Archivo mensual: febrero 2015

“Cloaca”: Adiós a los columpios.

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Hace unos días asistimos en el Versus Teatre de Barcelona a la representación de “Cloaca”, de la dramaturga holandesa Maria Goos (obra que en Europa ha alcanzado mucho éxito: en 2004 Kevin Spacey estrenó la versión inglesa en el Old Vic Theatre de Londres. La versión alemana titulada “Alte Freunde” se estrenó en 2006 en el Renaissance-Theater de Berlín). La versión que ahora nos presenta el Versus Teatre ha sido traducida por Lluís Montserrat, adaptada por Roger Pera y dirigida por Oscar Molina (con Jesús Milà como ayudante de dirección).

La obra contempla con ironía dónde ha ido a parar la amistad de unos cuarentones que, lejos ya de la inocencia de la infancia y de la ilusión de la juventud, se encuentran fatalmente abocados a sus prosaicas existencias pequeñoburguesas. En efecto, cada uno de ellos se encuentra sumido en sus preocupaciones y la interacción con los otros se limita a breves monólogos, -en los que los demás hacen como que escuchan-, y en solicitudes cargadas de interés.

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Pieter (Xavier Castán / actualización: Oscar Molina), funcionario homosexual a punto de jubilarse, se ve perturbado en la plácida existencia que se le presenta en su confortable apartamento del centro, por la petición de devolución de unos cuadros que tomó prestados del ayuntamiento, cuadros que han experimentado un súbito aumento de valor pero que hace tiempo que vendió.  Sus esperanzas se centran en su amigo Jan (Ramon Godino), político al que, como ministrable, se augura un gran porvenir.. Por desgracia, Jan está demasiado centrado en sus problemas conyugales y su postulación al ministerio, y lo único que le interesa de Pieter es que le aloje por unos días. Tampoco parece que puedan ayudarle Tom (Miquel Sitjar) abogado en horas bajas tras su ingreso en un hospital psiquiátrico por problemas de adicción, ni Marteen (Pep Papell), vanguardista director teatral que está teniendo un affaire con la hija de Jan, actriz en una de sus producciones.

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A partir de esa situación la obra distingue entre los rastreros Jan y Marteen y los simplemente infelices Pieter y Tom. Los primeros son egocéntricos sin escrúpulos con discursos patéticos sobre la infidelidad conyugal y las relaciones con adolescentes, y los segundos contemplan los avatares de la vida con una mezcla de resignación e inocencia, superados por las circunstancias.

La aparición de una voluptuosa bailarina búlgara (Konstantina Titkova) supone una especie de punto de inflexión de la obra. Es el pretexto para que los cuatro supuestos amigos se saquen las máscaras. Cuando la chica se va, les deja solos frente a frente con sus miserias. La salida final es cobarde y cruel.

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Excelente interpretación de los actores, que dan credibilidad a una obra que penetra incisivamente en la psicología de sus personajes, con una visión un tanto pesimista de la amistad masculina. El encantador escenario creado por Gala Garriga, la óptima iluminación y espacio sonoro de Daniel Gener y la música de Malacara & Wilson Band contribuyen a aumentar la sensación de realismo, ese ambiente acomodado, ese aire displicente de amplias capas de población centroeuropea que no debe lidiar con las estrecheces materiales de sus contemporáneos sureños y que pueden dedicarse a dar rienda suelta a sus ocupaciones narcisistas.

La obra en definitiva nos presenta cómo el paso del tiempo puede empeorar a las personas, cómo las exigencias sociales, económicas y personales entierran definitivamente los juegos infantiles.

El espectáculo aun no tiene fecha de finalización, por lo que os animamos a ir a verla cuanto antes.

“Cloaca” ha tenido un gran éxito de público y regresó al Versus Teatre del 6 de agosto al 13 de septiembre y durante todo el mes de octubre de 2015. También ha realizado una gira por Catalunya y ahora vuelve a la cartelera barcelonesa: La obra se podrá ver en el Teatre Gaudí del 10 al 26 de junio. Además, los jueves, viernes y sábados, el público podrá disfrutar de la música de Malacara & Wilson Band en concierto gratuito. 

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Versus Teatre/Información sobre “Cloaca”

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Sleater-Kinney: Urgente y brillante retorno.

Acostumbrados como estamos (de un tiempo a esta parte), a saber del regreso de bandas de referencia que se habían disuelto hace años con la impronta de que tal separación debía ser definitiva, no es de extrañar que algunos levantemos una escéptica ceja cuando nos enteramos de que una de esas formaciones decide volver al ruedo musical tras muchos años de inactividad, sobre todo teniendo en cuenta que estos “comebacks” no suelen saldarse con resultados especialmente notables (salvo en algunos casos puntuales como el de la reaparición, comentada en nuestro blog, de The Afghan Whigs). Afortunadamente, el regreso de Sleater-Kinney, banda estadounidense muy querida por quienes hacemos posible este espacio, surgida a mediados de los años 90, estrictamente compuesta por mujeres y que bien podríamos etiquetar como de “rock alternativo” (aunque hoy en día se utilice con el grupo la más recurrente calificación de “indie-rock”), ha resultado ser más que positivo.

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En cualquier caso, distan casi 10 años entre el anterior trabajo de la banda, el extraordinario  “The Woods” (2005), y su nuevo disco (el octavo de su carrera) “No cities to love”, un tiempo en el que, lejos de la inactividad, las componentes de la formación han seguido trabajando en distintos proyectos tanto musicales como de otra índole (Janet Weiss y Carrie Brownstein formaron el grupo Wild Flag cuyo primer disco resulta más que recomendable, Corin Tucker ha participado en distintas experiencias musicales, y Brownstein se ha hecho bastante famosa como parte del reparto de la divertida serie “Portlandia”).

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De izquierda a derecha: Janet Weiss, Carrie Brownstein y Corin Tucker, las tres componentes de Sleater Kinney.

“No cities to love” es un disco continuista en el mejor sentido del término. Sleater-Kinney es esa clase de banda capaz de otorgar personalidad propia a cada uno de sus trabajos sin dejar de ser plenamente reconocible en todos ellos. En cierta forma, eso emparenta al grupo con el mejor rock clásico. Pero la formación siempre ha buscado nuevas fórmulas para su sonido contundente y, a la vez, melódico, influenciado por el punk y el hard-rock, pero también por el pop. Así pués, si “The Woods” estaba plagado de gruesos riffs de guitarra que podían recordarnos a Led Zeppelin, y desarrollos musicales llenos de distorsión, ahora parecen querer volver a lo básico, con temas cortos, urgentes, llenos de sinuosos y detallistas arreglos que el oyente va descubriendo poco a poco con sucesivas escuchas. Una urgencia (10 canciones y apenas algo más de 33 minutos de duración en total), que se ajusta muy bien a unos textos que, como es habitual en la banda, hablan con ironía, inconformismo y rebeldía (también con esperanza) de temas que van del amor a la precariedad laboral actual.

Destacar un tema por encima del otro no vale la pena: “No cities to love” es un trabajo que se degusta como un bloque. Una inmejorable forma de encarar musicalmente la primera mitad del año. En mayo, Sleater-Kinney formarán parte del nutrido cartel del festival Primavera Sound en Barcelona; una buena oportunidad de disfrutar de su indudable poderío en directo.

Ricard.

Os dejamos con el vídeo de promoción del primer single extraído del nuevo disco de Sleater-Kinney, una obra basada en la serie de animación “Bob´s burgers”:

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“Somni americà”: Partículas de desengaño.

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En esta ocasión dos compañías plagadas de jóvenes talentos, Les Antonietes y La Kompanyia Lliure, se unen para dar vida a una original propuesta escrita y dirigida por Oriol Tarrasón, de quien comentamos no hace mucho su “Stockmann”, a partir de Ibsen.

La obra se representa estos días en el Teatre Lliure de Gràcia y el texto se inspira en diversos escritos de autores norteamericanos del siglo XX; obras que fueron escritas entre los años 30 y 40 del siglo pasado, todas ellas con el nexo de unión de la Gran Depresión Americana; así, la representación recrea el ámbiente sórdido y crepuscular de esa época de empobrecimiento y decadencia, con muchos paralelismos con la Gran Recesión que hemos vivido en nuestro país.

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Las referencias literarias son sin embargo difusas y ambiguas: podemos quizás reconocer el trasfondo trágico que vivieron la familia Lester de “Tobacco Road” (Jack Kirkland), cuya finca es embargada por los bancos, o la familia Joad de “Las uvas de la ira” (John Steinbeck), empobrecida por la gran sequía que asoló Oklahoma en los años 30; tal vez Tarrasón se haya inspirado en Tom Joad para el Tom de su obra (Pol Lopez).

Las tramas de amores familiares nos recuerdan a “El luto sienta bien a Electra”, de Eugene O Neil,  y así tenemos resonancias de esa obra en el capitán Dudley (Javier Beltrán) y en Mary (Mima Riera). El lúcido vagabundo Kit (Pep Ambrós) podría ser el escritor anarquista Ben Reitman, con sus escritos sobre las prostitutas, que nos remiten al personaje de Kitty (Paula Blanco); el desencantado Joe (excepcional David Verdaguer, recientemente galardonado en los Premis Gaudí con el premio a la mejor interpretación masculina en la película “10.000 km”) parece haberse inspirado en el Willy Loman de “Muerte de un Viajante, de Arthur Miller.

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No sabemos si con su personaje de Will, (Bernat Quintana)  Tarrasón se refiere a William Saroyan (quien por otra parte podría ser el propio vagabundo Kit),  popular escritor de aquellos años que a la manera cervantina escribió sobre las cuitas de los jovenes inmigrantes que se tenían que ganar la vida como modernos pícaros. Excelentes Mireia Illamola en el papel de Elsa y Laura Aubert en el de Harry.  Inconfundible, eso sí, la referencia a la Blanche de “Un tranvía llamado deseo” de Tennessee Williams, interpretada por Annabel Castán (Tarrasón y la actriz extraen lo más bello del personaje para ofrecerlo en la obra).

Pero a partir de esa prolífica referencia, Tarrasón en absoluto se limita a un volcado o collage de esos autores y sus personajes, sino que los recrea con visión particular e incisiva, proporcionando a la obra un tempo pausado, como de arrullo. No esperéis acontencimientos acongojantes o dramas, tan sólo el discurrir de unas horas en las deslavazadas vidas de los protagonistas.

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La representación reúne a gran cantidad de actores y actrices en el escenario (hasta once), pero ello no resulta en un espectáculo sobrecargado, sino que precisamente subraya el local de Nick (brillante, como siempre, Arnau Puig) como improbable punto de encuentro emocional de unas personas dominadas por su desencanto.

En efecto, como partículas de un gas que se expande en todo el escenario, los actores y actrices  interactuan al encontrarse en ese espacio,  con poco más que un comunicarse brevemente sus miserias vitales; se agrupan aquí y allà, al azar, y vuelven a separarse, hasta que se encuentran con otros personajes.  La taberna de Nick es la estación término de unas vidas grises que encaran, como el propio local, el desahucio final.

La obra, en fin, pone de relieve el desencanto de unas ilusiones truncadas por la realidad, de un sueño que ha quedado en humo, como ha pasado en demasiadas ocasiones en estos últimos años también aquí.

Somni Americà” estará en el Teatre Lliure hasta el 1 de marzo.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Lliure/Información sobre “Somni americà”

Web de Les Antonietes

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“Limbo”: Diálogo en tierra de nadie.

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En el Teatre Gaudí de Barcelona asistimos a “Limbo”, de la joven compañía Les Impuxibles,  fundada por Clara Peya (directora musical y compositora) y Ariadna Peya (coreógrafa). La obra cuenta con dirección de Miriam Escurriola, que no hace mucho vimos en “Viure sota Vidre” en el Círcol Maldà.  Protagoniza una magnífica Mariona Castillo, acompañada de  Tatiana Monells y Ariadna y Clara Peya.

La representación nos acerca a un tema en general poco conocido, más allá de algunos lugares comunes: la transexualidad, y dentro de ella y aún más desconocida, la transexualidad femenina.

Porque si pensamos en un transexual nos imaginamos a alguien que está deseando dejar atrás su antigua apariencia, que su aspecto original  le causa rechazo. pero ¿y si existieran otros sentimientos? ¿tal vez culpa? ¿sensación de pérdida? ¿dudas?.  Y más allá: ¿qué quiere  decir  “aspecto original”? ¿y por qué un transexual ha de elegir tener un sexo determinado? ¿puede tener atributos de ambos? ¿puede una mujer querer ser un hombre homosexual? En definitiva, la obra pretende enfrentarnos a todas nuestras ideas preconcebidas sobre el cambio de sexo y echar por tierra barreras y clasificaciones inconscientes:  con imágenes incisivas nos guia por un camino nuevo y sorprendente, en que sus protagonistas logran difuminar las fronteras que pensábamos que separaban uno y otro sexo.

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La protagonista, Albert, es retenida en la sala de embarque de un aeropuerto porque en su documento de identificación se lee un nombre femenino pero su apariencia es masculina. Metáfora de la tierra de nadie en que se encuentra  Albert, sin decidirse a dar el paso definitivo y encarar la cirugía que le conferiría un definitivo sexo masculino, cirugía que por otro lado puede ser vista no como la liberación del transexual sino como una imposición médica en un intento de homogeneizar y normalizar lo que se considera extraño… ante lo que Albert acabará revelándose. Asistimos a la evolución de Berta-Albert, desde una infancia en que no se sentía cómoda hasta una juventud en que el arca del doctor Noé se le presenta precisamente como tabla de salvación ante su diluvio emocional.

Destacamos las sugerentes coreografías ideadas por Ariadna Peya, donde las protagonistas exploran los diferentes lenguajes corporales de los roles de cada sexo, ya sean pizpiretas azafatas , ya pandilleros de barrio… la exhibición de los cuerpos de las intérpretes subraya lo evanescente de la linea divisoria, en ocasiones arbitraria, que separa a uno u otro sexo, una sexualidad de la otra. Asistimos, en fin, a las contradicciones de alguien inmerso en un proceso de transexualidad.

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Genial el diálogo de  Mariona Castillo como Albert con su alter ego virtual, Berta, con reproches de amantes despechados, -cuando lo que se echa de menos es una determinada percepción del cuerpo sin decidirse o con vértigo de aceptar otra-. Encantadora Clara Peya al piano.

Una evocadora y punzante representación para quien desee liberarse de prejuicios sobre la transexualidad. La obra estará en el Teatre Gaudí hasta el 1 de marzo.

“Limbo” volvió al Teatre Gaudí del 4 al 28 de febrero de 2016.

Actualización:”Limbo” se representará en la Sala Beckett dentro del ciclo “La revolució dels gèneres” del 30 de marzo al 9 de abril de 2017.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Gaudí/Información sobre “Limbo”

Web de Les Impuxibles

Web de Sala Beckett – información sobre “Limbo”

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“Sota Zero”: Una velada muy particular.

 

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Una nevera. Un cuerpo. Una mujer alterada: Sònia. Un sonido trepidante que va al compás de sus latidos… Una cortina tras la cual no se sabe exactamente qué hay… sólo se puede intuir. Aparecen en escena el aparentemente apocado Miqui, el marido de Sònia, y el fanfarrón Johnny, su ex. Sònia no se esperaba esta visita… ¿qué pretenderá Johnny? El problema es que tendrá que invitarle a la cena familiar de esta noche. Una cena en la que puede suceder cualquier cosa… Vendrán Cuca, hermana menor de Sònia, y Marifeli, su cuñada, dos mujeres de armas tomar…

Sota Zero” es una divertidísima y original comedia de Carla Torres, justamente su primera obra de teatro (2007). Este texto estaba guardado en un cajón hasta que en la primavera de 2013 los actores Patricia Mendoza (a quien ya vimos recientemente en “Watching Peeping Tom” y socia de la joven compañía La Peleona, donde Carla Torres ejerce como autora, directora y actriz), Anna Bellmunt y Carles Goñi se dirigieron a la autora para pedirle un texto y ella pensó que podría ser un buen momento para que “Sota Zero” saliera a escena. El autor y director Carles Mallol, con quien ha estado colaborando Carla como ayudante de dirección en “La Gent Molesta“,  se ofreció a codirigirla y a crear el espacio sonoro. Más tarde, tras el proceso de reescritura de la obra, se incorporó al reparto Joel Minguet para dar vida al quinto personaje.

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En el equipo artístico figuran también el periodista, actor y productor Quique Nubiola, socio de La Peleona, como ayudante de dirección, Bruno Cabrera y Silvia Delagneau en la escenografía, la bailarina, coreógrafa y pintora Vero Cendoya como asesora de movimiento, Raimon Rius en el diseño de luces (muy remarcables ambos trabajos), Gloria Viguer como asesora de vestuario, entre otros que configuran este sólido segundo trabajo producido por La Peleona.

La Peleona está formada por profesionales que proceden de la retaguardia de las pequeñas compañías y de los nuevos creadores. El nombre de la compañía es una declaración de intenciones, para seguir luchando por la cultura y cambiar ciertos aspectos que la están ahogando. Por su futuro. Quieren agitar las conciencias de los espectadores, formularles interrogantes sobre nuestra sociedad actual, con sus vicios, sobre nuestra vida cotidiana. Sus textos son una combinación de humor y crítica social. La Peleona es la máxima generosidad en escena; busca el riesgo y la verdad emocional en la interpretación.

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Recientemente se estrenó otra obra de Carla Torres producida por La Peleona, “L’efecte perfecte“, que se representó hasta el 23 de enero en la Sala Beckett dentro de la sección Teatre Jove a la Sala Beckett. “Sota Zero” estará en cartel en la sala Atrium hasta el domingo 22 de febrero. Desde “Cultura y algo más”, esperamos que La Peleona coseche muchos éxitos.

Laura e Ignasi.

Para más información clica abajo:

Web de Atrium/Información sobre “Sota zero”

Web de La Peleona

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“Birdman”: El sentido último del arte.

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Poco esperábamos algunos del director mexicano Alejandro González Iñárritu después de la maniquea y tramposa “Biutiful” (2010). En aquel film protagonizado por Javier Bardem (casi lo único salvable de la película) y que transcurría en una sórdida Barcelona, el realizador parecía querer radicalizar su habitual mirada crítica sobre el mundo globalizado actual, los contrastes sociales, el injusto reparto de la riqueza que lleva a tantos al abismo de la miseria y la delincuencia. Pero a diferencia de otros títulos pretéritos del autor como “Amores perros”, el film rezumaba una artificiosidad dramática que acababa por dar al traste con cualquier amago de verosimilitud que hiciese posible al espectador conectar realmente con aquello que se mostraba en la pantalla.

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En las antípodas de “Biutiful”, el nuevo título de Iñárritu, “Birdman”, ha resultado ser toda una gran sorpresa cinematográfica llena de frescura, ingenio, emoción y una exultante creatividad visual puesta al servicio de la historia que se nos cuenta. Ésta no es otra que la de un actor en horas bajas (genial histrión Michael Keaton, verdadera alma de la función), que pretende recuperar el prestigio perdido por haber protagonizado diversas películas de una saga de superhéroes en los años 90, dirigiendo y encabezando el reparto, en un teatro de Broadway, de la adaptación escénica de uno de los relatos del gran escritor norteamericano Raymond Carver; en concreto “¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?”.

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Iñárritu ha dirigido el film casi de principio a fin como si de un largo travelling se tratara, sin que aparentemente haya un solo corte, ni trabajo alguno de montaje. Lejos de la gratuidad, el realizador consigue con ello sumergirnos en el frenético y atormentado estado mental del protagonista de la película, sin menoscabo de obtener momentos de magnificencia visual y lograda comicidad. Con la ayuda imprescindible de un impresionante elenco actoral (ya hemos mencionado a Keaton, pero todos y cada uno de los intérpretes roza la perfección), una  brillante banda sonora de percusión jazzística, y una creativa fotografía, el film consigue el doble propósito de ser, al mismo tiempo, divertido y conmovedor, sin perder de vista esa perspectiva crítica que forma parte del perfil autoral del director y que aquí, a diferencia de lo que sucedía en “Biutiful”, está abierta a distintas interpretaciones. En este sentido, las reflexiones sobre los sinsabores del éxito y la popularidad, el papel de las redes sociales y nuevas formas de comunicación en nuestra vida cotidiana, o el sentido último del arte, están presentes para que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones de ello.

En definitiva, una película que, si no llega a ser una obra maestra, se queda a las puertas de conseguirlo. No os la perdáis.

Ricard.

Trailer oficial de “Birdman”

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“Fedra”: Crónica de una inexorable pasión.

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En el Teatre Romea de Barcelona hemos asistido al montaje “Fedra”, del dramaturgo francés del siglo XVII Jean Racine. El original ha sido versionado por Sergi Bellbel, que también es el director de la obra. La escenografía ha estado a cargo de Max Glaenzel, el vestuario es de Mercè Paloma, el espacio sonoro de Jordi Bonet y la caracterización de Toni Santos.

Para su Fedra, Racine partió de las obras clásicas de Eurípides “Hipólito” y de Séneca “Fedra”, aunque le dio su propia interpretación, remarcando una cierta visión misógina seguramente influida por sus creencias jansenistas.

La obra tiene todos los elementos del género, con unos semidioses emparentados con los dioses griegos del Olimpo, y encadenados a las más bajas pasiones humanas.

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Fedra (Emma Vilarasau) es hija de la diosa Pasifae (que presa de su extraviada pasión por el Toro de Poseidón acabó dando a luz al Minotauro) y del Rey Minos de Creta. Fedra se enamora perdidamente de Hipólito (Xavier Ripoll), el hijo que su marido Teseo (Lluís Soler) había tenido con una amazona. La nodriza de Fedra, Enona (Mercè Sampietro), le urge a confesar su amor cuando llegan noticias de la muerte de Teseo en combate.

A su vez Hipólito, joven virtuoso que venera a la diosa Artemisa de la caza y detesta a la del amor, Afrodita, confiesa a su preceptor Terámenes (Jordi Banacolocha) que quiere huir de Atenas porque ha caído perdidamente enamorado de Aricia (Queralt Casasayas), prima de Teseo y cabeza del clan rival de éste por el trono de Atenas. La llegada de Teseo, que huye de la prisión en la que en realidad estaba confinado,  desencadena el incendio.

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La mitología griega nos brinda una intrincadísima genealogía, que adereza con variados relatos en los que el incesto, el asesinato, el adulterio y los celos están bien presentes. El reto de representar estos argumentos arcaicos es encontrar un lenguaje escénico creíble y Bellbel lo consigue con creces. De la mano del escenógrafo Max Glaenzel y del creador del espacio sonoro Jordi Bonet,  el espectador se sumerge en una atmósfera intemporal, en que domina lo inexorable, lo fatal, en el que se entrevé el destino que se cierne sobre los protagonistas, todo ello remarcado por el ritmo pausado conferido por el verso alejandrino en que está escrita la obra. Un imponente disco anaranjado preside el escenario. Otro disco, negro, con movimiento apenas visible, lo va cubriendo… la luz se torna más tenue, una música sutil suena a lo lejos. Jugando con los volúmenes de un paisaje lunar trufado de rocas subrayado por un acertado juego de luces, se crea una sensación de profundidad, intensificada por el riachuelo que cruza el escenario y que separa a los actores. Recordemos que la mitología griega confunde a los dioses con los elementos originales, y vemos a Helios que representa el Sol y del que desciende Fedra, el agua que representa Poseidón de la que desciende Teseo, la tierra bajo la cual se encuentra el Hades…

En este escenario asistimos a la poderosa actuación de Emma Vilarasau, cuyo amor por Hipólito nos transmite un salvaje deseo de posesión, una insana pasión sexual que pasa por encima de deberes conyugales y de linajes y que envuelve a Hipólito no con los arrullos de la ternura, sino con la lujuria más feroz, que no duda en acudir a artimañas para justificar su intento de adulterio. Pero como nos remontamos a una época en que las conductas sexuales no aceptadas eran castigadas severamente (más en la época del autor francés que en las fuentes griegas), la protagonista verá justamente frustrados sus apetitos.

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Gran actuación de Xavier Ripoll, que, en concordancia con el propósito moralizante del autor, representa al joven inocente cuyo amor por Aricia es de una naturaleza virtuosa y que incluso defiende a Fedra ante Teseo. Lluís Soler representa magistralmente, ayudado por su imponente presencia y voz al divino patriarca que, traicionado por su mujer, intenta engañarse a sí mismo aunque finalmente debe admitir la traición.

Sin duda alguna, un gran montaje de Bellbel con una excepcional Vilarasau y unos magníficos actores y actrices que vale la pena presenciar, y que estará en el Teatre Romea hasta el 15 de marzo.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al trailer de la obra:

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