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“Mirta en espera”: Gran espectáculo de pequeño formato.

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Barcelona es una ciudad en la que la oferta cultural oscila muchas veces entre lo que podríamos llamar cultura popular de calle, el gran evento “cool” a lo Primavera Sound, o la endogamia (especialmente en las artes escénicas) en cuanto se refiere a un circuito de creadores y público que parece retroalimentarse continuamente y que a menudo no permite ver que haya algo más que pueda ser igual o más interesante que las obras que ofrecen aquellos que podríamos llamar “sospechosos habituales”. Por eso no es sencillo sacar adelante espectáculos de pequeño formato como el que está llevando a cabo Ángela Palacios (Logroño, 1984), autora, actriz y desde hace dos años máxima responsable de la plataforma de creación multidisciplinar “Los espejos son para mirarse”, en el emblemático Teatre Llantiol de la calle Riereta.

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Mirta en espera”, que es como se titula la obra en cuestión, es en realidad un monólogo, con una única actriz pues en escena (aunque acompañada en algunas representaciones por una persona que traduce la obra a la lengua de signos; un hecho del que nos felicitamos), con ramalazos de musical (la propia Ángela interpreta las canciones), y con la mirada puesta también en el mundo de los clowns.

El personaje que se nos presenta es una actriz a la espera de un representante con el que se ha citado en un banco de algún punto de la ciudad. Durante el tiempo que está en el escenario sabremos de su vida, de sus esperanzas de ser reconocida algún día como una gran intérprete (con premio Oscar incluido), de sus sinsabores en el amor…

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Es “Mirta en espera” una obra con momentos de muy conseguida comicidad, pero en su interior subyace una cierta tristeza; la de los sueños rotos, el autoengaño, la incapacidad para comunicarse con otros, doblemente frustrante en el caso de alguien que precisamente quiere expresar emociones, sentimientos e ideas a los demás a través de su arte. Mirta es una actriz, pero cualquiera puede sentirse fácilmente identificada con ella, y en eso reside el éxito de la obra. En eso y en la chispeante interpretación de Ángela Palacios. No resulta nada fácil que un actor o actriz pueda sustentar por si solo una obra durante más de hora y cuarto sin que decrezca ni un momento el interés por parte del espectador sobre aquello que está viendo y escuchando. Si hay justicia en este mundo, le auguramos un gran futuro profesional a Ángela; está claro que talento, tanto como autora como intérprete, lo tiene a raudales.

Ricard.

Os invitamos a asistir a alguna de las pocas representaciones que aún quedan de la obra en el Llantiol, y así mismo a conocer más de Ángela Palacios y de su proyecto “Los espejos son para mirarse”, clicando en los enlaces que encontraréis a continuación:

Web de “Los espejos son para mirarse”

Web de Ángela Palacios

Web del Teatre Llantiol-Información sobre “Mirta a la espera”

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“Achicorias”: Flores del dolor.

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Hemos podido asistir a la representación de “Achicorias” del dramaturgo catalán Carlos Be (os hemos hablado sobre él, sus obras y su compañía en diversas ocasiones, como en el caso de “Peceras”), una obra estrenada por The Zombie Company (dirigida por el propio autor) en L’Obrador de la Sala Beckett de Barcelona en 2008, publicada en la revista de teatro La Ratonera en el mismo año (número 23) y que ahora, dirigida por Helena Tornero, se puede ver en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana de Barcelona hasta el domingo 28 de febrero.

Valentín, hijo de una mujer maltratada a la que adoraba, nos cuenta su historia. Cómo acompañaba a su padre a hoteles baratos, cómo cuando faltó su madre el se trasvistió con su ropa siendo muy joven y comenzó a visitar aquellos antros para subsistir y comenzar a sufrir el desprecio de los hombres con los que se encontraba… El monólogo de Valentín es una gran pieza teatral en sí misma, que se engrandece todavía más con el buen hacer de Paco Aldeguer.

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Clara es una mujer atractiva e independiente que se siente sola. Un día, sale por la noche y conoce a un hombre que va muy directo… ella se deja llevar y se sube a su coche… con consecuencias nefastas.

Kitty se siente cada vez más cansada; tiene a sus hijos lejos y se dedica al stripteasse barato. Su novio-chulo es un explotador, pero ella sigue con él como si esa terrible vida que lleva fuera la única que se pudiera permitir (gran interpretación de Gemma Charines).

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Valentín, Clara y Kitty… tres achicorias (flores que nacen en los bordes de los caminos, flores del dolor), víctimas de la violencia de género, que utilizan la cosmética para ocultar sus profundas heridas. “Achicorias” es un texto breve, muy realista y contundente que se puede considerar obra maestra, como otros tantos de Carlos Be (“La extraordinaria muerte de Ulrike M” que fuePremio Casa de América – Festival de Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora 2005, “Llueven vacas”, “La caja Pilcik ” que recibió el Premio Serantes de Teatro 2008,  “Peceras”, etc.). Nos ha gustado la dirección de Helena Tornero, con unos actores fantásticos (de Cia. La Cósmica), que hacen más llevadera la dureza de todo lo que el espectador va viendo y sintiendo.

En definitiva, una obra absolutamente recomendable.

Laura.

 

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre “Achicorias”

Blog de Carlos Be

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FUCK-IN-PROGRESS: Una de las propuestas más estimulantes del Grec 2015.

Como cada año, el Festival Grec de Barcelona empieza con el mes de julio, trayendo con él una serie de espectáculos de toda índole (teatro, danza, música…) con los que sobrellevar lo mejor posible la calurosa noche del verano mediterráneo.

Entre todas las propuestas disponibles, os queremos recomendar muy especialmente un espectáculo de danza integrada que se podrá ver los días 3,4 y 5 de julio en El Mercat de les Flors. Se trata de “Fuck-In-Progress“.

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En esta perfomance podremos ver el trabajo del coreógrafo Jordi Cortés (Jordi ha ganado prestigiosos premios como el “Premi Ciutat de Barcelona de Dança 2004”, y es también director artístico de la compañía y productora Alta Realitat a la cual debemos un buen número de interesantes propuestas culturales).

En un espacio delimitado, una serie de personajes se encuentran para debatir (mediante el uso del cuerpo) sus experiencias sexuales, así como la percepción que tienen sobre ellos mismos y sobre cómo creen que los perciben los demás. Se trata de un espectáculo que reflexiona, con palabras y movimientos, sobre la relación con nuestros cuerpos y el miedo a mostrarnos tal como somos.

En palabras de Jordi Cortés: “Cada persona, cada cuerpo, es único, genuino, tiene una entidad psicofísica única, con sus características anatómicas, fisiológicas, psicológicas y emocionales, y por tanto tienen una forma única y original de expresarse a través de la danza”.

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Jordi, junto a la asociación promotora de la danza Kiakahart, y con la colaboración de la antes mencionada compañía Alta Realitat, y del centro de creación y artes escénicas La Caldera,  ha creado un intenso espectáculo que no cabe perderse.

Ricard.

Nuestro agradecimiento especial a Raül Perales, actor, director y productor, perteneciente a Alta Realitat, por la información que nos ha facilitado sobre este espectáculo. Raül tiene una participación destacada en “Fuck-In-Progress” (podéis verlo en la fotografía en blanco y negro que se encuentra arriba).

Para más información clica abajo:

Web del Grec 2015/Información sobre “Fuck-In-Progress”

Clicando aquí podéis ver el video-trailer de este espectáculo.

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“Woyzeck”: Diagnosis del mal.

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Hemos asistido en la Sala Beckett de Barcelona al espectáculo “Woyzeck” del dramaturgo alemán de principios del siglo XIX Georg Büchner. Esta versión, producida por la compañía Parking Shakespeare, ha sido adaptada, traducida y dirigida por el prolífico Marc Rosich. Sus intérpretes, Carles Gilabert, Ester Cort, José Pedro García Balada, Pep García-Pascual, Adrià Díaz, Ariadna Matas, Santi Monreal y Ricard Sadurní.

Pocas veces como en “Woyzeck” podemos acercarnos tanto a comprender qué le pasó por la cabeza a su autor al escribirla. Si tenemos en cuenta que éste la escribió poco antes de su prematura muerte a los 23 años; que el Woyzeck auténtico fue un convicto ajusticiado en Leizpig (ejecución que alcanzó gran resonancia por lo truculento del crimen y porque se trataba de la primera ejecución que tenía lugar en esa ciudad desde hacía treinta años); que el padre del dramaturgo escribía con asiduidad en el periódico de medicina legal en el que el médico que redactó el informe sobre la imputabilidad de Woyzcek publicó el suyo; si además tenemos en cuenta que el propio autor era médico y participó en los movimientos estudiantiles progresistas a favor de la reunificación alemana, entonces comprenderemos el propósito de la obra: indagar en las raíces del crimen, ofrecer una explicación forense y social de sus causas (recordemos que en aquella época nace la crimonología, y de aquella época son algunas de las teorías antropológicas sobre el crimen, como las de un Lombroso o un Garófalo).

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Así, Woyzeck se nos presenta como un pobre hombre enajenado, ordenanza de un tiránico capitán, pobre de solemnidad al que el sueldo no le llega y debe prestarse a los grotescos experimentos de un médico sádico que le obliga a hacer dieta; ha de mantener a la madre de su hijo que se dedica a perseguir con lascivia al apuesto “tambor mayor” y encima oye voces en su cabeza.
Woyzeck no despierta simpatías, a pesar de los abusos de los que es objeto; la antipatía que suscitan los demás personajes, el trasfondo de denuncia social que impregna la obra, todo ello no convierte al paria en alguien que nos enternezca y así el espectador se incomodará ante sus aspavientos, sus alucinaciones, su alocado corretear. Ciertamente su supuesta pareja maltrata cruelmente al hijo que tienen en común, pero la indiferencia de Woyzeck ante el niño no supone contrapunto alguno al maltrato, sino más bien magnificación del mismo. Tampoco ayuda a hacer simpático al personaje las ínfulas pedantes y huecas del capitán, la mezquindad del médico, la lujuria de su pareja, el pendenciero tambor mayor…

Nos ha encantado la puesta en escena de este clásico de hace dos siglos, que subraya la impostura que rodea a Woyzeck: ni existen sus alucinadas visiones, ni el cuartel es más que la barra de bar de un pueblucho; el doctor tiene poco de médico, el capitán es una especie de jefe de almacén, el tambor mayor un macarra de barrio.

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Magnífica interpretación de los actores. Nos han gustado todos ellos; destacamos el excelente trabajo de Ester Cort que borda esa dicotomía entre salvaje deseo y brutalidad egoísta; Carles Gilabert, como decimos, da magistral vida al perturbado que no logra apenas darse cuenta de lo que le hacen hasta que cuando intuye la traición reacciona con saña. José Pedro García Balada, al cruel camorrista que no respeta nada. A destacar el trabajo coral de su director que ha conseguido presentarnos de forma muy convincente el deforme entorno social del protagonista.

La obra estará en cartel en la Sala Beckett hasta el 5 de octubre y desde el blog os animamos a que si tenéis oportunidad la vayáis a ver.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la Sala Beckett

Web de Parking Shakespeare

Web dedicada a Georg Büchner

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Festiu Fringe Barcelona 2014: Plataforma para los artistas al margen.

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El equipo de “Cultura y algo más” ha asistido a diversos acontecimientos de este festival que plantea, haciendo referencia a la etiqueta Fringe, dar a conocer a artistas, compañías y proyectos unitarios, que por su carácter innovador, excepcional o poco convencional no tienen cabida en los circuitos comerciales o estén al margen de los canales oficiales.

El primer festival Fringe surgió en Edimburgo en 1947, cuando diversos artistas que no habían sido invitados al Edinburgh International Festival, decidieron poner sus proyectos en práctica y actuar al margen del mencionado festival. Esta iniciativa tuvo éxito y el Edimburgh Festival Fringe se fue celebrando año tras año hasta llegar a tener la importancia que tiene ahora.

El concepto Fringe identifica también a algunos de los festivales más importantes del mundo, ubicados en ciudades como Nueva York, Chicago, Toronto, Londres, Madrid, Dublín, Praga o Singapur, entre otras. Barcelona, conocida por su amplia oferta cultural, es una ciudad idónea para coger un festival de estas características.

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El festival Festiu Fringe Barcelona 2014, gestionado por Víctor Álvaro (director artístico), Jordi Andújar (adjunto a dirección), Savina Figueras (productora) e Ingrid Marín (gestora y coordinadora), está organizado por Associació ATTO, bajo el impulso del Ajuntament de Barcelona-Districte de Gràcia, y el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, el Institut de Cultura de Barcelona, la Regidoria de Comerç i Consum y el lnstitut de Mercats de Barcelona.

También cuenta con el patrocinio de Estrella Damm y la colaboración del IED Barcelona Escola Superior de Disseny, que ha acogido diversos espectáculos y ha aportado el diseño de la nueva identidad corporativa del festival.

El Festiu Fringe Barcelona 2014 ofreció un avance de su programación el 13 de junio en las tiendas del Barrio de Gracia de Barcelona, con el evento Botigues Festives, que consistió en una degustación de diversos espectáculos del festival. En cada actuación se ofrecían vales de descuento para los asistentes. También se han realizado estas degustaciones en cuatro mercados de Gracia: el Mercat de la Llibertat, el Mercat de Lesseps, el Mercat de l’Abaceria Central y el Mercat de l’Estrella.

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El festival se inauguró oficialmente el 6 de julio, con un concierto que tuvo lugar en el Centre Artesà Tradicionàrius (CAT) y corrió a cargo del sello Amniòtic Records, con la intervención de los artistas Pau Vallvé, Maria Coma, Nico Roig y Ferran Palau. Esta firma discográfica, que surgió por iniciativa de Pau Vallvé para acoger a diversos artistas en formación, como si se tratara de un auténtico líquido amniótico, ha organizado este evento para despedirse, en un momento adecuado pues sus objetivos iniciales se han cumplido y los artistas que forman parte de ella ya han madurado y pueden volar solos. El álbum recopilatorio Amniòtic Records (2009-2014) se puede escuchar en Spotify y iTunes.

Se ofrecen una totalidad de 12 espectáculos, en espacios como los que hemos comentado, en diversos teatros como el Almeria Teatre, el Teatre Akadèmia y el Jove Teatre Regina y en espacios dispares como el lED Barcelona Escola Superior de Disseny, la Antiga Fàbrica Estrella DAMM, el Espai Jove la Fontana y la Esglèsia de Sant Joan. La programación es la siguiente:

8 y 9 de julio. “Coeurs battant comme des tambours” del Collectif LYON.05, en la Esglèsia de Sant Joan, una obra que reflexiona sobre el género femenino.

11 y 12 de julio. “Suite n.2 – Variacions d’un somni” de La Companyia, en el Teatre Akademia. Un espectáculo intenso e impactante, que ofrece la exploración del inconsciente, del lado oscuro, un viaje al mundo onírico a través de la danza.

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12 y 13 de julio. “La canción del camino viejo” de Línea de Tres, en el Almeria Teatre. Una comedia sobre un negocio familiar en crisis y las ideas que se plantean para sacarlo a flote.

14 de julio. “La Bella Tour” de La Bella Tour, en la Antiga Fàbrica Estrella Damm. Un espectáculo de circo decadente protagonizado por dos entrañables payasos.

15 y 16 de julio. “Trashèdies” de Els CarmenSunyé, en el lED Barcelona Escola Superior de Disseny. Una exposición sobre la vida, obra y muerte de Jermaine Blackwell, gran dibujante de principios del siglo XX que para muchos ha sido el padre de la novela gráfica.

18 y 19 de julio. “Ticket” de Clownic, en el Jove Teatre Regina: teatro gestual, un viaje por la historia del cine de humor, con secuencias reinterpretadas de Charles Chaplin, Marx Brothers, Buster Keaton, Laurel & HardyJacques Tati, Rowan Atkinson (Mr. Bean) y Monty Python, entre otros, con la intención de hacer reír al público constantemente.

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19 de julio. “Ñaque o de piojos y actores” de El Replà Produccions, en Almeria Teatre. Un par de actores que hablan en castellano antiguo se enfrentan a un público del siglo XXI: una reflexión sobre las fronteras del teatro y el encuentro con el espectador.

20 de julio. “Atracar a un banco con un bote de laca”, de Teatro de Cerca, en Almeria Teatre. Un atraco absurdo que nos conduce al corazón de la protagonista, una mujer desesperada.

21 y 22 de julio. “La peixera”, de Los Jimenes, en Almeria Teatre. Un viaje al mundo de las familias de clase media de los años 80.

25 de julio. “Cabaret K-Baræt”, de Espai Dual, en Almeria Teatre. Tres personajes aparecen para regalar la armonía, la expresión y la magia a la persona que tienen delante. Pero hay algo que no funciona…

26 y 27 de julio. “Obsolescence (Eros, tanatos i cants de sirena)”, de El Eje, en Espai Jove La Fontana. En el desierto de Nevada, o tal vez el de Arizona, están sucediendo cosas extrañas. “Obsolescence” es un híbrido de géneros (thriller, policiaco, western…) pero no es ninguno de ellos.

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27 de julio. “What did you expect from Mr. Spector? La veritable història de les Ramonettes”, de The Marshmallow Girls, en Almeria Teatre. Cómo tres fans de Phil Spector vieron como se hacía su sueño realidad, pero no de la manera que imaginaban.

Desde nuestro blog, celebramos la existencia de este festival y le auguramos una larga vida.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Festiu: Fringe Barcelona 2014

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“Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce”: Ruido y furia en la Barcelona de los 80´s.

El pasado viernes, quienes realizamos este blog tuvimos la oportunidad de ver en el Teatre Tantarantana de Barcelona la obra “Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce”, basada en el libro del mismo título escrito por A.G. Porta y Roberto Bolaño, en la que fue, de hecho, la primera novela de ambos autores.

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La adaptación teatral ha sido dirigida por Fèlix Pons, rostro habitual de la escena teatral catalana y conocido también por sus trabajos como actor en la televisión. Recientemente, ha fundado la productora Arsenic Art Studio, de la cual es el director artístico.

La obra cuenta con solo dos actores en el escenario, Nao Albet y Claudia Benito, dos intérpretes muy jóvenes que muestran muy buenas maneras, intensidad y auténtica compenetración en el escenario. Tras haberlos visto trabajar, les auguramos a ambos un gran futuro en el muy complicado mundo de la interpretación.

Por lo que se refiere a la obra,  adapta de forma bastante fiel la historia que encontramos en la novela. Estamos en la Barcelona de principios de los años 80. Durante un verano, Àngel Ros (Nao Albet) un catalán de 29 años con ínfulas de escritor y que toca el bajo en una orquesta tropical conoce a Ana Rios Ricardi (Claudia Benito), sudamericana de 22 años. Ambos se enamoran e impulsados por ella emprenden una sangrienta carrera criminal. Como si de unos modernos Bonnie and Clyde pasados de anfetaminas se tratara, los dos protagonistas entran en una espiral de violencia de la cual parece alimentarse la pasión que sienten el uno por el otro. Narrado por Àngel Ros, admirador de la música de Jim Morrison y de la obra de Joyce de la cual es experto, éste reflexiona sobre su propia creación literaria inconclusa “Canto de Dédalus anunciando fin”. Los fragmentos de este texto se intercalan utilizando técnicas propias del cine (proyecciones en el fondo del escenario) con episodios de violencia, diálogos entre los protagonistas, llamadas telefónicas a la madre de Ana y a amigos de ambos personajes, y flashbacks de la vida de la pareja previa a los actos criminales perpetrados durante ese verano. Los personajes a los que hace referencia el protagonista masculino son asumidos interpretativamente en algunos momentos por su partenaire en el escenario o por él mismo.

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En su conjunto, la obra teatral es, tal y como ocurría con la novela, un gran fresco de cierta Barcelona de los 80, con una buena parte de su juventud que, tras 40 años de dictadura, emergía fuertemente politizada, e incluso en algunos casos se mostraba rabiosa y violenta, con un ideario cercano al nihilismo. Se ha intentado ver algunos paralelismos entre ese contexto histórico y el actual por parte de los creadores de la adaptación escénica de la novela, algo que, personalmente, no alcanzo a contemplar. Pero en cualquier caso, la mera potencia de la historia que idearan Porta y Bolaño, justificaría de sobras esta traslación teatral.

La puesta en escena de la obra juega con pocos elementos: de entrada el espectador observa el interior de un piso que sabremos está situado cerca de la barcelonesa Plaça Lesseps, con una cama en el centro del escenario y elementos típicos de la época que nos sitúan en ésta, como puede ser el caso de una máquina de escribir, un radiocasete, cintas, una grabadora… También la música que suena en algunos instantes, y las ya mencionadas proyecciones en el fondo del escenario, hacen que nos hagamos una mejor idea del momento temporal en el que nos encontramos. Además, dichas proyecciones suponen un apoyo, en momentos puntuales, que ayuda a introducir nuevos personajes que hacen su “aparición” gracias a éstas. Si a todo esto añadimos las frases y pequeños textos que también se proyectan, así como escenas de películas o de noticiarios de la época, podemos decir que en el espectáculo se genera un constante diálogo entre teatro, cine, literatura e incluso periodismo.

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La obra en su conjunto mantiene un buen ritmo que hace que el espectador esté en todo momento atento cuando no expectante por saber lo que vendrá a continuación. Como hemos dicho, el esfuerzo de sus intérpretes tiene mucho que ver en ello. La dirección escénica es igualmente loable, pero quizá hay algún instante en que el espectador se podrá perder, sobre todo si no ha leído la novela previamente. Puede que con una transición más definida entre algunas escenas se hubiese evitado este hecho, pero se trata de pequeños baches en un conjunto que resulta francamente estimulante e intenso.

Hasta el 30 de marzo podéis ver esta obra, como ya hemos mencionado, en el Teatre Tantarantana, algo que os recomendamos encarecidamente, así como queremos invitaros también a leer la estupenda novela en la que está basada.

Ricard.

Os dejamos con un espléndido reportaje televisivo dedicado a Roberto Bolaño:

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana

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“eGo”: Enganchados al móvil.

La Sala Flyhard, ubicada en el barrio barcelonés de Sants, de la que os hablamos hace unos meses en nuestro blog, y que recientemente ha tenido cambios en su dirección con la dimisión de Jordi Casanovas, nos presenta una muy recomendable obra del guionista, dramaturgo y director teatral Marc Angelet.

Marc Angelet es autor de obras que han alcanzado cierta repercusión en el panorama teatral barcelonés, como “Voyager” (2012), estrenada en el TNC y guión publicado por Editorial Arola, o “El biògraf”, Premi Teatre Principal 2010; otras obras suyas son “Blackbox” (2009), “Genius” (2009), “Callcenter” (2007) o “Mcbeth con queso” (2007). Otro trabajo del polifacético autor es el guión de la divertida webserie de dibujos animados “Abducción” de Alejo Levis.

“eGo”, escrita y dirigida por Marc Angelet y protagonizada por Nadina Campàs, Oriol Casals, Xavier Francès y el codirector de la sala Pablo Lammers, es una comedia tecnológica que examina la particular relación que  establecemos con esa amalgama de dispositivos llamada “nuevas tecnologías”, en su doble vertiente de herramientas de comunicación, por medio de las cuales estamos permanente conectados con nuestros amigos, conocidos y amantes, y herramientas de control, por medio de las cuales las agencias gubernamentales –en el mejor de los casos- y oscuras mafias –en otros-, saben de nosotros, -de nuestras preferencias, aptitudes, intereses y hasta personalidad con todo lujo de detalles-.

Dos socios desarrollan una aplicación para móviles en un iconográfico garaje, probable escenario escogido por los dos amigos más por convicción que por azar. Y a ellos, como a Jobs, Gates o los mismos Beatles, también les llega el éxito, aunque no es oro todo lo que reluce y finalmente será un no menos iconográfico policía, quien pondrá el contrapunto ingenuo al torbellino tecnológico al que asistimos en la obra.

Ésta, creada por encargo de Llàtzer Moix para el ciclo “Apadrina un dramaturgo”, de la Nau Ivanow, nos propone una interesante reflexión sobre nuestra relación con las nuevas tecnologías, y la forma en que cómo muchas veces nos ponen a su servicio más que lo están al nuestro. Desde “Cultura y algo más” os animamos a ver esta original obra, que está en cartel hasta el 30 de diciembre, y a olvidaros durante una hora de vuestro whatsapp.

Ignasi.

Para más información clica abajo:

Web de la sala Flyhard

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