Archivo mensual: marzo 2016

“Bone tomahawk”: Entre el western clásico y el horror gore.

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Lo dijimos hace ya bastante tiempo cuando hablamos de “Blue valentine”: no se entiende la forma de actuar de muchos programadores culturales en nuestro país. Una afirmación que, si nos parece cierta en general, resulta dolorosamente clara en cuanto fijamos nuestra atención en el circuito de proyección cinematográfica. No resulta comprensible que películas con un más que evidente atractivo como la antes mencionada, o la que nos ocupará en este caso, “Bone tomahawk”, que cuenta con sendos galardones (mejor dirección  y premio de la crítica) en el pasado Festival de Sitges, no encuentren apenas distribución. No se trata de que copen tantas salas como lo hacen los títulos más comerciales que se estrenan cada semana, pero estamos seguros que, con una mínima promoción, las películas mencionadas y otras tantas igualmente interesantes que no consiguen estrenarse en nuestro país o lo hacen en condiciones paupérrimas, lograrían un éxito más que aceptable. Eso partiendo del hecho que el verdadero aficionado al cine siempre intentará ver aquellos trabajos que más le interesan en el recogimiento de una sala de proyección. Dicho esto, la película que os queremos comentar, y que en el caso de Barcelona ha sido estrenada en una única sala, nos ha subyugado por la extraña pero, al mismo tiempo, coherente (argumentalmente) mezcla de géneros que la conforman.

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“Bone tomahawk” está dirigida por el debutante  S. Craig Zahler (Miami, 1973), y protagonizada por un estupendo elenco de actores: Kurt Russell, Matthew Fox, Patrick Wilson y Richard Jenkins. El film se sitúa inicialmente en un pueblo del viejo oeste norteamericano, y se centra en un grupo de personajes que se ven obligados a ir al rescate de una mujer secuestrada por un grupo de salvajes caníbales que viven en una zona montañosa, en tierras apenas exploradas mucho más allá de los límites del mencionado pueblo (un punto de partida argumental pues, más que recurrente en el western si substituimos a los salvajes por indios o bandas de forajidos).

Zahler, hasta ahora músico en bandas de doom metal y escritor de novelas, ha podido sacar adelante la producción de su película gracias a la aportación, sobre todo, de inversores europeos, aunque por lo demás, es éste un trabajo que nos retrotrae al mejor y más atemporal cine estadounidense. Y no deja de ser curioso porque el film oscila de manera admirablemente natural del western al cine de horror con ramalazos del más salvaje gore, pasando también por el género de aventuras, la comedia y el drama, sin que nada chirríe en ningún instante.

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Se puede considerar “Bone tomahawk” como parte de un cierto renacer del cine del oeste, que se viene dando periódicamente y que en los últimos meses ha sido alimentado por títulos como la comentada aquí “El renacido” (film muy sobredimensionado para quien escribe esto), “Deuda de honor”, “Slow west” o la tarantiniana “Los odiosos 8”. “Bone tomahawk” se distingue de ellas por el tono clásico que narrativamente tiene el film, emparentado de alguna forma con el cine que realizaban grandes autores como John Ford, Howard Hawks o Sam Peckinpah (el realizador favorito de Zahler según confesión propia). En este sentido, su director hace que la película discurra con un ritmo más bien pausado, dando tiempo a que conozcamos a sus personajes principales, recreándose en los desolados y, al mismo tiempo, bellos paisajes que les rodean durante su periplo, y consiguiendo una tensión en aumento que hace que, cuando la violencia explícita acaba apareciendo, ésta nos resulte mucho más impactante y cargada de dramatismo que si se hubiera mostrado de una forma constante y gratuita a lo largo del film. Con todo, hay un tramo central de la película al cual quizá le hubiera venido bien un cierto recorte (la cinta se acerca a las dos horas y cuarto de duración). Pero en su conjunto, “Bone tomahawk” es un título de veras estimulante y diferente en el panorama cinematográfico actual, que vale la pena disfrutar en una sala de proyección. Desde luego, estaremos atentos a próximos trabajos de  S. Craig Zahler.

Ricard.

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“Panorama des del pont”: La tragedia de la obsesión.

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Hemos asistido en el Teatre Romea de Barcelona a la excelente puesta en escena de “Panorama des del pont“, el clásico de Arthur Miller.  La historia de Eddie Carbone (Eduard Fernández), un inmigrante italiano en la Nueva York de mediados del siglo pasado, no es sólo la de un amor insano y obsesivo por su sobrina Catherine (Marina Salas), sino el análisis profundo y certero de una personalidad insegura y acomplejada que canaliza sus carencias con el afán de poseer y de inmiscuirse en las vidas de sus allegados. El descenso a los infiernos del personaje, del que su esposa Beatrice (Mercè Pons) no logra salvarle, es representado como un torbellino en el que la psique de Eddie zozobra en un enamoramiento al principio, después en una obsesión, para acabar hundiéndose en el delirio.

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La actuación de Eduard Fernandez es grandiosa; nos ha dejado sin palabras la fuerza interpretativa de este actor que, con maestría, al borde de la extenuación, dibuja a un hombre superado por la pasión que siente por su sobrina, pasión que le lleva a traspasar todos los límites, a menospreciar a su esposa, a traicionar a sus familiares y a despeñarse  inexorablemente. Eddie es un rudo estibador del puerto, un perdedor que sólo puede desplegar una pequeña parcela de poder en su casa como un ridículo sátrapa, pero que, enloquecido de celos ante el amor espontaneo que surge entre su huésped Rodolfo (Marcel Borràs), y Catherine, cae en una espiral de autodestrucción, incapaz de contenerse. Su cada vez más estrangulada voz, su atormentado semblante, sus gestos de grotesca e impotente autoridad llevan a sentir una profunda piedad por el personaje.

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La obra aúna perfectamente el contexto social de otros títulos de la época (recuérdese “La Ley del silencio” de Budd Schulberg, llevada al cine por Elia Kazan), -de hecho, al parecer el autor comenzó la obra como un reportaje sobre los estibadores del puerto de Nueva York, e incluso acabó enemistándose con Kazan por las denuncias de éste al infausto Comité de Actividades Antiamericanas-,  con el estudio psicológico -al modo naturalista que recuerda a Émile Zola-,  del protagonista.

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Destacamos la magnífica puesta en escena del director francés Georges Lavaudant y la adaptación de Joan Sellent, que configuram una obra creible, sólida y enérgica, una representación con aires de tragedia griega y shakespereana que se hace corta. Junto a Fernández, destaca una gran Mercé Pons en su papel de la sufrida Beatrice, que asiste con lucidez al descenso al precipicio de su marido, siendo en todo momento consciente de la pasión devoradora que éste siente por Catherine (una Marina Salas, por cierto, igualmente acertada en su papel de inocente niña que no parece sospechar nada de la pasión de su tío), y del odio malsano que despliega hacia Rodolfo y en menor medida hacia el noble Marco (Pep Ambrós).

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Completan un excelente equipo artístico y técnico Jean-Pierre Vergier en la escenografía y vestuario, el propio Georges Lavaudant en la iluminación, Jean-Louis Imbert en el espacio sonoro, los actores Rafa Cruz (también asesor de boxeo) y Sergi Vallès, Francesc Isern en la edición de imágenes, David Ruano en la fotografía, Amparo Martínez en la dirección de producción, Ester Nadal como ayudante de dirección, Maite Pijuan como jefa de producción, Marina Vilardell en la producción ejecutiva, Txema Orriols como responsable técnico, Carlota Ricart como ayudante de vestuario,  Sergio Gracia como asistente de iluminación y programación, Goretti Puente en la confección de vestuario, Cristina Valverde en la sastrería, Sergi LobacoRaúl Martínez como jefes técnicos del teatro, Arts-Cenics en la confección de la escenografía, etc.

La obra estará en el Teatre Romea hasta el 10 de abril y sin duda la recomendamos como uno de los hitos de la temporada.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Romea/Información sobre “Panorama des del pont”

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“Götterdämmerung” en el Liceu.

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“Götterdämmerung” (14/03/06 . Gran Teatre del Liceu, Barcelona).

Acercarse al universo de Richard Wagner no es un ejercicio ligero. Requiere un espacio de tiempo y cierta concentración. El músico alemán, apasionado por la mitología germana, ideó dramas musicales de gran complejidad musical y escénica, que encontraron su máxima expresión en las más de 15 horas que conforman la tetralogía de “El anillo del Nibelungo”.

 

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El músico pretendió, sin éxito, representar “el anillo” ininterrumpidamente en el santuario musical que diseñó para tal efecto: Bayreuth. El Gran Teatre del Liceu, consciente de la pasión barcelonesa por el compositor, ha ido representando periódicamente las obras de la tetralogía en diferentes temporadas. En el curso actual se está representando la última jornada de la obra : “Götterdämmerung” (“El ocaso de los dioses”/ “El capvespre dels déus”). Éste es sin duda uno de los grandes aciertos de esta temporada del Liceu. Es cierto que la parte vocal no puede recaer en cantantes al uso, sino que requiere de una resistencia y fuerza especialmente intensas.

 

 

Así pues, en la versión liceísta son cantantes precisamente importados de Bayreuth los que se hacen cargo de la parte cantada. Y la calificación es más que brillante. Sobre todo en Iréne Theorin, en el papel de Brünnhilde, que lleva el peso de buena parte del último acto de una forma absolutamente perfecta. O también Oskar Hillebrandt, en un más que brillante papel de Alberich. Queda un poco más lejos Lance Ryan, que podría hacer más con su Siegfried, o Samuel Youn, Grunter, que queda algo más descolgado ante tanto talento de voces.

 

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La dramaturgia reminiscente nazi de Robert Carsen falla cuando representa el Rin en un verterdero. Nota negativa para una escena en su conjunto acertada.Y nota excelente para el titular del Teatre, Josep Pons, que lleva a la orquesta a estadios sublimes que no veíamos desde el añorado director Sebastian Weigle. El final apoteósico de un Liceu en llamas enterrando el mundo divino con una orquesta literalemente sepultando a los Dioses, hace delirar a un público que, tras más de 5 pacientes horas, no le queda otra alternativa que hacer una cosa : aplaudir con entusiasmo. Excelente versión e imprescindible obra.

Jordi Martínez.

Para más información clica abajo:

Web del Gran Teatre del Liceu/Información sobre”Götterdämmerung”

 

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“Abans”: Dos hermanos ante la crisis.

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Hemos podido ver este original espectáculo de la compañía Descartable Teatre en El Maldà de Barcelona.

Laia (Laia Pellejà) y Marc (Marc Pociello) son dos hermanos que viven muy lejos uno del otro después de la muerte de su padre. Los dos personajes hacen viajar al espectador a través de las Galeries Maldà (espacio comercial emblemático de Barcelona que comparte edificio con la sala El Maldà y los cines Maldà): con Laia en uno de los pasillos que conducen a las tiendas, y con Marc en una antigua tienda convertida en su piso de Escocia, donde vive alejado de su hermana.

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La historia de Laia y Marc es una de tantas acaecidas en la crisis. Bastante trágica, como algunas que nos muestra a diario la realidad. Tras la muerte de su padre, la economía familiar empieza a fallar, y poco después su madre se queda sin trabajo. Laia está estudiando y tiene que dejar la universidad para ponerse a trabajar. Marc renuncia a la carrera que deseaba hacer y opta por una más práctica. A pesar de los esfuerzos de los hijos, la madre continua deprimida y finalmente, se suicida.

Estos hechos hacen reaccionar de forma diferente a los dos hermanos. Marc decide irse al extranjero una vez terminados los estudios y Laia le deja partir, a pesar de que sabe que le va a echar mucho de menos. Ella también se hunde como su madre, pero de otra manera… pierde el trabajo y se queda en la calle.

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El dramaturgo y director Daniel J. Meyer y la compañía Descartable Teatre, que nos fascinaron también en Fusells, nos ofrecen ahora esta bella, realista y emotiva obra sobre la familia, la crisis y cómo cada persona puede sobrellevar las vicisitudes de la vida. Laia Pellejà y Marc Pociello ofrecen unas interpretaciones apasionadas y sentidas, que hacen la obra más verosimil si cabe. El espectáculo está producido y distribuido por Cristina Ferrer.

“Abans” se podrá ver en El Maldà de Barcelona sólo hasta el domingo 20 de marzo.

Actualización: “Abans” se prorroga del 30 de marzo al 3 de abril en El Maldà.

 

Laura.

Para más información clica abajo:

 Web de El Maldà/Información sobre “Abans”

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“Falstaff”: Solemne y mundano.

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Falstaff en uno de los personajes arquetípicos de Shakespeare: borrachín y pendenciero, que aparece en las dos partes de la obra “Enrique IV“, en “Enrique V” y en “Las alegres casadas de Windsor“.

El recientemente aupado al poder rey Henry (excelente Mingo Ràfols), asiste en su reino a la rebelión de un grupo de nobles. El jefe de los rebeldes, Henry Pery “Hotspur” (gran interpretación de Emilià Carilla, que también interpreta al fiel Baldorph), se ha levantado en armas para derrocarlo.

Mientras tanto, el hijo del rey, El príncipe Hal (Jordi Sanosa, que nos ha sorprendido gratamente), lejos de apoyar a su padre en la guerra pasa el tiempo por las tabernas con un grupo de amigotes, aprovechándose de la buena fe de la tabernera (gran Mercé Managuerra), sin pagar el precio de la habitación, e ideando mil maldades y astucias para apropiarse de lo ajeno.  Y el capitoste de la cuadrilla con los que se codea el príncipe Hal es Sir John Falstaff (Francesc Orella), magnífico en su papel de  personaje patibulario y caradura, el clásico vividor del género picaresco.

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En este Falstaff dirigido, traducido y adaptado por Konrad Zschiedrich (de quien ya hablamos en relación a su magnífica “Rieter, Dene, Voss” ), nos encontramos con que el escenario principal, iluminado con claridad, da paso a otro escenario secundario, con iluminación tenue. Las escenas que se desarrollan en esos dos escenarios paralelos difieren mucho: mientras en la primera, inspirada más directamente en la segunda parte del Henry IV, la escena recrea un patio de Monipodio,  pícaro  y desenfadado, con Falstaff como cabecilla de una troupe ocupada en robar y engatusar a la tabernera, en la segunda, en la penumbra, nos introducimos en el hiératico palacio donde, sin descanso, el rey aguarda la llegada de los rebeldes para presentar batalla.

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El nexo es el príncipe Hal, que aunque hace buenas migas con Poins (encantador Jordi Robles), no olvida sus obligaciones reales.  Las deliciososas intentonas del Lord Justice (Xavier Capdet), de interceder por su amigo, no hacen sino echar leña al fuego. En la lucha final, en la que también participa Falstaff, vemos como esos dos mundos, en apariencia tan desconectados, se unen en dramática síntesis. Se trata de un montaje clasicista, riguroso, que huye de resúmenes para recrearse en el universo shakesperiano, con la figura de Sir John Falstaff como eje y epítome de la tradicional balanza del bardo, aquella en la que lo trivial, lo mundano, se cruza con lo heroico y grandioso. Completa el reparto una divertida y seductora Teresa Vallicrosa (también formó parte del reparto de “Ritter, Dene, Voss” junto a Emilià Carilla y Mercè Managuerra) y Rafel Ramis.

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El resto del equipo artístico hace un trabajo impecable: Marc Chornet como ayudante de dirección y en el diseño de sonido, Marta Olivella en la regiduría, Ricard Prat i Coll en el diseño de espacio y vestuario, Alberto Rodríguez en el diseño de iluminación, David Ruano en la fotografía, Gabriella Dilorenzo como productora ejecutiva, Rita Molina como asistenta de dirección, Pau Tebar como ayudante de escenografía, Guille Góngora en los elementos escenográficos y Judith Torres como ayudante de vestuario.

La obra estará hasta el 20 de marzo en el Teatre Akadèmia.

Ignasi y Laura.

Pata más información clica abajo:

Web del Teatre Akadèmia/Información sobre “Falstaff”

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Jabier Muguruza en el Jamboree: Belleza intimista.

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JABIER MUGURUZA, SALA JAMBOREE. BARCELONA, 15/03/16 (20h y 22h).

Si la relación del cantautor Jabier Muguruza (Irún, 1960) con Catalunya es desde hace muchos años intensa y de querencia mutua, la relación del cantante con el festival  Barnasants no es en absoluto menos cercana. Un cénit del tema en cuestión se alcanzó el pasado año cuando Jabier recibió el merecidísimo galardón al mejor concierto del mencionado festival, por otra parte inmortalizado en el álbum Barnasants 2015 (Picap,2015). Ayer el mayor de los hermanos Muguruza hizo de nuevo acto de presencia en el festival en una sala tan emblemática como acorde a la propuesa de su obra: el Jamboree. Desde el subterráneo de la Plaça Reial, Jabier ofreció un concierto dividido en dos pases, de idéntico repertorio y duración, de acuerdo con el típico formato que la sala suele ofrecer en su programación. En esta ocasión, el autor euskaldun presentaba su último álbum, “Tonetti Anaiak” (Resistencia,2015).

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Y esa fue la base de la decena de canciones que sonaron. Temas cargados de intimismo donde Jabier consigue sumergir al público en su alegórico, personal y bello universo. Prueba de ello es el inédito silencio con que sus seguidores siguen el recital. Dos pases de casi hora y media cada uno, de calado idénticamente emotivo, bello, personal, único e inédito en los tiempos que corren. Dos recitales cargados de anécdotas, historias y comentarios alrededor de sus canciones que provocan aún más, como si con las canciones no tuviéramos ya suficiente, irse a casa con el involuntario encargo de reflexionar y dar espacio a emociones tan necesarias como olvidadas en estos días. Comentarios de tintes contrapuestos, ya que si por un lado como espectador deseas escuchar sus palabras aún más, por el otro es el número de canciones lo que sale damnificado del concierto. En la parte musical, gran peso lo soporta el extraordinario pianista Mikel Azpiroz. colaborador y arreglista sobre todo de las últimas canciones de Jabier. El músico donostiarra genera un clima dulce y especial con sus teclas. Clima que llega a cotas muy altas en temas como “Egunkari puska bat” o “Azaroak baditu gauza onak”, ambos de la nueva propuesta.

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David Gómez a la batería e Ignasi González al contrabajo, ponen las guindas a un pastel que invita a repetir. Si en el primer pase se llenaron las butacas, con gran asistencia de prensa escrita y fotográfica, y mucha expectación, el segundo pase, con menos público y quizás menos tensión, hizo que Jabier nos hiciera sentir aún más como en casa. Otro hermoso concierto para el recuerdo que firmó el irundarra. En el setlist previsto cayó su mítica “Eskaintza”, quizá por tiempo, quizá porque quiso cerrar con otro clásico, “Mazisi Okeita Denbelek”, en otro guiño tierno al drama que estamos viviendo en oriente próximo. “Tonetti Anaiak” es uno de sus mejores discos. Pero que vuelva, por favor. Queremos más.

Setlist : 1. Katherine Switzer 2. Tonetti Anaiak 3. Azaroak baditu gauza onak 4. Beti ondo daudenen gezurrak 5. Egunkari puska bat 6. Jazzbanak agur 7. Benino edo Benito 8. Hurrengo geltokia 9. Ez da komeni exajeratzea 10. Mazisi Okeita Denbelek 11. Eskaintzak (prevista pero cayó del set).

Jordi Martínez.

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Suede: Brillante emotividad.

Si hace tres años Suede sorprendieron con un disco de retorno —“Bloodsports” (2013)—,  más que aceptable, ahora vuelven con un nuevo trabajo, “Night thoughts”, que certifica el buen estado en el que se encuentra la banda británica. Teniendo en cuenta el claro declive con el que se habían despedido en la primera etapa de la formación, esa que se mueve desde el homónimo “Suede” (1993), hasta “A new morning” (2002), y el tiempo transcurrido desde la disolución del grupo tras éste último, sorprende la evolución in crescendo en este nuevo periodo.

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El grupo se escora hacía un sonido más épico y melodramático que en su anterior trabajo, sin resultar exageradamente afectado. Así, si “Bloodsports” podía tener coincidencias más que razonables con el exitoso “Coming up” (1996), es decir, que se podía considerar un álbum de singles, con canciones que funcionaban bien como colección pero también de manera aislada, esta vez la banda ha optado por dar una continuidad casi cinemática al nuevo disco, retrotrayéndonos a la que seguramente sigue siendo su obra más destacada, “Dog man star” (1994). En este sentido, no sorprende que el álbum venga acompañado por un film del director Roger Sargent, del cual las nuevas canciones vienen a ser una suerte de banda sonora.

Con todo, encontramos varios temas con gran potencial para ser lanzados como sencillos promocionales (es el caso de “Outsiders”, “No tomorrow”, “What I´m trying to tell you”o “Like kids”), donde aflora toda la capacidad melódica de la banda, no reñida con un sonido robusto, emparentado con el mejor glam-rock y la new wave, pero donde fluye una personalidad propia que resulta plenamente vigente en la actualidad. Igualmente, hay temas más reposados como la inicial “When you are young” (que sirve en cierta forma como preludio del álbum) o la muy bella “Tightrope”, que ayudan a resaltar todavía más la brillante emotividad que caracteriza en su conjunto a este álbum.

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Quizá el único “pero” que podemos ponerle al trabajo, es que en cierta forma el grupo sigue inspirándose en su época dorada, sin que por el momento haya visos de nuevos caminos que recorrer. A este respecto, también las obsesiones habituales (la juventud, la alienación, las dificultades de comunicación…) de Brett Anderson, líder de la banda, siguen siendo predominantes en las letras de este nuevo disco, aunque, lógicamente, con una perspectiva más madura.

Queda solo rubricar las flamantes canciones en directo, algo que podrán disfrutar quienes se acerquen a verlos en la próxima edición del sobresaturado (en todos los sentidos) Primavera Sound de Barcelona (Suede forman parte del cartel en la jornada inaugural en el Fórum, la cual es de entrada libre).

Ricard.

Os dejamos con una de las canciones de este nuevo disco de Suede:

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“L´avar”: Comedia con trasfondo dramático.

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Hemos asistido en el Teatre Goya de Barcelona a la representación del célebre texto de Molière, a su vez basado en la obra del autor latino Plauto, “Aulularia o la comedia de la olla”, y nos ha encantado encontrar a un Joan Pera lejos de sus habituales registros de comedia pura, para adentrarse en un papel amargo.

Un viejo avaro y usurero,  Harpagon (Joan Pera) concibe el ridículo proyecto de casarse  -naturalmente para hacerse con la dote- con Mariana (Elena Tarrats), de la que su hijo Cleante (Manu Fullola)  está enamorado. La otra hija, Elise (Júlia Barceló), está mientras tanto prendada de Valeri (Ricard Farré), el mayordomo de su padre, aunque éste le tiene reservado a Anselm (Josep Minguell) como marido.  La celestina Frosina (Alba Florejachs) en principio contratada por Harpagón para facilitar sus pretensiones sobre Mariana, terminará mediando entre los demás jóvenes enamorados. A todo esto, el mestre Jaume (Manel Dueso) cocinero y enemigo de Valeri, echará más leña al fuego azuzando a Harpagon contra el mayordomo.

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Así pues nos encontramos en apariencia con una comedia que sigue los patrones clásicos de enredos, intrigas y solución final, pero como decimos, es sólo una apariencia. Entre juegos, ridículas poses (genial escena en que Frosina pretende convencer al viejo de que puede agradar a Mariana) y líos de casa burguesa, lo que aparece, poco a poco, al principio solamente esbozado pero de forma creciente a lo largo de la obra, es la figura de un hombre, Harpagón, que en su vejez tiene el corazón cerrado a los anhelos de sus hijos, que sólo piensa ridículamente en su olla de oro (la escena cumbre de la obra probablemente sea aquella en que Harpagón piensa que Valeri ha robado la olla de oro, y se entabla un dialógo equívoco en que el joven habla del amor y el viejo piensa que aquél habla de su dinero, enterrado en el jardín) y que envilece todo con su esperpéntica avaricia.

La clave de la obra es que la actitud de Harpagon, aunque exagerada, no es en absoluto inverosímil. El abyecto trato usurario que quiere dispensar a su propio hijo, los mezquinos ahorros en su proyectado convite, el modo como escatima un favor a Frosina, quien le está ayudando, todo eso no es una mera hipérbole, una licencia del autor para arrancar una sonrisa del público. No. Es un retrato de una familia en que el padre ha abdicado de adoptar el rol de figura tierna y generosa (que acaba encarnando Anselm) que se supone a todo padre, y que en cambio actúa como una alimaña, una sanguijuela egoísta y tacaña. Joan Pera borda este papel. Consigue un meritorio equilibrio entre su registro suave y un punto tierno (ese que tantas veces le hemos conocido), con un trasfondo de personaje cicatero y roñoso, avaro y miserable.

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El resto de actores y actrices interpretan la perfección a sus personajes, con un Josep Minguell  que es el contrapunto al avaro, un Manuel Dueso que encarna la figura del criado mezquino que medra a la sombra de otro como él, de una Alba Florejachs en su papel de celstina  quien sus esfuerzos por adular al viejo miserable sirven de bien poco, y unos jóvenes Ricard Farré, Manu Fullola, Elena Tarrats y Julia Barceló, que en sus respectivos papeles enseñan como la vida puede ser impulsada por fines mucho más elevados que los del viejo. Completan el reparto unos divertidísimos Oscar Castellví y Xavi Francés como comisario que es un convidado de piedra a quien el avaro pretende usar en su provecho (como al resto.)

Encontramos muy acertadas tanto la adaptación de Sergi Berbel como la dirección de Josep Maria Mestres, que respetan y enriquecen el original. Todo ello nos lleva a recomendar sin duda esta obra intemporal, con un enorme Joan Pera, que hará las delicias a los amantes del teatro clásico.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Goya/Información sobre “L´avar”

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“Fang i setge”: El musical romántico.

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La caída de Barcelona a manos de las tropas borbónicas el 11 de septiembre de 1714 es, en el imaginario del nacionalismo catalán, equivalente a los colonos del Mayflower para el nacionalismo americano, la toma de la Bastilla para el francés o el desembarco de Garibaldi en Sicilia para el italiano, hasta el punto que tan infausta fecha es la fiesta nacional catalana.

El dramaturgo Marc Rosich y el director Marc Angelet, junto a Salvador Brotons como compositor, y como letrista el ingenioso poeta  Josep Pedrals, (con su excelente dominio del lenguaje que el propio título atestigua), así como el coreógrafo Toni Mira y la escenógrafa Laura Clos, dan cuerpo a este excelente musical del que destacamos muchas virtudes.

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La obra está impregnada del acertado aire de abandono a su suerte que debieron sufrir los defensores catalanes y que transmiten, con amargura y resignación, los actores y actrices.  En efecto, ya desde el principio se nos anuncia la deserción de los ingleses, magníficamente encarnada en el personaje William Plowright (algo así como Guillermo “el que maneja bien el arado”) magníficamente interpretado por Jordi Llordella. El asunto catalán no era sino un pequeñísimo epígrafe del escenario europeo que enfrentaba a las casas de Borbón (Francia, Castilla y Baviera principalmente) con la de Habsburgo (Austria, muchos estados alemanes y de modo oportunista -como siempre-, Inglaterra). Cuando el hermano del emperador  austríaco Leopoldo muere, el peligro de que el Sacro Imperio y la corona de España queden bajo una misma mano hace que los ingleses se retiren. El tratado de paz de Utrecht acabaría de finiquitar las aspiraciones catalanas de que un rey les reconociera sus fueros. Tras el asalto final de Berwick, las instituciones propias quedarían definitivamente abolidas y el territorio incorporado a la monarquia absoluta borbónica.

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En la representación, se nos expone en elocuente dibujo el enfrentamiento civil entre catalanes partidarios de los borbónicos y catalanes defensores de los fueros. Así,  Onofre (Xavier Ribera Vall) es un noble que traiciona a las instituciones, un botifler (quién sabe si en alusión a la flor de lis francesa, “beauté fleur“), cuya hija Ònia (Neus Pàmies), decide en cambio apoyar la causa de los brazos de las cortes catalanas. El heroíco Villarroel (Ferran Frauca), se enfrenta no sólo a los asaltantes, sino también a los quintacolumnistas representados por Nuria (Annabel Totusaus) que quieren traicionar a los patriotas y vender la ciudad a los bornónicos. La niña Joana (jovencísima y soberbia Aina Quiñones) con ardor infantil, se enfrenta heroícamente a los sitiadores.

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La coreografia de la obra es sobría, mesurada, alejada de grandilocuencias y clichés. El texto, ingenioso y soberbio. La escenografía, encantadora.

En resumen, una representación que pese a su duración se hace amena, y consigue trasladar al espectador a uno de los momentos más graves de la historia catalana con frescura,  sobriedad y agudeza.

La obra estará en el Teatre Victoria hasta el 28 de marzo y es una gran cita para los amantes del musical y de las obras históricas.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Fang i Setge

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AMERICANA: Cuatro días del mejor cine independiente norteamericano en Barcelona.

Se celebra en Barcelona desde el día 3 del presente mes de marzo y hasta el día 6 la tercera edición de “Americana”, festival dedicado íntegramente al cine independiente norteamericano.

Siendo como es, hoy por hoy, los Estados Unidos el gran país de referencia en cuanto a cultura audiovisual y cinematográfica se refiere, no cabe duda del gran interés que tiene un evento de estas características.

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En esta ocasión, el festival incluye una nueva sección dedicada al documental que llevará precisamente el nombre de DOCS y que se añade a los otros tres apartados habituales del evento: TOPS, que este año da muestra de un total de siete largos que ya han pasado con éxito por otros festivales, NEXT, que incluye el debut de diversos nuevos talentos del cine norteamericano y películas inclasificables que muy difícilmente conseguirán tener distribución en nuestro país, y SHORTS, dedicado al cortometraje.

En total, en esta edición se proyectarán 19 largometrajes, 12 cortos y se podrá ver también los primeros episodios de las nuevas temporadas de dos series (“Girls” y “Togetherness”). Además, se realizarán diversas actividades paralelas, como el “Americana Kids” dedicado a los más pequeños.

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“Tangerine” de Radium Cheng

Entre los títulos que encontramos este año dentro de la sección TOPS destaca una película como “Tangerine”, film que opta a cuatro Independent Spirit Awards; un trabajo harto curioso, pues está rodado íntegramente en Iphone 5. Precisamente, su director, Radium Cheng, estuvo presente en la rueda de prensa que se celebró ayer martes día 1, donde habló sobre el uso de las nuevas tecnologías de comunicación en el cine presente y futuro. En tándem con el también director Sean Baker, se recuperará su film “Starlet” que ya triunfó en el antes mencionado Independent Spirit Awards hace tres años. Así mismo, podremos ver películas multipremiadas como “Wildlike” de Frank Hall Green, “King Jack” de Felix Thompson,  o “Diggin for fire” de Joe Swanger, esta última con reparto de auténtico lujo (Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, e incluso Orlando Bloom entre otros). Destacamos también “The invitation”, de Karyn Kusama, última ganadora en el Festival de Sitges, y “Trumbo”, drama dirigido por Jay Roach centrado en la figura del gran guionista de cine Dalton Trumbo (encarnado por un magistral Bryan Cranston, inolvidable protagonista de la serie “Breaking Bad” y que ha sido nominado a un Oscar por este nuevo papel), que fue perseguido por sus ideas izquierdosas en el Hollywood clásico.

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“Trunbo” de Jay Roach

En el apartado NEXT, queremos mencionar títulos como “People, Places, Things” de James C. Strouse, que inaugura además el evento (será la única película del Festival que no se proyectará en los Cines Girona, si no en concreto, en el espectacular Phenomena). Se trata de una comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que se ve en la obligación de salir adelante criando a sus dos hijas tras el divorcio de su esposa. Igualmente, resaltamos la inquietante “They look like people” del debutante Perry Blackshear, “Yosemite”, opera prima de Gabrielle Demestere, basada en tres relatos de James Franco y que cuenta con él como actor protagonista en una de las historias, o “Take me to the river” de Matt Sobel, film que a través de la radiografía de una familia muestra la dicotomía existente entre el modus vivendi rural y el cosmopolita.

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“People, Places, Things” de James C. Strouse

Por lo que se refiere a la sección SHORTS, tendremos la posibilidad de ver trabajos como el lynchiano “Footprints”, del ya veterano Bill Plymptom, o “Everything & everything & everything” dirigido por Alberto Roldán y protagonizado por Shane Carruth, autor del fascinante largometraje “Primer” (2005). También destaca en la selección “Interesting ball”, película codirigida por Dan Kwan y Daniel Scheinert, polémicos ganadores a la mejor dirección en el último Festival de Sundance con “Swiss army man”.

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“Interesting ball” de Dan Kwan y Daniel Scheinert

Finalmente a destacar en la flamante nueva sección DOCS títulos como “In Jackson Heights” del celebrado autor de “National Gallery” Frederick Wiseman, quien nos lleva al barrio más intercultural de Nueva York,  “Blood brother” de Steve Hoover, sobre Rocky Braat, un joven que después de un viaje a la India descubrió que su vida solo tenía sentido ayudando a niños huérfanos con SIDA, o “Prophet´s Prey”, documental en clave de thriller sobre una secta polígama, dirigida por Amy Berg, la responsable de “Janis”, estupendo documental sobre Janis Joplin que se pudo ver en la última edición del In-Edit Festival.

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“In Jackson Heights” de Frederick Wiseman

Ya hemos mencionado que el Festival programa actividades paralelas como el “Americana kids” dedicado a los niños. También se realizarán talleres y mesas redondas, como “El crítico al desnudo”, sobre crítica cinematográfica,  o “Funambulistas americanos”, actividad dedicada a reflexionar sobre qué se entiende como cine independiente americano (a celebrar  ambas cosa en La casa del cine).

Toda la programación al completo (recordándoos que salvo la inaugural, el resto de proyecciones del festival se realizan en los Cinemes Girona) con sus horarios, la podéis encontrar clicando en el siguiente enlace:

Web de Americana: Festival de Cine Independent Nord-Americà/Horarios de proyecciones

Ricard.

Os dejamos con esta graciosa presentación del Festival:

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