Archivo de la etiqueta: teatro social

La cabra o Qui és la Sylvia?: Los límites de la familia.

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Hemos asistido en la joven sala Cincómonos de Barcelona a esta sugerente obra del prolífico dramaturgo estadounidense  Edward Albee (conocido sobre todo en nuestro país por “Who’s afraid of Virginia Woolf?) , de la compañía CorEnllà Teatre y dirigida por Marta Roset y David Gómez. 

Un acomodado matrimonio de un buen barrio (Miquel Andrés y Anna Viñallonga); la mujer recibe una carta de un amigo (Xavi Hernández),  una carta que le descubre una parte oculta y muy especial de su marido.

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La obra nos presenta la crisis que desencadena la carta y a partir de ahí una reflexión sobre los límites entre lo que es tolerable en la sexualidad y lo que no, sobre dónde acaba el disfrute y comienza la perturbación mental.   Y con ese trasfondo, todo lo que supone para una familia un acto de ruptura del padre (genial Laura Relats en su papel de adolescente perdida en medio del tsunami que provocan las noticias).

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No sabemos si la reconocida homosexualidad de Albee le inspiró en parte el trasfondo de la obra, si vivió algún tipo de rechazo o alguien de su entorno le hizo sentir que era una anomalía, pero desde luego el protagonista entona un canto de libertad, quiere dejar atrás prejuicios y cadenas y dejarse llevar por el torbellino emocional que experimenta.  Sin ninguna duda el debate que genera le es totalmente ajeno e indiferente.

Cautivador tono de la obra: comienza con inequívocos toques de comedia para ir derivando a drama y acabando en tragedia.  Nos ha gustado la sugerente  interpretación de Miquel Andrés que desgrana su tragedia personal con comedido tono de seminarista que choca con lo descomunal del terremoto que su revelación causa…

La obra sólo estará hasta el jueves 2 de mayo en la sala.

PROS DE LA OBRA: La profundidad de temas que toca y el tono ecléctico de su lenguaje teatral.

CONTRAS DE LA OBRA: La mezcla de tonos de comedia y drama en algún punto desconcierta al espectador.

Ignasi y Laura.

Os dejamos el enlace a la web de la sala:

Web de Cincómonos – Información sobre “La cabra o Oui es la sylvia?

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“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

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Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

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La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

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Mutis – El Festival de Teatro Independiente de Barcelona celebra su décima edición (II).

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Continuamos con nuestra crónica sobre el X Mutis, Festival de Teatro Independiente de Barcelona. Ayer fue un día intenso, con el inicio de las II Jornadas de Investigación en Teatro Independiente, que continuarán hasta mañana 22 de marzo en el Institut del Teatre de Barcelona. Pudimos comprobar en La Vilella (una de las múltiples sedes del festival) cómo “No sólo Yerma” de la compañía Tranpola había agotado entradas. Esta versión del clásico de Federico García Lorca realizada por Naiara Herrero (dramaturgia, dirección, escenografía, iluminación, sonido y vestuario), con un reparto que brilla tanto en la actuación como en todo el trabajo de movimiento, hace un giro argumental en cuanto al personaje principal, Yerma (fabulosa Jessica Hernández). La obsesión enfermiza debida a la no maternidad se traslada de Yerma a su entorno, de manera que ella recibe una presión desmesurada (muy bien expresada a través de la danza) por parte de las personas que la rodean.

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“No sólo Yerma” de cia. Tranpola en La Vilella (Festival Mutis) – Foto de Laura Clemente Vives

Esta tarde se podrá ver, en la Sección Emergente:

  • 10 minutos” de Valeria Pisati, con la compañía Les Gràcies, en Cafè-Teatre Llantiol a las 19h. Una historia de violencia de género y discriminación a través de una pareja que ha perdido un hijo… Pisati y Les Gràcies también tienen otro proyecto, el espectáculo de microteatro “Rojo casi negro” que se pudo ver en Sala Melmac el pasado 16 de marzo en el marco del festival.
  • Tattoos and body transformation“, basada en textos de Neus Marmol, con la cia. Samurai. Lena parece una mujer afortunada, pero tras un encuentro fortuito, se da cuenta de su vacío existencial. En Centre Cívic Drassanes a las 20.30.

Y en la Sección Independiente:

  • Conxorxa” de Guido dei Mattiolli, con la compañía Magma 2011, en Centre Cívic Can Verdaguer a las 19h. Sobre el derecho a vivir dignamente.
  • Gente nocturna” de Misael Sanroque, con Cia. La Meridiana, en Cafè-Teatre Llantiol a las 21.30. Un homenaje a los cafés-refugio, como en los cuadros de Edward Hopper, los relatos de Raymond Carver o la novela “After dark” de Haruki Murakami. Max ha perdido la inspiración para escribir; una noche entra en el café una mujer, Cora, que tuvo una relación con él…

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Nos reencontramos en breve para seguir con nuestro reportaje sobre el Festival Mutis.

Laura Clemente.

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“La pell escrita”: El valor de la elección.

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Hemos podido ver en Sala Atrium de Barcelona el mónologo “La Pell Escrita“,  cuyo autor es Manel Bonany y está dirigido por Manel Dueso e interpretado por Míriam Marcet.

Se trata de un brillante monólogo donde la protagonista evoca la peculiar e intensa relación amorosa, ya truncada, que tuvo con su “nino”.  Los vendajes que envuelven a la protagonista nos hablan de heridas,  físicas y emocionales.  La actriz encarna  magistralmente la esencia de la feminidad, de una feminidad inequívoca y militante, de una consciencia rotunda y determinada; y a pesar del canto a lo individual, a la elección personal e intransferible, la obra alude igualmente al juicio de los demás, al juicio de quienes pretenden arrogarse capacidad de decidir sobre los cuerpos ajenos. Metáfora de la metáfora, porque ese arrogado y nunca otorgado papel de juez en que se encarna la muchedumbre, es esbozado en la obra por una francachela de vándalos, bosquejados de modo particularmente sádico, brutal, descarnado…  del mismo modo que  probablemente deba de sentir sobre sí la mirada de los demás (y no solamente la mirada)  quien únicamente está facultado para querer ser: uno mismo.

Pero a pesar de las dificultades, de la necesidad de reivindicación y de lucha, por encima de todo está -enseña la obra de la mano de una prodigiosa Miriam Marcet- la propia dignidad, la convicción y lo espontáneo por encima del juicio, la censura y la imposición.

Nos ha encantado la obra porque aúna la exigencia de un monólogo con una caracterización muy particular, con una temática presentada a la vez con realismo y dulzura. Miriam Marcet mima, se recrea en el personaje, que nos es presentado como en un arrullo no exento de sobresaltos; imposible no sentirse identificados con él, porque todos en un momento u otro hemos sentido la incomprensión de nuestros semejantes, el rechazo y a veces la agresión despiadada.

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En ocasión de la temática de la obra, Sala Atrium ha organizado diversos coloquios postfunción para poder debatir determinados aspectos de ella, invitando a diversas entidades y personas representativas o activistas del colectivo trans, como acertado epílogo a la representación, para poder acercarnos a las particularidades de un colectivo muchas veces desconocido.

La pieza estará hasta el 19 de noviembre en la Atrium.

PROS DE LA OBRA: Sin duda, la delicada y convincente interpretación de Miriam Marcet.

CONTRAS:  No apta para quien le resulten desagradables las evocaciones de imagenes descarnadas y crueles.

Ignasi y Laura.

Web de la Sala Atriun – Información sobre La Pell Escrita

 

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“Dos Familias”: Choque entre acogida y paternidad.

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Hemos ido a ver la obra “Dos Familias“, de José Pascual Abellán, dirigida por Sergio Arróspide y producida por Cía. La Familia, en Sala Atrium de Barcelona.

El tema de partida es tan interesante como conflictivo: ¿qué pasa cuando una familia de acogida tiene que devolver a su familia biológica (ya sea el padre, la madre o ambos) el niño al que durante un tiempo ha cuidado? Lo que en principio debería ser asumible y correcto se convierte en una situación de angustia vital tanto para la familia de acogida que se tiene que desprender del niño que ha criado con tanto amor, como para el progenitor de origen que se ha recuperado de su propio infierno y que no obstante se enfrenta a una situación también angustiosa.

Los primeros no asimilan la inminente pérdida, aunque sabían desde el primer momento que esto era muy probable que pasara. Y además, dudan de que ese niño vaya a estar mejor con su familia biológica, dudan de que la reinserción haya funcionado. Y al segundo le da vértigo el momento que tanto ansiaba y por el que tanto ha luchado, y también duda de sí mismo.

No obstante, ambas partes saben que aunque el bien mayor a proteger es el bienestar de la criatura, nadie puede arrebatar un hijo de su padre.

Obra sencilla, emotiva, dolorosa, luminosa, esperanzadora. Te pones desde el primer momento en la piel de los tres personajes, cada uno expresa con una honestidad y transparencia abrumadoras todo aquello por lo que está pasando, con todos los cambios sutiles que van apareciendo.

Impecable el trabajo de los actores: Anabel Totusaus, Pau Sastre y Eduardo Telletxea. Dirección milimétrica, concisa, justa, con un resultado tan natural como la vida misma. Y el texto brillante, que como una rosa se va abriendo y sacando a la luz muchos aspectos y cuestiones que todos llevamos dentro.

“Dos Familias” estará en Sala Atrium hasta el domingo 29 de octubre. Un espectáculo muy recomendable para todo aquél que esté interesado en el tema de la acogida y para los amantes del teatro más realista.

María Rosa Iglesias con la colaboración de Laura Clemente.

Web de Sala Atrium – Información sobre “Dos Familias”

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“La rebel·lia possible”: Respuesta ciudadana al sistema (I).

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Hemos podido disfrutar de la versión catalana (traducida por Gemma Roura) de esta multipremiada obra de Javier García Yagüe y Luis García Araus (estrenada en 2007 por La Cuarta Pared), llevada a escena por la Companyia Anònima con dirección de José Sánchez Orosa, que estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo después de pasar por La Seca Espai Brossa el otoño pasado.

García, un joven que trabaja en una empresa gris y vive con su novia, está cansado de llamar a su compañía telefónica para hacer una reclamación, hasta que decide interponerle una demanda por una cantidad irrisoria de dinero. Su novia se queja y su jefe no comprende que tenga que pedir permisos en el trabajo para ir a los juicios, pero él está decidido a seguir luchando.

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Un padre de familia que se ha quedado viudo recientemente no sabe cómo hacer que su hija adolescente vuelva a comer. Las sucesivas visitas médicas en el ambulatorio no sirven para nada. Lós médicos expiden recetas pero no examinan detenidamente a la chica debido al poco tiempo que tienen para cada paciente.

La secretaria de la empresa donde trabajaba García tiene toda la casa en ruinas. Con diversas averías y las aseguradoras que no se ponen de acuerdo, la mujer está al borde del colapso…

Un amigo de García quiere ser apóstata, pero la Iglesia no quiere aceptar que renuncie a su catolicismo. En cambio, él está decidido y quiere conseguirlo cueste lo que cueste.

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Entre todos, deciden apoyarse y darse ánimos para dar una respuesta a ese sistema que tanto les rehúye y no les tiene en cuenta. Porque en la sociedad hay muchos Garcías que ponen su pequeño grano de arena.

La rebel·lia possible” es teatro político y social en clave de comedia. Nos hace reflexionar entre carcajadas y nos deja una buena sensación cuando se termina la obra.

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Excelente trabajo de los intérpretes: Xavi Casan, Toni González, Carla Mercader, Joan Sureda, Núria Valls y Maria Villarejo. Destacamos también el buen hacer de Jose Espigares en el diseño de luces, Esmeralda Díaz en la escenografía y Sergí Cerdán en el vestuario.

“La rebel·lia possible” estará en cartel en la Sala Muntaner de Barcelona hasta el 26 de marzo.

Laura.

Para más información clica abajo:

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“Mi relación con la comida”: El teatro de la vergüenza.

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Hemos asistido en el Versus Teatre a la representación de la obra de la dramaturga catalana Angélica Liddell, “Mi relación con la comida“, contundente monólogo con una soberbia Esperanza Pedreño, que también es la directora del espectáculo.

Una joven artista recibe de un productor interesado en su obra una invitación para comer; a partir de ahí, la obra puede leerse como el grito de rabia que le produce la invitación a la protagonista, que le expresa al productor su rechazo contándole su historia.

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Aunque este planteamiento puede parecer banal, la impactante puesta en escena nos ofrece una actriz que se expresa con las inflexiones, la gesticulación y la vestimenta de una perturbada (gran Daniela Presta en el vestuario). Pero enseguida vemos que no lo es. Lo que al principio podemos tomar como incontinencia emocional, se convierte por momentos en una calculada agresión al espectador y por extensión a la institución teatral, a la que pretende despojar de toda ligereza para encararla con lo que de verdad importa: ricos y pobres. (“No tiene mucho sentido hablar de nada más”, en boca de su protagonista.) Si no puede hacerse poesía después de Auschwitz, como decía Adorno, tampoco puede hacerse teatro en medio de la miseria humana, especialmente en un país como España, que hace nada salió del más pétreo subdesarrollo, (para volver a acercarse al mismo como hemos visto en estos últimos años).

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La protagonista va desgranando imágenes repugnantes para incomodar al espectador, a quien abiertamente se reprocha, aunque interponiendo para ello la figura eufemística del “productor”, ser partícipe de esa dicotomía ricos/pobres. La protagonista procede de un miserable ambiente rural y llega a la ciudad para vivir en un humilde barrio de inmigrantes; la pobreza es presentada alejada de cualquier bondad, de cualquier virtud estoica, para ser evocada como algo asqueroso, decadente, repugnante. Las imagenes desoladoras se suceden: violencia sexual, física, decrepitud, miseria, todo ello para ser confrontado con la ceguera voluntaria de la sociedad y del público. Como incisivamente nos dice la autora, ese rechazo bienpensante en “mezclar” cosas, esa voluntad de mantenerse alejados de todas esas imagenes de miseria, ese encumbramiento del “glamour”, es lo que provoca la rabia de la protagonista. Hasta que, consciente de que el público está esperando que acabe la obra para olvidarse de algo que le incomoda, en un último intento de provocar alguna reacción, lo hace desfilar, lo hace partícipe del montaje, lo encierra tras una cortina, le hace jugar con una pelota, lo abraza con el torso desnudo… todo es inútil, la barrera entre los sentimientos y la realidad, entre la pobreza y la riqueza, entre el asistir a una representación y la culpa por no vivir en la miseria, es finalmente infranqueable. Al menos lo ha intentado.

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Porque la tesis de la obra es al fin y al cabo ésta: la obra no cambiará nada, los ricos seguirán despreciando a los pobres, éstos seguirán viviendo sus míseras existencias, seguirán siendo desgraciados, los espectadores regresarán a sus casas  de burgueses, pero al menos les hemos hecho pasar un mal rato haciéndoles partícipes por la fuerza de lo que no quieren conocer.

Pieza muy interesante para quien quiera experimentar con algo poco habitual, quien tenga inquietudes sociales y para los amantes del teatro contemporáneo. La obra, representada con gran éxito desde el 4 de noviembre de 2014 en el Teatro Galileo de Madrid, estará en cartel en el Versus Teatre hasta el 28 de junio.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Versus Teatre/Información sobre “Mi relación con la comida”

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