Archivo mensual: octubre 2014

“Ayer y hoy. Aquí y en otros lugares”: El universo de Boris Rotenstein.

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Boris Rotenstein es un prestigioso actor y director ruso. Comenzó a trabajar como director de cine, televisión y teatro en la antigua URSS, donde su manera de pensar, experimentar y la internacionalidad de sus obras (en 1968 dirigió el primer montaje de Beckett en ese país) chocan con la censura y la hostilidad del gobierno soviético, a pesar del interés mostrado por el público.

Graduado por el Instituto del Teatro, Música y Cinematografía de Leningrado (actualmente San Petersburgo) y con el Master of Fine Arts, enseñó interpretación en diversas escuelas de teatro de la URSS hasta 1987, año en se mudó a Barcelona y comenzó a dar clases en el Col·legi de Teatre de Barcelona (donde él es también el director), el Institut del Teatre de Terrassa y el Institut del Teatre (impartiendo clases en cursos de posgrado), así como en la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza, la Escuela Navarra de Teatro y El Galliner de Girona. Ha participado en cursos de formación organizados por la Associació d’actors i directors de Catalunya y por la  Associació d’actors i directors de les Illes Balears y de interpretación para el cine a cargo del CECC (Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya) y el Film European Center. Además, da clases de dirección de actores para realizadores de RTVE y ha impartido un curso de interpretación teatral basado en el Sistema Stanislavski en la UPF (Universitat Pompeu Fabra).

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Como director teatral en Barcelona, ha realizado una infinidad de espectáculos, que comprenden versiones de muchos autores del teatro ruso, de grandes figuras del teatro internacional como Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Edward Albee, Harold Pinter, y de escritores locales como Narcís Comadira, Damián Ruiz o José Manuel Sevilla.

En esta ocasión, hemos asistido al espectáculo “Ayer y hoy. Aquí y en otros lugares”, que consta de 4 pequeñas piezas de diversos autores versionadas por Boris Rotenstein: “Al principio”, de Neil Labutte (intérpretes: Eric Balbàs y Francisco Vila), “Ayer”, de Helena Tornero (intérpretes: Montse Romero y Jordi Miñarro), “Y mañana?” de Tennessee Williams (intérpretes: Enka Alonso, Enrique de la Serna y Marta Olivella) y “En la finca de Tio Vanya” de Antón Chéjov (intérpretes: Sandra Sanac, Irene Ruiz-Riveros y Oscar Puente). El buen hacer de Rotenstein queda impreso en su manera de interpretar los textos, de dirigir a los actores, dando frescura, emotividad y acción directa a las piezas.

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Las obras se pueden ver en la sala Minitea3 de Barcelona hasta el 1 de noviembre. Esta sala ofrece espectáculos de pequeño formato que se representan simultáneamente en diversas sesiones (las obras duran 15 minutos, la salas son de unos 9 m2, el aforo de 15 personas y el número máximo de actores de 4). El espectador puede disfrutar de más de una obra en una sola visita y el precio de las entradas es muy reducido. Desde “Cultura y algo más” apoyamos mucho este tipo de iniciativas, que han surgido en medio de la crisis y aportan nuevas soluciones al teatro y al público en general.

Laura Clemente.

Para más información clica abajo:

Web de minitea3

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“Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets.”

Si no te gusta Pulp, difícilmente encontrarás un motivo para ver este documental. A no ser que seas un enamorado de la ciudad inglesa de Sheffield o sus habitantes o no haya ninguna película en cartelera en este momento que te llame la atención…

Reconozo que en ese sentido juego con ventaja pues adoro la música, las letras y al vocalista de este grupo.

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El documental está dirigido por Florian Habicht, de nacionalidad neozelandesa (aunque nacido en Berlín), cuyo film más notable ha sido “Love story” (2009) con el que ha sido reconocido con varios premios entre 2011 y 2012. Se centra en los preparativos y el visionado de partes significativas del último concierto de la gira de Pulp en diciembre del 2012, en Sheffield. Deciden, por motivos sentimentales, y para cerrar un ciclo que sienten no había acabado del todo bien en su anterior tour, terminar dicha gira en su ciudad natal.

El grupo está formado por 5 integrantes que quedan presentados en el documental de una forma casual y muy deestar por casa”. Candida Doyle, la teclista, cuenta que tiene artritis reumatoide desde los 15 años y va vestida con jerseis que teje ella misma; el guitarrista Mark Webber confiesa que tuvo una época en la que solía tocar de espaldas al público porque odiaba tocar en un banda; Nick Banks, batería, es el típico inglés amante del fútbol. Y todos ellos siguen viviendo en su Sheffield natal. El bajo de Pulp, Steve Mackey, sigue en el mundo musical como productor y Dj.

Jarvis Cocker, su vocalista, es el antisexy que ha conseguido vencer su timidez con sus gafas de miope, sus trajes de tweed, su altura y delgadez, y sus extraños contoneos por el escenario hasta alcanzar una especie de poética sensualidad. Pero es el alma de las letras, el 50% de la magia de PULP.

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Imaginad que con esta constelación de estrellas, los habitantes de Sheffield que salen en este documental hablando sobre lo que ha representado o representa PULP para ellos, destilan el mismo glamour y la misma normalidad.

Entrevistan a “personajes” del mercado, de la calle, ancianas “que ya conocían a Jarvis antes de que fuera famoso”, tenderos que recuerdan que éste trabajó de pescadero mucho tiempo atrás. Hay escenas delirantes e hilarantes, como un grupo de jubilados cantando “Help the aged”, niñas bailando “Disco 2000” en la escuela, un coro femenino haciendo versiones del grupo, conferencias en las que se habla sobre las letras de Pulp y acercamientos a varios fans.

Cuando ves a un grupo en concierto, tu mente los ve como semidioses, imaginas una vida lujosa, distante y diferente a la tuya… los idolatras… esa es la magia del rock y el pop… la relación especial que se crea entre fan y estrella. ¡Pues aquí están estos chicos y este documental para demostrarnos todo lo contrario!

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Pero la suya no es una vulgaridad sórdida y, aunque no os podáis imaginar un grupo con menos glamour, es en esa aparente normalidad donde PULP se convierten en un estandarte de la clase y del savoir faire.

PULP tiene un himno (quizás su canción más conocida). Se llama “Common people“. En ella hablan de las cosas que hace la gente “normal”: enamorarse, beber cervezas en el pub, fumar, tener sexo, jugar al billar… Y en este canto a la “normalidad” y a la “vulgaridad” es donde reside el centro de este documental y de este grupo de pop.

Lo maravilloso de “Pulp: a Film About Life, Death and Supermarkets” es que puedes entender que en la normalidad de sus letras (lo que en literatura se denomina realismo o costumbrismo) y en sus cantos al amor, al sexo, al paso del tiempo, a las emociones y sentimientos, hay un denominador común que se siente a través de ellas y que es lo que ha provocado que muchos nos sintiéramos identificados con ellas. Lo grandioso de PULP es que cualquier momento, por sórdido o vulgar que pueda parecer, encierra belleza, magia y ese toque efímero de aquello que se respira en pocos momentos pero que forma parte de la vida de todos nosotros, independientemente de si eres rico, pobre, común o especial, y que formarán parte de tu biblioteca de recuerdos.

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Y si has crecido con ellos, descubriendo el sexo, enamorándote, desenamorándote, madurando, bailando sus himnos y desgañitándote en la pista de baile… hay un momento en que como fan te preguntas cómo transcurre el tiempo tan rápido, como te parece que fue ayer que escuchabas “Different Class“, cuando “This is hardcore” te parece tan reciente (gracias a la última gira de principios de esta década)… que como reza “Help the aged“… it’s funny how it all falls away… cómo empiezas a sentir ese vértigo generacional, cuando empiezas a medir tus recuerdos en periodos de 5, 10 y hasta 20 años… y como a Jarvis, no nos gusta hacernos viejos.

La sensación final cuando acaba el documental es una mezcla de nostalgia y de felicidad por haber formado parte de esta historia… porque al final, la música nunca muere.

Realmente,Something’s changed“…

Hemos podido ver “Pulp: a Film About Life, Death and Supermarkets” en la presente edición del IN-EDIT Festival que está teniendo lugar en Barcelona hasta el 2 de noviembre (en Madrid se celebrará paralelamente entre el 30 de octubre y el 2 de noviembre).

Laura Martínez.

Os dejamos con el trailer de este documental:

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“Young ones”: Distopia en el desierto.

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El equipo de “Cultura y algo más” no podía dejar pasar esta edición (la 47) del Sitges Film FestivalFestival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya sin ver alguna de las interesantes novedades del cine fantástico que el certamen nos presenta.

En esta ocasión hemos asistido a la proyección de “Young Ones“, película dirigida por Jake Paltrow (el hermano menor de Gwyneth Paltrow), que también ha escrito el guión. Paltrow comenzó su carrera como director de televisión, dirigiendo algunos episodios de la serie “NYPD BLUE”.  También dirigió en 2007 la película “The Good Night“, con Martin Freeman, Dani de Vito y Penélope Cruz, y en la que también aparecía su hermana Gwyneth.

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“Young Ones” es una distopia al modo por ejemplo de “In the country of last things” de Paul Auster, que nos sitúa en un futuro no muy lejano en que el agua prácticamente ha desaparecido y en que las pequeñas comunidades rurales luchan por acceder a los escasos puntos de suministro, monopolizados además por una oscura horda de obreros que construyen las canalizaciones.

En este endurecido entorno  lucha por intentar un acceso al agua una familia constituída por el padre, Ernest Holm (caracterizado por Michael Shannon), la hija mayor, Mary (Elle Fanning) y el hijo menor, Jerome (Kodi Smith-McPhee). La madre, Katherine Holm (Aimee Mullins) está afectada por una parálisis que la tiene confinada en un fantasmagórico sanatorio. Finalmente,  el novio de la hija, Flem Lever, interpretado por Nicholas Hoult, va a intentar parasitar los esfuerzos del padre…

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Esta inquietante antiutopía nos presenta los caracteres propios del género, la tradición de la ficción post apocalíptica que hunde sus raíces en la ciencia ficción victoriana, por ejemplo con la obra “After London” del escritor del siglo XIX Richard Jefferies, o “The Last Man” de su contemporánea Mary Shelley, ambientada en una sociedad asolada por una enfermedad,  o, ya en el siglo XX, a René Barjavel que situó en la Francia de 2052 su novela “Ravage“, en la que la humanidad había perdido la electricidad.

En esa tradición, muchos escritores han imaginado el fin del mundo de la mano de plagas, extraterrestres, carencias, destrucciones y otras calamidades: un mundo exterior en apariencia recognoscible pero que ha sufrido una transformación cualitativa ante la cual los protagonistas están resignados; ese mundo transformado se utiliza como escenario para experimentar con las reacciones de sus protagonistas.

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El director nos explicó cómo estuvo en España buscando localizaciones, aunque finalmente se decidieron por Sudafrica, por la árida región de Namaqualand que retrata a la perfección el sentimiento de desértico vacío, de escasez y de dificultad que impregna la película.

En ese ambiente extraño, con el sol cayendo a plomo toda la película, un sol que casi podemos sentir como algo despiadado, las personas reaccionan según su naturaleza, con dulzura unas y brutalidad otras, de modo que la dureza ambiental se torna escenario de vilezas y mezquindades. La lucha del todos contra todos, que está simplemente soterrada o disimulada en nuestro entorno, se torna franca en esta película.

Jake Paltrow

Jake Paltrow

Otro aspecto a remarcar es la visión irónica y amarga que tiene de la tecnología la película, con un entrañable robot mula o unas grotescas prótesis cibernéticas que supuestamente ayudan a la postrada mujer de Ernest. En la película la tecnología, más que ser un instrumento de apoyo o desarrollo, es una parábola de la miserable condición humana. En el descarnado entorno de la película, esas máquinas parecen caricaturas de lo inútil o lo superfluo.

En resumen, recomendamos esta magnífica obra para todos aquellos a los que les guste la ciencia ficción en su vertiente post apocalíptica y quieran disfrutar de una película que nos sumerge en una atmósfera extraña e inquietante.

Ignasi y Laura.

Os dejamos con el trailer de esta película:

Para más información clica abajo:

Web oficial de la película “The young ones”

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“Lo que mueve el mundo” de Kirmen Uribe: Entre la ficción y la realidad.

[YoLoDescargo]

 

“Un viejo poema chino dice que si dos personas se quieren mucho, si han estado muy unidas y una de las dos muere, la que muere en realidad es aquella que sigue andando” – Kirmen Uribe

Sumergirse en la obra del polifacético escritor vasco Kirmen Uribe (Ondarroa, 1970) no es tarea fácil. Poeta y contador de historias, la lectura de Uribe siempre reclama un espacio de calma, paciencia y reposo para desgustar con lentitud los sentimientos tan particulares que transmite. Su literatura sigue su ritmo de exposición oral tan reposado y sentimental. Siempre anclado en su Ondarroa alegre, triste, sufrida y marcada por sus antepasados pescadores, Kirmen mira hacia fuera y nos habla de temas universales.

El escritor dio un salto cualitativo y cuantitativo en su carrera cuando presentó su primera novela “New York-Bilbao-New York”, galardonada con el Premio Nacional de Literatura 2009 por el Ministerio de Educación y Ciencia.
Pero más allá de todas las traducciones posibles, de los galardones ,del éxito de crítica y público, el libro presentó una nueva manera de hacer literatura, de explicar una historia donde el autor es cómplice y testigo a la vez. Donde la narración agarra al lector, pero no en una emoción argumentaria sino en una sacudida al corazón que va ablandando. Y si el lector es impaciente esperando que algo típico en la novela negra vaya a suceder y acaba el libro precozmente, lamentará haber sido tan veloz y haber pasado tan de largo las emociones díficiles de describir, pero que él tan magistralmente sabe contar.

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Kirmen Uribe

Su nueva novela, “Lo que mueve el mundo” (Seix Barral,2013), da una vuelta más a su narrativa. Un giro de tuerca. Ambidiestra narrativa a caballo entre la ficción y la realidad. La historia de una niña y de una família crecida en el exilio le sirve como excusa para nuevamente presentarnos una serie de sentimientos encontrados. Ambientada en la guerra civil, segunda guerra y hasta nuestros días la ternura va creciendo página a página. Puede parecer al principio que nos va a contar una historia muy concreta, pero luego la novela gira hacia algo más genérico,hacia los héroes anónimos a los que poco prestamos atención. Al amor en el sentido más global de la palabra.
Y si a lo largo de la novela no hemos tenido bastante, el final es realmente antológico y emotivo.

Colaborador de músicos, escritores, poeta. Siempre tímido, siempre sonriente, siempre tierno. Kirmen Uribe se hizo un lugar en el mundo con su primera novela. Con la segunda no sólo se reafirma, sino que nos demuestra que esto va en serio. Que no sólo es un escritor brillante sino que describe un universo propio y alegórico. Os invito a entrar en él y a encontrar rincones nuevos y desconocidos en nuestros propios corazones.

Jordi Martínez.

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IN-EDIT: 12ª Edición de cine documental musical de Barcelona.

in-edit 2013 Si hay una cita que tenemos especialmente marcada en la agenda dentro de la temporada cultural de Barcelona esa es la del IN-EDIT Festival, certamen dedicado íntegramente al documental musical que tendrá lugar este año del 23 de octubre al 2 de noviembre (en Madrid se celebrará paralelamente entre el 30 de octubre y el 2 de noviembre). Como cada edición, ésta viene cargada de suculentas sugerencias. Entre ellas nosotros escogemos algunas que nos resultan especialmente atractivas. Una selección de cinco títulos que los más avispados observaran como particularmente rockera:

“20.000 Days on Earth” de Iain Forsyth y Jane Pollard. UK.

24 horas en la vida de Nick Cave. Ni más ni menos que eso es lo que nos ofrece este documental que muestra la faceta más auténtica del aclamado cantautor australiano. ¿O quizá no? El documental en realidad está  dramatizado e inevitablemente tendrá mucho de artificioso. Hubiese sido interesante que la cámara hubiera perseguido a Cave sin que hubiese mediado ningún guión preestablecido. Con todo, lo que hemos podido ver del documental hasta ahora augura grandes momentos. Después de todo estamos hablando de una película dedicada a Nick Cave. Con eso debería ser suficiente.

“I am Divine” de Jeffrey Schwarz. US.

Los admiradores de John Waters lo son también, por extensión, de Divine. Todo un icono del cine más transgresor que en este filme no es mostrado en todo su esplendor. Como reza la información publicitaria del festival: “Divine no salió del armario, lo destrozó”. Imprescindible.

“I need a Dodge: Joe Strummer on the run” de Nick Hall. España.

Hay pocos músicos tan queridos como Joe Strummer. En este filme conoceremos mejor su periplo por Andalucía, y más concretamente por Granada, lugar que convirtió en su lugar de residencia por un tiempo y en el que, hace un par de años, se llegó incluso a inaugurar una plaza en su nombre. Los motivos que llevaron al ex The Clash a esa ciudad, y la relación que tuvo con sus gentes o con músicos de bandas españolas tan recordadas como 091 o Radio Futura, son otros temas interesantes que trata la película. Sencillamente tendremos que estar allí para verla.

“Super Duper Alice Cooper” de Reginal Harkema, Scot McFadyen y Sam Dunn. Canadá.

Si hay un músico que haya sido sistemáticamente infravalorado ese es Vincent Furnier, más conocido como Alice Cooper. “Esa mujer vieja y fea que canta” como lo calificaba el personaje de Johnny Depp en la irregular “Dark shadows” de Tim Burton, es en realidad un artista absolutamente personal y talentoso, tan grande como lo puedan haber sido Marc Bolan o el mismísimo David Bowie. Es cierto que su trayectoria a partir de los años 80 es irregular, firmando tanto muy buenos trabajos como otros desastrosos, pero solo por todo lo que publicó en la dorada década de los 70 merece un lugar especial en la historia de la música popular. No cabe perderse esta película.

“Supermensch: The legend of Shep Gordon” de Mike Myers y Beth Aala. US.

Sí, habéis leído bien, Mike Myers, el responsable de la saga “Austin Powers” es uno de los dos nombres que se encuentran tras la dirección de este documental centrado en la figura de Shep Gordon, un manager de estrellas de la música (entre ellas Pink Floyd o el antes mencionado Alice Cooper) y el cine, que vivió con total intensidad (y un cúmulo de excesos) el auge de los grandes nombres de la música popular en los años 70, para después caer en una suerte de ascetismo muy influenciado por las enseñanzas budistas. Todo un viaje vital que resulta, a priori, de lo más fascinante.

Aquí tenéis pues estas cinco sugerencias, pero os recomendamos que echéis un vistazo a todo el cartel de documentales programados, pues es seguro que encontraréis algunos otros títulos que os pueden resultar tan o más atrayentes.

Ricard.

Para más información clica en el siguiente enlace:

Web de IN-EDIT Festival

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“Pensaments secrets”: La física de la atracción.

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Hemos asistido en la Sala Muntaner de Barcelona al estreno como director del conocido actor Lluís Soler,  con la obra Pensaments Secrets, del escritor británico David Lodge; la obra ha sido traducida al catalán por Llorenç Rafecas.

La obra narra la relación entre Ralph Passenger (Alex Casanovas) y Helen Reed (Mercè Pons).  Ralph es un  cognotivista experto en inteligencia artificial, que desde una óptica conductivista pretende explicar la experiencia de lo subjetivo, los “qualia”,  a partir exclusivamente de interacciones físicas y químicas.  Los sentimientos y las vivencias, nos dice, no son más que expresiones de fenómenos cuantificables y medibles que en un futuro podrían reproducirse en un ordenador.  Sin embargo, en seguida vemos que la narcisista personalidad del científico y su pasión por las faldas contradicen de modo abierto y divertido ese cientificismo del que hace gala.  Así conoce a la discreta Helen, novelista que tras enviudar decide dedicarse a impartir clases en el mismo campus que Ralph; las reacciones químicas que Helen produce en Ralph son notables y sin duda mucho más poderosas que la convencional ligazón matrimonial de Passenger (Ralph está casado, pero ello no le supone mayores problemas para sus incursiones); en seguida trata de seducirla sin dudar en utilizar para ello la vieja estratagema del adúltero, de hacer que se conozcan su presa y su cónyuge.

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La personalidad de Helen es en apariencia más cándida, una tradicional mujer católica (siempre es divertido constatar que en el mundo anglosajón el ser “católico” es una especie de desafío sexual),  que guarda el luto por su recientemente fallecido marido, y que no comparte las ideas fisicalistas de Ralph.

Entre ellos se entabla un ingenioso diálogo acerca de la naturaleza de los sentimientos, esgrima dialéctica que escasamente cubre la excitación que les va envolviendo….   Los pensamientos secretos de los personajes se nos desvelan en el escenario.

David Lodge, novelista que se ha especializado en la llamada “literatura de campus” reflexiona con ironía sobre el erotismo de lo intelectual; así, al espectador le resultará interesante ver cómo la atracción sexual es objeto de una ritualización distanciada  en determinados ambientes llamados “culturales” ,  aunque, subraya Lodge,   contar con multitud de artículos publicados, con un impresionante palmarés curricular, o  defender teorías conductistas o similares no supone obstáculo alguno a protagonizar líos de alcoba, en la más consolidada tradición británica.

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Nos ha encantado la impresionante actuación de Alex Casanovas, que encarna de modo magistral al burlón y seductor Passenger, y  también la de Mercé Pons, en su papel de tierna escritora que aun cree en la pasión y que cae, como otras muchas, en las redes de la actracción intelectual que hábilmente teje Passenger.  La representación de ambos es muy convincente, como lo es la acertadísima iluminación y diseño de espacio, con un escenario en que los distintos ambientes y situaciones son objeto de lograda caracterización minimalista.

La Producción de la obra ha sido a cargo de Jordi Roigé i Llorenç Rafecas, el espacio escénico ha sido diseñado por Dino Ibañez, la iluminación es obra  de Quico Gutierrez, y la productora es Utopía Global.

Felicitamos al director Lluís Soler  y os animamos a ver la obra que estará en cartel hasta el próximo 26 de octubre.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la Sala Muntaner/Información sobre “Pensaments secrets”

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El MEAM reivindica la escultura figurativa.

meam Hemos asistido a la exposición “Una mica d´escultura, si us plau!”,  en el Museu Europeu d´Art Modern de Barcelona (MEAM), museo que reivindica el arte figurativo en contraposición a la abstracción y conceptualismo dominantes, y  del que ya os hemos hablado en algunas entradas. La exposición presenta variadas esculturas de la colección propia del museo, de multitud de autores europeos de entre medidados  del siglo XIX y principios del siglo XX, con el hilo conductor de la representación más o menos alegórica o realista de la figura humana, que representa para todos esos escultores un ideal de belleza siempre digno de aprehensión. Así, se nos presentan figuras ya en estado hierático, ya expresivo, ya realista o alegórico, pero siempre exaltando la estética de lo humano. emmanuel-hannaux-la-sirene-et-le-poete-13645 No olvidemos que mucho antes de que el arte contempóraneo intentara aprehender conceptos, estados de ánimo o emociones, el arte figurativo no había sido ajeno a dichas intenciones, y las esculturas de la exposición son una buena muestra de ello. La exposicion es ambiciosa, con obras de decenas de escultores europeos, muchos de ellos consagrados por el público burgués a partir de su participación en las Exposiciones Universales tan del gusto de la época. 2014-09-07 16.32.18 La muestra abarca esculturas que pueden inscribirse en diversos movimientos artísticos, siguiendo la evolución propia del arte de aquellos años,  desde el historicismo clasicista, pasando por el Art Noveau y en fin llegando al Art Decó. Dado lo vasto de la exposición que como decimos abarca un periodo histórico de más de un siglo y presenta esculturas de autores de variadísimas procedencias, en esta reseña os reproducimos algunas de las obras que pudimos contemplar. ia En la obra “Alegoria del Invierno“, del italiano Giovanni Maria Benzoni, observamos el gusto clasicista, el gesto grave y un tanto adusto del anciano que encarna en el imaginario popular la estación de final de año. La escultura irradia autoridad y sabiduria, como si de un Aristóteles se tratara, cubierto del manto de un filósofo. meam2 En la escultura “La jeunese o les Trois Filles“, del escultor francés Max Blondat, vemos a tres niñas que parecen observar algo, con miradas divertidas y tiernas. El tema de la infancia es a menudo respresentado por los escultores de la época, pero pocas imagenes han alcanzado la popularidad de esta escultura que figura reproducida como fuente ornamental en muchas ciudades europeas.  La deliciosa expresividad del juego de las niñas nos transporta a esa época inocente y frágil a la que todos pertenecemos. La Victoria Otro de los grandes temas clásicos, la victoria, es representada con ese nombre en la escultura del polaco Henryk Kossowski,  también en su formulación clásica, recordando a la helenística “Victoria de Samotracia”, para distanciarse de la cual se publicó precisamente el manifiesto futurista. Destacamos en esta escultura el realismo de los pliegues de la ropa y de las alas, en un conjunto que evoca un arcángel que trompeta en mano extiende un manto protector con su laurel de la victoria. 2014-09-07 16.29.54 También de resonancias helenísticas admiramos “La tempête et les nuées”, del francés François Raoul Larche, en la que podemos observar el desnudo femenino junto a las fuerzas de la naturaleza, obra que en su época generó una cierta polémica por la agresividad del gesto de la mujer que encarna esa violenta tempestad, y que ahora nos cautiva. escultura meam Finalizamos con una deliciosa escultura anónima que ya anticipia el Art Decó, esa exaltación de lo funcional y lo tecnológico que constituirá la inspiración de las vanguardias del siglo XX. Una representación de la diosa Diana en sugerente pose que apunta a un moderno reloj; cautivadora pieza de decoración que no desentonaría en ninguna de las grandes casas modernistas barcelonesas. Podréis admirar la exposición hasta el 12 de octubre en el MEAM.  Una cita incomparable para quien desee aproximarse a la escultura europea de hace un siglo. Ignasi y Laura.

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