Archivo mensual: febrero 2017

“Americana”: El Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona se consolida en su cuarta edición.

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Algunos podrían discutir la necesidad de crear un festival de cine norteamericano en Barcelona estando como están las salas de proyección de la ciudad copadas por títulos procedentes de los Estados Unidos. Lo cierto es que el interés real que puedan tener dichas producciones en muchas ocasiones resulta poco menos que nulo, mientras que muchos trabajos creados en ese país que no han sido auspiciados por un gran estudio/productora apenas si llegan a tener distribución aquí, o si la tienen, se entrenan en muy pocas salas, con apenas promoción y normalmente duran muy poco tiempo en pantalla. De allí que nos felicitemos de la consolidación de un festival como el “Americana” en el que se pueden ver películas muy atractivas a priori que no han tenido la posibilidad de ser estrenadas en nuestra ciudad, u otras que quizá lo serán en el futuro pero que ya podremos disfrutar a modo de pre-estreno.

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Fotograma de “Certain women”

De la misma forma que en ediciones pasadas, el festival ordena su programación con diversas secciones: por segundo año tenemos la sección DOCS, dedicada al documental, donde destacan títulos como “The JT Leroy Story” de Jeff Feuerzeig, o “Life animated” de Roger Ross Williams;  SHORTS, en la que se podrán ver diversos cortos; NEXT, que sigue dando a conocer nuevos talentos y en la que este año se podrán ver films como “Donald Cried” de Kristopher Avedisian (película financiada por micromecenazgo) o la animada “My entire high school sinking  into the sea” de Dash Shaw; y TOPS, con proyecciones de títulos ya vistos en otros festivales como puedan ser “Certain women” de Kelly Reichardt con actrices del calibre de Michelle Williams o Kristen Stewart, “Christine” de Antonio Campos, con una, dicen que impresionante, Rebecca Hall, o “Swis army man” de Dan Kwan y Daniel Scheinert, con las interpretaciones de los más que consolidados Paul Dano y Daniel Radcliffe.

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Fotograma de “Swis army man”

Así mismo, este año existe una sección de proyecciones gratuitas y destacamos actividades paralelas como pueda ser el taller “El crítico de cine al desnudo”, o el seminario “Funambulistas americanos” donde se reflexiona sobre qué es lo que se entiende por cine “indie” norteamericano.

Una programación de proyecciones y actividades pues más que atrayente que hará que, como decíamos al principio, ésta sea la edición de consolidación de un festival decididamente indispensable.

Ricard.

Os dejamos con un ingenioso (como lo fue el de la anterior edición) vídeo-presentación del Festival, y un enlace a la web de éste donde podréis ver la parrilla de programación con los horarios de las proyecciones (la mayoría de ellas en el Cine Girona) de todas las películas que pasarán por el evento:

Web del Americana Film Fest

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“Júlia”: El deseo y la razón.

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Hemos asistido en la Sala Atrium a esta delicada interpretación de la obra de Strindberg, “Fröken Julie”, la segunda entrega de esta Trilogía de la Imperfecció dirigida y adaptada por Raimon Molins que comenzó con Ibsen y acabará con Chehkov.

En una deliciosa velada de inicio del verano, las vidas de la hija del señor de una casa noble, Júlia (magnífica Patricia Mendoza) y de Jan, uno de sus sirvientes (Jordi Jordella), se cruzan casi al azar y se dejarán una imborrable huella mutua. Al parecer ya habían bailado juntos, en una escandalosa transgresión de las normas de clase , y ahora se encuentran, la noche de San Juan, en las cocinas de la mansión. Jan tiene una relación ambigua con Christine (Mireia Trias), tal vez de compromiso matrimonial, o solamente de ocasionales  amantes, y así, ante la atentada mirada entre celosa y acusadora de ella, Jan y Julia comienzan un flirteo primero y una relación después, una relación fugaz pero atormentada, en la que ambos se aventuran por distintos motivos; ella, probablemente por atracción física y transgresión social; él, por afán de conquista y por el prestigio de poseer a una dama.

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Pasados los primeros instantes de lujuria, en seguida los personajes quedan desnudos, tristes: los sueños de huir juntos y abrir un restaurante en algún lugar lejano, en seguida quedan en nada. Jan tiene un deber que cumplir y Julia sabe que acabará pagando su pecado. Christine, al fondo, siempre atenta y vigilante a la evolución de la relación, parece que está esperando el castigo que acecha a los amantes.  Y en efecto, al final se impone el canon naturalista tan en boga en la época, ese estudio de las relaciones humanas bajo un prisma aséptico e implacable, estudiando sus reacciones con curiosidad científica.

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El montaje (escenografia de Clàudia Vilà, iluminación de Maria Domènech y vídeo de Joan Rodón), confiere a esta obra un aire melancólico y lánguido, igual que la estupenda interpretación de sus protagonistas: la lucha entre deseo y deber, entre sentimiento y razón, se presenta con agudeza: no hay aspavientos, lamentos o inflexiones, todo discurre quedo, como en un arrullo que poco a poco nos conduce al desenlace… el seductor juego de luces, la técnica de la proyección al fondo, que tan bien sirve para amplificar sentimientos que pueden quedar implícitos en el primer plano, la mirada lúcida de Christine, la amargura de Julia y la ligereza de Jan… El peligroso flirteo que engulle a sus protagonistas y los transforma para siempre convierte esta preciosista pieza teatral en una cita ineludible para los amantes del buen teatro.

Júlia” estará en la Sala Atrium de Barcelona 8hasta el 26 de febrero.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Enlace a la web de la Sala Atrium-Información sobre “Julia”

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The Divine Comedy. Barcelona. 08/02/17: Un dandy en el Palau de la Música.

Dentro del marco del Festival Mil·leni, The Divine Comedy, la banda liderada por el carismático irlandés Neil Hannon, vuelve para presentar su último disco “Foreverland”, un trabajo que llega unos 6 años después del gran “Bang goes to Knighthood”.

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Ya acudimos hace unos meses a una previa al aire libre dentro del “Vida Festival”. Ahora tocaba en un escenario muy especial, el Palau de la Música Catalana. Lo cierto es que la mayoría de los últimos conciertos que he visto de ellos han sido en teatros y con el público sentado. Quizás se sienten más cómodos en esa intimidad de lugares más o menos pequeños donde crear mayor comunión con el público y favorecer la parte más crooner de Neil Hannon, un tío que siempre se acerca a su público y te hace cómplice del show. En todos los aspectos, por su majestuosidad, su magia… El  Palau era el mejor escenario para esta banda.

A pesar de esta introducción que parece patrocinada debo decir que “Foreverland” no me parece, ni de lejos, el mejor disco del año, ni tampoco de los mejores discos de los irlandeses. Pero las presentaciones de los discos están para esto, para defenderlos en directo y debo decir que, de nuevo, Neil  hizo que este álbum ganara texturas. Se descubren todas sus posibilidades. Los 5 cortes que repasa adquieren una nueva riqueza. Y también cabe admitir que Mr Hannon no estaba en el mejor estado de su voz, algo ronca al principio y sin poder llegar a algunas notas en algunos momentos, supongo a causa de que gira a concierto por día. Aunque fue mejorando y a mitad del show ya estaba casi al 100%.

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El Palau de la Música no es cualquier escenario. Tiene una fuerza especial. Está por encima de lo humano. A Divine Comedy le iba al pelo. Y Neil aparece enfundado en un traje de Napoleón, allí, en ese escenario clásico, dispuesto a cometer sus travesuras. Nos presentó la mayoría de los cortes del último disco en la primera mitad del concierto, intercalando antiguas canciones escogidas de entre casi todos los discos, repasando sus ya más de 25 años de carrera

Como los divos, se deshace de su traje napoleónico para volver a aparecer vestido como el dandy que es mientras acaba de sonar la maravillosa The Certainty of chance.  Tras la crítica The Complete Banker y Bang goes the Knighthood llega el primer subidón con Generation Sex. El Palau empieza a levantarse para volver a sentarse con la “dramática” Our Mutual Friend con un Neil que acaba estirado en el escenario.

Punto de inflexión y momento “cool” de esos típicos del rubio: el crooner enchufa un tocadiscos en el que suena la “guatequera” Spanish Flea, mientras se dedica a repartir cervezas y vino a la banda y prepara el escenario para cantar a dúo Funny Peculiar con su telonera, Lisa O’neill. El concierto sigue desarrollándose entre tempos medios y las llamadas al desfase del propio Neil (en catalán) con los hits más conocidos de The Divine Comedy (Something for the Weekend, National Express, Becoming more than Alfie) y otras más modernas que ya se están convirtiendo en clásicos como I like o At the Indie Disco (o cómo una canción puede retratar la mitad de tu juventud) y la preciosa Lady of a certain age entre otras.

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Cierra como de costumbre con Tonight we fly… Y puedes sentir que formas parte de algo especial. Ver saltos en los palcos del Palau es una imagen que quedará guardada en mi retina por mucho tiempo. Y sonríes. Porque no puedes evitarlo. Porque transmite tal cantidad de buen rollo que no hay quien se resista a caer rendido a sus pies. Me llevo a alguien nuevo a cada concierto de Neil… ¡¡¡y siempre acierto!!! Ahora siempre voy acompañada 😉

Así que si nunca habéis tenido la suerte de ver a este pequeño gran hombre, acompañado o no de su banda, DEBÉIS, una vez en la vida, pegaros un homenaje. Porque The Divine Comedy canta a la vida, con sus miserias y sus alegrías… y todas las canciones quedan bellas cuando estás ahí. Quedáis advertidos.

Laura Mart Sit.

Os dejamos con un concierto completo de la actual gira de The Divine Comedy recientemente emitido en Francia:

 

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“La paradoxa de Protàgores”: Juegos de ingenio frente a los dioses.

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Hemos tenido el placer de ver “La paradoxa de Protàgores” de la compañía La Paradoxa. Es una obra que nos acerca y reivindica a uno de los personajes más destacados de la filosofía griega, Protágoras de Abdera (485 a.C. – 411 a.C aprox).

Este pensador, sofista y gran experto en retórica, fue quien comenzó a cobrar profesionalmente por sus servicios como pensador o profesor de “virtud”. Vivió en Atenas durante largos períodos de tiempo, siendo amigo de Pericles, el gran político y orador ateniense, para quien redactó y elaboró la constitución de la nueva colonia de Turios, destacada por ser la primera donde se instauró la educación pública oboligatoria. Fue conocido de Sócrates y Platón le dedicó el diálogo “Protágoras”.

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La frase más conocida del pensador es “El hombre es la medida de todas las cosas” y también es célebre su paradoja, que da nombre al título de la obra. Ésta anécdota trata sobre un pacto entre Protágoras y uno de sus discípulos, Evatlo.

En la obra, Evatlo es un brillante joven de origen humilde que trabaja en una cantera desde el alba hasta la puesta de sol. No puede pagar las clases y propone un trato al ilustre filósofo: si llega a ganar un juicio, le pagará sus honorarios. Al prinicipio, el pensador no acepta, pero debido a intereses amorosos respecto a la hermana de Sócrates, acaba claudicando. El amor no surge, pero aparece un gran problema relacionado con el libro “Sobre los dioses” de Eurípides

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Fantástico trabajo de la compañía La Paradoxa: Jordi Manau en la dramaturgia y dirección (codirige con Clàudia Costas), Gerard Clavell en el papel del pensador, muy bien acompañado por Clàudia de Sandoval, Pablo Capuz y Ariadna Gaya. También destacamos la delicada escenografía de Marina Soteras y Marc Salicrú. En definitiva, un didáctico, incentivador, ingenioso y divertido espectáculo que acerca el pensamiento griego al espectador. También puede ser idóneo para que el público adolescente se acerque a la Filosofía.

“La paradoxa de Protàgores” estará representándose en la sala Àtic22 del Teatre Tantarantana sólo hasta el domingo 19 de febrero. Esperamos que regrese pronto a la cartelera barcelonesa.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “La paradoxa de Protàgores”

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“Déu és bellesa”: Teatro de sensaciones.

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Hemos asistido en El Maldà de Barcelona a la impactante “Déu és bellesa”, de los autores finlandeses Paavo Rintala y Kristian Smeds (traducida por Riikka Laakso y Meritxell Lucini con la ayuda y colaboración de TINFO – Theatre Info Finland), presentada por la compañía Parking Shakespeare con Alícia Gorina como directora, con escenografía y vestuario de Silvia Delagneau, trabajo de cuerpo y movimiento de Riikka Laakso e iluminación de Raimon Rius, interpretada por Òscar Bosch, Maria Casellas, Mireia Cirera, Adrià Díaz, Pep Garcia-Pascual (también es el director artístico), Santi Monreal y Ricard Sadurní. En esta ocasión Parking Shakespeare se aleja de los clásicos para adentrarse en una obra de teatro visual y simbólico, basada en la torturada vida del pintor finlandés Vilho Lampi, que se suicidó con 38 años de edad.

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La obra está dividida en un prólogo y ocho retablos que representan cuadros del pintor, con los actores de la compañía turnándose en el papel de Lampi y representando ocho momentos distintos en la creación artística del pintor. Ahí radica la extrema originalidad de la obra, que huye de un argumento lineal para adentrarse en técnicas del lenguaje visual. La libertad, la Polinesia, París, La matanza del cerdo… son sugerentes títulos de sus cuadros en que el pintor está encarnado por los diferentes actores y actrices de la compañía que se “dejan ir”, juegan entre ellos, dibujan, amasan, modelan el material que está a su disposición en el imaginario taller del pintor.

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Ya aparezca él mismo a lomos de un caballo desbocado, riendo como un poseso, ya sea objeto de público escarnio y sacrificio, ya aparezca como decadente bohemio en una habitación de hotel, como viajero a lugares exóticos, o como impaciente galerista muerto de deseo de colocar alguno de sus cuadros, en todos esos papeles vemos la humanidad del personaje, sus diferentes momentos vitales, de fiebre creadora, de esnobismo, de necesidad económica, de experimentar, de relacionarse con su público.

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El montaje, como decimos, es muy original:  un taller con pintura, yeso, utensilios, mesas, pan (el elemento favorito de la directora, como ya vimos en “Watching Peeping Tom”), con los actores y actrices ataviados con batas blancas, en permanente interacción entre ellos y con el público e intercambiándose en los papeles de pintor y de personajes que se relacionan con él, conforman un impactante cuadro (nunca mejor dicho) visual ,en que acompañamos a un pintor en un fascinante viaje personal en pos de la belleza perdida.

La obra estará en El Maldà hasta este domingo 12 de febrero pero esperamos que regrese pronto a la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de El Maldà – Información sobre “Déu és bellesa”

Web de Parking Shakespeare

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“La conferència de Wannsee”: La estética del mal.

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Progromos, genocidios, masacres… la historia está llena de ellos. Precisamente lo que les hace especialmente inhumanos es su despersonalización, la maldad de ocultar en medio de la masa la historia individual de cada persona que es asesinada. En el caso del genocidio nazi, esa despersonalización alcanzó tintes horripilantes al concebir el asesinato en masa como si de producción industrial se tratara.

La obra de teatro “La Conferència de Wannsee“, del mismo director y compañía, Exquis Teatre,  de la que recientemente vimos “La nit de Helver”, Pavel Bsonek, con dramaturgia de Filip Nuckolls,  Vladimír Cepek y el propio Bsonek, nos presenta en La Casa de la Seda de Barcelona la infausta reunión que tuvo lugar el 20 de enero de 1942 en una lujosa villa expropiada a un industrial judío a orillas del lago Wannsee, en Berlín. El escenario no podía haber sido mejor escogido, un lujoso salón de la casa gremial (que se puede visitar gratuitamente con la entrada al espectáculo) con todos los nombres de los presidentes del gremio esculpidos en sus paredes, nombres que se remontan al siglo XVI. Repujados de madera, mampostería, tapicería, lámparas…  el lujo y elegancia del escenario oculta, como en la conferencia real o las impolutas camisas blancas de los actores,  la crueldad de lo que se planeaba.

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Dicha reunión ha tenido especial resonancia histórica porque ha sido de las pocas reuniones sobre el exterminio que cuentan con un protocolo, en el que muy posiblemente se omitieron detalles especialmente comprometedores. Bajo presidencia del tristemente célebre Reinhard Heydrich, magníficamente interpretado por Carles Goñi, que imprime un aire acertadamente cínico al personaje, trató más que del exterminio en sí (decidido por Hitler como paranoica venganza por el fracaso de la invasión de la Unión Soviética aunque ya anunciado casi una década antes), de algunos detalles burocráticos, acerca de quién se consideraría víctima (aberrantes distinciones entre judíos puros, mixtos de primer y segundo grado y demás miserias) y de cómo se organizarían los convoyes de la muerte.

Y aquí llegamos al quid de la obra: presentarnos una brutal y repugnante matanza como algo aséptico, una especie de desinfección necesaria que había que acometer técnicamente. Como decía Baudelaire, la mayor astucia del diablo es hacernos creer que no existe y al parecer esos asesinos en serie parecían estar emocionalmente muy alejados de la ignominia que iban a cometer.

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El frío Adolf Eichmann, a cuyo cargo estaban las actas de la reunión y la logística de los transportes, el Dr. Kritzinger, como representante de uno de los ministerios que tomaron parte en la ejecución de los planes, Rudolf Lange, coronel de las SS en Letonia y responsable de los trístemente célebres Einsatzgruppen, que ejecutaban a los judíos antes de los campos de exterminio, todos ellos, elegantemente vestidos y con un punto de distinción, confieren a la matanza nazi su elemento distintivo: esa estética impoluta y aséptica. Nada de turbas enloquecidas: las víctimas se ocultan en trenes de ganado y cámaras de gas.

La única voz medianamente discordante es la de nada más ni nada menos que Wilhem Stukhart, redactor de las leyes de Nuremberg y que ponía pegas… pero únicamente a que se consideraran judíos a alguien hijo de judío y alemana!!!! Igualmente patética resulta la triste protesta del director del plan cuadrienal de deportación (menudo nombre, como si se tratara de plantar patatas) Erich Neumann, apartado por ser demasiado suave.

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En suma una reunión de segundos cargos del Tercer Reich que decidieron un espantoso genocidio. Sólo nos queda como consuelo, igual que a Oriana Bonet en su papel de narradora, el triste final que esperaba a todos aquellos asesinos (por ejemplo, Reinhard Heydrich murió al año siguiente víctima de un atentado en la República Checa y Adolf Eichmann fue apresado años más tarde y ejecutado por Israel, en el proceso narrado por Hannah Arendt).

El tono de la obra, sin grandes aspavientos ni giros, centrado en el lento discurrir de la reunión,  y la interpretación marcadamente coral, reproduce fielmente ese aire como burocrático y de falsa asamblea en la que todo estaba ya decidido y en que los presentes estaban más interesados en servirse la comida en cada intermedio que en la suerte de sus víctimas.

Buen reparto (y excelentemente caracterizado), formado por los intérpretes mencionados anteriormente, junto con Jordi Gràcia, Jose Pérez-Ocaña, Òscar Intente, Roger Batalla, Xavier Pàmies, Sergi Marcos, José Ángel Rico, Lluís Ruf, José Tobella, Miquel Simó, Ignasi Guasch, Carles Martinho y Edgar Moreno.

La obra, enmarcada dentro de la iniciativa Cicatrius (ciclo de teatro sobre la memoria histórica del Holocausto) de la compañía Exquis Teatre, estará sólo hasta el 5 de febrero en La Casa de la Seda, y esperamos que vuelva muy pronto a la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Cicatrius

Web de La Casa de la Seda

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