Archivo mensual: febrero 2016

“Achicorias”: Flores del dolor.

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Hemos podido asistir a la representación de “Achicorias” del dramaturgo catalán Carlos Be (os hemos hablado sobre él, sus obras y su compañía en diversas ocasiones, como en el caso de “Peceras”), una obra estrenada por The Zombie Company (dirigida por el propio autor) en L’Obrador de la Sala Beckett de Barcelona en 2008, publicada en la revista de teatro La Ratonera en el mismo año (número 23) y que ahora, dirigida por Helena Tornero, se puede ver en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana de Barcelona hasta el domingo 28 de febrero.

Valentín, hijo de una mujer maltratada a la que adoraba, nos cuenta su historia. Cómo acompañaba a su padre a hoteles baratos, cómo cuando faltó su madre el se trasvistió con su ropa siendo muy joven y comenzó a visitar aquellos antros para subsistir y comenzar a sufrir el desprecio de los hombres con los que se encontraba… El monólogo de Valentín es una gran pieza teatral en sí misma, que se engrandece todavía más con el buen hacer de Paco Aldeguer.

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Clara es una mujer atractiva e independiente que se siente sola. Un día, sale por la noche y conoce a un hombre que va muy directo… ella se deja llevar y se sube a su coche… con consecuencias nefastas.

Kitty se siente cada vez más cansada; tiene a sus hijos lejos y se dedica al stripteasse barato. Su novio-chulo es un explotador, pero ella sigue con él como si esa terrible vida que lleva fuera la única que se pudiera permitir (gran interpretación de Gemma Charines).

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Valentín, Clara y Kitty… tres achicorias (flores que nacen en los bordes de los caminos, flores del dolor), víctimas de la violencia de género, que utilizan la cosmética para ocultar sus profundas heridas. “Achicorias” es un texto breve, muy realista y contundente que se puede considerar obra maestra, como otros tantos de Carlos Be (“La extraordinaria muerte de Ulrike M” que fuePremio Casa de América – Festival de Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora 2005, “Llueven vacas”, “La caja Pilcik ” que recibió el Premio Serantes de Teatro 2008,  “Peceras”, etc.). Nos ha gustado la dirección de Helena Tornero, con unos actores fantásticos (de Cia. La Cósmica), que hacen más llevadera la dureza de todo lo que el espectador va viendo y sintiendo.

En definitiva, una obra absolutamente recomendable.

Laura.

 

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana/Información sobre “Achicorias”

Blog de Carlos Be

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“Fusells”: Alegato contra la neutralidad.

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Hemos disfrutado en el Almeria Teatre con “Fusells“, dirigida por Daniel J. Meyer a partir del texto de Bertolt BrechtDie Gewehre der Frau Carrar”. 

Nos encontramos con una obra del llamado teatro épico propia de una época en que el teatro se concebía como parte del activismo,  en que se trataba de mover al espectador a posicionarse, a ir más allá que el mero divertimento para entrar de lleno en la política.

Suena de fondo, como una cruel letanía, la atiplada pero no por ello menos escalofriante voz de uno de los generales conjurados para acabar con la República,  Queipo de Llano, que radiaba amenazante desde Unión Radio Sevilla para amedrentar a quienes querían plantar cara al golpe.

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A un lado del escenario, el azul oscuro del mar, tamizado por redes de pescador, apuntando al lugar donde el hermano de Teresa Carrar, Joan, ha partido a pescar en la inoportuna noche en que las tropas autodenominadas “nacionales” se abatían sobre Málaga. Ha sido Teresa quien le ha empujado a ello, para mantener una apariencia de normalidad que es sólo una máscara, metáfora y epígono de la obra.

El otro hermano Josep (Quim Àvila), arde en deseos de plantar cara a los sublevados, tras haber perdido al padre en la batalla. Pero Teresa (Cristina Arenas), que aun llora al padre desaparecido, se resiste; aunque el pueblo los señala como desertores, ella teme más a la muerte que a los fascistas, y trata que los hermanos se dediquen a pescar y hagan como que no oyen la sacudida que conmociona el país.

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La fugaz llegada del primo Pedro (magnético Jaume Madaula), que lucha con fervor en el frente, en busca de los fusiles dejados por el padre, trastoca los planes de impostada neutralidad de Teresa. ¿Cómo se puede ser neutral cuando caen las bombas y las noticias de las matanzas se extienden por doquier?  Y es aquí, en esta tesis que como elemento dialéctico despliega Brecht, como el eterno retorno de la historia nos interpela sin misericordia. La no intervención pactada por las potencias occidentales en la Guerra Civil que supuso, por último, la claudicación de una República militarmente débil, ¿es muy difernte a la situación en Siria, en Ucrania y antes en Bosnia Herzegovina? ¿Las democracias deben girar la cabeza ante los atropellos de dictadores de toda ralea?

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Brecht lo tenía claro, sabía quienes eran los buenos y los malos,  no como el untuoso capellán (genial como siempre Jordi Llovet) que piadosamente cierra los ojos ante la crueldad de los conjurados. Como Pío XII los cerró ante los nazis.

Nos ha gustado la obra, soberbiamente interpretada por los protagonistas (enormes Cristina Arenas, Quim Àvila y Georgina Latre -que interpreta a dos personajes: a la compañera de escuela de Joan y a la Sra. Pérez, vecina de los Carrar-), así como el aire inequívocamente amargo de la obra. Aunque Brecht la escribió en 1937, todo en ella apunta a la larga noche que se avecinaba en Europa, a los años negros donde la barbarie se impuso a la humanidad y se llevó por delante a toda una generación de luchadores que, como Brecht, acabarían exiliados.

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El resto del equipo ha realizado un excelente trabajo: Anna Serrano como ayudante de dirección y realizadora del trailer promocional, el espacio y vestuario de Alba MacfarlaneNatalia Ramos en la iluminación, la producción de la compañía Descartable Teatre (de la que forman parte los intérpretes y que está en residencia en la Nau Ivanow), la producción ejecutiva de Cristina Ferrer y Laia Pallejà como ayudante de producción, el diseño gráfico, vídeo y sonido de Cooperativa FAR y Ester Cánovas como responsable de comunicación.

La obra estará en el Almeria Teatre de Barcelona hasta el 13 de marzo.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Almeria Teatre/Información sobre “Fusells”

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“The revenant” (El renacido): Una historia de supervivencia.

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Si en “Gangs of new York” vimos a Leonardo DiCaprio como protagonista de una historia que se ocupaba de los inicios de la gran ciudad, en esta ocasión cruza el país aunque no cambia de época, y aparece  caracterizado del audaz trampero Hugh Glass, que existió en la vida real, a finales del siglo XVIII,  y paradójicamente acabó sus días a manos de los indios arikara. La película se basa en la novela homónima sobre la vida del explorador escrita por  Michael Punke (escritor, profesor, asesor político, abogado y experto en asuntos exteriores del gobierno estadounidense).

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Nos situamos en los años de la conquista del Oeste; en concreto, de la parte noroeste de Estados Unidos, en las lejanas montañas de Dakota y Montana.  La expedición del capitán Andrew Henry  (interpretado por el actor irlandés Domhnall Gleeson a quien hemos visto hace poco en otro papel militar, el del avieso general Hux en el último episodio de “Star Wars”), es interceptada y diezmada por los arikara lejos de la base de Fort Kiowa, último lugar habitado antes de los bosques.

El agónico intento de regreso al fuerte es narrado con maestría por el genial Alejandro González Iñárritu, (director de películas tan dispares como “Amores perros” o “Birdman“).  No adelantaremos argumento, pero la resistencia frente a una naturaleza despiadada es también en la película una lucha contra la traición y el egoismo (brillante actuación de Tom Hardy en su papel de Fitgerald).

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Si algo hemos de destacar de la cinta es la sobrecogedora y majestuosa grandiosidad de la naturaleza en ella representada (excelente fotografía de Emmanuel Lubezki): magníficas localizaciones, incluso en la Tierra del Fuego argentina, que nos trasladan a ese escenario mítico de los primeros colonos y de su lucha frente a los que -con más razón de la que da a entender el sentido casi peyorativo de la expresión-, son llamados “native americans”, a quienes se les disputa el territorio, como a los franceses (que, dicho sea de paso, no son pintados de modo muy amable). También resaltamos la original e imponente banda sonora firmada por los prestigiosos Ryuychi Sakamoto y Alva Noto.

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La muy comentada escena de la lucha con el oso Grizzly es de un asombroso realismo, igual que el tormento  y venganza de Glass.  La gran versatilidad de DiCaprio da otra lección de buen hacer interpretativo.  Una impecable película de aventuras sin más pretensión que entretener un buen rato pero que exprime sus armas con oficio y delicadeza.

“The Revenant” ha sido premiada con tres Globos de Oro (mejor director, mejor película y mejor actor), tres Óscar (mejor director, mejor actor y mejor fotografía), cinco premios BAFTA (mejor director, mejor película, mejor actor, mejor fotografía y mejor sonido), el premio del Sindicato de Actores a Leonardo DiCaprio y dos premios Critics’ Choice Movie Awards (mejor actor y mejor fotografía).

Ignasi y Laura.

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“Huis Clos” (“A porta tancada”): Descenso a los infiernos.

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Debemos a dos autores franceses las frases más acertadas que se han dicho sobre el mal: para Baudelaire, la mayor astucia del diablo consiste en hacernos creer que no existe, y para Sartre, el infierno son los otros; el mal es, en definitiva,  la capacidad de actuar sin tener en cuenta a los demás, y los protagonistas de la obra afrontan un maquiavélico castigo por sus maldades en la tierra.

Garcin, Inès y Stelle tienen, en efecto,  algo en común. Se encuentran en un salón muy peculiar, donde tendrán que compartir sus días (o su eternidad) sin ninguna intimidad…  la convivencia va a ser difícil, pues ellos no son precisamente ángeles, si no más bien lo contrario.

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Les unen muchas más cosas de las que ellos creen al principio. Sobre todo, su forma de amar, de una manera posesiva y venenosa, que hace sufrir infinitamente a quien cae en sus redes… todo lo contrario a como Jean Paul Sartre, autor de “Huis Clos” (“A porta tancada”, traducida por el gran Manuel de Pedrolo) se planteaba el amor.

Como se encarga de anunciar una muy peculiar mayordoma -genial y exhuberante Kathy Sey, en un papel ambiguo, que lo mismo aparece de coqueta azafata como de salvaje africana-, el castigo no va a consistir en ollas, grilletes, hogueras… los protagonistas no tardan en descubrir que su pena será mucho más sutil, consistirá simplemente en la capacidad de ver, como en una película lejana y acelerada, las vidas de quienes dejaron atrás y en confrontarse con la mirada despiadada de sus, tan perversos como ellos, acompañantes.

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Una cuidada iluminación a cargo de Raimon Rius, que envuelve el escenario con una tenue luz rojiza que evoca al mismo tiempo el infierno y las torturadas almas de los prisioneros, y un escenario de Ricard Prat i Coll, con un mobiliario fin de siècle que lo mismo evoca a una decadente vivienda burguesa o a un burdel, conforman acertadamente una atmósfera espesa, opresiva, en que los actores desgranan egocéntricamente sus bajezas en vida.  Vileza, cobardía, crueldad, egoismo, son, para Sartre, decisiones y maldades conscientes que se clavan como cuchillos en los demás, y de ahí la conocida frase que comentábamos antes y que cierra la representación.

Y como los protagonistas son malos, ni siquiera el verse reducidos al estatus de prisioneros de un difuso hotel-mazmorra les lleva a intentar encarar el castigo con algo de dignidad. No. Se enzarzan, como en vida, en una pegajosa e insana relación a tres bandas, con Garcin (poliédrico Xavier Ripoll) y Estelle (encantadora Mireia Trias) en desatada lujuria, y con Inès (gran Patricia Mendoza), presa de retorcidos ataques de celos, intentando interponerse. Ni en el infierno, con todo ya perdido, dejan de comportarse de forma baja e inmoral.

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Jean-Paul Sartre

Es una obra de un pesimismo intimista, sin la grandilocuencia del teatro clásico pero que penetra en las podridas almas de sus protagonistas aguda y certeramente dejando al espectador con una sensación incómoda, ya que la obra, sin lugar a dudas, le ha encarado con sus propias miserias, flaquezas y pequeños egoismos cotidianos.

La obra, dirigida por Jordi Prat i Coll, estará en la Sala Atrium hasta el 28 de febrero. Con este espectáculo, la sala ha celebrado su 5º aniversario (justamente se inauguró con esta obra, dirigida en aquella ocasión por Raimon Molins y con Patricia Mendoza en el papel de Estelle).

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Sala Atrium/Información sobre “Huis Clos”-“A porta tancada”

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“Otello”: Un Verdi frío en el Liceu.

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Ya tenía decidido retirarse del todo cuando le llegó a las manos al Maestro Verdi el libretto de “Otello”. Ya mayor, rico y con una fama impoluta, a Giuseppe Verdi (Le Roncole, 1813- Milan, 1901) sólo le interesaban los temas shakespearianos. Arrigo Boito, su libretista al uso, le convenció para musicar Otello, la tremenda historia que mezclaba celos, amor, violencia de género y tragedia. Los Verdis tardíos, las obras de madurez del compositor, exigen en voz , orquesta y coros más que sus obras más populares como “La Traviata” o “Rigoletto“.

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Lo visto en el Gran Teatre del Liceu el pasado día 1 de febrero desde el segundo piso, lugar donde reside mi abono, dejó algo frios a los presentes, aunque cabe decir que el teatro estaba lleno. José Cura venía con el encargo de substituir al primer titular, Aleksandrs Antonenko (Alexander Antonenko), quien misteriosamente canceló su participación en las funciones del Liceu. Y cabe decir que lo hizo con elegancia y soltura. Su papel de Otello, muy convicente, fue de lo mejor. La soprano Ermonela Jaho también fue un segundo plato ya que era Carmen Giannattassio la encargada inicial de hacerse con el papel de Desdemona. Y aquí flaqueó. “Ave Maria”, la más popular y emotiva aria de la obra, al final del último acto, no brilló. Y su papel no pasó de ser modesto. El coro sigue sin destacar. Ofrece una sonoridad correcta pero Jose Luis Basso ya nos demostró que el coro puede hacer más. Philippe Auguin se hizo cargo de una muy buena dirección musical. Nada de comerse notas y respetar los tiempos originales de la partitura. La orquesta sigue creciendo aunque demanda más tiempo.

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No obstante, mantuvo el nivel en este “Otello”. Capítulo final para la deprimente y facilona dramaturgia de Andreas Kriegenburg. Fallida puesta en escena. Ambientada en un campo de refugiados, la escena era absolutamente ajena al contenido del libreto. Y es que las buenas intenciones pueden estar reñidas con las exigencias musicales. Siguen sin deslumbrar los Verdis en el Liceu esta temporada. Nota final : aprobado.

Jordi Martínez.

Para más información clica abajo:

Web del Liceu /Información sobre “Otello” de Giuseppe Verdi

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“Danny & Roberta”: Almas a la deriva.

 

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Dos personas que se sienten rechazadas socialmente se encuentran en un bar del neoyorkino Bronx. Un Bronx que les envuelve y les transporta anímicamente. El uno, Danny, camionero, tendente a la violencia como forma de expresarse, se siente incapaz de mostrar ninguna emoción delicada o tierna. La otra, Roberta, perseguida por un desagradable recuerdo que tiene que ver con su padre, se siente siempre amenazada ante la presencia de un hombre y, en consecuencia, actúa a la defensiva cuando intenta comunicarse con uno. Con todo, sus miedos empiezan a diluirse a medida que avanza la conversación. La posibilidad de una relación sincera y auténtica entre ellos empieza a emerger. ¿Será posible que fructifique?

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Este es el más que prometedor punto de partida argumental de “Danny & Roberta”, obra que se está representando actualmente en el Versus Teatre de Barcelona, con el apoyo de la escuela de interpretación/compañía teatral La Casona, y que ha contado en la dirección con el que fue uno de sus fundadores, el desafortunadamente desaparecido recientemente Fernando Grifell en el que ha sido su último trabajo, mientras que en el apartado interpretativo nos encontramos con dos estupendos actores como son Sara Parisi y Albert Franch.

“Danny & Roberta” es una obra escrita por el prestigioso John Patrick Shanley, autor neoyorkino (de hecho, nacido en el Bronx) responsable no solamente de una larga lista de títulos teatrales, sino también de diversos guiones de cine. En esta ocasión, la obra que podemos ver en el Versus está traducida por uno de los dos actores en escena, Albert Franch.

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Nos parece una de los espectáculos teatrales más interesantes que se podrán disfrutar en la actual temporada escénica de Barcelona, motivo por el cual hemos querido, sin más, recomendarlo desde nuestro espacio. Se puede ver solamente hasta el próximo domingo 14 de febrero. ¡No os lo perdáis!

Ricard.

Para más información clica abajo:

Web del Versus Teatre/Información sobre “Danny & Roberta”

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Fred Wesley en el Jamboree: Gran fiesta de soul y hard bop.

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Fred Wesley (1943), famoso trombonista, compositor, arreglista y productor musical estadounidense, visitó la sala Jamboree de Barcelona hace unos días en el marco del Ciclo Hammond 5J.

Este artista comenzó a tocar el piano con 3 años y siendo muy joven, antes de alistarse en el ejército, colaboró con Ike y Tina Turner. Poco tiempo después, a finales de los sesenta, se unió a la banda de James Brown. De esta época surgieron éxitos como “Say It Loud – I’m Black and I’m Proud”, “Licking Stick”, “Mother Popcorn”, “Doin’ It to Death” o “Papa Don’t Take No Mess” en los que se aprecia claramente la impronta de Wesley. En 1975 abandonó la banda de Brown para unirse a las de George Clinton, Parliament (grabó con ellos el emblemático álbum “Mothership connection“) y Funkadelic. Clinton animaba a sus colaboradores a producir sus propios trabajos, y así surgió “A Blow for Me, a Toot for You” y otros trabajos de The Horny Horns, la sección de viento de Parliament liderada por Fred Wesley, con Maceo Parker, Rick Gardener y Richard “Kush” Griffith. Tras un segundo disco con ellos, se une a la Count Basie Orchestra, se establece como productor y en 1980 graba el célebre disco “House Party“. Continuó su carrera como músico y arreglista, colaborando con Earth, Wind & Fire o Barry White, grabando con George Clinton y Bootsy Collins, hasta que Maceo Parker y él salieron de la influencia de Clinton para grabar “To someone” (1988) para luego publicar discos como “New Friends” (1990), “Be Funky and Amalgamation” (1994) o “Full Circle (Be Bop to Hip Hop)” (1997). Tras muchos años, se unió a los antiguos miembros de la banda de James Brown y formaron JB Horns, que realizaron varias giras, y en 1996 formó su propio grupo, Fred Wesley Group. Todo este recorrido y mucho más queda reflejado en sus memorias “Hit Me, Fred: Recollections of a Sideman” publicadas en 2002.

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En Jamboree, el potente y animado trio de Fred Wesley dio una sesión intensa y animada donde se oyeron temas de Jimmy Smith (“Back at the chiken shak“) y Eddie Harris (“Freedom jazz dance“), entre otros. El concierto empezó con la actuación del organista tocando una pieza, probablemente, de Jimmy Smith, con un virtuosismo y un feeling que enseguida cautivó a los asistentes. Acabado el primer tema se unió el batería y unos minutos después el gran Fred Wesley que, a pesar de a sus dimensiones y de su avanzada edad, dio su recital moviéndose continuamente por el pequeño escenario. Tocando con maestría su trombón, se animó también a cantar dos temas, uno de ellos “House party” de Jimmy Smith. A la postre, en el ultimo tema de la noche invitó a todo el mundo a levantarse y bailar en la sala bajo unas típicas luces de discoteca. Fred Wesley, finalmente, se fue dejando ganas de volver a verlo pronto por estas tierras. La gente, entusiasmada, no paraba de aplaudir a pesar de que Wesley ya había dejado el escenario. El organista y el batería finalizaron el concierto agradeciendo las ovaciones. Lo dicho, un concierto divertido y entrañable de una estrella del soul que, pese a su edad, dejó un regusto de felicidad y una sonrisa en la cara de todos los asistentes al concierto.

Laura Clemente y Jordi García Cruz.

Para más información clica abajo:

Página oficial y blog de Fred Wesley

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