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“Odisseus”: Simbiosis con el escenario.

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Pocas veces hemos asistido como hace unos días en la Sala Beckett a una conjunción tan perfecta de una obra con su puesta en escena y con la propia sala. Cuando uno piensa en la “Odisea” de Homero le viene a la cabeza un lenguaje arcaico, un ritmo narrativo ajeno y distante. El trasfondo ingenioso y sutil de los clásicos queda envuelto en esa nebulosa de ajenidad y muchas veces no nos permite apreciar con justicia esas colosales narraciones patrimonio de la humanidad.

La versión de la compañía Teatre Tot Terreny, de Pau Matas, Oriol y Quimet Plà, con dirección de este último en la Sala Beckett, en cambio, logra con creces llegar al espectador.  Ya para comenzar con el cautivador escenario de la Sala Beckett, esas paredes descascarilladas, ese aire como desangelado de pabellón industrial reconvertido le quedan como un guante a la obra.

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La amplitud de la Sala permite que las épicas batallas entre aqueos y persas se desarrollen con pasmoso realismo. Las escenas de Penélope acechada por sus pretendientes, Ulises sufriendo ante los envites de las sirenas, o la plástica y brillante lucha con Polifemo, constituyen una pieza que nos ha deleitado.  El espectacular efecto sonoro de la orquesta de Marc  Giró, Pau Matas, Miquel Perez, Celia Rovira y Aina Valles, se erige como un muy acertado hilo conductor de la obra, a la que su director logra con creces imponer un ritmo trepidante y ágil.

La soberbia interpretación del conjunto de actores y actrices y la riqueza de recursos de la representación, con muñecos articulados, escenas de lucha con brillante coreografia, danza, cantos, y la gran cantidad de intérpretes, nos permiten señalar la obra como uno de los hitos de la temporada y sólo nos queda lamentar que sólo se represente hasta el 8 de enero.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la Sala Beckett/Información sobre “Odisseus”

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“Les males persones”: El clásico de Schiller en El Maldà.

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Nos ha sorprendido gratamente El Maldà con esta versión del clásico de Schiller “Die Räuber”, traducido aquí libremente como “Les males persones“, escrita y dirigida por Carles Maiol. 

Una de las historias clásicas del romanticismo alemán,  paradigma del movimiento artístico Stürm und Drang, y a su vez uno de los temas universales desde Caín y Abel, la obra nos presenta el cruel enfrentamiento entre los dos hijos del conde Max von Moor (Carles Gilabert); la lucha fraticida entre el menor, Franz (Pep García Pascual) y el primogénito Karl (Santi Monreal). El hijo mayor y heredero legal del conde, que ha partido a estudiar a otra ciudad, se ve compelido primero  a la clandestinidad y después a la delincuencia a causa de las deudas contraídas. Así que el hijo menor se ve libre del heredero y decide intentar aprovechar la circunstancia para intrigar contra él: hacerse con el título y el patrimonio de su padre, ayudado por Hermann (Pau Ferran), enamorado de Amalia (Ester Cort), que a su vez ama a Karl.

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La compañía Parking Shakespeare capta perfectamente la esencia romántica de la obra, con una gran y precisa  actuación coral.  El anciano padre, un apabullado y entristecido Carles Gilabert, asiste a las intrigas de Franz y vive con dolor la ausencia primero y supuesta muerte después de Karl.

Nos ha parecido un mérito enorme atreverse con uno de los clásicos del romanticismo alemán en un espacio de pequeño formato, con un resultado excelente y muy creíble. Carles Maiol ha sabido plasmar con acierto, ayudado por el talento de los actores y actrices que forman esta rigurosa compañía, los conflictos que planteó Schiller en su su obra y que nos remiten igualmente al autor que da nombre a la compañía: envidia, ambición, amor, lealtad, culpa, pasión, engaño… son las cartas de presentación de esta obra que nos evoca una época, la de finales del siglo XVIII, en que los avances científicos se enfrentaban al mundo antiguo, como en la obra se enfrentan pasión y razón, el carácter calculador y frío de Franz con la vitalidad desatada de Karl, que vuelve de su refugio en el bosque, cual el shakesperiano Falstaff, a reclamar lo que no debió serle arrebatado, el amor de su padre y de Amalia.

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La obra se representará en El Maldá hasta el 29 de septiembre, así que si queréis disfrutar del clásico debéis apresuraros.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de “Parking Shakespeare”

Web de El Maldà

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“Romeu i Julieta”: Clásico natural.

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La dificultad que tiene la representación de los clásicos es la tentación de caer en el anquilosamiento y la declamación, errores que crean una barrera entre el escenario y el público, de modo que éste se aleja indefectiblemente de la historia, la contempla como algo ajeno, alejado y pasado de moda.

Pues bien, en esta ocasión la adaptación de Marc Chornet y Anna Maria Ricart, producida por Projecte Ingenu con dirección de Chornet,  no cae en ninguno de esos errores.

Nos ha sorprendido gratamente la extraordinaria fluidez imprimida a la representación, el desparpajo con el que la compañía se ha volcado en la interpretación del clásico y el magnífico resultado obtenido.

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La escenografía minimalista de Laura Clos, que ha optado por un espacio modular donde una estructura metálica cumple funciones de alcoba, de escenario dentro del escenario,  de muro o de torreón, así como el vestuario vagamente fabril de la misma Laura Clos, contribuyen a la credibilidad de la obra, que huye de toda grandilocuencia para presentarnos unos personajes muy humanos, con un punto caricaturesco en los personajes de la madre y la nodriza de Julieta, interpretados por hombres.

Nos han gustado también mucho las coreografías de Víctor Rodrigo, como las de la escena de la fiesta de los Capuletos o la de la lucha entre Benvolio y Tibalt.

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Deliciosa ha sido la caracterización como mujeres, siguiendo la tradición shakespiriana,  de Martí Salvat, fantástico en su papel de Lady Capulet, madre de Julieta, y de Toni Gullemat en el papel de nodriza.  Igualmente la lucha entre los Montagut capitaneados por Benvolio (Alba José)  y los Capuletos capitenados por Tibalt (Marti Salvat).

E impecables, frescas y apasionadas son las interpretaciones de Clàudia Benito (Julieta), Carlos Cuevas (Romeu) y Rosa Serra (Mercucio). También están muy acertados Jordi Llordella en el papel del padre de Julieta y las actrices Roser Tapias y Neus Pàmies en sus múltiples papeles.

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La ciudad de Verona es el escenario de esta enconada lucha entre clanes, lucha a la que el príncipe (Roser Tapias) pretende poner orden, sin demasiado éxito a pesar del exilio forzoso de Romeo.  Y en medio de las lealteades de clan, el amor de dos adolescentes brilla con luz propia y vence a los huecos prejuicios. La escena final del simbólico entierro de los amantes de Verona, es también símbolo de la superación del odio.

La obra estará en La Seca Espai Brossa hasta el 12 de junio y es una ocasión irrepetible de disfrutar de una versión del clásico fluída, creíble y encantadora.

Actualización: “Romeu i Julieta” regresan a La Seca Espai Brossa del 7 de diciembre de 2016 al 8 de enero de 2017.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de La Seca Espai Brossa/Información sobre “Romeu i Julieta”

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“Falstaff”: Solemne y mundano.

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Falstaff en uno de los personajes arquetípicos de Shakespeare: borrachín y pendenciero, que aparece en las dos partes de la obra “Enrique IV“, en “Enrique V” y en “Las alegres casadas de Windsor“.

El recientemente aupado al poder rey Henry (excelente Mingo Ràfols), asiste en su reino a la rebelión de un grupo de nobles. El jefe de los rebeldes, Henry Pery “Hotspur” (gran interpretación de Emilià Carilla, que también interpreta al fiel Baldorph), se ha levantado en armas para derrocarlo.

Mientras tanto, el hijo del rey, El príncipe Hal (Jordi Sanosa, que nos ha sorprendido gratamente), lejos de apoyar a su padre en la guerra pasa el tiempo por las tabernas con un grupo de amigotes, aprovechándose de la buena fe de la tabernera (gran Mercé Managuerra), sin pagar el precio de la habitación, e ideando mil maldades y astucias para apropiarse de lo ajeno.  Y el capitoste de la cuadrilla con los que se codea el príncipe Hal es Sir John Falstaff (Francesc Orella), magnífico en su papel de  personaje patibulario y caradura, el clásico vividor del género picaresco.

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En este Falstaff dirigido, traducido y adaptado por Konrad Zschiedrich (de quien ya hablamos en relación a su magnífica “Rieter, Dene, Voss” ), nos encontramos con que el escenario principal, iluminado con claridad, da paso a otro escenario secundario, con iluminación tenue. Las escenas que se desarrollan en esos dos escenarios paralelos difieren mucho: mientras en la primera, inspirada más directamente en la segunda parte del Henry IV, la escena recrea un patio de Monipodio,  pícaro  y desenfadado, con Falstaff como cabecilla de una troupe ocupada en robar y engatusar a la tabernera, en la segunda, en la penumbra, nos introducimos en el hiératico palacio donde, sin descanso, el rey aguarda la llegada de los rebeldes para presentar batalla.

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El nexo es el príncipe Hal, que aunque hace buenas migas con Poins (encantador Jordi Robles), no olvida sus obligaciones reales.  Las deliciososas intentonas del Lord Justice (Xavier Capdet), de interceder por su amigo, no hacen sino echar leña al fuego. En la lucha final, en la que también participa Falstaff, vemos como esos dos mundos, en apariencia tan desconectados, se unen en dramática síntesis. Se trata de un montaje clasicista, riguroso, que huye de resúmenes para recrearse en el universo shakesperiano, con la figura de Sir John Falstaff como eje y epítome de la tradicional balanza del bardo, aquella en la que lo trivial, lo mundano, se cruza con lo heroico y grandioso. Completa el reparto una divertida y seductora Teresa Vallicrosa (también formó parte del reparto de “Ritter, Dene, Voss” junto a Emilià Carilla y Mercè Managuerra) y Rafel Ramis.

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El resto del equipo artístico hace un trabajo impecable: Marc Chornet como ayudante de dirección y en el diseño de sonido, Marta Olivella en la regiduría, Ricard Prat i Coll en el diseño de espacio y vestuario, Alberto Rodríguez en el diseño de iluminación, David Ruano en la fotografía, Gabriella Dilorenzo como productora ejecutiva, Rita Molina como asistenta de dirección, Pau Tebar como ayudante de escenografía, Guille Góngora en los elementos escenográficos y Judith Torres como ayudante de vestuario.

La obra estará hasta el 20 de marzo en el Teatre Akadèmia.

Ignasi y Laura.

Pata más información clica abajo:

Web del Teatre Akadèmia/Información sobre “Falstaff”

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“L´avar”: Comedia con trasfondo dramático.

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Hemos asistido en el Teatre Goya de Barcelona a la representación del célebre texto de Molière, a su vez basado en la obra del autor latino Plauto, “Aulularia o la comedia de la olla”, y nos ha encantado encontrar a un Joan Pera lejos de sus habituales registros de comedia pura, para adentrarse en un papel amargo.

Un viejo avaro y usurero,  Harpagon (Joan Pera) concibe el ridículo proyecto de casarse  -naturalmente para hacerse con la dote- con Mariana (Elena Tarrats), de la que su hijo Cleante (Manu Fullola)  está enamorado. La otra hija, Elise (Júlia Barceló), está mientras tanto prendada de Valeri (Ricard Farré), el mayordomo de su padre, aunque éste le tiene reservado a Anselm (Josep Minguell) como marido.  La celestina Frosina (Alba Florejachs) en principio contratada por Harpagón para facilitar sus pretensiones sobre Mariana, terminará mediando entre los demás jóvenes enamorados. A todo esto, el mestre Jaume (Manel Dueso) cocinero y enemigo de Valeri, echará más leña al fuego azuzando a Harpagon contra el mayordomo.

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Así pues nos encontramos en apariencia con una comedia que sigue los patrones clásicos de enredos, intrigas y solución final, pero como decimos, es sólo una apariencia. Entre juegos, ridículas poses (genial escena en que Frosina pretende convencer al viejo de que puede agradar a Mariana) y líos de casa burguesa, lo que aparece, poco a poco, al principio solamente esbozado pero de forma creciente a lo largo de la obra, es la figura de un hombre, Harpagón, que en su vejez tiene el corazón cerrado a los anhelos de sus hijos, que sólo piensa ridículamente en su olla de oro (la escena cumbre de la obra probablemente sea aquella en que Harpagón piensa que Valeri ha robado la olla de oro, y se entabla un dialógo equívoco en que el joven habla del amor y el viejo piensa que aquél habla de su dinero, enterrado en el jardín) y que envilece todo con su esperpéntica avaricia.

La clave de la obra es que la actitud de Harpagon, aunque exagerada, no es en absoluto inverosímil. El abyecto trato usurario que quiere dispensar a su propio hijo, los mezquinos ahorros en su proyectado convite, el modo como escatima un favor a Frosina, quien le está ayudando, todo eso no es una mera hipérbole, una licencia del autor para arrancar una sonrisa del público. No. Es un retrato de una familia en que el padre ha abdicado de adoptar el rol de figura tierna y generosa (que acaba encarnando Anselm) que se supone a todo padre, y que en cambio actúa como una alimaña, una sanguijuela egoísta y tacaña. Joan Pera borda este papel. Consigue un meritorio equilibrio entre su registro suave y un punto tierno (ese que tantas veces le hemos conocido), con un trasfondo de personaje cicatero y roñoso, avaro y miserable.

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El resto de actores y actrices interpretan la perfección a sus personajes, con un Josep Minguell  que es el contrapunto al avaro, un Manuel Dueso que encarna la figura del criado mezquino que medra a la sombra de otro como él, de una Alba Florejachs en su papel de celstina  quien sus esfuerzos por adular al viejo miserable sirven de bien poco, y unos jóvenes Ricard Farré, Manu Fullola, Elena Tarrats y Julia Barceló, que en sus respectivos papeles enseñan como la vida puede ser impulsada por fines mucho más elevados que los del viejo. Completan el reparto unos divertidísimos Oscar Castellví y Xavi Francés como comisario que es un convidado de piedra a quien el avaro pretende usar en su provecho (como al resto.)

Encontramos muy acertadas tanto la adaptación de Sergi Berbel como la dirección de Josep Maria Mestres, que respetan y enriquecen el original. Todo ello nos lleva a recomendar sin duda esta obra intemporal, con un enorme Joan Pera, que hará las delicias a los amantes del teatro clásico.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Goya/Información sobre “L´avar”

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“El rei Lear”: La peor de las batallas.

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En esta ocasión hemos asistido en el Teatre Lliure de Montjuïc a una de las obras teatrales más representadas de la historia, un espectáculo que nos encara con grandiosidad con la lucha entre bien y mal, entre por un lado el cálculo interesado, ambicioso y egoísta y por el otro, la nobleza, la honestidad y la lealtad: “El rei Lear“.

Como línea divisoria entre el bien y el mal, el mítico rey Lear, encarnado esta vez por una enorme Núria Espert (el haber elegido una actriz para el papel, además de una referencia inversa a la propia tradición shakesperiana, confiere acertadamente al personaje un aire de irrealidad que subraya su locura, a lo que también contribuye el grotesco personaje del bufón, interpretado por Teresa Lozano, que siempre le acompaña). El sueño de la razón produce monstruos, y así sucede cuando el viejo señor decide repartir sus dominios entre sus hijas, concediendo ventaja a quien le confiese más amor, con la esperanza de que su favorita, Cordelia (Andrea Ros) ganará la partida; cuando ésta prefiere la sinceridad a la adulación por la que optan sus hermanas, Goneril (Miriam Iscla) y Regan (Laura Conejero), con el consiguiente destierro de Cordelia, se abren las puertas del descenso a los infiernos en que gradualmente se transforma la obra.

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La maldad se encarna magistralmente en el personaje de Edmund (David Selvas) hijo ilegítimo del entrañable y noble duque de Glouster (Jordi Bosch), en las adúlteras y crueles Goneril y Regan, en el  marido de Regan, el duque de Cornwall (Òscar Rabadán) que tortura salvajemente al duque de Glouster, acusándolo falsamente de alta traición… El bien, por su parte, está encarnado por el hijo legítimo de Glouster, Edgar (soberbio Julio Manrique), encantador cuando se transforma en Tom, el vagabundo, para despistar a los hombres de su hermano; también por el fiel conde de Kent (Ramon Madaula), que para seguir a su viejo señor se disfraza a su vez de buscavidas…, por el duque de Albany (Jordi Collet), que comprende las maniobras de los demás y trata de impedirlas.

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La lucha es desigual y terrible: ya vemos a Regan y Goneril tratar con desprecio al monarca, ya Edmund maquina inmisericorde e hipócritamente para acabar con su hermano, ya asistimos con espanto al martirio de Glouster; pero la crueldad del mal es combatida por el amor, por el cariño con que Edgar trata a Glouster o a Kent y el bufón al rey Lear, o por la forma como Cordelia intenta evitar el desastre. Sobrecogidos asistimos acaso a la escena cumbre de la obra, cuando Edgar finge ayudar a su padre a suicidarse y en realidad lo salva, en una sobrecogedora manifestación de amor paterno filial.

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Lo acertado de la puesta en escena del director Lluís Pasqual es que no cae en absoluto en la declamación: a pesar de la densidad y complejidad del texto los actores transmiten sus sentimientos con sinceridad, manteniendo al espectador con el corazón encogido,  más pendiente de la historia que de la elegancia e ingenio con la que es contada, lo que seguramente es uno de los mayores elogios en lo que a representaciones de textos clásicos se refiere.

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El montaje nos ha encantado por su cuidada escenografía del propio Lluís Pasqual y de Alejandro Andujar (responsable también del vestuario). Los elementos minimalistas que subrayan la atemporalidad de la obra,  huyendo de espacios anecdóticos, como el acertado efecto del humo que asciende lentamente y queda suspendido, tenuemente iluminado, en diversas partes de la obra, el escenario alargado cual si se tratara de la nave central de una iglesia, contribuyen a dotar de contenido dramático a una obra que trata uno de los temas universales que tan bien narraba Shakespeare: la eterna guerra entre depredadores y gacelas, entre quienes no reparan en medios para conseguir sus objetivos, y quienes encaran la vida con sencillez y nobleza. Destacamos también a Eva Fernández en la caracterización y a Roc Mateu en el sonido.

Esta imprescindible obra estará en cartel hasta el 31 de enero.

Actualización: Lluís Pasqual ha recibido el Premio Max (XIX edición) a la Mejor adaptación o versión de obra teatral por “El rei Lear”.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Lliure/Información sobre “El Rey Lear”

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“MDA Medeas con cava”: La amargura de los celos.

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El dramaturgo y director Kleber Luiz Bosque y Teatre dels Argonautes nos presentan en el Àtic 22 del Teatre Tantarantana de Barcelona una estupenda “MDA Medeas con cava”, donde se revisita el mito griego y la tragedia de Eurípides.

La fuerza de las pasiones son la materia prima del teatro, y está en manos del director y los actores moldearlas para formar un conjunto creible y cautivador.  Tarea ardua, y más si se trata de adaptar una tragedia atemporal y universal.  Por enésima vez nos sorprende la clarividencia de los clásicos con argumentos, hace dos mil quinientos años, que parecen sacados de cualquier telediario.

Desde el inicio Kleber Luiz Bosque nos presenta sin concesiones la locura que embarga a la protagonista, una moderna Medea encarnada por Pepa (Mariona Casanovas) confinada en un psiquiátrico, custodiada por una inquietante enfermera (Aroa Toro), mientras suena una melancólica música brasileña.

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Y enseguida vemos que la locura de Pepa/Medea no es más que la infinita amargura por el abandono de su marido, Paco/Jasón, que como en el mito, la ha dejado por la joven y bella Glauca, la hija de Creonte.

Con extraordinaria fuerza interpretativa, se desarolla primero un febril diálogo entre la enfermera y la paciente, en la que se nos cuenta la rabia, la amargura, los celos, y por fin, el odio que siente la protagonista por su joven rival.

La venganza aparece primero como esperanza de recuperar a Jasón, en la encantadora escena de la comida, con una Pepa/Medea que se engaña a sí misma pensando en retorno del amado y un Jasón que definitivamente, como inapelable sentencia, ha dejado atrás a su esposa de tantos años.

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Pero ya el mito griego deja de serlo y se convierte en declaración de juzgado de familia, en atestado de violencia doméstica. Jasón “luchará por la custodia”.  En ese genial giro comprendemos que la oscura ley de vida por la que el hombre abandona a la mujer en busca de carne más joven es, en efecto, eterna, ahora como hace dos mil años. Ya sólo queda a Medea una postrera lamentación, un grito de amargura en que da cuenta de que ella, la mujer fuerte y digna, ha modelado como un hijo caprichoso al marido que la abandona, se lo ha dado todo, lo ha rescatado del barro para ofrecerle un mundo mejor obteniendo a cambio el destierro y el olvido. Y ante la injusticia, el espantoso desenlace que por desgracia no es solamente una creación literaria.

Tragedia en fin que escarba en la herida de la desagradecida condición humana, en un alma demasiado encadenada a las pasiones y en una locura como huida y desazón en respuesta a lo inexorable.

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Recomendamos esta obra de gran belleza narrativa, subrayada por unos acertados recursos musicales y visuales, y por el buen hacer de Mariona Casanovas (Medea), Aroa Toro (que encarna a la inquietante enfermera y a ratos a la propia Medea)  y David Font (Jasón).  Sabemos que no es fácil representar un clásico y podemos decir sin ápice de exageración que en esta deliciosa obra se ha conseguido.

Esta obra sólo estará hasta el día 11 de octubre en la cartelera barcelonesa.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Teatre dels argonautes/Información de Medeas con cava

Blog de Àtic22

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