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D’A Film Festival – Lo mejor del cine de autor (I).

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Hemos tenido la fortuna de asistir a la inauguración y a diversas sesiones del D’A Film Festival, que está teniendo lugar en Barcelona desde el 27 de abril hasta el 7 de mayo.

El festival se va reafirmando como uno de los certámenes más consolidados de la ciudad condal, ofreciendo una gran calidad y diversidad de películas en diferentes formatos.

La inauguración tuvo lugar el jueves 27 de abril con la proyección de “Lady Macbeth”, impecable film inglés que se ha preestrenado en el D’A, con lleno de las dos sesiones programadas. En breve publicaremos reseña de éste y otros filmes del certamen.

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El festival ofrece diversas secciones:

Direccions. Dedicada a los cineastas de referencia del cine mundial. Con directores como Wang Bing (“Bitter money”), Pablo Llorca (“Días color naranja”), Ben Wheatley (“Free Fire”), Matías Piñeiro (“Hermia & Helena”), Andrei Kontxalovski (“Paraíso”), Kiyoshi Kurosawa (“Le secret de la chambre noire”), Olivier Assayas (“Personal shopper”) y Lav Diaz (“The woman who left”) entre nuestros favoritos… pero seguro que descubriremos más en el D’A.

Talents. Es la sección competitiva del festival, con películas de directores con un máximo de tres films en su filmografía. Un viaje que nos permite descubrir joyas de cineastas noveles. Destacamos: “A Cidade on envelheço” de Marília Rocha (Brasil, Portugal), “A los niños la belleza” de Rocío Caliri y Melina Marcow (Argentina), “Ceux qui font les révolutions à moitié n’ont fait que se creuser un tombeau” de Mathieu Denis y Simon Lavoie (Canadá),  “Demonios tus ojos”, de Pedro Aguilera, “Goran” de Nevio Marasović (Croacia), “Kékskazàkallú” de Gastón Sonicki (Argentina), “Marisa en los bosques” de Antonio Morales (España) – de la que publicaremos reseña posteriormente y “Sipo Fantasma” de Koldo Almandoz (España).

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Talents Fora Competició.  Para las películas de directores jóvenes y noveles que no compiten pero que han destacado en otros festivales. Figuran entre nuestras favoritas “Godless” de Ralitza Petrova (Bulgaria, Dinamarca, Francia), “La larga noche de Francisco Sanctis” de Andrea Testa y Francisco Márquez (Argentina), “The Levelling” de Hope Dickson Leach (Reino Unido), “Porto” de Gabe Klinger, “La prunelle de mes yeux” de Axelle Ropert, “Sâo Jorge” de Marco Martins (Portugal) y “Victoria” de Justine Triet (Francia).

Focus Amat Escalante. Interesante retrospectiva sobre el director mexicano nacido en Barcelona, desde su ópera prima “Sangre” (2005) hasta “La región salvaje” (2016).  Con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya.

Transicions. Algunas de las mejores películas actuales. No destacamos ninguna, pues las cinco son muy remarcables: “20th century women” de Mike Mills (EEUU), “Playground” de Bartosz M. Kowalski (Polonia), “Harmonium” de Koji Fukada (Japón), “Pretenders” de Vallo Toomla (Estonia, Lituania, Letonia) y “The Student” de Kirill Serebrennikov (Rusia).

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Sesiones especiales. “El auge del humano”, de Eduardo Williams (Argentina, Brasil, Portugal), “Double play: James Benning and Richard Linklater” de Gabe Klinger ( Francia, Portugal, EEUU) y “Ocells de pas” de Olivier Ringer (Francia, Portugal, EEUU).

Un impulso colectivo 2017. Muestra del nuevo cine español, independiente y alejado de la industria. Comisariada por Carlos Losilla. El mayor éxito de esta sección ha sido la catalana “Julia ist” de Elena Martín, que se podrá volver a ver el 14 de mayo en la Filmoteca de Catalunya.  Y destacamos también “La maldita primavera” de Marc Ferrer, “Vivir y otras ficciones” de Jo Sol, “Converso” de David Arratibel, “Elefantes” de Carlos Balbuena, “Los mutantes” y “Mañana vendrá la bala” de Gabriel Azorín, y “Vida Vaquera” de Ramon Luis Bande.

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El festival ha rendido homenaje al fallecido Abbas Kiarostami con “76 minutes and 15 seconds with Abbas Kiarostami” de su colaborador Seifollah Samadian, más el corto “Take me home”.

#SessionsMovistarPlus. Sección gratuita en la que se proyecta la prestigiosa “High-Rise” de Ben Wheatley (Reino Unido) – en la seccion Directors se puede ver de él “Free Fire” -, “Love & peace” de Sion Sono (Japón) y el documental “Richard Linklater: Retrato del indie americano” de Louis Black y Karen Bernstein (EEUU).

En la clausura se podrá disfrutar de la película catalana “Estiu 1993”, uno de los títulos más esperados y premiados, que ha agotado entradas rápidamente como “Julia ist”.

El festival organiza una jornada profesional el jueves 4 de mayo, en tercera edición, con el título Nuevas narrativas. Distribución y promoción.

En breve tendréis más noticias nuestras sobre este magnífico festival.

Laura.

Para más información clica abajo:

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AMERICANA: Cuatro días del mejor cine independiente norteamericano en Barcelona.

Se celebra en Barcelona desde el día 3 del presente mes de marzo y hasta el día 6 la tercera edición de “Americana”, festival dedicado íntegramente al cine independiente norteamericano.

Siendo como es, hoy por hoy, los Estados Unidos el gran país de referencia en cuanto a cultura audiovisual y cinematográfica se refiere, no cabe duda del gran interés que tiene un evento de estas características.

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En esta ocasión, el festival incluye una nueva sección dedicada al documental que llevará precisamente el nombre de DOCS y que se añade a los otros tres apartados habituales del evento: TOPS, que este año da muestra de un total de siete largos que ya han pasado con éxito por otros festivales, NEXT, que incluye el debut de diversos nuevos talentos del cine norteamericano y películas inclasificables que muy difícilmente conseguirán tener distribución en nuestro país, y SHORTS, dedicado al cortometraje.

En total, en esta edición se proyectarán 19 largometrajes, 12 cortos y se podrá ver también los primeros episodios de las nuevas temporadas de dos series (“Girls” y “Togetherness”). Además, se realizarán diversas actividades paralelas, como el “Americana Kids” dedicado a los más pequeños.

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“Tangerine” de Radium Cheng

Entre los títulos que encontramos este año dentro de la sección TOPS destaca una película como “Tangerine”, film que opta a cuatro Independent Spirit Awards; un trabajo harto curioso, pues está rodado íntegramente en Iphone 5. Precisamente, su director, Radium Cheng, estuvo presente en la rueda de prensa que se celebró ayer martes día 1, donde habló sobre el uso de las nuevas tecnologías de comunicación en el cine presente y futuro. En tándem con el también director Sean Baker, se recuperará su film “Starlet” que ya triunfó en el antes mencionado Independent Spirit Awards hace tres años. Así mismo, podremos ver películas multipremiadas como “Wildlike” de Frank Hall Green, “King Jack” de Felix Thompson,  o “Diggin for fire” de Joe Swanger, esta última con reparto de auténtico lujo (Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, e incluso Orlando Bloom entre otros). Destacamos también “The invitation”, de Karyn Kusama, última ganadora en el Festival de Sitges, y “Trumbo”, drama dirigido por Jay Roach centrado en la figura del gran guionista de cine Dalton Trumbo (encarnado por un magistral Bryan Cranston, inolvidable protagonista de la serie “Breaking Bad” y que ha sido nominado a un Oscar por este nuevo papel), que fue perseguido por sus ideas izquierdosas en el Hollywood clásico.

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“Trunbo” de Jay Roach

En el apartado NEXT, queremos mencionar títulos como “People, Places, Things” de James C. Strouse, que inaugura además el evento (será la única película del Festival que no se proyectará en los Cines Girona, si no en concreto, en el espectacular Phenomena). Se trata de una comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que se ve en la obligación de salir adelante criando a sus dos hijas tras el divorcio de su esposa. Igualmente, resaltamos la inquietante “They look like people” del debutante Perry Blackshear, “Yosemite”, opera prima de Gabrielle Demestere, basada en tres relatos de James Franco y que cuenta con él como actor protagonista en una de las historias, o “Take me to the river” de Matt Sobel, film que a través de la radiografía de una familia muestra la dicotomía existente entre el modus vivendi rural y el cosmopolita.

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“People, Places, Things” de James C. Strouse

Por lo que se refiere a la sección SHORTS, tendremos la posibilidad de ver trabajos como el lynchiano “Footprints”, del ya veterano Bill Plymptom, o “Everything & everything & everything” dirigido por Alberto Roldán y protagonizado por Shane Carruth, autor del fascinante largometraje “Primer” (2005). También destaca en la selección “Interesting ball”, película codirigida por Dan Kwan y Daniel Scheinert, polémicos ganadores a la mejor dirección en el último Festival de Sundance con “Swiss army man”.

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“Interesting ball” de Dan Kwan y Daniel Scheinert

Finalmente a destacar en la flamante nueva sección DOCS títulos como “In Jackson Heights” del celebrado autor de “National Gallery” Frederick Wiseman, quien nos lleva al barrio más intercultural de Nueva York,  “Blood brother” de Steve Hoover, sobre Rocky Braat, un joven que después de un viaje a la India descubrió que su vida solo tenía sentido ayudando a niños huérfanos con SIDA, o “Prophet´s Prey”, documental en clave de thriller sobre una secta polígama, dirigida por Amy Berg, la responsable de “Janis”, estupendo documental sobre Janis Joplin que se pudo ver en la última edición del In-Edit Festival.

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“In Jackson Heights” de Frederick Wiseman

Ya hemos mencionado que el Festival programa actividades paralelas como el “Americana kids” dedicado a los niños. También se realizarán talleres y mesas redondas, como “El crítico al desnudo”, sobre crítica cinematográfica,  o “Funambulistas americanos”, actividad dedicada a reflexionar sobre qué se entiende como cine independiente americano (a celebrar  ambas cosa en La casa del cine).

Toda la programación al completo (recordándoos que salvo la inaugural, el resto de proyecciones del festival se realizan en los Cinemes Girona) con sus horarios, la podéis encontrar clicando en el siguiente enlace:

Web de Americana: Festival de Cine Independent Nord-Americà/Horarios de proyecciones

Ricard.

Os dejamos con esta graciosa presentación del Festival:

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“Sicario”: El Estado fallido.

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Hemos disfrutado con este gran film, dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y protagonizado por Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin, con guión de Taylor Sheridan.

Siguiendo la estela del extraordinario “Amexica” del periodista Ed Vulliamy y de la mas reciente “Cero Cero Cero” de Roberto Saviano,  la película, a partir de un argumento más o menos anecdótico -una sucia operación secreta para dar caza a un narcotraficante en el interior de México-, nos presenta con toda su intensidad y crudeza la durísima guerra de la droga que se disputa a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos.

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Esta espeluznante guerra, que ya sólo es noticia cuando uno de sus episodios alcanza niveles mayores de los habituales (la masacre de los estudiantes normalistas, por ejemplo), es retratada con maestría en la película.

Así, observamos como la guerra de la droga es fruto, en buena parte, de la pobreza. Con gran parte de la población sumida en la miseria y con escasas alternativas al tráfico de droga, los habitantes de ciudades como Juárez  ven que el poder real no lo ejerce el Estado sino los narcotraficantes, quienes gobiernan con mano de hierro esos dominios, extorsionando a quien no quiere colaborar con ellos (incluída la policía) y aplicando castigos “ejemplares” a aquellos que se atreven a contrariarlos. La brutalidad es representada en el film no como una elección sino como un mecanismo de sometimiento y una amarga adaptación al medio.

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En medio de ese caos, las autoridades, si quieren ir más allá de apresar al camello de barrio, no tienen más remedio que recurrir a la guerra sucia, incluyendo la utilización de miembros de bandas rivales (estupendo Benicio del Toro en su papel de antiguo miembro de una banda colombiana que ya no tiene nada que perder) para llegar hasta los capos. Emily Blunt interpreta con su habitual buen hacer el papel de policía convencional y bastante ingenua que tarda en comprender los métodos que un heterodoxo y cínico jefe del comando, Josh Brolin, tiene en mente.

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La cuidada elección de las localizaciones, la fotografía que transmite la calurosa e inmisericorde luz del desierto de Sonora, los papeles secundarios, con personajes que parecen realmente haber surgido de cualquiera de esas temibles bandas, nos transportan hasta ese desolador panorama de frontera y guerra despiadada; la escena con el capo cenando junto a su familia en su lujosa villa, ajeno a toda la desolación que sus implacables órdenes han generado, es un amargo epílogo a la película y resume la injusticia de esta guerra donde los que caen son, como siempre, los más débiles e indefensos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la película “Sicario”

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L’Alternativa y Barcelona Pensa: Cine independiente y Filosofía en Barcelona.

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Del 16 al 22 de noviembre tendrá lugar L’Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona. La 22ª edición de este certamen ofrecerá un amplio abanico de largometrajes y cortometrajes dentro de sus diversas secciones, dos retrospectivas muy a tener en cuenta (Hubert Sauper y Lucrecia Martel) y un sinfín de actividades para profesionales, actividades, talleres y laboratorios. Tiene cinco sedes: el CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona), la Filmoteca de Catalunya, el Institut Francès de Barcelona, el Crater-Lab y Zumzeig Cinema.

En la sección oficial del festival compiten 10 largometrajes y 22 cortometrajes internacionales entre los que destacamos:

Mauro” (Dir. Hernán Rosselli – Argentina – 2014 – 80′)

De manera sencilla, intimista y con unos diálogos sin artificios, la cinta cuenta la historia de Mauro, que es un “pasador”, alguien que compra cosas, no importa qué, para pasar billetes falsos.

Proyecciones: Martes 17 de noviembre a las 17h y viernes 20 de noviembre a las 20.15 en el CCCB.

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The iron ministry” (Dir. John Paul Sniadecky – EUA – 2014 – 83′)

Rodada durante más de tres años en las vías del tren de China, este filme rastrea el immneso interior de un país en movimiento constante: carne y metal, golpes y chirridos, claros y oscuros, gesto y lenguaje.

Proyecciones: Jueves 19 de noviembre a las 17 h y domingo 22 de noviembre a las 18.30 en el Auditori del CCCB.

The Sky Trembles and the Earth is Afraid and the Two Eyes Are Not Brothers” (Dir. Ben Rivers – RU – 2015 – 98′).

Ésta es una de las perlas del festival. Bella, poética y sorprendente cinta rodada en Marruecos que mezcla diversos géneros (documental, ficción y fábula) y piezas (un cuento de Paul Bowles y  grabaciones del rodaje de una película de Oliver Laxe, que también es uno de los protagonistas). Un viaje hacia el interior del cine, una peligrosa aventura.

Proyecciones: Viernes 20 de noviembre a las 20h y sábado 21 de noviembre a las 17.45 en el Auditori del CCCB.

Para más información clica abajo:

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Y simultáneamente, del 16 al 21 de noviembre, tendrá lugar el Festival de Filosofía Barcelona Pensa, que celebra su 2ª edición, un festival que surge de una propuesta de la Facultad de Filosofía de la UB (Universitat de Barcelona) con el objetivo de difundir, acercar y transmitir la filosofía, apostando por el derecho a la filosofía como trazo de una cultura crítica y participativa.

Barcelona Pensa está dirigido por Laura Llevadot y coordinado por Martha Palacio Avendaño y Ester Jordana.

En el marco del festival, se proponen diversas actividades, entre otras, como:

El filòsof metge i el filòsof artista” – Llibreria Calders –  lunes 16 de noviembre a las 18h.

Presentación de “El naixement de la Tragèdia” de Friedrich Nietzsche editado por Cedres Vermells y “Jo! Memòries d’un metge filòsof” de Prudenci Bertrana editado por Ela Geminada. Entorno a la cura del alma, de uno mismo y de los otros, de la fortaleza, la autenticidad y la soberanía de un yo que afirma la vida sin negar el dolor y el sufrimiento.

Conferencia a cargo de Joan Ferrarons i Llagostera (Cedres Vermells),  Josep Monserrat Molas (UB) y  Víctor Pérez i Flores (filósofo). Presentada por Ester Jordana.

Pensament xinès Casa Asia –  martes 17 de noviembre a las 19h

Un acercamiento al pensamiento de una civilización milenaria, que ayudará a comprenderlo mejor.

A cargo de Antoni Prevosti Monclús (UB). Presentada por Martha Palacio Avendaño.

También en Casa Asia habrá otra conferencia, Filosofia japonesa, el viernes 20 de noviembre a las 19h, a cargo de Montserrat Crespin (UB, UAB),  Alfonso Falero Folgoso (Universidad de Salamanca) y Carles Prado i Fons (UOC). Presentada por Alina Mierlus.

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Peter Szendy (Paris, 1966) es autor, entre otras obras, de “Sur écoute. Esthétique de l’espionnage (2007), “Écoute, une histoire de nos oreilles (2001) y “Tubes. La philosophie dans le juke-box” (2008).  En esta sesión se reflexiona sobre pensar a través de la escucha y sus connotaciones estéticas y políticas.
A cargo Peter Szendy (filósofo y musicólogo, Université Paris X) y presentación de Arnau Horta (curator).

¿Cuál es la línea que separa el pensamiento capaz del incapaz, el pensamiento normal del anormal? Visita el festival la Escola de Pensament Lliure de València, una escuela alternativa que integra profesorado, personas con discapacidad intelectual, familiares y personal de apoyo donde se trabaja mediante el diálogo socrático. Primero se realizará un Taller de Pensamiento Libre y luego se abrirá un debate en torno a la discapacidad intelectual y sus límites.

A cargo de MªLuisa Alcañiz (Escola Pensament Lliure),  Cristina Arroyo (antropòloga),  Juan Endara (antropòleg, Dincat), Núria S. Pardo (antropòloga),  Marina Sánchez (Escola Pensament Lliure),  Fátima Álvarez (Escola Pensament Lliure) y  Asun Pié Balaguer (UOC). Presentado por Ester Jordana.

Más información clica abajo:

Web de Barcelona Pensa

Laura.

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“Irrational man”: Un Allen nada desdeñable.

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Empieza a resultar un tópico decir que las películas de Woody Allen, de un tiempo a esta parte, resultan sistemáticamente mediocres o directamente malas. Incluso antes del estreno anual al que el cineasta neoyorkino nos tiene acostumbrados, ya sabemos que buena parte de la crítica especializada y del público va a darle rápido carpetazo al nuevo trabajo de Allen sin que tan siquiera se hayan dignado, en muchos casos, a pasar por una sala de cine para ver la película en cuestión. Y sin embargo, a nosotros nos parece que el nivel medio de los títulos que el director ha realizado en los últimos tres lustros largos es, cuanto menos, notable; algo que, teniendo en cuenta su ritmo de producción, resulta de lo más meritorio. Es verdad que, salvo por la excepción de algún film aislado como “Match point”(2005) —quizá la película menos “alleniana” junto a “Interiores” (1978), “Septiembre” (1987) y “El sueño de Cassandra (2007) de la filmografía del realizador—, no hay un título que sobresalga especialmente entre todos los estrenados en este periodo de tiempo, e incluso hay que admitir que encontramos alguno —pensamos en concreto en “Vicky, Cristina, Barcelona”(2008)—, que sí merece ciertamente el calificativo de mediocre.

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Sin embargo, en la mayoría de ellos sigue existiendo la impronta que, desde principios de los años 70, una vez superado un primer tramo de carrera cinematográfica repleto de títulos puramente cómicos, ha hecho grande al cine de Allen. Esto es: los imaginativos planteamientos argumentales de sus películas, la concreción, precisión y ritmo narrativo inalterable con que se desarrollan, la sabia, casi invisible (en el mejor sentido de la expresión) puesta en escena de sus films, la naturalidad y buen hacer que extrae de la mayoría de sus actores, etc.

Si bien sus más recientes trabajos basculan entre distintos géneros (más cercanos a la comedia unos, más dramáticos otros), “Irrational man”, última película del director, nos parece un buen ejemplo de lo que viene siendo el cine de Woody Allen desde hace un tiempo. En él encontramos, no solo los elementos antes descritos, si no alguno más que viene repitiéndose de forma remarcable en este postrero trecho de su carrera, como un gusto casi esteticista por el encuadre cinematográfico, algo que, si bien forma parte en general de su personalidad como realizador, se ha intensificado particularmente en su cine más reciente. Y es que Allen siempre ha tenido muy buen ojo tanto para escoger los escenarios donde acontecen sus películas (sea en su habitual New York o en otros parajes), como en elegir técnicos capaces de dar respuesta a sus exigencias en el ámbito de la fotografía.

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En la película además continúan presentes las obsesiones del autor: sus reflexiones sobre el amor, el sexo, el vacío de la existencia y muy particularmente el sentido (o no) del crimen como forma de quebrantamiento moral capaz de salvar, redimir o dar incluso sentido a la vida de una persona; ponderaciones que ya aparecían en films como el antes mencionado “Match point” o en el aún más afinado “Delitos y faltas” (1989). Aquí es un profesor de filosofía recién llegado al campus de una universidad que le ha contratado quien se plantea esta última cuestión con la intención de salir de una dinámica de autodestructiva desazón existencial. El personaje, interpretado por Joaquin Phoenix, quien logra darle una personalidad propia obviando los habituales histrionismos imitativos de Allen a los que suelen recurrir los actores principales de sus películas como si se vieran en la obligación de, en cierta forma, substituir en la pantalla a éste, nos habla por momentos directamente con voz en off, un recurso que se extiende también a su comparsa femenina encarnada por la muy expresiva Emma Stone. De esta forma, el espectador se ve guiado por dos voces distintas, dos puntos de vista diferentes que, de forma equívoca, parecen confluir en un momento de la película para separarse después hasta llegar a un final (obviamente, no lo vamos a desvelar aquí) tragicómico. A diferencia del protagonista de “Match point”, el cual sentía una gran sensación de culpabilidad por los crímenes que había cometido, el de este film no muestra el más mínimo arrepentimiento por lo que hace; todo lo contrario: se siente liberado y feliz. Allen crea un diálogo inteligente entre esa forma de transgresión y el convencionalismo que acaba mostrando el personaje de Stone; como si se tratara de las dos voces que pudieran enfrentarse en nuestra cabeza ante un dilema ético. Las conclusiones finales, a pesar de un cierre de la película que podría pasar incluso por moralista (a nosotros nos parece en realidad maliciosamente sarcástico o incluso cínico), quedan  en manos del espectador.

Un film, en suma, plenamente recomendable.

Ricard.

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“American Sniper”: Las raices emocionales del conservadurismo.

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La película “American Sniper” (traducida por “El francotirador” aunque el adjetivo American, a semejanza de la gran “American Psycho“, no sea en absoluto irrelevante), dirigida por Clint Eastwood y escrita por Jason Dean Hall, se basa en la autobiografía de Chris Kyle, un francotirador estadounidense que, tras servir en Irak, fue asesinado por un veterano paranoico (el juicio por los hechos ha tenido lugar hace poco). La película está protagonizada por Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Kyle Gallner, Sam Jaeger, Jake McDorman, Kevin Lacz, Cory Hardrict y Navid Negahvan.

Ya hemos leído muchas críticas que tratan esa película con el típico distanciamiento intelectualoide del que se cree demasiado refinado para según qué plato, y por supuesto no vamos a ir por ese camino; ciertamente quien busque argumentos profundos, críticas políticas, giros insospechados o refinamientos intelectuales, mejor que no vaya a ver la película, recomendable en cambio para quien quiera comprender algunas de las claves del pensamiento conservador estadounidense.

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A partir de una reflexión del protagonista, para quien el mundo se divide en lobos, pastores y ovejas, -concepción del mundo como eterna lucha entre buenos y malos tan propia del conservadurismo-, la película subraya el papel central que los valores militares y el ejército juegan en los Estados Unidos, y más concretamente en Texas (en la película, en los barracones de las fuerzas especiales desplegadas en Irak no veíamos banderas estadounidenses, sino banderas del Estado de la estrella solitaria).

El militarismo de los Estados Unidos ha sido tan vilipendiado y caricaturizado que hasta hemos olvidado la esencia del mismo. Con todos sus defectos y virtudes, Estados Unidos es uno de los países que más se analizan a sí mismos, autocrítica que está en cambio alejada de otros modelos que muchos “progres” se dedican a encomiar. Miles de películas, movimientos políticos y sociales, investigaciones, filtraciones, han sacado a la luz sus miserias, que en otros países permanecen escondidas bajo tupidos velos. Si Estados Unidos defiende –nos dice el pensamiento canónico dominante- a sus multinacionales, otros defienden medievales concepciones religiosas o dictaduras corruptas. A partir de ahí, incluso admitiendo que los soldados americanos fueron a Irak a luchar por el petróleo, nos siguen pareciendo mejores que sus enemigos que en vez de pasar los fines de semana en la bolera del centro comercial se los pasan destruyendo monumentos.

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Los occidentales, nos pese o no, tenemos interiorizados unos valores que tienen mucho que ver con los de los norteamericanos, es decir, con democracias liberales: en España concretamente cada vez hay más conciencia de reivindicaciones sociales frente al poder político, de la libertad de expresión, de prensa… y acerca de las denostadas multinacionales, lo cierto es que si la gente no compra más en ellas es por la crisis, no por falta de ganas…

Con esas coordenadas, el protagonista, que por supuesto jamás escribirá un libro de filosofía pero que pretende ayudar a través de la acción y no de la contemplación, va a la guerra imbuido de un sentido del deber que le hace presentarse voluntario hasta en tres ocasiones, y de un sentimiento de protección de sus camaradas, a los que juzga menos preparados. La película se centra en la tensión emocional de quien debe dedicarse a proteger a soldados con la obligación de abatir a cualquiera que los amenace, ya sea hombre, mujer o niño. Víctima del estrés postraumático, cuando regresa temporalmente a casa tras cada misión, no logra adaptarse a la vida civil y familiar.

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Pese a sus detractores, la grandeza de la película reside en que los militares no son presentados como superhéroes sino como personas a las que, por más duros que intenten ser, el contacto diario con la muerte y la crueldad les acaba destruyendo, como precisamente le pasó al protagonista, cuya vida fue prematuramente sesgada por otro veterano enloquecido por el horror de la guerra. Gran interpretación de Bradley Cooper, que subraya la incapacidad del protagonista de alejarse emocionalmente del horror que estaba viviendo.

En definitiva, “American Sniper” es una película que nos presenta con marcado realismo una perspectiva, la de los soldados de élite, que es olvidada por incómoda y políticamente incorrecta, pero que forma parte de la realidad.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web oficial de la película “American Sniper”

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“Birdman”: El sentido último del arte.

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Poco esperábamos algunos del director mexicano Alejandro González Iñárritu después de la maniquea y tramposa “Biutiful” (2010). En aquel film protagonizado por Javier Bardem (casi lo único salvable de la película) y que transcurría en una sórdida Barcelona, el realizador parecía querer radicalizar su habitual mirada crítica sobre el mundo globalizado actual, los contrastes sociales, el injusto reparto de la riqueza que lleva a tantos al abismo de la miseria y la delincuencia. Pero a diferencia de otros títulos pretéritos del autor como “Amores perros”, el film rezumaba una artificiosidad dramática que acababa por dar al traste con cualquier amago de verosimilitud que hiciese posible al espectador conectar realmente con aquello que se mostraba en la pantalla.

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En las antípodas de “Biutiful”, el nuevo título de Iñárritu, “Birdman”, ha resultado ser toda una gran sorpresa cinematográfica llena de frescura, ingenio, emoción y una exultante creatividad visual puesta al servicio de la historia que se nos cuenta. Ésta no es otra que la de un actor en horas bajas (genial histrión Michael Keaton, verdadera alma de la función), que pretende recuperar el prestigio perdido por haber protagonizado diversas películas de una saga de superhéroes en los años 90, dirigiendo y encabezando el reparto, en un teatro de Broadway, de la adaptación escénica de uno de los relatos del gran escritor norteamericano Raymond Carver; en concreto “¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?”.

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Iñárritu ha dirigido el film casi de principio a fin como si de un largo travelling se tratara, sin que aparentemente haya un solo corte, ni trabajo alguno de montaje. Lejos de la gratuidad, el realizador consigue con ello sumergirnos en el frenético y atormentado estado mental del protagonista de la película, sin menoscabo de obtener momentos de magnificencia visual y lograda comicidad. Con la ayuda imprescindible de un impresionante elenco actoral (ya hemos mencionado a Keaton, pero todos y cada uno de los intérpretes roza la perfección), una  brillante banda sonora de percusión jazzística, y una creativa fotografía, el film consigue el doble propósito de ser, al mismo tiempo, divertido y conmovedor, sin perder de vista esa perspectiva crítica que forma parte del perfil autoral del director y que aquí, a diferencia de lo que sucedía en “Biutiful”, está abierta a distintas interpretaciones. En este sentido, las reflexiones sobre los sinsabores del éxito y la popularidad, el papel de las redes sociales y nuevas formas de comunicación en nuestra vida cotidiana, o el sentido último del arte, están presentes para que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones de ello.

En definitiva, una película que, si no llega a ser una obra maestra, se queda a las puertas de conseguirlo. No os la perdáis.

Ricard.

Trailer oficial de “Birdman”

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