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“El rei Lear”: La peor de las batallas.

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En esta ocasión hemos asistido en el Teatre Lliure de Montjuïc a una de las obras teatrales más representadas de la historia, un espectáculo que nos encara con grandiosidad con la lucha entre bien y mal, entre por un lado el cálculo interesado, ambicioso y egoísta y por el otro, la nobleza, la honestidad y la lealtad: “El rei Lear“.

Como línea divisoria entre el bien y el mal, el mítico rey Lear, encarnado esta vez por una enorme Núria Espert (el haber elegido una actriz para el papel, además de una referencia inversa a la propia tradición shakesperiana, confiere acertadamente al personaje un aire de irrealidad que subraya su locura, a lo que también contribuye el grotesco personaje del bufón, interpretado por Teresa Lozano, que siempre le acompaña). El sueño de la razón produce monstruos, y así sucede cuando el viejo señor decide repartir sus dominios entre sus hijas, concediendo ventaja a quien le confiese más amor, con la esperanza de que su favorita, Cordelia (Andrea Ros) ganará la partida; cuando ésta prefiere la sinceridad a la adulación por la que optan sus hermanas, Goneril (Miriam Iscla) y Regan (Laura Conejero), con el consiguiente destierro de Cordelia, se abren las puertas del descenso a los infiernos en que gradualmente se transforma la obra.

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La maldad se encarna magistralmente en el personaje de Edmund (David Selvas) hijo ilegítimo del entrañable y noble duque de Glouster (Jordi Bosch), en las adúlteras y crueles Goneril y Regan, en el  marido de Regan, el duque de Cornwall (Òscar Rabadán) que tortura salvajemente al duque de Glouster, acusándolo falsamente de alta traición… El bien, por su parte, está encarnado por el hijo legítimo de Glouster, Edgar (soberbio Julio Manrique), encantador cuando se transforma en Tom, el vagabundo, para despistar a los hombres de su hermano; también por el fiel conde de Kent (Ramon Madaula), que para seguir a su viejo señor se disfraza a su vez de buscavidas…, por el duque de Albany (Jordi Collet), que comprende las maniobras de los demás y trata de impedirlas.

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La lucha es desigual y terrible: ya vemos a Regan y Goneril tratar con desprecio al monarca, ya Edmund maquina inmisericorde e hipócritamente para acabar con su hermano, ya asistimos con espanto al martirio de Glouster; pero la crueldad del mal es combatida por el amor, por el cariño con que Edgar trata a Glouster o a Kent y el bufón al rey Lear, o por la forma como Cordelia intenta evitar el desastre. Sobrecogidos asistimos acaso a la escena cumbre de la obra, cuando Edgar finge ayudar a su padre a suicidarse y en realidad lo salva, en una sobrecogedora manifestación de amor paterno filial.

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Lo acertado de la puesta en escena del director Lluís Pasqual es que no cae en absoluto en la declamación: a pesar de la densidad y complejidad del texto los actores transmiten sus sentimientos con sinceridad, manteniendo al espectador con el corazón encogido,  más pendiente de la historia que de la elegancia e ingenio con la que es contada, lo que seguramente es uno de los mayores elogios en lo que a representaciones de textos clásicos se refiere.

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El montaje nos ha encantado por su cuidada escenografía del propio Lluís Pasqual y de Alejandro Andujar (responsable también del vestuario). Los elementos minimalistas que subrayan la atemporalidad de la obra,  huyendo de espacios anecdóticos, como el acertado efecto del humo que asciende lentamente y queda suspendido, tenuemente iluminado, en diversas partes de la obra, el escenario alargado cual si se tratara de la nave central de una iglesia, contribuyen a dotar de contenido dramático a una obra que trata uno de los temas universales que tan bien narraba Shakespeare: la eterna guerra entre depredadores y gacelas, entre quienes no reparan en medios para conseguir sus objetivos, y quienes encaran la vida con sencillez y nobleza. Destacamos también a Eva Fernández en la caracterización y a Roc Mateu en el sonido.

Esta imprescindible obra estará en cartel hasta el 31 de enero.

Actualización: Lluís Pasqual ha recibido el Premio Max (XIX edición) a la Mejor adaptación o versión de obra teatral por “El rei Lear”.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Lliure/Información sobre “El Rey Lear”

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4 mirades / shakespeare&marlowe (I): “Hamlet”, la tragedia eterna.

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Hace algunos días asistimos en la Sala Atrium de Barcelona a la excelente versión del clásico shakespiriano, y acaso la obra más representada de todos los tiempos, “Hamlet”, de William Shakespeare, la tragedia del príncipe danés que ya relatara el historiador del siglo XIII Saxo Grammaticus en sus crónicas de ese reino; pero  Hamlet excede ampliamente esa añeja crónica para adentrarse, con un hondo rigor conceptual,  en un universo onírico,  con deliciosos elementos precursores de lo gótico:  fantasmas, sepultureros y melancólicas ensoñaciones. 

La versión que presenciamos, traducida por Joan Sellent, con dramaturgia y dirección de Raimon Molins y Marc Chornet e interpretada por Alba José, Marc Rius, Xavi Torra, Clara de Ramon, Toni Guillemat, Raimon Molins (que interpreta a Hamlet) y la voz en off de Lluís Marco, y producida por Atrium Produccions y Nau Ivanow, con la colaboración del Ayuntamiento de Tarragona, nos ha encantado por su naturalidad y el dinamismo con el que trata sus densos temas. Completan la ficha artística la escenografía e imagen de Marc Chornet, la asesoría de movimiento de Maria Salarich (muy destacables en la obra, pues son muy innovadoras y originales), el vestuario de Gloria Viguer y el diseño de luces de Justo Gallego.

La obra forma parte de la ruta 4 mirades / shakespeare&marlowe, en la que cuatro salas proponen al público cuatro miradas particulares para descubrir el teatro británico de los siglos  XVI y XVII, mini ciclo en el que también participan el Círcol Maldà, con “Nit de reis”, el  TeatreTantarantana con ‘Eduard II‘ y el Teatre Akadèmia y su “Com us plagui” (“As you like it”).

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Al inicio de la representación, ya sorprende al espectador “Hey Boy Hey Girl” de The Chemical Brothers y los personajes bailan al ritmo frenético de esta famosa canción de los años 90. El público está expectante. Este “Hamlet” no va a ser nada convencional…

El escenario, cuidadosamente diseñado en forma de una tarima alargada de madera con diferentes módulos correderos que se van desplazando para dar lugar a los diferentes espacios de representación, tiene  la virtud de concentrar visualmente la obra, despojándola así de detalles superfluos y permitiendo al espectador  centrarse en los dialógos y en la tensión dramática.

“Hamlet” nos enseña que la aparentemente aséptica maquinaria del Estado esconde en realidad una trama de intereses personales que desmienten de forma rotunda esa supuesta neutralidad. La monarquía absoluta no ejerce así el poder divino que se le suponía, sino el prosaíco poder terrenal, dominado por la voluntad de dominar, de poseer y de decidir.  Quien osa levantarse contra ese poder, quien pretende denunciar sus oscuras y a veces criminales maniobras,  es atacado arteramente, de forma sutil, para que aparezca a ojos de los demás como un pobre diablo demente al que hay que desterrar.

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Eso es lo que hace de Hamlet una obra intemporal, que ha podido representarse a lo largo de los siglos y suscitado idéntico interés; la lucha de quien trata de reparar una injusticia topa contra el muro del poder, que destruye a quien osa levantar su voz, tachándolo de perturbado.

En efecto, Hamlet es el único que adivina lo sucedido para que el rey pudiera casarse con su madre, el terrible crimen que ese matrimonio encierra. Y, cuando empieza a revolverse, a intentar denunciar ese delito, es cuando es tratado de loco y demente primero, después alejado y finalmente, ya sin ambages, tratado de asesinar.

Raimon Molins en su creíble papel de Hamlet proporciona, con sus monólogos llenos de la rabia y desesperación de quien se sabe solo, un excelente hilo conductor para las escenas más elocuentes de la obra: los diálogos con Ofelia,  la escena de la alcoba de Gertrudis, donde Hamlet mata por error a Polonio, la representación de los actores itinerantes ante el rey Claudio (interpretado por un convincente Marc Rius) los sepultureros,  el funeral de Ofelia, el duelo entre Hamlet y Laertes… clásicas piezas magistrales en las que Marc Chornet y Raimon Molins consiguen dotar de dinamismo a una obra de por sí densa; el despotismo del rey, la pusilanimidad de la madre, la nobleza del amigo, todo se nos presenta en rápida sucesión sin dejarnos indiferentes.

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Las implicaciones de la obra, ya sean psicológicas, con ese debatirse del protagonista entre su deseo de venganza y sus obligaciones morales, ya sean políticas (parece ser que Shakespeare se inspiró en relevantes figuras de la época) o filosóficas (el existencialista “ser o no ser” entre otras muchas referencias) son enormes y pueden dar para muchos estudios que exceden de esta modesta reseña.

En resumen, una acertadísima adaptación de esta tragedia eterna que sin duda alguna recomendamos.

Próximamente seguiremos reseñando el resto de las obras de la ruta 4 mirades/ shakespeare&marlowe.

Actualización: “Hamlet” regresa a la Sala Atrium. La obra estará en cartel del 22 de diciembre de 2015 al 3 de enero de 2016 en catalán y del 7 al 17 de enero de 2016 en castellano.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Atrium-Teatre Barcelona/Información sobre Hamlet

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“La Dama de les Camèlies”: Exquisita alegoría burguesa.

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Hemos asistido a la representación de la obra teatral “La Dama de les Camèlies”, en La Seca Espai Brossa de Barcelona, dirigida por el prolífico Hermann Bonnín, que ha sido director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático del Teatro Real de Madrid, y director del Centre Dramàtic de la Generalitat de Catalunya. Igualmente fue galardonado en el año 2003 con el Premi Ciutat de Barcelona en la categoría de  Artes Escénicas. El texto ha sido adaptado por la traductora y experta teatral Sabine Duffrenoy.

En el papel protagonista, la hija del director y de la dramaturga, Nausicaa Bonnín (que ha actuado en multitud de obras teatrales como “La Gaviota” o “El Llibertí”, o en series de TV como “El Cor de la Ciutat”), junto a otros consagrados actores como Albert Prat, Joan Sureda, Toni-Lluís Reyes, Òscar Intente, Laia de Mendoza, Montse Guallar, Pep Jové, Joan Anguera, Anna Gonzalvo y Aida Oset.

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La Dame aux Camélias” es una novela de Alexandre Dumas hijo que se publicó por primera vez en 1848, y fue poco tiempo después adaptada por el mismo autor para su representación teatral, lo que tuvo lugar por primera vez en 1852 en el Théâtre du Vaudeville de París, donde alcanzó gran éxito, como también lo alcanzó la famosa adaptación operística de Giusseppe Verdi, “La Traviata”. Remarcamos que este personaje fue interpretado en diversas ocasiones por la mítica actriz Sara Bernhardt.

La obra narra la historia de amor entre Marguerite, una joven cortesana de la burguesía parisina de finales del siglo XIX y el joven también burgués Armand Duval.

El personaje principal, Marguerite Gautier, está inspirado en la amante del autor, Marie Duplessis, y nos describe a la familiar figura de la cortesana parisina, es decir una mujer que era mantenida por uno o varios amantes, como ha sido magistralmente narrada en numerosas novelas como “Un amour de Swann” de Marcel Proust o “Nana” de Emile Zola.  El término se asocia con demasiada frecuencia con prostituta, aunque eso no transmite exactamente lo que es una cortesana en el sentido decimonónico del término, siendo tal vez una traducción más cuidadosa el término catalán “mantinguda”, que también evoca a una mujer que, como amante de alguien bien situado, no debía preocuparse en exceso por los quehaceres mundanos.

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La obra presenta algunos conflictos típicos de la burguesía de la época, cuyo comportamiento debía cohonestar las necesidades económicas a que obligaba un estilo de vida libérrimo pero carente de los ingentes recursos inmobiliarios de la nobleza de antaño,  con la moral de la época, impregnada de rancio catolicismo.

El propio Dumas, hijo ilegítimo a su vez del homónimo autor de “Los Tres Mosqueteros”, vivió esa contradicción, debiendo soportar burlas de sus compañeros de clase por esa condición y viendo como su progenitor, una vez le reconoció como hijo, le retiró de la compañía de su madre, posibilidad que la legislación de la época reconocía al padre natural.

El personaje de Marguerite es a la vez visto con interesada indulgencia por sus compañeros de francachelas, indulgencia que seguramente tiene mucho que ver con la propia exuberancia moral que exhiben esas amistades, y rechazado por el padre de Armand, que, con obstinada rigidez considera inapropiado que su hijo mantenga una relación extramatrimonial con una conocida libertina. Y esa contradicción  es la que a la postre provocará la tragedia: quien ha sido etiquetada como descarriada por la hipocresía moral de la época no puede tener sentimientos sinceros ni manchar con su sello de perdición la inmaculada genealogía de su amado.

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La obra también puede interpretarse como una reivindicación feminista, tal vez poco novedosa hoy en día pero sí en la época de Dumas, en que la mujer estaba férreamente sujeta al control jurídico del marido, cual si de incapaz se tratase, y en donde una mujer sola y sujeta a las habladurías, fundamentadas o no, era vista con recelo e hipócritamente censurada a pesar de servir de desahogo matrimonial en una época en que tener amante era práctica casi obligada de muchos caballeros.

La adaptación de Sabine Duffrenoy, magistralmente interpretada por Nausicaa Bonnin y los demás actores antes mencionados, bajo la dirección del consagrado Hermann Bonnin, con una minimalista puesta en escena, consigue transmitir al espectador todas esas contradicciones de las que hemos hablado. Nausicaa Bonnin hace muy creíble el papel de Marguerite, haciendo hincapié en su dominio del código social al que estaba sujeta pero irradiando el desengaño de quien se ve condenada a hacer precisamente lo que se espera de ella aunque el corazón le dicte otros designios. Excepcional igualmente Montse Guallar en su papel de burlona y decadente libertina que acompaña hasta el final a su amiga… aunque no por motivos del todo altruistas.

Una interesante reflexión sobre los corsés impuestos por la sociedad a las mujeres, sobre la doble moral, el etiquetaje, y en definitiva sobre los valores y expectativas de una burguesía ávida por imitar a la nobleza del Antiguo Régimen.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Teatre La Seca/Información sobre “La dama de les Camèlies”

Documentación en francés sobre la obra de Alexandre Dumas hijo “La dame aux Camélias”

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“Diagnóstico: Hamlet”: ¿Quién es el enfermo?

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Un psiquiatra entra en la habitación de su nuevo paciente, Max, un joven que no ha superado la muerte de su padre y vive encerrado en un armario, creyéndose Hamlet, el protagonista de la obra de Shakespeare del mismo nombre. Max pide al doctor que le libere de su madre, una antigua corista que habla sin parar y que no tiene en cuenta qué necesita su hijo.

Max tiene tan asimilado el texto de “Hamlet” (el armario está lleno de citas y de dibujos inspirados en la obra, así como también unos esbozos que se encuentran en el suelo), que a través de la terapia y de los personajes que conforman su trastorno de personalidad múltiple, hace que su terapeuta viva y sienta en su piel la historia del príncipe de Dinamarca. Y el público se preguntará: ¿quién es el enfermo?

La Companyia Pelmànec presenta una versión muy original de la obra de Shakespeare, con proyecciones en que podemos ver al padre de Hamlet o a Ofelia haciendo una confesión, y unas marionetas fabulosas que encarnan al mismo Max-Hamlet, a su madre y a Ofelia. El resultado es una pieza muy artesanal que conmueve al espectador.

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La obra, dirigida por María Castillo, está interpretada por Miquel Gallardo (creador también de la dramaturgia, el sonido y la iluminación – ésta última junto con Xavier Muñoz-), que interactúa con las marionetas (construidas por Martí Doy) con gran arte, pues cobran vida de una forma mágica. La escenografía corre a cargo de Xavier Erra, los audiovisuales están realizados por Marco Domenichetti, la fotografía por Marta Vidanes y el vestuario por Rosa Soler.

Otro aspecto a añadir a favor de esta compañía es que presenta sus obras en tres idiomas: en catalán, en castellano y en francés, iniciativa que nos parece muy acertada, pues de esta forma se pueden acercar a un público más amplio.

“Hamlet” estará en cartel en la sala La Vilella de Barcelona (un espacio dedicado a las artes escénicas y a otras propuestas multidisciplinares, regentado por la Cia. Sargantana) hasta el domingo 4 de mayo. Luego la Companyia Pelmànec emprenderá su gira internacional. Les deseamos mucho éxito y esperamos que vuelvan pronto a la escena barcelonesa.

Laura.

Os dejamos con el tráiler de “Diagnóstico Hamlet”:

Para más información clica abajo:

Web de La Vilella Teatre

Blog de Companyia Pelmànec

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