una especie de lucha de esgrima, donde cada estocada dialéctica aparentemente inapelable es de inmediato superada por otra más hiriente aún.

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¿Por quién decantarse?: Por el dueño de una editorial que al parecer ha dejado de lado a su familia preso de su ambición o por la mujer que ha vivido la maternidad como un sacrificio? ¿Por el infiel compulsivo y arrogante o por la mujer amargada que se refugia en la pintura? La excelente interpretación de Pablo Derqui y Laia Marull hace que tomar partido sea dificil, muy dificil. La decisión queda por tanto en manos del espectador, el mejor elogio que puede decirse de una obra.

“La dansa de la venjança” estará en La Villarroel hasta el 31 de marzo. Este extraordinario texto se ha publicado en la editorial Comanegra, dentro de su colección Dramaticles, coeditada con el Institut del Teatre.

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PROS DE LA OBRA: Su sutileza y hondura  psicológica y la intepretación de sus protagonistas. Excelentes escenografía de Sebastià Brosa e iluminación de Sylvia Kuchinov.

CONTRAS DE LA OBRA:  Hará sufrir a quien hayan vivido una separación dolorosa, tan cercana les parecerá.

Ignasi y Laura.

Web de La Villarroel – Información sobre “La dansa de la venjança”

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“Arma de construcción masiva”: La mirada sobre la educación.

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José y sus hermanas es un colectivo de creadores que nos dejó anonadados con su ópera prima, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos“, ganadora de los Premios de la Crítica 2017 al Espectáculo revelación y el de la Crítica joven (la podréis ver el 28 de marzo en el Centre Cívic Casinet d’Hostafrancs, el 5 de abril en el Centre Cívic Tomasa Cuevas de Barcelona, en el marco del ciclo Barcelona Districte Cultural y del 5 al 16 de junio en el Teatro Español de Madrid).

Ahora, regresan para continuar con su proyecto sobre la memoria histórica y la revisión del pasado y el presente con la obra “Arma de construcción masiva“. En este caso invitan al espectador a poner la mirada sobre la educación, revisitar el pasado de cada uno y observar el presente con espíritu crítico, activo.

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Los intérpretes (Francesc Cuéllar, Glòria Ribera, Alejandro Curiel, Marta Díez, Carolina Manero, Gemma Polo), que también son creadores del colectivo, nos van explicando historias semiautobiográficas sobre sus familias, su historia y su educación (entretejidas con gran maestría por la dramaturga y directora Silvia Ferrando)… cada uno de ellos con orígenes y sentires diversos, ejerciendo una gran labor de memoria histórica, mostrándonos sus agudas y contundentes reflexiones sobre nuestras herencias educativas y familiares, retrocediendo hasta la II República, período floreciente en que la enseñanza dio un gran paso adelante… para retroceder durante el franquismo, donde un mueble como la silla se convirtió en un elemento relevante.

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Como siempre, José y sus hermanas consiguen ir más allá, creando pensamiento en sus obras y dejando al público sumido en la reflexión tras recibir su onda expansiva.

PROS DE LA OBRA: Todos. La obra continua con la excelente calidad y originalidad de la anterior. Habían dejado el listón muy alto y siguen al mismo nivel, trascendiendo, sembrando, dejando huella en el espectador. Teatro necesario, imprescindible.

CONTRAS DE LA OBRA: Ninguno. Sinceramente, ninguno.

“Arma de construcción masiva” estará representándose hasta el domingo 17 de marzo en el Teatre Tantarantana de Barcelona.

Laura Clemente.

Web de José y sus hermanas

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Arma de construcción masiva”

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