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Ruen Brothers: Elegancia clásica para el invierno.

Henry y Rupert Stansall son los hermanos que integran Ruen Brothers, formación surgida de Inglaterra que hace unos pocos meses publicó su primer larga duración, titulado “All my shades of blue”.

Sorprende, teniendo en cuenta la juventud de sus componentes, que Ruen Brothers encuentren la inspiración en la más añeja música sobre la que se basa todo el Rock ´n´Roll. Estamos hablando de las canciones que crearon gigantes como Elvis Presley, Roy Orbison, Johnny Cash o, por qué no, Everly Brothers. Aunque en honor a la verdad, abría que añadir a los nombres referenciados otros más cercanos en el tiempo (Chris Issak o Richard Hawley por ejemplo), para hacerse la idea de lo que hacen Ruen Brothers.

En tiempos de r&b, trap y otros estilos que, gustos aparte, pecan muchas veces de sobreproducidos, nos encontramos con este sorprendente debut que, gracias no solo a unas composiciones muy inspiradas y cuidadas con mimo, sino también, precisamente, a una excelente producción (Rick Rubin, mítico productor de The Cult, Bestie Boys, Tom Petty, Red Hot Chili Peppers, Johny Cash y tantos otros, se encuentra tras las mesas de sonido en este caso), suenan nada trasnochadas, al contrario, absolutamente atemporales y tan válidas ahora como si hubiesen surgido hace 40 años o dentro de 30.

Nacidos en la ciudad industrial de Scunthorpe, en la mencionda Inglaterra, uno tiene la sensación, escuchando este bellísimo y adictivo “All my shades of blue”, que los hermanos Stansall podrían haber surgido perfectamente de algún lugar como Nashville o Memphis, pero lo cierto es que lo han hecho en un ambiente nada proclive para que aflore música del estilo que ellos crean. Aún y así, canciones como “Walk like a man”, “Finer things”, “Motor city”, “Summer sun”, “Caller” o la propia “All my shades of blue” (escogida como primer single del disco), te catapultan a algún sitio que uno imagina lleno de luz, incluso aunque por momentos, algunos de los temas mencionados tengan un aire nostálgico o melancólico.

En fin, que no se nos ha ocurrido otra manera mejor de desearos que hayáis empezado bien el año y que éste esté lleno de las mejores cosas para vosotros que recomendaros este tan clásico como elegante “All my shades of blue”.

Ricard.

Os dejamos con el vídeo de “All my shades of blue”:

 

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“Legion”: ¿Héroe o villano?

Entre la alta cantidad de excelentes series televisivas que pueblan actualmente las distintas plataformas de oferta audiovisual, nos ha llamado poderosamente la atención Legion, producción que consta hasta la actualidad de dos temporadas de ocho y once capítulos respectivamente.

Creada para el canal FX y estrenada en febrero de 2017, cuenta con Noah Hawley como máximo impulsor de la serie (eso que hoy se llama showrunner), y con un elenco de actores y actrices excelente encabezado por el actor inglés Dan Estevens (visto en producciones tan British como Downton Abbey), Rachel Keller, Bill Irwin, Jemaine Clement, Jean Smart  o Jeremie Harris entre otros.

Legion se basa en un personaje de la Marvel extraído de los comics de X-Men (aquí más conocidos por la Patrulla-X), creado por el guionista Chris Claremont, quien llevara con su notable trabajo entre mediados de los 70s y principios de los 90s a la franquicia mutante a las más altas cotas de popularidad entre los lectores de tebeos, y el grandísimo dibujante Bill Sienkiewicz, responsable gráfico durante un tiempo de la colección New Mutants, a su vez, una suerte de Spin-off de la mencionada X-Men, donde apareció por primera vez el protagonista de la serie.

Ilustración de Bill Sienkiewicz para la serie de comics New Mutants

No es baladí que mencionemos a Sienkiewicz, porque su estilo gráfico, cercano al expresionismo abstracto y que muchas veces recurre al oleo, el collage o la mimeografía, está, de alguna forma, muy presente en el estilo visual de la producción televisiva a la que nos referimos aquí.

Y es que, si por algo destaca Legion, es por mostrar en sus imágenes un nivel de embelesamiento que nos hace pensar por momentos en todo un David Lynch, si bien hay que reconocer que el resultado no es tan poderosamente estimulante como suelen serlo los trabajos del artista nacido en Montana, y además, a diferencia de lo que ocurre en muchas de sus películas o en una serie como Twin Peaks, a la postre Legion no da tanto espacio al espectador para que llene con su imaginación los huecos que pueda ir dejando su desarrollo como historia.

En cuanto al personaje protagonista (de nombre David Haller) encarnado por el ya mencionado Dan Estevens, que en los comics se nos mostraba como un posible hijo de Charles Xavier, mentor de los X-Men, aquí aparece al principio como un joven que ha sido internado en una institución psiquiátrica, con aparentes problemas esquizoides (de allí el nombre de Legion, palabra que en su origen bíblico hace referencia a alguien “poseído” por múltiples demonios). Pronto sabremos que Haller es un mutante que dispone de tremendos poderes, y que desde pequeño ha sido acosado por otro mutante llamado Shadow King, quien le ha hecho caer en una espiral de caos interno, lidiando con la pura locura. En el psiquiátrico conocerá a una chica, Sydney Barrett (a quien da vida la pujante actriz Rachel Keller), por la que se sentirá fuertemente atraído y que junto a otros personajes que se irán incorporando a la trama, intentará ayudarle a desprenderse de la influencia de Shadow King.

Dan Stevens, protagonista de

Dan Stevens, protagonista de Legion

Como hemos dicho, el nivel de abstracción de la serie hace que por momentos nada resulte especialmente evidente, y que ésta pueda costar de seguir al espectador desprevenido. Los realizadores utilizan distintos formatos de pantalla, más o menos estilizados en función de si nos situamos en la realidad o en una suerte de plano astral, en el tiempo presente o en el pasado o un posible futuro. También utilizan en ocasiones colores saturados que ayudan a aumentar la sensación de sufrimiento psicológico u otras emociones que tienen los personajes (especialmente su protagonista), y usan el sonido de manera magistral para crear inquietud, sensación de aislamiento, desconcierto o incluso comicidad. En este sentido resaltamos la estupenda banda sonora, que incluye canciones de The Who, Rolling Stones, Jane´s Adiction, Serge Gainsbourg & Jane Birkin o Nina Simone, y que por instantes subrayan la trama de manera tan sutil como irónica.

Dan Stevens y Rachel Keller en una escena de la serie.

Lo más interesante en lo visto hasta ahora (las dos temporadas disponibles completas), es la evolución de su personaje principal, por el que al principio sentimos auténtica simpatía (más que como a un héroe lo vemos como una víctima) para pasar a ser, después sí, un aparente paladín de la justicia cuya personalidad se va oscureciendo de forma progresiva y coherente, hasta el punto de hacer preguntarse al espectador si en realidad no puede acabar convirtiéndose en un villano. De esta forma, la serie se convierte en una reflexión sobre el poder y la responsabilidad que este comporta (un tema muy Marvel), sin perder de vista sus puntos cardinales genéricos, más cercanos en realidad a la ciencia ficción que a la temática superheroica al uso.

En contra de la serie diríamos que la segunda temporada (acaso demasiado larga), tiende a un ritmo narrativo lento, por momentos, gratuitamente lisérgico (como recreándose excesivamente en su propia excentricidad visual), con mucha menos acción de la que aparecía en la primera donde sí había bastante y puesta en imágenes, además, de manera deslumbrante (nos referimos a algunas escenas en concreto que están rodadas con sobresaliente buen pulso), aunque por otra parte, tres de los capítulos más originales y brillantes del conjunto de la producción los encontramos precisamente en esta segunda temporada.

En suma, si entre el maremágnum de series interesantes que encontramos en la actualidad no sabéis que elegir, os recomendamos Legion. Seguro que no os dejará indiferentes.

Ricard.

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Jack White en el Cruïlla Barcelona (12/07/18): Rock a medio camino entre lo clásico y lo experimental.

En un inicio de verano musical explosivo en Barcelona, hemos podido disfrutar de diversos conciertos (desde Guns and Roses en el Estadi Olímpic hasta el especialmente memorable de Pearl Jam en el Palau Sant Jordi), de los cuales podíamos haber dado cuenta en nuestro blog, pero como sentimos una especial debilidad por Jack White (de quien ya habíamos comentado alguno de sus discos en el pasado), y también por un festival como el Cruïlla (del cual también hemos hablado anteriormente), nos hemos decantado por reseñar el reciente concierto del norteamericano en el contexto, creemos que inmejorable, de dicho evento.

De entrada nos sorprendió la buena entrada que recogió el festival en esta primera jornada en que solo actuaban otros dos músicos: el bluesman Seasick Esteve, y Bunbury, quien precedía en el primer caso y actuaba después en el segundo, a Jack White, completando un cartel curioso y muy atractivo al mismo tiempo.

Por lo que se refiere a Jack White (nuestros trabajos nos impidieron poder llegar a tiempo de ver a Seasick Esteve), el cantante salió a escena puntual, acompañado por un bajista-guitarrista a ratos, dos músicos que se encargaban de los teclados y otros instrumentos así como de hacer coros, y una fenomenal baterista, acometiendo una introducción de musculoso blues-rock que desembocó en una “Over and over and over” que es una de las canciones más enérgicas y asequibles de su último álbum, el muy experimental “Boarding house reach”.

Desde ese momento, White se dedicó a hacer un repaso a su ya extensa carrera en la que no faltaron temas de la banda que lideró junto a Meg White, The White Stripes (“Hotel yorba”, “The hardest button to button” o la inevitable “Seven nation army” como colofón a la actuación entre otras), o de otros proyectos paralelos como The Raconteurs, con ese pequeño hit que es “Steady as she goes”, canción que sonó en el tramo final del concierto y que fue especialmente bien recibida por la audiencia.

En medio de todo ello, temas del cantante en solitario, con especial parada en ese “Boarding house reach” que ha recibido críticas muy tibias (algunas terriblemente malas), pero que a nosotros nos parece uno de los grandes trabajos discográficos del año. Y es que canciones como la deconstruida “Corporation” o la preciosa “Connected by love” valen su peso en oro. También destacaron cortes de su anterior disco solista como “The black bat licorice” o “Would you fight for my love?”.

Con un sonido potente pero nítido y una puesta en escena preciosa donde dominaban, como en las portadas de sus discos en solitario, los colores azules en las luces y en unas proyecciones que podríamos calificar de retrofuturistas, el rock engarzado en las raíces clásicas del género mezclado con elementos experimentales (menos evidentes en directo que en estudio) de Jack White, brilló con intensidad frente al mar de Barcelona dejando satisfechos a todos los asistentes al concierto.

Poco después, en el mismo escenario, aparecería Bunbury. Dicen algunos que su actuación superó a la de Jack White (solo pudimos ver el principio del show por tener que madrugar al día siguiente y la verdad es que sonaba muy bien). Debió ser realmente grande si fue así.

Ricard y Laura.

Os dejamos con los dos vídeos de adelanto del último disco de Jack White:

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A Perfect Circle: Sugerente e irregular retorno.

Catorce años han transcurrido desde que A Perfect Circle publicaran su último trabajo, aquel curioso “Emotive” que contenía versiones de otros artistas con el lazo en común de tratarse de temas con contenido de denuncia política en sus letras. Desde entonces, silencio absoluto. Aunque eso no es algo que debería extrañar sobremanera a los seguidores de alguien como Maynard James Keenan, co-lider de la banda junto al guitarrista y compositor Billy Howerdel. Y es que la trayectoria de Keenan tanto con APC, como con su banda principal Tool, es harto irregular en cuanto a lanzamientos, dilatándose el tiempo entre estos muchísimo.

Sea como sea, “Eat the elephant”, que es como se llama el nuevo trabajo de la banda publicado hace unas semanas, complementa la corta discografía del grupo que consta del ya mencionado “Emotive”, un primer album (“Mer de noms”, 2000) realmente soberbio, y otro (“Thirteen Step”, 2003) más desigual aunque muy interesante.

Podríamos definir la música de A Perfect Circle como una versión más accesible, menos oscura, de Tool (Keenan los ha descrito alguna vez como la formación donde puede dar rienda suelta a la versión femenina de sí mismo, mientras que en Tool sería la masculina la que predominaría); es decir, que la música se mueve entre distintas influencias que van del Metal al Rock alternativo, pero con preeminencia de la melodía. Este “Eat the elephant” (de, por cierto, espantosa portada), apuesta aún más por ella que su predecesores, y por crear atmósferas que se desarrollan con parámetros parecidos a los que definen un estilo como el Rock progresivo.

Así tenemos canciones como la inicial “Eat the elephant”, o la que le sigue, el single “Disillusioned”, donde los teclados adquieren mayor importancia que las  guitarras en relación a trabajos anteriores, y se hace palpable una intención por parte de la banda de sumergir al oyente en un viaje sonoro de intensidad creciente que cristaliza en temas más potentes como el también single “The Doomed”, o “Talk Talk”. Se configura con ello una primera parte del disco realmente brillante.

El problema lo encontramos en lo que podemos llamar la cara B del álbum donde hallamos temas como “Hourglass” que más bien oscila entre el Nu-Metal y una especie de Pop de laboratorio mal cocinado, interludios instrumentales vacíos como “DLB”, o canciones que no llegan a ninguna parte en su experimentación como la final y muy aburrida “Get the lead out”.

El conjunto, pues, acaba convirtiendo este “Eat the Elephant” en un álbum tan sugerente (sobre todo, como ya hemos dicho, en su primera parte), como irregular por momentos, aunque podemos decir que el balance general del disco es bastante positivo.

Hemos querido comentar este álbum de A Perfect Circle porque la banda es una de las que encabeza el cartel del festival “Be Prog My Friend” que se celebra en Barcelona (Poble Espanyol) los días 29 y 30 de junio (estamos seguros de que su concierto superará el listón de su último trabajo), complementándose el evento con artistas del nivel de Steve Hackett (ex miembro de Genesis que suele basar sus conciertos en buena parte en el repertorio de la mítica banda en la que militaron Peter Gabriel o Phil Collins), los excelentes Baroness (uno de los grandes grupos de Rock de la actualidad), los muy inquietantes y creativos Oranssi Pazuzu, o esa especie de superbanda del Rock progresivo que atiende al nombre de Sons of Apollo. Una alineación de nombres, en suma, que configuran una muy atractiva invitación para pasar un gran fin de semana musical en Barcelona.

Ricard.

Web del festival Be Prog My Friend

Os dejamos con un par de vídeos del último disco de “A Perfect Circle”:

En el momento en que publicamos esta entrada nos enteramos de que Maynard James Keenan ha sido acusado de violación, algo que ha caído como un auténtico jarro de agua fría sobre todos los seguidores del artista. Al parecer, los hechos habrían acontecido hace ahora unos 18 años, durante una gira compartida junto a Nine Inch Nails, y habrían ocurrido en el autobús de gira de la formación, donde Keenan podría haber forzado a una joven fan casi 20 años menor que él. Desde nuestra absoluta solidaridad con las víctimas de violación (afortunadamente, cada vez son más las que se animan a denunciar este terrible delito cuando lo han sufrido, lo cual ha activado una cada vez mayor concienciación sobre la violencia de género en nuestra sociedad), nos atenemos a la legítima presunción de inocencia que merece cualquier persona, y al hecho que esta entrada está también dedicada a promocionar un festival donde tocan otros músicos y bandas que nada tienen que ver con este asunto, para mantener este post tal y como estaba previsto.

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Angel Olsen en Barcelona (Sala Barts, 09/05/18): Regreso al intimismo.

El pasado jueves la cantautora norteamericana Angel Olsen hizo honor al festival del cual iba a ser participe (Guitar BCN 2018) presentándose ante el público de la capital catalana con el instrumento al que hace referencia dicho evento, instrumento que no dejo en ningún momento de la velada y que fue su único acompañante durante ésta, pues la artista realizó su actuación sin banda.

Así pues, la cantante inauguró su concierto con “Sans”, corte incluido en su último disco publicado a finales del pasado año, el más que interesante “Phases”. En realidad, el mencionado álbum no es más que una colección de descartes y versiones varias que no había incluido en sus anteriores lanzamientos y que Olsen ha querido dar a conocer, consiguiendo, curiosamente, un trabajo de impecable conjunción.

Y es que las canciones de este disco funcionan muy bien tanto de forma individual como dentro de la secuencia que siguen en el álbum, de forma que en su conjunto, “Phases” no desmerece del resto de la discografía de una artista que, con su anterior trabajo (“My woman”, 2016) ha conseguido acercarse a un público bastante mayoritario que la había ignorado con sus dos primeras referencias (“Half way Home” de 2012, y “Burn your Fire for not Witness” de 2014).

Como si de una pequeña revancha por ello se tratara, tanto su último disco, como la gira que está realizando en la actualidad, vuelven a sacar el lado más intimista y melancólico de la músico, descartando, en el caso de sus actuaciones, los temas del más expansivo y por momentos incluso rockero “My woman”. De esta forma, Olsen parece querer dar a conocer a sus nuevos seguidores cuáles son sus raíces artísticas.

En cualquier caso, Angel Olsen consiguió encandilar al público que prácticamente abarrotaba la sala BARTS con canciones nuevas aún sin pulir, y una gran mayoría de su repertorio primigenio como “Some things cosmic”, “You are song”, “Lonely” o el díptico final en los bises con “Windows” y “White fire”, interpretadas a flor de piel con una voz que puede resultar tan potente como sutil, y una técnica a la guitarra nada desdeñable.

Al margen de la música, Olsen logró crear una sensación de calidez y cercanía con su audiencia gracias a sus ocurrencias contadas entre tema y tema (explicó que quería ir a la playa, comer pinchos y hablar de chicos con amigas como podría hacer cualquier otra joven, o invitó al público a seguir a su gata Violet por Instagram), que contribuyó a dejar con una sonrisa en la boca, una vez terminada la actuación, al respetable que se había acercado a la BARTS.

En resumen, una bonita velada que recordar, y que nos hizo refrendar nuestro interés por una artista de innegable personalidad.

Ricard.

Os dejamos con un concierto completo de esta gran artista, eso sí, en este caso con banda al completo:

Web de Angel Olsen

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LUIS BREA Y EL MIEDO – Sala Almo2bar – Barcelona (24/11/17).

Luis Brea surgió hace unos años como un fenómeno costumbrista de las calles madrileñas de Malasaña o de Alcorcón. Sus letras y estéticas audaces hicieron de él el rey del underground musical madrileño. No parecía que el camino fuera muy largo. Más tarde se transformó, formó un grupo , que se hacen llamar El Miedo, y grabaron su primer album: “Luis Brea y el Miedo”. Letras más intimistas y rock de sonido en el que destaca su enorme producción.

Su segundo album , “Usted se encuentra aquí”, confirma el excelente momento del músico y su banda. Después de hacer explotar la Joy Eslava en Madrid, llegaron en el que es su primer directo en Barcelona de esta gira. En la sala Almo2bar, Luis Brea hizo vibrar a los presentes con un sonido tan duro como trabajado y un repertorio que sólo los presentes recordaremos.

Los versos de sus canciones se cuentan por sentimientos constantes: “perder la ilusión por todo es tenerla por cualquier cosa” reza en “Tres cruces” o “el arañazo de un recuerdo escuece todo el tiempo” en “La casa del misterio”. Pero su demoladora banda no hace más que potenciar y resaltar las bonitas melodías. Es la banda española del momento que ha venido para quedarse. Un concierto inolvidable que reclama repetir en aforos donde Luis explote, esta vez de forma escandalosa, en la capital catalana. Al tiempo. Algunos salimos con los ojos húmedos de la sala.

Jordi Martínez, autor de esta crónica, junto a Luis Brea.

Setlist :

  1. El kraken
  2. Amanece
  3. Como una ola
  4. Discotecas
  5. Más de veinte
  6. Pefecto
  7. Nueva generación
  8. Berlin
  9. La casa del misterio
  10. Mil razones
  11. Tres cruces
  12. Dicen Por ahí
  13. After Crisalida
  14. El verano del incendio
  15. Baso se escribe con V
  16. Automaticamente

Jordi Martinez.

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Joana Serrat: Conexión catalanoamericana.

Parece mentira pero con el disco que queremos comentar aquí, “Dripping springs”, Joana Serrat ha llegado ya a lanzar cuatro trabajos. Y es que, como dice el tópico, el tiempo pasa rápido. Del tiempo, y de otros temas universales con los que el común de los mortales se puede sentir fácilmente identificado, nos viene a hablar la de Vic en este álbum que no hace más que volver a ratificar su gran talento para firmar canciones repletas de autenticidad y belleza. Y es que Joana lo tenía difícil para volver a hechizarnos como lo hizo con su anterior y sobresaliente “Cross the verge” (2016), un trabajo justamente aupado entre los mejores de la cosecha nacional del pasado año, pero lo cierto es que su nuevo disco no le anda a la zaga.

El álbum ha sido lanzado por el sello de la propia cantautora, Great Canyon Records, al cual le debemos también la publicación de discos de artistas como Marta Delmont o Murdoc entre otros (aunque a nivel internacional ha sido el sello británico Loose Music quien se ha encargado de su edición), y lo ha producido todo un referente del sonido Americana como es Israel Nash. Además, en él han colaborado el ingeniero de sonido Ted Young (quien ha llegado a trabajar con los mismísimos Rolling Stones), y también músicos del calibre de Joey y Aaron McClellan, John Fleishmann o Dave Simonett entre otros.

Todo ello no es óbice para que lo que resalte ante todo en este disco sea la personalidad de Joana, quien sigue moviéndose como pez en el agua entre las brumosas aguas de un folk-neocountry ensoñador, que tanto parece poder mirar a Jonny Cash como a unos Beach House acústicos.

Desde el principio, con “Wester cold win” (título más que representativo), Joana marca la pauta de un trabajo del cual no podremos desviar la atención mientras esté sonando. Con una voz templada en la emoción contenida, y una producción que es pura filigrana, la canción crece a lo largo de su recorrido y nos prepara para otros temas que nos sumergen aún más en esa tierra de nadie entre su Vic natal y una América neblinosa y mágica que quizá no exista pero en la que muchos queremos creer pese a todos los sinsabores en forma de desconcertantes noticias que muchas veces nos llegan desde el otro lado del Atlántico.

Es desde ese territorio donde fertilizan canciones como la melancólica “Keep on falling”, la intensa “Farewell”, o la más enérgica “Come Closer”. Temas en general en los que, pese a su clasicismo, Joana no tiene miedo de buscar recovecos que los alejen de un excesiva previsibilidad, llegando, en algún caso, a lidiar incluso con un cierto toque progresivo como ocurre en la dilatada “Unnamed”. Canciones, en cualquier caso, que pese a su hipnótico sonido nos hablan, como ya hemos apuntado, de temas bien humanos como el paso del tiempo, la memoria de aquello que quedó atrás y la necesidad de continuar adelante pese a todo.

Aunque este trabajo es el más americano de cuantos ha lanzado hasta ahora (no en vano está grabado en Texas), uno le diría a Joana si pudiera que en el futuro no tenga miedo de desmadrarse y robustecer aún más su sonido como nos consta que hace en ocasiones en sus maravillosos conciertos. Personalmente me gustaría escuchar una Joana Serrat puramente rockera, en una onda que la acercase a bandas como Drive By-Truckers o incluso el Neil Young más eléctrico (aunque sabemos que es una gran fan del canadiense) sin que, por supuesto, dejara de lado su propia personalidad como artista. Pero no hay de que quejarse; mientras siga entregando trabajos tan bellos como este “Dripping spring” seguiremos creyendo ciegamente en ella.

Ricard.

Os dejamos con la canción que abre el disco:

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