Archivo mensual: septiembre 2015

“El desvetllament d’una papallona nocturna”: Homenaje a Virginia Woolf.

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En la Sala Atrium de Barcelona hemos asistido a este espectáculo, creado y dirigido por el dramaturgo Eles Alavedra, a partir de textos de Virginia Woolf.

La pieza representa unas horas en la vida de la escritora, encarnada por una magnífica y entregada Anna Sabaté; ésta interpreta con maestría la torturada personalidad de la escritora, que padecía un trastorno depresivo que a la postre acabaría con ella.

La obra comienza con la protagonista que acaba de regresar de una fiesta, de uno de esos eventos mundanos que tan bien conocía la propia Woolf y que había visto en casa de sus padres (eran miembros de esa aristocracía artístico-cultural tan británica; su padre era editor del Diccionario Nacional de personalidades, y su madre modelo de pintores). Acongojada por lo rígido (como sus aparatosas faldas victorianas) y superficial de la recepción, Virginia se desahoga frente al público.

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Así, asistimos a un monólogo en el que, siguiendo los preceptos del “hilo de pensamiento” propio de los escritores modernistas (cuyo más conocido referente es el “Ulises” de Joyce), se repasa algunas de las ideas y vivencias plasmadas en las obras de Woolf.

La propia fiesta es una referencia a su obra “Mrs Dalloway” (recomendamos leer este delicioso libro y ver también la gran película protagonizada por Vanessa Redgrave), en la que una dama de la alta sociedad se esfuerza en organizar su fiesta de aniversario entre la indiferencia de su marido y la malicia de sus conocidas. Su historia se cruza accidentalmente con la de un pobre veterano de la primera guerra mundial que ha perdido el juicio. También encontramos referencia a “To the lighthouse“, en que la escritora rememora los veranos en Cornualles y dibuja el afán creador de una mujer que debe abrirse camino ante los prejuicios de sus contemporaneos (la propia Woolf fue muy cuestionada en vida, y no fue valorada hasta muchos años después, con el nacimiento de las corrientes feministas).

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Con gran delicadeza, la obra refiere el affaire que tuvo Woolf con la también escritora británica Vita Sackville-West y que supuso una gran inspiración para su famoso libro “Orlando” (ver también la película homónima dirigida por Sally Potter e interpretada por Tilda Swinton) e incluso los abusos sexuales que sufrió de uno de sus hermanastros y que debieron tener un papel relevante en su trastorno.

La brillante actuación de Sabaté logra penetrar la compleja personalidad de una mujer que a pesar del esnobismo propio de la clase de la que procedía (se refería a su marido como “aquel judío sin un duro”), estaba preocupada por temas sociales, económicos -era amiga de Keynes, con quien compartía tertulia- y filosóficos. De la mano de la actriz asistimos a un insomne torbellino de impresiones, devaneos, reminiscencias y divagaciones que nos han cautivado por la gran fuerza interpretativa de la actriz,  que evoca a una mujer contradictoria, eufórica a ratos, a otros triste, pero siempre inteligente y sincera, en definitiva, a una de las grandes escritoras inglesas.

La obra estará en la Sala Atrium hasta el 11 de octubre.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la Sala Atrium/Información sobre “El desvetllament d´una papallona nocturna”

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The Rolling Stones: “Sticky fingers”, la provocación sigue vigente.

El pasado 9 de junio se reeditó lujosamente uno de los discos clave no solamente de la larga carrera de The Rolling Stones, si no de la música popular de las últimas décadas entendida genéricamente. Se trata de “Sticky fingers”.

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Publicado originalmente en 1971, el disco forma parte de una tetralogía de álbumes que muchos consideran la mejor en la historia del grupo, y que viene conformada por “Beggars Banquet” (1968), “Let it Bleed” (1969), el propio “Sticky Fingers” y “Exile on Main Street” (1972). Un tramo en la historia de la banda donde ésta se abandona completamente a los sonidos deudores de la música de raíces norteamericana, o lo que es lo mismo, al blues, country o soul, unido todo ello por la textura sonora del mejor rock n´roll.

Previa a esta etapa, la formación provenía de un relativo fracaso de éxito y crítica tras la edición del psicodélico “Their Satanic Majesties Request” (1968), motivo por el cual se habían generado ciertas tensiones en el seno del grupo. En el cambio de rumbo de la banda fue clave la contratación de un nuevo productor, el norteamericano Jimmy Miller, quien estuvo detrás de los mandos en la grabación de “Beggars Banquet”. Pese al éxito que sí obtuvo este álbum, las relaciones entre los miembros del grupo siguieron deteriorándose, especialmente entre Brian Jones, con graves problemas de adicción a las drogas, y el resto de la formación.  El resultado de todo ello fue la expulsión de Jones, a quien, como se sabe, se encontró muerto en la piscina de su casa poco después, generándose, aún hoy en día, toda clase de especulaciones sobre los motivos del fallecimiento, y aumentando una cierta leyenda negra en torno a la banda, aderezada por los trágicos sucesos ocurridos en el Festival de Altamont de 1969 durante la actuación del grupo en la que murieron varias personas.

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Los Stones con Brian Jones aún en el grupo.

Jones había sido substituido por el joven guitarrista Mick Taylor, quien contribuiría a impulsar el nuevo sonido, más americano, de la banda, aún más patente en “Let it Bleed”, y que explotaría decididamente en “Sticky Fingers”. De hecho, buena parte de los arreglos del disco se pueden atribuir al propio Taylor, pese a que en el álbum los cortes viniesen firmados únicamente por Mick Jagger y Keith Richards, como había sido habitual hasta ese momento, algo que contribuiría a la frustración del guitarrista y que, tiempo después, lo llevaría a dejar la formación.

“Sticky fingers” fue el primer disco editado por el propio sello del grupo, el cual había decidido dejar Decca en pro de una mayor libertad creativa, y también (por qué no decirlo) para lograr un mayor control empresarial de la marca que se había generado en torno a la banda. En él encontramos una profundización en un estilo que, como hemos dicho, bebía del blues, el country o el soul, con el rock como leit motiv. En esta ocasión, condimentándolo todo más que nunca con letras que eran pura provocación, o incluso transgresión, y que hablaban de temas aún tabú por aquella época como el amor interracial o las drogas. A todo ello hay que añadir una portada, diseño de Andy Warhol, donde se veía una entrepierna masculina embutida en unos vaqueros y que causó gran controversia (en España, la portada fue censurada y substituida por otra, acaso más inquietante, en la que aparecen tres dedos femeninos asomando desde el interior de un pote de melaza). En la carátula aparece además por primera vez el famoso logo de la lengua que se convertiría en icono oficial del grupo, y que fue diseñado por John Pasche (y no por Warhol, como popularmente se cree) al cual hay que responsabilizar también de la portada alternativa del disco.

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Andy Warhol y Mick Jagger.

Por lo que se refiere las canciones del trabajo, éste empieza con “Brown sugar”, tema emblemático en el que Jagger juguetea magistralmente con la ambigüedad (no sabemos si se está refiriendo a una mujer negra o a las drogas), y que viene marcado por su irresistible sentido del ritmo. Una canción que suele ser uno de los momentos álgidos en cualquier concierto de los Stones. A este corte le sigue el medio tiempo “Sway”, canción de exquisitos arreglos. Igualmente memorable es “Wild horses”, considerada, junto a “Angie”, la balada por excelencia del grupo. “Can´t you hear me knocking” es puro rock n´roll atemporal; imposible dejar de agitarse mientras escuchas la canción. “You gotta move” es un blues primigenio; una versión que conecta a la banda con la más bella música de raíces. “Bitch” empezaba la cara b del vinilo original de forma inmejorable con un riff afilado marca de la casa y un estribillo como solo alguien como Jagger podría idear. “I got the blues” es un tema donde afloran influencias góspel; otra canción (una más) extraordinaria. Por su parte “Sister morphine” es acaso el corte más lánguido del disco, aunque igualmente intenso; se trata de la adaptación de un tema originariamente escrito por Marianne Faithful y que cuenta con la slide guitar de Ry Cooder; una canción sencillamente sobrecogedora. “Dead flowers” en cambio, a medio camino entre el country y el pop, es un tema mucho más alegre y que bien podría haber inspirado a bandas actuales de Americana como The Jayhawks. Finalmente, el disco se cierra de manera inmejorable con “Moonlight mile”, preciosa canción de reminiscencias folk en la que destacan sus arreglos orquestales.

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Imagen de promoción de la época de “Sticky Fingers” con Mick Taylor ya formando parte de la banda.

Aunque el siguiente disco de los Stones, “Exile on main street”, suele ser considerado justamente como la cumbre definitiva del grupo, “Sticky fingers” es igualmente imprescindible. Pocas colecciones de canciones tan variadas y, a la vez, equilibradas y de tan alto nivel encontramos a lo largo de la historia de la música popular. Incluso “Exile…” (recordemos, álbum doble) puede tener algún muy ligero bajón, algo que no ocurre con “Sticky fingers”. La nueva edición viene acompañada además de joyas como una versión completamente acústica de “Wild horses”, otra de “Brown sugar” con Eric Clapton en la guitarra, tomas alternativas, información detallada sobre los pormenores de la grabación del disco, fotografías inéditas…

En suma, escuchar “Sticky fingers” es escuchar un pedazo imprescindible de la música popular de nuestra época. Algo que os animamos a disfrutar.

Ricard.

Os dejamos con una fabulosa versión en directo de “Brown sugar”:

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“El grito en el cielo”: Drama funerario.

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Hemos asistido en el Teatre Romea de Barcelona a la inquietante “El grito en el cielo“, de la compañía andaluza  La Zaranda, -Teatro inestable de Andalucía la Baja- escrita por Eusebio Calonge y dirigida por Francisco Sánchez, conocido como Paco de La Zaranda. Los intérpretes,  Celia Bermejo, Enrique Bustos, Gaspar Campuzano, Iosune Onraita y Francisco Sánchez.

Esta obra surgió cuando la compañía fue invitada a la Biennale di Venezia de teatro durante el verano de 2014 para realizar una residencia artistica, y se estrenó en noviembre del mismo año en el festival Temporada Alta de Girona. La compañía ha participado también este verano en la Biennale, cuya edición de 2015 ha sido dirigida por Àlex Rigola, para impartir un workshop en la Biennale College y presentar “El régimen del pienso“, estrenada en la edición de 2012 del Temporada Alta.

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El argumento (un grupo de decrépitos ancianos en una residencia geriátrica sueñan con escapar de ella) no es más que la excusa para hilvanar una obra sórdida que se recrea incomodando al espectador con el desagradable aire funerario de las salas de enfermos terminales, presentándonos sin misercordia a las personas que asisten al final de sus vidas con desconcierto y muchas veces sin conciencia de ello. En seguida asistimos a una muerte, la de una de las ancianas protagonistas, quien, en un limbo indefinido, sueña no sabemos si, viva, con que está muerta o, muerta, con que está viva.

Decrepitud, demencia, fallecimiento, son palabras que no invitan precisamente a la joie de vivre, sino que nos hacen contemplar, anclados en nuestros asientos, lo que no queremos ver, lo que tratamos de ignorar y que en cambio, con sarcasmo y cierta dosis de mala idea, nos es mostrado sin tapujos.  Lo más inquietante de la obra es que es apenas una ficción, lo que vemos en el escenario es lo que está sucediendo en el hospital más cercano, a diario, aunque nos empeñemos en girar la cabeza. La escenografía es sobrecogedora: nos espanta y angustia con una colección de carros hospitalarios, máscaras de oxígeno, sillas de ruedas, depósitos de cadáveres y grotescos disfraces que causan desazón y rechazo. El mensaje de la obra no puede ser más nihilista. Nada al otro lado, como en la sobrecogedora escena de los ancianos desfilando hacia ninguna parte en una demencial y fantasmagórica huida.

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La sádica supervisora de la residencia / sala terminal no supone contrapunto alguno al desolador panorama, sino simplemente añade algo de brutalidad al conjunto.

La esperpéntica asunción final hacia los cielos, en cruel caricatura de una obra de El Greco, con los ancianos tristemente subidos en los carros del hospital, mientras suena el Aleluya del Tanhäuser de Wagner, es el amargo final de una obra que empieza como acaba, sin nada que ofrecer excepto dolor, decrepitud, y muerte. Ni los actores salen a saludar.

Se representará hasta el 20 de septiembre en la cartelera de Barcelona y la recomendamos a quien quiera ver una obra genuinamente expresionista y a los amantes del teatro que no hace concesiones al público.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Romea/Información sobre el grito en el cielo

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VIP (ELS JOGLARS): El rey de la casa.

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Ayer pudimos asistir al reestreno de la obra de Els Joglars, “VIP“, dirigida por Ramon Fontserè, que ya estuvo en cartel el pasado mes de julio en el marco del festival Grec 2015.

Els Joglars nos presentan esta divertida sátira con estética anime (acompañada, en contraste, por un amplio repertorio de música clásica) en la que pretende romperse el imaginario cursi-sensiblero que rodea el nacimiento de un hijo y sus primeros años de vida.

Las escenas se suceden con estudiado histrionismo: las primeras ecografías, los cursillos para el parto, el nacimiento, los primeros años de escuela, el inicio de la adolescencia…

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La caracterización y escenario, impregnadas de futurismo plexiglás, subrayan perfectamente la burla al discurso actual sobre el nacimiento y la crianza. Sabido es que en determinados ambientes de la llamada burguesía bohemia está muy de moda la sacralización del bebé. Existe todo un mercado de cursos, productos, talleres, seminarios, de “acompañamiento a la crianza”, en fin de todo lo que supone una respuesta a la relegación que tenía esa crianza en epocas anteriores (al menos en determinados ambientes, en el que los pequeños estaban a cargo de personal de servicio más que de la propias madres). Pero lo que en un principio podía ser una respuesta a modelos autoritarios anteriores se ha acabado convirtiendo en una deriva hasta considerar al pequeño una especie de vaca sagrada al que todo se sacrifica en el altar familiar.  Y en ese contexto se produce la crítica de Joglars por medio de la caricaturización histriónica de todo ello y la burla despiadada.  El propio bebé es interpretado por un Ramon Fontserè con los ojos desorbitados en deliberada imagen repulsiva, como también es chocante la madre demasiado mayor (Pilar Saenz), la madre talibán de la crianza natural (Dolors Torneu), y el padre concienciado (Xavi Salas), que engorda durante el embarazo y tiene sensibilidad en los pezones.

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Sátira incisiva, sí, pero también reflexión amarga. Empieza uno celebrando las ventosidades del bebé y acaba yendo al super tiranizado para adquirir el último capricho calórico del niño. Porque la tesis de la obra -si es que hay una-, es que la idiotización de los niños no es más que un reflejo de la de los padres, la otra cara de sus miserias que, disimuladas en la edad adulta, son asumidas en los caracteres y actitudes de los hijos.

Pero la maestría de Els Joglars se evidencia en la puesta en escena: no se trata de una sátira más, sino de transformar el imaginario de determinadas situaciones en torno al nacimiento, de convertir la cursileria y afectación en decidido mal gusto, en algo grotesco y gore. Una visita al ginécologo se transforma en un peep show con el feto de estrella invitada; el curso premamá en un delirante diálogo entre un charlatán, una madre de la tercera edad y la fanática protagonista; las visitas a la clínica, en una perfomance de moda; una merienda infantil en una sesión de sado con el padre como víctima y una reunión de amigos en un violento videojuego. El punto culminante es la orinación sobre un profesor, permitida y celebrada por todos como espontánea expresión de impulsivididad infantil. Y claro, el colofón a la mascarada no puede dejar de ser la coronación del rey carnaval…

La obra está en la sala Barts de Barcelona sólo hasta el 13 de septiembre, así que si queréis disfrutar de ella apresuraos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Barts/Información sobre Vip-Joglars

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“El cartero de las noches blancas”: Viaje a la Rusia profunda.

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Estos días se proyecta en el cine Maldà de Barcelona “El Cartero de las Noches Blancas”,  la última película del director ruso afincado en Estados Unidos Andrei Konchalovsky, ganadora del León de Plata a la Mejor Película Ecológica en el Festival de Venecia del año 2014.

La película es más bien un documental dramatizado sobre algunos días en la vida de un cartero de provincias de mediana edad, Liokha (Aleksey Tryapitsyn). Lo particular es que el cartero reparte la correspondencia en barca a los dispersos y escasos habitantes de los márgenes del lago Kenozero, en el extremo septentrional de Rusia, cerca de la ciudad de Arkhangelsk, en la región del mismo nombre (el lago pertenece al Parque Nacional Kenozersky) Los actores son amateurs y habitantes reales de la zona.

 

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La cinta nos muestra los majestuosos paisajes que rodean el lago, donde el tiempo parece en suspenso, como detenida parece también la vida de los protagonistas habitantes de esa remota región.
Al comienzo, en un resumen fotográfico de la vida del cartero,  ya nos enteramos de su fracaso matrimonial, su ya superada dependencia del acohol, y su soledad actual. Y así es como la belleza del paisaje no se contagia a la vida de las personas que lo habitan: el film nos habla de una comunidad pobre, que sobrevive de poco más que la pensión que acordó el gobierno al declarar la zona parque nacional e impedir así casi toda la actividad económica del lugar.  La única actividad que presenciamos es la pesca ilegal y la presencia militar, con una imponente base (nos resulta curioso que muchos personajes aparezcan vestidos con ropas militares), único atisbo de modernidad en la película.
Lejos de la civilización la vida discurre monótona, como repite el cartero su ritual de servirse la infusión por las mañanas y partir en su barca para compartir la cotidianidad de sus paisanos.

 

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En seguida se nos hace evidente, por las torpes e inocentes proposiciones del cartero a las mujeres con las que se cruza a lo largo del día, que está necesitado de compañía. Por ejemplo, cuando se reencuentra con Irina (Irina Ermolova), antigua compañera de clase divorciada con un hijo, Timur (Timur Bondarenko). Irina  también lleva una vida gris -además enfrentándose en su cargo de guardia forestal a algunos pescadores ilegales-, y en algún momento parece que surgirá el amor entre ella y el cartero, pero a ella le interesa más abandonar el ambiente opresivo y sin perspectivas del lago.

El otro protagonista, apodado “el Bollo” (Viktor Kolobkov), es un alcohólico recalcitrante a quien la vida no ha tratado bien, abandonado en un hospicio cuando niño y cuya única ayuda es Liokha.

 

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Nos encontramos ante una película detallista, sin aspavientos, donde las pequeñeces del día a día nos enseñan las vidas de unas personas que viven un ritmo muy diferente al habitual de nuestras ciudades, un ritmo pausado, sin grandes ambiciones (la gran preocupación del cartero es procurarse un nuevo motor para su barca, ya que se lo han robado). La excelente fotografía, la belleza de unos paisajes que adivinamos inhóspitos (suponemos que se filmó en las escasas semanas del año en que el tiempo no era demasiado inclemente), el ritmo como un arrullo, una canción de cuna, conforman una película preciosista que nos presenta la condición humana desprovista de la retórica heróica de las grandes producciones, una crónica de lo cotidiano, una reminiscencia de una sociedad antigua. El buen hacer de Andrei Konchalovsky, director y coguionista, y de Aleksandr Simonov, director de fotografía, queda imprimido en esta poética obra de arte.

La película está en el Cinema Maldà de Barcelona en versión original, y desde aquí la recomendamos a estudiantes de ruso y a los amantes del cine en general.

Ignasi y Laura.

Os dejamos con el trailer de la película:

Para más información clica abajo:

Web del cine Maldà/Información sobre “El cartero de las noches blancas”

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