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Josep Llimona en el MEAM: Noucentisme Simbolista.

Hace algunos días asistimos a la exposición que el MEAM (Museu Europeu d´Art Modern) está dedicando desde el pasado 3 de diciembre al escultor Josep Llimona, cuya obra, profusamente reproducida en panteones, parques, y viviendas particulares, forma parte del imaginario de muchos barceloneses.

De esta interesante muestra nos ha llamado la atención el modo magistral en cómo este artista aunó los principios del noucentisme,  -es decir,  la mesura, el pragmatismo y el sentido patriótico y religioso-, con el simbolismo romántico  precursor de las vanguardias, -dominante por ejemplo en su contemporáneo Aristides Maillol-. No en vano Josep Llimona fue uno de los fundadores del Cercle Artístic de Sant Lluc, grupo de artistas fuertemente influídos por sus creencias católicas, con Antoni Gaudí a la cabeza. Así, en la obra de Llimona, el pudor y la fe están muy presentes…  Sin embargo, algo tiene el escultor que trasciende la adscripción a uno u otro movimiento: en su obra podemos entrever con toda claridad unas pinceladas, un halo, una referencia a ese simbolismo que pretendía alejarse de la fiel representación de la realidad mediante la evocación de estados de animo, valores, o experiencias místicas o ascéticas.

La primera comunió, 1902, yeso policromado.

“La primera comunió”, 1902, yeso policromado.

Por ejemplo, en la obra “La Primera Comunió” en absoluto se nos presenta una imagen arquetípica y aséptica del sacramento, sino que sus protagonistas aparecen como sensuales bellezas arrebatadas de misticismo, en un estado de aparente extásis, con los labios entreabiertos en evocadoras poses. De algún modo cuesta imaginarse semejante despliegue de exuberancia espiritual y sensual en la casa de algún circunspecto fabricante como el que él mismo esculpió y pudimos disfrutar en la exposición.

Retrat d'un industrial de Terrassa, 1892, mármol

“Retrat d’un industrial de Terrassa”, 1892, mármol

En la escultura “Retrat d’un industrial de Terrassa“, por el contrario, de caracter más realista, en el que se representa a un señor de la floreciente burguesía téxtil terrassense, vemos reflejado el gusto historicista adquirido en la estancia romana del escultor; la gravedad y dignidad del gesto asemejan los de un magistrado romano y la escultura transmite la serenidad y seguridad de unos valores bien arraigados, de un pater familias que guía con mano firme los destinos de sus fábricas y su familia.

"Senador Romà", 1880, Bronce

“Senador Romà”, 1880, Bronce

La obra “Senador Romà” fue la primera realizada por el autor una vez obtenida una beca (llamada pensión en aquella época) del Ayuntamiento que le permitió marchar a Roma (a la que le faltaba poco para ser sustituída por París como meca artística de la época) para proseguir sus estudios de escultura. En ella ya podemos apreciar el virtuosismo de un joven Llimona (contaba solo 16 años cuando la ejecutó) . La gravedad del personaje queda perfectamente humanizada por su mirada noble y los pliegues de su cara.

"El Treball", 1908, bronce con base de piedra

“El Treball”, 1908, bronce con base de piedra

Y para cerrar el círculo conceptual, reproducimos una escultura realizada para su presentación en la Exposición de Bruselas de 1910, “El treball“, obra fuertemente influída por el trabajo del escultor belga Constantin Meunier, escultor que pretendía reflejar en sus obras el imaginario de la revolución industrial que se encontraba en su apogeo en Bélgica. En la escultura de Llimona vemos un intento de dignificación y una idealización del trabajo manual precursor de las vanguardias, en especial del arte sovietico, aunque atenuado por la visión católica de Llimona que más nos remite a la doctrina social de la Iglesia (pocos años antes se había publicado la encíclica de rerum novarum, del Papa León XIII, en la que se denunciaba la situación miserable de la clase obrera). El trabajador, herramienta en mano y mirada en el horizonte, enjuto en comparación con el patrono que antes hemos contemplado, parece reivindicar la importancia de su obra y reclamar una mejora en las abyectas condiciones laborales y sociales que debía padecer la clase obrera de la época.

La exposición estará en el MEAM hasta el próximo 1 de marzo, y os animamos a acudir a visitarla, como exposición ideal para todo aquel que se interese por la escultura figurativa de principios del siglo pasado, y el contexto social que la produjo.

Como ya os habíamos comentado en una de nuestras anteriores entradas, el MEAM, además de las exposiciones, ofrece otras actividades culturales, entre las que se encuentran conciertos y recitales diversos. Esta semana se ha iniciado el I Cicle de Gospel i Espirituals de Catalunya con la actuación del grupo Sedeta Gospel Sisters. El entorno arquitectónico del museo es ideal para este tipo de conciertos, pues favorece mucho la acústica y el público se puede sentir muy cercano a los artistas. También participan en él 8 corales catalanas. Os adjuntamos la programación de este ciclo que tendrá lugar cada jueves durante los meses de enero, febrero y marzo. Los promotores son Vicente Zumel y Roser Blues, expertos en el género, que también organizan el ciclo “Friday’s Blues” cada viernes en el MEAM.

Ignasi y Laura.

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Richard MacDonald: La expresividad de lo figurativo.

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El equipo de “Cultura y algo más” ha acudido en esta ocasión a la exposición “The First Twenty-Five (Esculturas figurativas)”, que nos presenta una interesante colección de esculturas esculpidas en bronce por Richard MacDonald, natural de Pasadena (California).

La exposición tiene lugar en el Palau Gomis de Barcelona, en el MEAM (Museu Europeu d´Art Modern). El museo es  propiedad de la Fundació de les Arts i els Artistes, creada en el año 2005 por el arquitecto José Manuel Infiesta en cuyos estatutos figura expresamente la defensa del arte figurativo, que reivindica frente a la abstracción dominante en el arte contemporáneo, y así leemos:

“La Fundación nace con la vocación de contrarrestar la gran y exclusiva protección que los poderes públicos realizan con el llamado arte abstracto y potenciar a los artistas figurativos que automáticamente quedan excluidos de las iniciativas oficiales”.

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 El escultor estadounidense Richard MacDonald, entre cuyos coleccionistas figuran personajes públicos tan conocidos como Bill Clinton o el fallecido Luciano Pavarotti, es a su vez uno de los máximos exponentes del movimiento neo figurativo, que, como la propia fundación a la que antes hemos hecho referencia,  reivindica una vuelta a la representación de la figura como sublimación de los valores de belleza y encumbramiento que en su opinión debería representar el arte.

MacDonald elige entre sus modelos, a quienes representa en evocadoras poses, a artistas circenses como los malabaristas del Cirque du Soleil, a atletas (suya es la majestuosa escultura “El Don” que preside el Centro de Convenciones de Atlanta y que fue inaugurada con ocasión de los Juegos Olímpicos del año 1996 que se celebraron en esa ciudad), a bailarines como la fundadora del Royal Ballet de Londres, Ninette de Valois,  etc.

Ante nuestros ojos se nos presenta un fascinante cortejo de trapecistas, mimos, bailarines y acróbatas, esculpidos de forma elegante y a la vez vivaz,  en esculturas de bronce de tamaños que varían desde algunos centímetros hasta moles de varios metros (esculturas heroicas), logrando de forma plena transmitir el instante de creación y expresión corporal que los modelos encarnan, a través de alambicadas poses que sólo tienen sentido como encarnación plena de un instante de creación.

Porque el escultor rinde homenaje a su vez a otros artistas, a esos verdaderos gimnastas en el sentido más clásico, helénico,  del término,  que han dejado con la boca abierta a muchos espectadores, y han permitido admirar la belleza y expresividad  del cuerpo humano. Verdaderamente la expresión “cuerpo esculpido” cobra todo su significado contemplando las obras de MacDonald.

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La delicadeza, detallismo, expresividad y sublimación que irradian sus obras es difícilmente igualable, como también lo es el bello marco en el que se exponen, el Palau Gomis, (palacio de agitada historia, construido a finales del siglo XVIII y en el que residió un general napoleónico en la Guerra de la Independencia).

Como el autor y el museo, nosotros también creemos que junto al arte abstracto dominante también debe tener su espacio en el panorama artístico el arte figurativo que nos transporta a otras épocas donde el ensalzamiento del cuerpo no era un coto privado de agencias de marketing y cadenas de televisión.

Esta exposición altamente recomendable estará presente en el MEAM hasta el próximo 15 de junio. Os recordamos que él sábado 17 de mayo es “La nit dels museus” (“La noche de los museos”) de la cual el MEAM forma parte junto a otros museos y equipamientos culturales de toda Europa; es decir que el museo tendrá una jornada de puertas abiertas hasta la 1 de la madrugada. Ocasión más que especial pues para visitar la muestra de la que os hemos hablado aquí.

Gracias al éxito de público, la exposición ha sido prorrogada hasta el 29 de junio.

Ignasi y Laura. (Fotos Ignasi)

Para más información clica abajo:

Web del MEAM/Información sobre la exposición de Richard MacDonald

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Rita McBride y la redefinición de los límites.

 

La exposición “Oferta Pública/ Public tender” de Rita McBride, que se inauguró el pasado 19 de mayo en en el MACBA , nos ofrece una retrospectiva sobre la obra de esta escultora americana residente en Alemania y profesora de la Kunstakademie de Düsseldorf.

Rita McBride ha transformado la segunda planta del MACBA. Se han modificado las estructuras, volviendo al diseño original del arquitecto Richard Meier. El edificio y la exposición mantienen un diálogo vivo y  abierto. Se redefinen los límites entre escultura y arquitectura… ¿Dónde termina la obra y comienza el museo?

En una de las salas se proyecta el documental “Day after day” de Alexander Hick, que muestra la construccion e instalación de la escultura “Mae West”en la Effnerplatz de Múnich y su relación con el espacio público y los ciudadanos, que interactúan con la obra dando su opinión y dejando de ser meros espectadores.

En el caso de “Arena”, una estructura modular semicircular de grandes dimensiones que remite al circo romano,  la obra tiene dos dimensiones, la de escultura y la de estructura funcional, acercándola a la arquitectura. Paralelamente a su instalación en  los museos se realizan proyecciones, performances y tertulias. En el caso del MACBA, se ha invitado a una serie de artistas dentro del programa “Blind Dates”.

El constante reto que se plantea confiere vida propia a las esculturas y sugiere una nueva forma de exponer, más humana y moderna.

En definitiva, esta exposición no deja indiferente al espectador. Lo que ve queda grabado en su retina y le hace sentir como partícipe de una obra en constante evolucion.

Esta exposicion estará abierta hasta el 24 de septiembre.

Laura.

Para más información clica abajo:

MACBA (exposición Rita McBride)

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