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“Ànsia (Crave)”: La angustia inevitable.

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Hemos asistido en la Sala Atrium a esta inquietante obra de Sarah Kane, de quien ya os hablamos cuando se estrenó ‘Blasted’ en el TNC (dirigida por Alicia Gorina, ver entrada).

Producida por Cia La Salamandra (“Hamlet/Segismundo” en coproducción con Cia Ensemble), con dirección de Loredana Volpe e interpretada por Chap Rodríguez Rosell (también traductor del texto), Anna Casas, Patricia Mendoza y Xavier Pàmies (también ayudante de dirección), la obra es el reflejo de una vida convulsa. La autora (se suicidó a los 28 años) nos presenta este extraño y sombrío monólogo a cuatro voces donde los protagonistas desgranan experiencias traumáticas (acoso -desde el punto de vista del acosador- , maltratos, abusos sexuales, relaciones tóxicas,  trastornos mentales) con un tono resignado, a veces monótono,  desconectados de sus experiencias…, como si de una letanía o un coro fúnebre se tratara, impresión reforzada por el uso de diversos idiomas en el escenario.

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El montaje es sencillo, crudo, en un escenario desnudo con las impactantes luces de Daniel Gener, con los cuatro actores y actrices sin interacción alguna más que la casual coincidencia de temática o ambientación de las tristes historias que evocan y que les deshumanizan y les convierten en víctimas de sus experiencias.

El texto tiene partes brillantes (el acosador encarnado por Chap Rodriguez quien además es el traductor del texto, que narra cómo la atracción y amor puede degenerar en incomprensión y falta de aceptación de la realidad, el penoso relato de los abusos que cortan como una sierra  las brumas de la infancia, la dificil relación con la madre, una violación…) y partes más ininiteligibles, aunque siempre transmite esa desazón, ese revivir el pasado que emponzoña el presente y esa disociación entre lo vivido y la forma casi aséptica de expresarlo.  Sin duda alguna el título no puede estar mejor escogido, esa ansia, ese intranquilidad de espíritu y ese sentimiento de culpa aunque hayas sido la víctima y no el verdugo.

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LO MEJOR DE LA OBRA: El excelente texto de la dramaturga muy bien dirigidido por Loredana Volpe (también poeta, y aquí justamente estamos ante uno de los textos más poéticos de Kane), con momentos realmente brillantes, el monólogo y la traducción de Chap Rodríguez y en general una excelente interpretación de los actores y actrices.  El tono lejano y aséptico que la continua alternancia de voces, los diferentes idiomas y la ausencia de escenario imponen a la obra.

LO PEOR DE LA OBRA: En ocasiones algo oscura e ininteligible. Pero esto justamente puede añadir esa necesaria inquietud que se crea entre el público.

Ànsia (Crave)” estará en Sala Atrium hasta el 19 de enero de 2020.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace al trailer:

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“Persones potencialment perilloses”: El peligro eres tú.

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Hemos asistido en el Teatre Tantarantana a la previa de “Persones potencialment Perilloses“, escrita y dirigida por Roger Torns, con producción de la compañía Produït per H.I.I.I.T.

Una obra de apariencia inicial muy costumbrista, que nos retrata una familia compuesta por la madre (Romina Cocca), el hijo (David López), la hija (Laura Daza) y el yerno (Alex Sanz), en un pueblo cualquiera. Los hijos son hermanos pero de padres distintos; el regreso del hijo tras una ruptura sentimental rompe la armonía entre madre e hija , ya habituadas a estar solas.

En seguida vemos que el hijo tiene un modo de ver las cosas y de actuar como mínimo diferentes a la de su familia. Y no sólo a las de su familia; el novio de la hija es el contrapunto a su hermano. Donde él es rígido, éste es flexible. Donde él es convencional, éste es bohemio. Donde, en fin, él es agresivo, éste es pacífico.

Un incidente en principio banal desata un drama enorme en la familia. Un drama que hace que todos se presenten en su verdadero rostro.

A partir de esa situación, la obra toca diversos temas, desde la violencia de género, la dicotomía entre vocación y pragmatismo, el enfrentamiento entre el dogmatismo y la tolerancia, las nuevas formas de familia con los problemas de convivencia que plantean, e incluso la dualidad pueblo-ciudad, el vínculo con la tierra en que nacemos y el de la desvinculación como camino para seguir adelante con nuestros sueños.

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En definitiva, es una obra muy ágil que plantea por boca de actores y actrices un acertado diálogo entre los diversos puntos de vista sobre esos temas, y que de modo inevitable hace posicionarse al espectador.

También puede tener una interpretación mas literal en clave política. A nosotros en particular nos parece algo ligera y reduccionista la denominación “fascista” por extensión a todo el mundo que no tiene la visión de la realidad políticamente correcta que transmiten las redes sociales o la opinión mayoritaria en determinados ambientes, pero si hay quien prefiere una lectura política de la obra también se encontrará a gusto en el teatro.

LO MEJOR DE LA OBRA: Los textos (teatral y poético – las letras de las canciones) de Roger Torns, las grandes interpretaciones de David Lopez y Laura Daza, que hacen totalmente creíbles a esos dos hermanos tan diferentes que interpelan constantemente al espectador y de Romina Cocca, que interpreta a esa madre que está luchando por encontrar su lugar. La voz de Laura Daza.

LO PEOR DE LA OBRA: Las cuñas musicales, pese a tratarse de temas bien compuestos (por Laura Daza y Alex Marteen), nos ha parecido que no acababan de encajar.

#personespotencialmentperilloses (#ppp) estará en el Teatre Tantarantana hasta el 22 de septiembre.

Enlace a trailer de la obra:

Web del Teatre Tantarantana – Informació sobre “Persones potencialment perilloses”

Ignasi y Laura.

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“Akelarre”: Una necesaria reivindicación del feminismo.

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Hace poco asistimos en la sala El Maldà de Barcelona a este interesante espectáculo musical de la compañía The Feliuettes concebido como un cabaret dirigido por Míriam Escurriola, con Laia Alsina, Maria Cirici y Laura Pau como actrices y cantantes y la colaboración especial de Vicky Peña como Madame Big Lips, acompañadas al piano por Gerard Sesé (director musical), cuyo cuerpo argumental parte de textos y canciones de Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Xavi Morató, Mireia Giró, Gerard Sesé, Laia Alsina Riera, Laura Pau y Míriam Escurriola y la composición músical corre a cargo de Clara Peya, Arnau Tordera, Ariadna Cabiró y Gerard Sesé.

Resulta lamentable como últimamente desde la derecha se pretende banalizar el movimiento feminista, tachándolo casi de dictatorial, tratando de difuminar sus reivindicaciones como si fueran el producto de mentes fanáticas, cuando la realidad es muy otra. Quienes sufren la brecha salarial son las mujeres; quienes sufren la doble jornada laboral (en la empresa y el hogar) son las mujeres; quienes sufren abusos sexuales son ellas; como lo son quienes, en fin, perecen a manos de sus parejas.

A partir de esa idea reivindicatoria, The Feliuettes nos obsequia con un espectáculo musical fresco y ágil, en que en forma de sketches se suceden diferentes relatos centrados en la reivindicación feminista. El contraste entre la seriedad del relato y la forma de presentación del mismo es intensa. Ya la tonadilla popular “El senyor Ramón” cobra otro aire mucho menos festivo, ya el cuento de la Caperucita se nos presenta con otro inquietante punto de vista, ya los cortinajes del escenario se asemejan a una enorme vagina que al mismo tiempo protege y conmina a los protagonistas.  La prostitución, la explotación laboral, las normas sociales discriminatorias (genial el gag en que los servicios sociales intervienen porque una madre se atreve a vestir a su hijo de rosa), los abusos sexuales, la supeditación a la familia, todo es presentado con muchos recursos, sacando todo el partido a estas tres grandes actrices que van alternando el protagonismo en los diferentes momentos de la obra, todo ello acompañado del magnífico pianista que ejerce también de discreto comparsa, y con unos textos que aunan con sutileza irónica el desenfado en la forma con la contundencia en el mensaje.

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La obra estará hasta el 13 de abril en El Maldà y desde aquí os animamos a que vayáis a verla en estos últimos días, no os defraudará.

PROS DE LA OBRA:  Los amenos números musicales, la gran interpretación y la profundidad y claridad de los textos.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien no guste de los cabarets o los musicales o quien no comparta el mensaje feminista directo y sincero.

Ignasi y Laura.

Web de El Maldà – Información sobre “Akelarre”

Os dejamos un trailer a la rueda de prensa de la presentación de la obra:

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Mutis – El Festival de Teatro Independiente de Barcelona celebra su décima edición (II).

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Continuamos con nuestra crónica sobre el X Mutis, Festival de Teatro Independiente de Barcelona. Ayer fue un día intenso, con el inicio de las II Jornadas de Investigación en Teatro Independiente, que continuarán hasta mañana 22 de marzo en el Institut del Teatre de Barcelona. Pudimos comprobar en La Vilella (una de las múltiples sedes del festival) cómo “No sólo Yerma” de la compañía Tranpola había agotado entradas. Esta versión del clásico de Federico García Lorca realizada por Naiara Herrero (dramaturgia, dirección, escenografía, iluminación, sonido y vestuario), con un reparto que brilla tanto en la actuación como en todo el trabajo de movimiento, hace un giro argumental en cuanto al personaje principal, Yerma (fabulosa Jessica Hernández). La obsesión enfermiza debida a la no maternidad se traslada de Yerma a su entorno, de manera que ella recibe una presión desmesurada (muy bien expresada a través de la danza) por parte de las personas que la rodean.

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“No sólo Yerma” de cia. Tranpola en La Vilella (Festival Mutis) – Foto de Laura Clemente Vives

Esta tarde se podrá ver, en la Sección Emergente:

  • 10 minutos” de Valeria Pisati, con la compañía Les Gràcies, en Cafè-Teatre Llantiol a las 19h. Una historia de violencia de género y discriminación a través de una pareja que ha perdido un hijo… Pisati y Les Gràcies también tienen otro proyecto, el espectáculo de microteatro “Rojo casi negro” que se pudo ver en Sala Melmac el pasado 16 de marzo en el marco del festival.
  • Tattoos and body transformation“, basada en textos de Neus Marmol, con la cia. Samurai. Lena parece una mujer afortunada, pero tras un encuentro fortuito, se da cuenta de su vacío existencial. En Centre Cívic Drassanes a las 20.30.

Y en la Sección Independiente:

  • Conxorxa” de Guido dei Mattiolli, con la compañía Magma 2011, en Centre Cívic Can Verdaguer a las 19h. Sobre el derecho a vivir dignamente.
  • Gente nocturna” de Misael Sanroque, con Cia. La Meridiana, en Cafè-Teatre Llantiol a las 21.30. Un homenaje a los cafés-refugio, como en los cuadros de Edward Hopper, los relatos de Raymond Carver o la novela “After dark” de Haruki Murakami. Max ha perdido la inspiración para escribir; una noche entra en el café una mujer, Cora, que tuvo una relación con él…

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Nos reencontramos en breve para seguir con nuestro reportaje sobre el Festival Mutis.

Laura Clemente.

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“Arma de construcción masiva”: La mirada sobre la educación.

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José y sus hermanas es un colectivo de creadores que nos dejó anonadados con su ópera prima, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos“, ganadora de los Premios de la Crítica 2017 al Espectáculo revelación y el de la Crítica joven (la podréis ver el 28 de marzo en el Centre Cívic Casinet d’Hostafrancs, el 5 de abril en el Centre Cívic Tomasa Cuevas de Barcelona, en el marco del ciclo Barcelona Districte Cultural y del 5 al 16 de junio en el Teatro Español de Madrid).

Ahora, regresan para continuar con su proyecto sobre la memoria histórica y la revisión del pasado y el presente con la obra “Arma de construcción masiva“. En este caso invitan al espectador a poner la mirada sobre la educación, revisitar el pasado de cada uno y observar el presente con espíritu crítico, activo.

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Los intérpretes (Francesc Cuéllar, Glòria Ribera, Alejandro Curiel, Marta Díez, Carolina Manero, Gemma Polo), que también son creadores del colectivo, nos van explicando historias semiautobiográficas sobre sus familias, su historia y su educación (entretejidas con gran maestría por la dramaturga y directora Silvia Ferrando)… cada uno de ellos con orígenes y sentires diversos, ejerciendo una gran labor de memoria histórica, mostrándonos sus agudas y contundentes reflexiones sobre nuestras herencias educativas y familiares, retrocediendo hasta la II República, período floreciente en que la enseñanza dio un gran paso adelante… para retroceder durante el franquismo, donde un mueble como la silla se convirtió en un elemento relevante.

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Como siempre, José y sus hermanas consiguen ir más allá, creando pensamiento en sus obras y dejando al público sumido en la reflexión tras recibir su onda expansiva.

PROS DE LA OBRA: Todos. La obra continua con la excelente calidad y originalidad de la anterior. Habían dejado el listón muy alto y siguen al mismo nivel, trascendiendo, sembrando, dejando huella en el espectador. Teatro necesario, imprescindible.

CONTRAS DE LA OBRA: Ninguno. Sinceramente, ninguno.

“Arma de construcción masiva” estará representándose hasta el domingo 17 de marzo en el Teatre Tantarantana de Barcelona.

Laura Clemente.

Web de José y sus hermanas

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Arma de construcción masiva”

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“La Dona Pantera”: A través del alter ego femenino de Don Joan.

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Projecte Ingenu es una compañía de teatro que suele hacer versiones brillantes de los clásicos (ver nuestras entradas sobre “Romeu i Julieta“, “Yerma” e “inFAUST“). En esta ocasión, ha elegido el texto de “Teatre de Don Joan”, de Josep Palau i Fabre, para crear su nuevo espectáculo, en el que se da relevancia a la mujer, Joana, “La Dona Pantera”, el alter ego de Joan.

Joana es una mujer libre como Joan, seductora, que va pasando por sus conquistas sin que hagan mella en su ser, sin remordimientos, como Joan. Joan acude a la consulta de un psicoanalista para sanar su enfermedad, pero toda persona que encuentra por el camino sigue sucumbiendo a sus encantos. Joana es vista como un ser problemático y es conducida a un tribunal. Porque Joana es mujer, y Joan es hombre…

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Los actores que forman parte de la compañía participan de una forma muy activa en el desarrollo de la obra, bajo la dirección del talentoso dramaturgo y director Marc Chornet Artells. Pueden comenzar por un camino y terminar por otro muy diferente. En el caso de “Vaig ser Pròsper o tot esperant la tempesta”, inspirado en “La tempestad” de William Shakespeare, decidieron suprimir el texto. Posteriormente, en “inFaust” y en la obra que nos ocupa, “La Dona Pantera”, el texto se fragmenta y se manipula a voluntad de la historia que se quiere mostrar, como si se tratara de un cuadro abstracto. El medio audiovisual tiene relevancia, y las imágenes projectadas pueden proceder de otro espacio que no es el escenario en sí: por ejemplo, el camerino, donde dialogan los actores y hacen bromas entre ellos, o el lugar donde se encuentran las juezas, o pueden corresponder al propio espacio escénico aumentado o distorsionado.

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PROS DE LA OBRA: La originalidad de la propuesta y el alto grado de experimentación de Projecte Ingenu al completo con Marc Chornet a la dirección, que exploran nuevos lenguajes, nuevas formas escénicas, y nos fascinan. Las interpretaciones de Roser Tapias (Joana) y Xavier Torra (Joan) y el precioso trabajo de Laura Clos en el diseño de espacio, Alfonso Ferri en el asesoramiento de vídeo y proyecciones, Gerard Marsal en la música y David Ruano en la fotografía.

CONTRAS DE LA OBRA: Justamente lo primero que hemos comentado en sus pros puede convertirse en contra para cierto público que no busque innovación, experimentacion o nuevos retos. Pero en general, el espectador que se acerca a un trabajo de Projecte Ingenu sabe cómo trabaja la compañía.

“La Dona Pantera” estará representándose en la sala Escenari Joan Brossa de Barcelona hasta el domingo 10 de marzo.

Laura Clemente.

Web de Escenari Joan Brossa – Información sobre “La Dona Pantera”

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“Estima’m que tinc pressa”: Cómo reavivar la pasión.

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Hemos asistido al reestreno de la deliciosa obra “Estima’m que tinc pressa“, de la compañía Xucrut Teatre (formada per Albert Requena y Ainhoa Roca), que ha contado con la dirección de Montse Bonet (que también se encuentra dirigiendo otro espectáculo durante estos días, “Deliri a dos” de Eugène Ionesco en el Teatre Akadèmia) en la sala La Badabadoc del barrio de Gràcia de Barcelona.

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Xucrut Teatre es una compañía de teatro de creación propia. Albert y Ainhoa se basan en vivencias, experiencias personales y/o próximas para elaborar los textos. El resultado es como un fresco de la realidad, muy cercano al espectador, que podrá comparar lo visto con su propia vida, encontrando vínculos y espacios para la reflexión.

“Estima’m que tinc pressa” trata sobre una pareja que lleva años conviviendo y que llega a un punto de inflexión en el que se se tiene que replantear la relación para reavivar la llama.

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Ese proceso de reencontrarse, de evolucionar juntos, no es fácil, y el público acompañará a la pareja protagonista, junto con la cantante, actriz y música británica Fraggle, a través de ese viaje íntimo. La pieza resulta muy interesante desde el punto de vista sociológico y psicológico.

“Estima’m que tinc pressa” parte del trabajo de campo que la compañía inició en 2015 y que se estrenó en 2016. Se mostró por primera vez en la Nau Iwanow de Barcelona en abril de 2016.

PROS DE LA OBRA: Nos ha gustado mucho el planteamiento de las redes sociales como alternativa desde un enfoque objetivo, sin la crítica que se suele aplicar a esta forma de conocer gente, y el movimiento que hace fluir las escenas y la transición entre ellas, que también escenifica el deseo, cuya llama hay que alimentar para que no se apague. El encanto y buen hacer de los tres intérpretes (la pareja protagonista y Fraggle) y la delicada dirección de Montse Bonet y el trabajo de Natàlia Ramos en el diseño de iluminación y de Lluís Serra como técnico de luces y sonido, dan como resultado una obra muy cálida y mágica.

CONTRAS DE LA OBRA: Ninguno. Sólo pedimos que se vuelva a programar…

“Estima’m que tinc pressa” se está representando en La Badabacoc hasta el 3 de febrero. En breve os volveremos a hablar de Xucrut Teatre.

Laura Clemente.

Web de La Badabadoc – informació sobre “Estima’m que tinc pressa”

Web de Xucrut Teatre

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“inFAUST”: Impacto visual en el Akadèmia.

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La tragedia eterna de Fausto, aquel personaje arquetípico tan insatisfecho con su vida y sediento de sabiduría y poder, a quien ni el diablo pudo satisfacer -plasmado por el genio de Goethe que lo convirtió en el clásico por excelencia de las letras alemanas-, nos es presentado -en coproducción con el Teatre Akadèmia– por la siempre interesante compañía Projecte Ingenu (Yerma, Romeo i Julieta, La tempesta), de la que ya nos esperábamos un espectáculo de calidad.

La adaptación de Anna Maria Ricart que toma para esta versión algunas de las escenas más memorables de las dos partes del Fausto de Goethe nos ha parecido muy acertada y fluída, bien hilvanada y con el mérito de haber resumido lo esencial de una obra tan monumental.  Si a ello se aúna  la maestría habitual de Marc Chornet, el director de la obra, el resultado debía ser bueno.

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Lo más destacable de esta versión es su audacia visual (Alfonso Ferri en el diseño de proyecciones), que huye del clasicismo para adentrarse en interesantes juegos escénicos y de luz (Laura Clos y David Bofarull), sonoros (Pol Queralt) y de vestuario (Marta Rafa), que logran darle a la obra un aire preciosista y poco convencional. El melancólico Fausto (Toni Guillemat) de la primera escena, un Fausto envejecido y desesperado, seducido por un Mefistofeles interpretado por una actriz  (Neus Pàmies), que capta perfectamente la esencia más traviesa  que maligna  de ese diablo creado por Goethe, da paso a un Fausto más determinado que acepta los retos que le pone el diablo, al que incluso acaba apremiando. El aprendizaje de Fausto en la lucha contra el hermano de la chica a quien el diablo ayuda a seducir, ante el Emperador (Cristina Arenas)  a quien Mefistófeles  ayuda con sus problemas económicos, todo es una maravillosa e intimista alegoría de la ambición humana y de la voluntad de poder, de la seducción y del dominio.

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PROS DE LA OBRA: Sin duda alguna, el planteamiento visual de la obra que actualiza de modo magistral el mito de Fausto, así como la gran interpretación de Toni Guillemat, Neus Pàmies, Martí Salvat (muy divertido en sus diversos papeles; uno de ellos recuerda al conejo de “Alicia en el País de las Maravillas”) y Roser Tapias (Margarita y otros personajes).

Argumentalmente, nos ha llamado mucho la atención el efecto bucle en los diálogos, como si se fuera adelante y atrás en el tiempo. Aquí hemos encontrado otra referencia de la Alicia de Lewis Carroll.

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Destacamos también la deliciosa música a cargo de Neus Pàmies, el original vestuario de Marta Rafa, la impactante fotografía de David Ruano, el efecto futurista de OMEN en vídeo y en definitiva, el excelente trabajo del equipo artístico al completo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de planteamientos más clasicistas.

La obra estará en el Akadèmia hasta el 25 de noviembre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “inFAUST”

Adjuntamos el podcast de ivoox correspondiente a la entrevista a los actores Roser Tapias y Martí Salvat, de la compañía Projecte Ingenu:

Podcast del programa Ona Cultural de 3 de noviembre – entrevista a Roser Tapias y Martí Salvat de Projecte Ingenu

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“Nosotros no nos mataremos con pistolas”: El valor de la amistad.

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Anoche pudimos ver en el Teatre Tantarantana de Barcelona esta tragicomedia de la compañía Wichita Co – Tabula Rasa, con texto y dirección de Víctor Sánchez Rodríguez e interpretada por Román Méndez de Hevia, Laura Romero, Lara Salvador, Bruno Tamarit y Silvia Valero, ganadora en los Premios Max 2016 a la mejor autoría revelación, tres Premios AAPV a las mejores interpretaciones femenina (Silvia Valero), masculina (Bruno Tamarit) de teatro, y Crisálide a la actriz revelación (Lara Salvador) y el premio del público en Escènia 2015 XIII Mostra de Teatre Novell.

Ante tanto reconocimiento y la gran acogida que ha tenido este espectáculo tanto por el público como por la crítica, nuestras expectativas eran grandes. Estábamos un poco extrañados con la duración de la obra, más común en el teatro clásico (2 horas), pero el resultado ha sido más que sorprendente. Estamos ante una auténtica joya teatral.

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Es el día de la Verge del Carme en un pueblo de Valencia. Blanca está preparando una fiesta en la casa del pueblo de la primera. Su amiga Marina, la primera invitada, está embarazada. Blanca lleva un delantal sobre su precioso vestido. Las dos rondan la treintena… una parece muy contenta y la otra acongojada. Están esperando al resto de invitados, sus amigos Elena, Miguel y Sigfrido. Todos guardan secretos a sus espaldas y han vivido un hecho trágico en común. Hoy hace justo 5 años de aquello…

Este reencuentro en un punto crítico como es el cambio de decenio y el paso a la madurez, provocará una tormenta entre los cinco amigos. El brillante texto de Víctor Sánchez Rodríguez está lleno de ingenio, humor corrosivo y festivo, realismo y clarividencia. El público disfruta y se conmueve. Los actores hacen un trabajo excelente, y con el resto del equipo artístico (nos han gustado mucho el espacio escénico de Jennifer Pérez y Wichita Co, la iluminación de Ximo Rojo, la música de Jorge Pérez “Tórtel” y el espacio sonoro de Teresa Juan) se consigue un resultado redondo, en ocasiones cinematográfico al modo almodovariano.

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PROS DE LA OBRA: Estamos ante un espectáculo de envergardura que nos ha dejado en éxtasis. Los 120 minutos de la pieza pasan volando. Teatro que trasciende.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para aquéllos que busquen el mero entretenimiento.

En definitiva, recomendamos a todos los amantes del teatro que no se la pierdan. “Nosotros no nos mataremos con pistolas” estará en cartel en el Tantarantana sólo hasta el domingo 7 de octubre.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Nosotros no nos mataremos con pistolas”

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“Josefina la gallina, puso un huevo en la cocina”: Dar la vuelta al abuso.

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De la mano de la compañía mexicana Vaca 35 nos llega este entrañable monólogo que hemos presenciado en la Sala Atrium, protagonizado por José Rafael Flores, con dirección de Diana Magallón y con el acompañamiento del acordeón nostálgico de un magnífico Alberto Rosas.

La interpetación de Flores nos ha parecido tan sentida y entrañable, tan intensa y delicada,  que no dudamos que es cierta la historia que nos cuenta el monólogo.  A partir de una burla homófoba que sufrió el protagonista en los años de escuela,  se construye una historia tierna, cercana, donde la metáfora de la gallina subraya la fragilidad de quien se ve zarandeado por los sucesivos agresores que se encuentra en la vida, como las mujeres de Ciudad Juarez.

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La obra  es un homenaje al propio México, esa tierra de frontera entre dos mundos donde Estados Unidos exporta armas para el narco e importa migrantes en un auténtico circulo infernal de consecuencias catastróficas. Y en medio de tanta violencia, emerge una sensibilidad especial, como la de la representación, el contrapunto humano,  tierno y cuidadoso a lo macabro,  abusivo e hiriente.  Tan sensible es el protagonista que habla con cariño de los huevos que ha puesto, que conserva y nombra, como si fueran nietecitos de una abuela que se desvive por ellos.

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Y en ese trasfondo torturado de Ciudad Juarez surge sin embargo una historia de amor, que se nos hace evidente con un guiño en el escenario apenas disimulado de éste Flores a aquellas rosas.    Pocas obras nos muestran con tanta plasticidad la dicotomía entre lo humano, el histrionismo amable de un fortachón haciendo la gallina en el escenario y que cuida de sus huevecillos, y el dolor profundo del que la violencia contra gays y mujeres no es sino el reflejo. El protagonista despliega una frenética actividad en el escenario, cacarea, canta a dúo con el músico, se desnuda en parte, se pinta, se embadurna, acaba cansado pero feliz de haberse dado al público, de haberle hecho partícipe , por un rato, de su parte más íntima.

La obra se representa en la Sala Atrium hasta el 1 de julio.

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PROS DE LA OBRA: Muy recomendable para los amantes de los monólogos y de la temática gay.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien huya de lo tierno e intimista así como de lo histriónico.

Ignasi y Laura.

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