Archivo mensual: mayo 2013

16ª edición del “DocsBarcelona”: El cine documental sigue en auge.

El festival de cine documental DocsBarcelona inicia hoy su edición número 16, la primera que se realiza en época primaveral tras haber sido trasladado en el calendario, del mes de febrero (hasta ahora periodo habitual de celebración del certamen) a mayo-junio.

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Lejos de suponer alguna variación en cuanto a la calidad del festival, el DocsBarcelona de este año se nos antoja tan atractivo como viene siendo habitual desde su primera edición, teniendo en cuenta además que el documental es un género que se encuentra en pleno auge, tanto creativo como de distribución, habiendo aumentado también el interés del público por él.

En total este año se proyectan 36 películas, de las que hemos querido destacar cinco que nos llaman especialmente la atención:

“Beware of Mr. Baker” de Jay Bulger – EE.UU. : Película que retrata a Ginger Baker, explosivo batería de rock que ha tocado con estrellas como Eric Clapton o Santana. A sus 73 años, Baker nos es mostrado como un hombre aún excesivo en todos los sentidos, de personalidad arrolladora y que no tiene ningún pudor en mostrarse tal cual es. Un documental imprescindible para todos aquellos que amen música y cine por igual.

“Breathing earth” de Thomas Riedelsheimer – Alemania/Reino Unido : documental que retrata al artista japonés de 75 años Susumu Shingu, cuyas esculturas, con temáticas casi siempre relacionadas con el mundo de la naturaleza y muy especialmente con elementos como el  agua y el aire, resultan conmovedoras. Esta bella película nos muestra los valores ecologistas y humanos que transpiran las obras de Shingu, así como su particular filosofía de vida.

“El alcalde” de Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini, Diego Osorno – México : en un contexto de extrema violencia como el que se vive en diversas zonas de México, sorprende el caso de un pueblo como San Pedro, lugar donde su alcalde, Mauricio Fernández, parece haber erradicado en buena parte el crimen gracias a métodos expeditivos que, a menudo, lidian con lo legalmente permitido. El documental muestra esta realidad y pretende reflexionar sobre los motivos de la violencia en el país americano, así como sobre si son moralmente aceptables ciertas formas de actuación, aún y con el objetivo de luchar contra un mal mayor.

“Google y el cerebro mundial” de Ben Lewis – España/Reino Unido : Película que nos informa sobre el proyecto más ambicioso relacionado con internet que se haya planteado nunca: “Google Books”. Google escaneó millones de libros para su página web que debía llevar este nombre. El resultado final tenía que ser lo más parecido a una suerte de cerebro universal donde se reuniera toda clase de información. Pero, ¿cuáles pueden ser los peligros de esta iniciativa? El documental plantea esta y otras preguntas haciendo un fascinante recorrido que va de China a Europa, pasando por Estados Unidos y Latinoamérica.

“Finnish blood swedish heart” de Mika Ronkainen – Finlandia/Suecia/Francia : Documental de carretera en el que vemos a un músico cuarentón retirado acompañado por su padre en un itinerario por los países escandinavos en que ambos recuperaran, en cierta forma, su identidad de emigrantes. Una película salpimentada de humor y música.

Hasta el próximo domingo 2 de junio podéis ir a ver estos y otros documentales. Recordaros también que el festival incluye el “Pitching forum”, un punto de encuentro entre profesionales del sector con la idea de que aquellos que quieran dar a conocer posibles proyectos para filmar documentales en el futuro tengan la posibilidad de conseguir financiación y distribución. Si queréis saber más sobre como funciona dicho punto de encuentro os recomendamos que entréis en la web de DocsBarcelona.

Ricard.

Para más información clica abajo:

Web DocsBarcelona

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“Stoker”: Viaje iniciático al mal.

El 18 cumpleaños de India Stoker nunca se llega a celebrar: su padre muere en un terrible accidente ese mismo día. En el funeral, aparece el enigmático y seductor hermano de su padre, Charlie, que se instalará en el hogar familiar con la pretensión de querer ayudar a India y a su inestable madre, Evelyn. El viaje acaba de comenzar…

Este thriller dirigido por Park Chan-wook, con guión original de Wentworth Miller e interpretado por Mia Wasikowska, Matthew Goode y Nicole Kidman narra la aventura iniciática de una adolescente hacia el mal que se halla en su interior. El impacto y atractivo visual de las imágenes, las brillantes interpretaciones y la delicada y original banda sonora de Clint Mansell provocan un efecto magnético en el espectador.

Park Chan-wook es un reputado director, guionista y productor coreano que es conocido por películas como “Joint Security Area”, “Thirst” y la “trilogía de la venganza”compuesta por “Sympathy for Mr. Vengeance”, “Oldboy” (que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Cannes 2004), y “Sympathy for Lady Vengeance”. Se le considera ya uno de los mejores directores de la historia del cine asiático.

Queremos remarcar particularmente el trabajo en esta película de la ascendente Mia Wasikowska, una joven y multipremiada actriz australiana que ha destacado por su papel protagonista en “Alicia en el país de las maravillas” de Tim Burton y por su participación  en la 1ª temporada de la serie de televisión “In treatment”.

Desde “Cultura y algo más” os recomendamos esta película (actualmente en cartel),  así como el resto de la fascinante filmografía de Park Chan-wook.

Laura.

Trailer oficial de “Stoker”

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Oscar Molina: Pasión por el teatro (III).

Nuestro equipo ha podido volver a charlar con Oscar Molina sobre sus nuevos proyectos:

Actualmente está dirigiendo la obra de teatro “Absent”, con texto e interpretación de Fermí Casado, en el Circol Maldà. La obra estará en cartel hasta el 19 de mayo.

La obra es un monólogo que trata sobre las sesiones psiquiátricas de un conductor de autobús que padece de ausencias o lapsus en los que pierde la noción del tiempo y del espacio. Debido a este problema puede perder su trabajo… y él no sabe hacer nada más. Su vida puede hundirse en cualquier momento. Desesperación, indignación, rabia, vacío, tristeza, pérdida, desconcierto… Sus emociones se van transmitiendo al público a través de un texto muy rico y complejo, una brillante interpretación y una puesta en escena sobria, impactante y contundente, acompañada de la música de Rabbits & Water que se escucha en directo mediante la sesión de DJ de Platonov y crea una atmósfera inquietante durante toda la representación.

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Además, Oscar Molina está preparando la representación de “La Dona trencada” de Simone de Beauvoir con la actriz Iraida Sardà, que también ha sido quien ha traducido y ha adaptado al teatro el texto de la famosa escritora francesa. El espectáculo es un monólogo sobre la mujer y sus problemas en el que se irá intercalando la interpretación de clásicos de la chanson française.

En breve os daremos a conocer más novedades de este actor y director que está en constante movimiento.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Circol Maldà

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“Clavé 100 años”: Revisando la obra de uno de los grandes pintores del siglo XX.

1Desde el pasado 10 de mayo se puede ver en Can Framis, sede de la Fundación Vila Casas (Calle Roc Boronat, 116-126 de Barcelona), la exposición retrospectiva que se dedica al pintor Antoni Clavé con motivo del centenario de su nacimiento.

Antoni Clavé (Barcelona 5 de abril de 1913, Saint-Tropez 30 de agosto de 2005) está considerado uno de los nombres más destacados  en el desarrollo del arte pictórico a lo largo del siglo XX. Tras la guerra civil española, se exilió inicialmente en Perpignan (donde realizó su primera exposición) y más tarde en Paris, trasladándose finalmente a Saint-Tropez.

Fue gran amigo de Pablo Picasso, de quien recibió una fuerte influencia dejando de lado el clasicismo y expresionismo inicial de su obra para embarcarse en un estilo más abstracto y cercano al cubismo. De hecho, su arte estuvo en constante evolución, de manera que llegó a dejarse influenciar incluso por el pop art, si bien dejando siempre una impronta muy personal en todo su trabajo.

A parte de cómo pintor, se valora mucho a Clavé por su obra como cartelista, y su trabajo como ilustrador y decorador en teatro, llegando a obtener gran fama como escenógrafo. Igualmente, colaboró en revistas como “Pocholo” y otras publicaciones, dando muestras de su talento como dibujante. Su versatilidad como artista se puede advertir en el hecho que llegase a ser candidato para un premio Oscar gracias a su trabajo en la puesta en escena de “Hans Christian Andersen”, película dirigida en 1952 por King Vidor.

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Su inquietud creativa le lleva a inventar la técnica conocida como papier froissé, la cual nació fruto de su experimentación con el collage tras usar aerosol sobre papeles arrugados. En la época en la que descubre esta nueva forma de trabajar, mediados los años 70, se consolida definitivamente su fama al dedicársele diversas retrospectivas en importantes museos, entre ellos, en 1978, el Georges Pompidou de Paris. Más tarde, ya en los años 80, su obra se expone en ferias tan determinantes como la Bienal de Venecia.

Ahora podemos ver en la ya mencionada Fundación Vila Casas, una muestra de su obra que abarca ni más ni menos que cerca de 80 piezas, cedidas todas ellas para la ocasión por coleccionistas catalanes.  Sentimos una admiración especial por este artista, por lo que hemos querido recomendar aquí esta exposición. En el arte ocurre, como en tantas otras cosas, que hay un componente especial, difícil de definir, que hace que nos inclinemos particularmente por un autor en concreto. Al margen de los argumentos que puedan esgrimir expertos e historiadores del arte, sentimos que la obra de Clavé sigue manteniéndose, poderosa y vital, muchos años después de haber sido creada.

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Hasta el próximo 14 de julio podéis visitar esta estupenda exposición.

Ricard.

Para más información clica abajo:

Web Fundació Vila Casas

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Cine y literatura (II): “On the road” y el arte cinematográfico como invitación a la lectura.

On-the-Road-PosterSi en nuestra primera entrada dedicada a la relación entre cine y literatura hacíamos referencia a dos filmes, entonces en cartelera, que reflexionaban de distinta manera sobre la creatividad literaria, en esta segunda entrega nos centraremos en una reciente adaptación cinematográfica de un texto que podemos considerar ya un clásico como es “On the road” (normalmente traducido aquí como “En el camino”) de Jack Kerouac (Lowell, Massachusetts 12 de marzo de 1922 – St. Petersburg, Florida 21 de octubre de 1969).

En realidad podríamos habernos fijado en otras tantas películas, de las que hemos tenido conocimiento en las últimas semanas, que realizan adaptaciones de obras literarias clásicas, desde “Grandes esperanzas” llevada a la gran pantalla por el británico Mike Newell, a “Ana Karenina” de su compatriota Joe Wright, pasando por “El gran Gatsby”, film que tiene previsto su estreno el próximo 17 de mayo y que ha sido dirigido por el realizador australiano Baz Luhrman. Podríamos añadir algunos títulos más, lo cual nos puede hacer preguntar cuál es el motivo de volver a revisar clásicos de la literatura que, en la mayoría de los casos, han sido llevados en múltiples ocasiones al cine con resultados dispares. Quizá la respuesta tenga relación con la falta de ideas de las grandes productoras cinematográficas, quizá con la elección de jugar sobre seguro dado el interés perpetuo por las grandes obras literarias que parece mostrar el público, o puede que todo esto tenga que ver con la necesidad de efectuar una nueva mirada crítica sobre aspectos de nuestro pasado que nos ayuden a entender mejor algunos de nuestro presente en un momento de crisis económica, social y moral generalizadas.

Sea como sea, “On the road” destaca sobre el resto de los títulos mencionados sobre todo por dos motivos: en primer lugar, no se había hecho nunca una adaptación al cine sobre este libro. Cierto es que Kerouac, por mucho que les pese a algunos de sus lectores más puristas, siempre había fantaseado con la idea de que su novela fuese llevada al medio cinematográfico, e incluso había admitido abiertamente que quería que el film fuera protagonizado por Marlon Brando. El motivo de que hasta ahora no se hubiese trasladado al cine el texto beatnik por excelencia tiene que ver con el hecho que el proyecto pasara de mano en mano durante tiempo (desde hacía años, los derechos de adaptación cinematográfica pertenecían a Francis Ford Coppola, quien terminó encargando la dirección de la película a Walter Salles) sin que llegara a concretarse hasta hace poco. Sospechamos que la dificultad técnica que entraña adaptar un texto tan enfebrecidamente espontaneo y lleno de improvisación como el de Kerouac, tiene mucho que ver con el retraso en su plasmación en imágenes.

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El segundo motivo por el que consideramos que la adaptación al cine de “On the road” puede tener un notable interés es la modernidad del texto en sí. Es verdad que todos los títulos mencionados anteriormente siguen teniendo un grandísimo atractivo, tanto por la forma como por el fondo de las obras que plasmaran en el papel Dickens, Tolstoi o Fitgerald, pero “On the road” mantiene intacta una capacidad de transgresión que, ni siquiera la mala utilización de algunas partes del libro en anuncios televisivos, ha podido empañar. Y es que, lo que se esconde tras las andanzas de Sal Paradise (en realidad, un sosias del propio Kerouac), junto al salvaje y alocado Dean Moriarty (sobrenombre que asume la identidad de Neal Cassady), con la participación de otros personajes alter egos de diversos representantes de la llamada beat generation (Carlo Marx es el poeta Allen Ginsberg, Old Bull Lee retrata al escritor William Borroughs), es toda una declaración en favor de la libertad, que continua mostrándose a nuestros ojos con la misma carga lírica, filosófica y, nos atrevemos a afirmar, revolucionaria, que podía tener a finales de los años cuarenta del siglo pasado, momento de la primera edición de la novela.

Ante todo esto, la pregunta que nos hacíamos antes de la visualización del film era si el director brasileño Walter Salles (realizador de títulos como “Estación central de Brasil” o “Diarios de motocicleta”) habría conseguido mantener el espíritu de la obra literaria en su puesta de largo cinematográfica. Nada bueno auguraba las críticas y comentarios de aquellos que habían visto la película en distintos festivales en los que se había proyectado previamente, y que ponían el acento en la larga duración del film, y en el hecho que éste llegase a ser, por momentos, aburrido o insulso.

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El hecho es que Salles acortó un tanto el metraje de la película después de las mencionadas proyecciones en los festivales, y puede que ese nuevo montaje le haya sentado bien. En cualquier caso, el film nos ha parecido, cuanto menos, digno. Lo es por su (algunos dirán que excesiva) pulcritud, su buen nivel técnico (destacando especialmente su puesta en escena, la ambientación y su bellísima fotografía), las buenas interpretaciones de sus actores protagonistas, y porque, siendo una obra imperfecta, consigue finalmente estimular la curiosidad del espectador que, en muchos casos, querrá visitar o revisitar la novela en la que está basada.

Amor, sexo, compañerismo, drogas, amistad, jazz, alcohol, libertad, rebeldía… “On the road” (el libro) es todo eso y mucho más; un compendio, como ya hemos apuntado, aún transgresor, que, en su versión cinematográfica, consigue mantener el interés del espectador invitándonos a focalizar nuestra mirada, de nuevo, en la obra de un autor y de una generación cuya impronta se mantiene plenamente intacta.

Ricard.

Trailer oficial de “On the road”

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“La vida perdurable”: Sobre la comprensión y el perdón.

La vida perdurable

Frente al espectador se halla una mesa con dos comensales. Comen en silencio, como si  estuvieran ensimismados. De pronto, comienza el diálogo. Son madre e hijo. Ella, en el crepúsculo de su vida y él a mitad del camino. Tienen mucho que decirse, que reprocharse. Y, ¿cómo se ha portado la vida con ellos?

“La vida perdurable” de Narcís Comadira nos habla sobre la falta de comprensión, de comunicación, de capacidad de perdonar o gestionar los asuntos familiares. La familia como institución social ha cambiado mucho en los últimos años. La madre no quiso entender ni a su esposo ni a su hijo. Y esto provocó unas consecuencias. A través de la conversación entre madre e hijo, podremos ver como va estallando la guerra…

Boris Rotenstein vuelve a dirigir esta obra para el Teatre Akadèmia. Este actor, director y profesor de teatro ruso imprime su huella personal en las palabras de Comadira. Su larga experiencia abarca tanto textos de la literatura clásica y moderna rusa como otros autores destacados (Ionesco, Albee, Pinter, etc.).

Destacamos el trabajo de los intérpretes (Mercè Managuerra y Emilià Carilla) en este pulso de ritmo ascendiente que mantiene en vilo al espectador hasta el final. El texto de Narcís Comadira recibió el Premi Crítica Serra d’Or de teatro el año 1992. Entre su producción artística, hallamos una dilatada obra poética (donde figuran los premiados “Enigma” y “En cuarentena”), obras de teatro como “L’hora dels adéus” y “El dia dels morts. Un oratori per a Josep Pla”, libros de crítica literaria y ensayos como el famoso “Sense escut” y su también conocida obra pictórica.

Desde “Cultura y algo más”, os recomendamos este espéctaculo, que se podrá ver en el Teatre Akadèmia hasta el domingo 5 de mayo.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web TeatreAkademia

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