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Entrevista con Alicia Rodríguez: “Fénix” es un libro sobre la esperanza y la necesidad de volver a levantarse.

Tal y como habíamos prometido en la reseña que sobre su libro de poemas hicimos hace unos días, aquí tenéis el resumen de nuestro encuentro/entrevista con Alicia Rodríguez.

Nos citamos con Alicia en la terraza de un bar de la Plaza de la Virreina en el barrio de Gràcia, donde reside. Mientras espero, recibo un mensaje de ella advirtiéndome que llega con cierto retraso debido a que una reunión donde ha estado se ha alargado más de lo previsto. No importa; lo cierto es que el tiempo es de lo más agradable, y estar sentado en una terraza de Gracia tomándose una caña y curioseando un periódico no es precisamente una situación en la que uno tenga que impacientarse por nada. Cuando por fin aparece, lo hace con una sonrisa franca y amable, y dando mil disculpas por su retraso. Hay algo en su expresión que te hace sentir confiado y cómodo al instante. Alicia es una persona con muchos frentes abiertos al mismo tiempo en su calidad de promotora, periodista y, ahora, escritora, y yo solo puedo agradecerle que haya podido dedicarnos un tiempo. La conversación fluirá con agilidad. Hay muchos temas sobre los que queremos interrogarla. Lo que podéis leer a continuación, en realidad, no es más que un resumen de los muchos asuntos que irán surgiendo a lo largo de la charla.

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Foto por Desi Estévez

-Empecemos con tu recién publicado libro de poemas. El pasado martes 12 estuvimos en la fiesta de 5º aniversario de 66 rpm, la editorial que ha editado el libro y que, está claro, mima mucho (en el mejor sentido) a sus autores. Aunque la mayor parte de ellos han publicado trabajos que tienen un vínculo más o menos explícito con el mundo de la música, hay excepciones como es tu caso. El libro se llama “Fénix”. ¿A qué hace referencia este título?

Obviamente, cuando pensamos en un Fénix nos viene a la cabeza algo que renace de sus cenizas, que se vuelve a reencarnar. Esa es la idea que plana sobre todo el libro: la necesidad de volver a empezar, de encontrar nuevas salidas, luz y esperanza. Los poemas tienen un rastro obvio de melancolía, pero van siempre en esa dirección de volver a levantarse. Es ante todo un gran homenaje a todos aquellos, familiares, amigos, compañeros, que en tiempos de dificultades y contra viento y marea siguen luchando.

-¿La poesía ha formado parte siempre de tu vida? ¿Los poemas del libro llevan tiempo gestándose o los has creado en un periodo más o menos concreto?

Respecto a la primera pregunta, honestamente no. Es decir, no como escritora, aunque haya podido leer más o menos poesía. Los poemas surgen en un periodo que abarca el último año aproximadamente, o sea que se puede decir que son el reflejo de cosas que he tenido la necesidad de sacar de dentro en este instante de mi vida. En principio no tenía claro siquiera si los quería publicar realmente, pero algunos amigos, como Nacho Vegas, me animaron a hacerlo después de leerlos. Además, a Nacho tengo que agradecerle, de nuevo, que haya escrito un precioso prólogo para el poemario. La espoleta final fue cuando Alfred Crespo y May, de 66 rpm, me dicen que están dispuestos a editar el libro, cosa que, obviamente, me ha hecho mucha ilusión.

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Foto por Desi Estévez

-¿Podrías decirme algunos poetas que te hayan influenciado o que, por lo menos te gusten especialmente? ¿Quizá alguna recomendación para el inminente Sant Jordi/Día del libro?

Hay una antología de escritoras de la generación beat (“Beat attitude: Antología de mujeres poetas de la generación beat” publicado por Bartleby Editores) que acabo de leer y que me ha encantado. Cuando se hace referencia a dicha generación siempre se tiene presente a nombres como Kerouac, Burroughs, Ginsberg, pero raramente se habla de mujeres como Elise Cowen o Joanne Kyger, que también formaron parte de ella, algunas con tanto talento o más que los escritores antes mencionados. También me gusta mucho el poeta asturiano Ángel González, perteneciente a la generación del 50. Igualmente, tengo que mencionar a Gil de Biedma. Y claro, tengo muy presentes siempre a poetas como Baudelaire, Rimbaud… En prosa, hay escritores como Javier Pérez Andújar, Javier Marías o Carlos Zanón, que para mí es un crack de la novela, que siempre me gusta recomendar.

Pasemos a hablar de tu faceta como promotora musical. Llevas en ello mucho tiempo. En tu página de internet, Aliciaweb, podemos ver que has llevado a un gran número de artistas tanto nacionales como internacionales. Desde Kiko Veneno a The Godfathers. ¿Cómo crees que ha evolucionado tu trabajo teniendo en cuenta los veloces cambios de nuestra sociedad, por ejemplo, en el ámbito tecnológico, las nuevas formas de consumir música, y la manera que en general tiene la gente de ver en la actualidad la cultura?

Está claro que las cosas han cambiado muchísimo desde que empecé; en algunos aspectos para bien y en otros no tanto. El consumo de música se ha vuelto algo prácticamente gratuito, algo en lo que, sinceramente, no estoy de acuerdo. Los artistas trabajan duro para sacar un trabajo a la calle y no es justo que no se les pague por ello, al igual que se debe pagar a cualquier trabajador por realizar la tarea que sea. Por otro lado, las nuevas tecnologías e internet facilitan salir, hasta cierto punto, del anonimato, y darse a conocer. Desde el punto de vista de un promotor tienes más herramientas de comunicación; puedes hacer llegar a más gente la información de que, por ejemplo, has montado una gira de un grupo. Por otra parte, existe la idea generalizada de que los músicos ahora viven de los conciertos y que estos se llenan sistemáticamente, pero eso no es cierto. Muchas veces cuesta muchísimo llenar una pequeña sala. Lo que sí triunfa son los festivales, pero esa es otra historia.

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Foto por Desi Estévez

-De artistas que llevas ahora me llama mucho la atención Santi Campos; me gustan mucho las letras de sus canciones. Háblame de él y de algún otro músico que estés promocionando en la actualidad.

A Santi lo pudiste ver en la fiesta de 66 rpm el pasado martes. En principio no tenía previsto actuar pero de forma espontanea acabó haciéndolo y tocó una de las canciones de su último trabajo “Cojones”. Qué te puedo decir; pues que es absolutamente genial, su disco es fantástico y en directo lo da todo. Es alguien que hay que seguir. Al igual que Xebi SF, que me parece otro portento; un músico de enorme talento. A nivel internacional tengo que mencionar a The Cat Empire, una banda australiana ya veterana que lo mezcla prácticamente todo (ska, jazz, funk, rock) y que han sacado su sexto disco en marzo. Han tocado en festivales como el BBK de Bilbao o el Cruïlla de Barcelona con extraordinarias críticas. En noviembre estarán por aquí y podremos disfrutarlos de nuevo en directo.

-Antes has mencionado el tema de los festivales. Tú has trabajado en la organización de varios de ellos y querría que me hablaras de uno en concreto que ya se acerca: el Polifonik Sound.

¿Qué puedo decirte? Es un Festival que me encanta, en primer lugar por su ubicación en Barbastro (Huesca), por lo bueno que es el cartel (este año actúan artistas como Izal, Delorentos, L.A., Miss Cafeina, Egon Soda…), por el buen rollo que se genera en éste, con abonos y precios en general más que asequibles… Creo que esta edición va a ser una gran fiesta. De verdad, si alguno de vuestros lectores no lo conoce, que se acerque a Huesca. Seguro que lo pasan genial.

-¿Crees que existe una cierta burbuja en nuestro país en relación a la proliferación de festivales?

La ha habido, desde luego. Todos lo hemos visto en festivales que han aparecido y desaparecido en poco tiempo. A veces con un par de cabezas de cartel muy populares que querían atraer a un gran número de público descuidando una programación completa hecha con auténtico esmero y cariño. Ha habido excesos claros. Todos recordamos el Summercase en Barcelona, un festival que quería ser algo así como un Primavera Sound II tan solo un mes después que se celebrase el Primavera, pero con un cartel únicamente de grandes nombres, algo muy difícil de lograr tanto desde el punto de vista económico como de programación… Ahora tenemos el Mad Cool en Madrid, una ciudad que sin duda merece un festival así, pero cuyo cartel va dirigido a un público parecido al del Azkena en Vitoria al cual tanto le ha costado consolidarse. Parece que sin querer nos hacemos una competencia casi feroz entre nosotros.

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Cartel del festival PolifoniK Sound 2016

-Ya que estamos con el tema de la música en directo ¿cómo ves la nueva normativa que el actual equipo de gobierno del Ayuntamiento de Barcelona quiere aprobar y que, en principio, facilitaría que hubiera más locales de música en directo, y que los que ya hay no vivan con la incerteza de no tener claro si están cometiendo alguna irregularidad legal que les pueda causar problemas?

Indiscutiblemente es una muy buena noticia para todos los que creemos en la música, o en la cultura en general. Una ciudad como Barcelona necesita de más locales donde se pueda disfrutar de música en vivo, y ponernos, en este sentido, al nivel de otras grandes ciudades europeas. Tener un circuito de salas pequeñas ayudaría, por ejemplo, a que bandas que empiezan se foguearan y curtieran poco a poco en el escenario.

-Finalmente te queremos interrogar sobre tu faceta de periodista musical. Has escrito para muchísimos medios: musicales como Ruta 66, Mondosonoro, Go Mag, Popular 1, Rockdelux, y generalistas como el Periódico de Cataluña o Playboy. Conectando con lo que habíamos mencionado antes de los grandes cambios que ha habido en los últimos años en nuestra sociedad, ¿cómo crees que ha evolucionado el periodismo musical?

Tengo que decir que no especialmente para bien. Hay firmas consolidadas, pero para los que empiezan, y para muchos de los que llevamos en esto tiempo, ha habido una “amateurización” de este trabajo. Casi podemos decir que se puede considerar una especie de hobby. Desde luego no es algo que ocurra solamente en esta ocupación; tiene que ver con una cierta degradación del concepto de trabajo que ocurre en estos tiempos. Por otro lado, estar presente en los medios te ayuda a darte a conocer, a darte visibilidad a ti misma y por extensión, a aquello (discos, giras, festivales) que estés promocionando en el momento.

 Agradecer a May González de 66 rpm, y a la propia Alicia, una vez más, las facilidades dadas para que realizáramos esta entrevista. Así mismo, queremos dar las gracias y felicitar al fotógrafo Desi Estévez por las preciosas imágenes que la ilustran.

Ricard.

Os dejamos con música de Santi Campos, Xebi SF y The Cat Empire:

 

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Afraid To Speak in Public: Regreso de una de las grandes bandas de la escena barcelonesa de los 90´s.

1Surgidos en paralelo a lo que vino a llamarse rock-fusión o rock-mestizo a principios de los años 90 (con bandas señeras a la cabeza del género a nivel internacional como Red Hot Chili Peppers, Faith No More, Living Colour o Fishbone), Afraid to Speak in Public fueron una formación que revolucionó la escena barcelonesa de aquella época practicando un estilo que mezclaba sin complejos hardcore, punk, funk, ska, blues e incluso jazz. Editaron tres discos muy recomendables y recordamos algunas de sus actuaciones realizadas en el añorado Garatge Club del Poble Nou en Barcelona, o en otras salas de conciertos, como autenticas descargas de adrenalina e intensidad musical que pocas veces hemos observado en bandas autóctonas. Ahora regresan tras 15 años de inactividad con un muy buen disco (“Dos minutos de odio”) que los devuelve al primer plano de la actualidad. Hemos tenido la oportunidad de realizar una entrevista a Monti, cantante y miembro fundador del grupo. Aquí tenéis el resultado:

 

¿Qué os hace decidir a volver como banda después de estos 15 años?

Fue a raíz del aniversario del cierre del Garatge Club. En el pasado ya hubo intentos de hacer una reunión, pero hasta ese momento no hubo la sintonía necesaria para ello. En 2012 nos llamaron los de Garatge y volvimos a planteárnoslo. Todos teníamos la espina clavada de acabar la historia de Afraid encima de un escenario y esta vez sí hubo la “sintonía” adecuada. Fue todo muy bien y nos planteamos seguir adelante a ver qué pasaba. Sólo Rafa, el batería, decidió no continuar.

Yo creo que un músico, para desgracia de su familia, (risas) nunca deja de serlo y nosotros estábamos destinados a encontrarnos encima de un escenario otra vez. Han pasado muchos años, pero estamos en plena forma y con ganas de decir muchas cosas y de dar mucha guerra.

Tanto la industria musical en general, como la escena barcelonesa, han cambiado mucho en el tiempo transcurrido en el que habéis estado ausentes. ¿Qué diferencias veis en ambas cosas respecto al momento en que empezasteis?

Sí, la verdad es que son muchos los cambios sufridos en el mundo de la música, y en cualquier ámbito de la vida en general. Creo que la música, la alternativa y/o independiente sobre todo, ha perdido gran parte de su romanticismo. Reina la frialdad que impone internet, la inmediatez de los medios digitales que claramente se han impuesto a los medios tradicionales de difusión, como eran la prensa escrita y las tiendas de discos. Hacen que la vida de un grupo dependa totalmente de la primera canción, del primer riff diría yo. Para grupos que proponemos una música menos digerible o masticable esto es un handicap, está claro. Pero bueno, eso no nos va ha hacer cambiar.

La música, desgraciadamente ha perdido gran parte de su valor, ya no mueve a la gente como antes. La música se ha convertido prácticamente en un click de ordenador y la culpa no es sólo del público, sino también de las bandas que han adoptado una actitud más inmovilista, menos comprometida. Ya no se busca innovar, crear, hacer buena música, solo se busca la imagen, la pose, un peinadito fashion, una barba supercuidada, cuantos más tatuajes mejor y un cantante que grite mucho. Por ejemplo, la cantidad de bandas de la nueva ola esa que llaman “metalcore” (y nos quejábamos de las etiquetas en los 90) que he escuchado y que soy incapaz de diferenciar son incontables, mismos ritmos, mismos patrones, misma voz, mismo sonido…vamos, como salido todo de la misma factoría. Cualquier grupo que haga música, por pasión, por disfrutar de ella, sin mirarse en el espejo a ver cómo le sienta la guitarra, tiene mi respeto, sea el estilo que sea… Y las hay, sobre todo en este país. Pero esos grupos que no son más que una empresa de marketing, un producto de consumo rápido creado en un casting pueden irse a tomar por c… Necesitamos autenticidad otra vez, hay que hablar mal y rajar del gobierno con dos cojones. Así era en nuestra época, así era como te identificabas con los grupos y así era como los amabas.

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Vuestro nuevo disco es muy potente. ¿Qué ha sido lo que os ha inspirado más para crearlo y cómo fue el proceso de grabación de éste?

El disco es una mezcla de temas nuevos, compuestos en el local, (a la vieja usanza vamos), y otros temas que teníamos de estos años separados. De ahí la diversidad de unos temas a otros. Cuando se separó Afraid, Mariano (Vera) y Alex (del Pozo) formaron un grupo que se llamaba Dos minutos de odio. No sólo me parecía un nombre genial, sino que el libro de George Orwell1984”, del que sale ese título es uno de mis libros de cabecera. A todos nos pareció buena idea llamar el disco así, mas teniendo en cuenta que cogimos algún tema de los que ellos compusieron para aquel grupo.

El álbum se grabó en la masía donde vive Gato, nuestro actual batería, que tiene allí un pequeño estudio. Algo de material prestado por unos amigos y Mariano a la producción hicieron el resto. Ha sido una grabación 100% do it yourself, muy acorde a los tiempos que corren. Nos hubiera gustado tener más medios para grabar, pero creo que teniendo en cuenta lo que teníamos el resultado final es más que notable. Mariano, que es técnico de sonido, ha hecho un trabajo soberbio. Lo tuvimos un poco esclavizado (risas) pero puso todo su empeño y conocimiento en ello y estamos muy satisfechos.

En los 90´s se os comparaba con bandas internacionales como Faith No More, Living Colour o Helmet entre otras. ¿Os gustaban todos estos grupos? ¿Qué música escucháis en la actualidad?

Sí, nos gustaban. Esta influencia era más visible y reconocible sobre todo al principio. Pero las verdaderas influencias de Afraid, las que marcaron un poco el camino de la banda, eran de otros grupos no tan conocidos como podían ser Assassins of God, Spazztic Blurr, Megakronkel, The Ex, Nomeansno, Today is the Day, etc. Tambien eran una gran influencia bandas tan alejadas, a priori, de nosotros, como King Crimson, Frank Zappa y buena parte del rock progresivo de los 70.

En la actualidad, no sé… Yo, por mi parte, no escucho demasiada música, y especialmente casi nada nuevo. Durante un tiempo me han gustado algunos grupos que ofrecían algo nuevo, o simplemente algo atrayente, como por ejemplo Isis, Lisabo, The Mars Volta o Mastodon, pero la mayoría han acabado torciendo el camino. El resto del grupo, no sé, no puedo hablar por ellos (risas).

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Para finalizar, cuando editasteis vuestro tercer trabajo de título homónimo “Afraid to speak in public” (1997), realizasteis una colaboración muy interesante con el artista multimedia Eloi Puig; un trabajo muy experimental que se mostró en eventos como el Grec de Barcelona, o el Gràcia Territori Sonor. ¿Podéis hablarnos de cómo valoráis esa experiencia? ¿Tenéis previsto hacer algo parecido en un futuro?

Te refieres a “Vida muerta”. Desde luego fue toda una experiencia para nosotros. Se trataba de un único tema de casi media hora apoyando toda una serie de escenas visuales enfermizas y totalmente surrealistas de Eloi Puig. Si las imágenes eran impactantes, la música era también del todo enfermiza. Ahí pudimos explayarnos y sacar nuestra faceta más experimental y ruidista, nuestro lado más oscuro y perverso y a la vez más ambiental y melódico. La cara de la gente que vino a vernos pensando que aquello iba a ser un concierto más de “Los Afraid” era en muchos casos un poema (risas). De todas maneras después del APOCALIPSIS tocábamos un concierto con los temas de siempre y así nadie se iba con ganas de suicidarse o con depresión (risas).

La verdad es que fue algo increíble. Desgraciadamente coincidió con la época en que la separación del grupo era ya prácticamente un hecho y no pudimos apenas mover aquella historia. No creo que podamos recuperar aquel espectáculo, sería algo demasiado complejo. Ni siquiera sé si tendríamos acceso a las imágenes, pero sí, a mí me gustaría algún día poder experimentar de nuevo la creación de algo como “Vida Muerta” o, por qué no, la propia “Vida Muerta”.

Nuestro agradecimiento a Yuri Vargas por las gestiones realizadas para que esta entrevista fuese posible.

Ricard.

Os dejamos con el vídeo de presentación del último disco de Afraid to Speak In Public:

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Muestra de Cine Dia de Brasil en Barcelona: Entrevista con el director Allan Ribeiro.

Desde hoy jueves día 18 hasta el próximo domingo día 21, se celebra en Barcelona (más exactamente en los cines Girona situados en el número 175 de la calle del mismo nombre) una muestra de cine brasileño que forma parte del 6º Festival de la Cultura Brasileña de Barcelona. Se trata sin duda de una oportunidad singular, pues el cine brasileño, como el de tantos otros países fuera de la órbita anglosajona, y más concretamente del cine exportado de Hollywood, es difícil de ver por estos lares. La muestra, que consta de un total de nueve títulos, radiografía una cinematografía de incipiente calidad, variada en cuanto a géneros y planteamientos formales.

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El director Allan Ribeiro

Nosotros hemos tenido la oportunidad de conseguir una entrevista con Allan Ribeiro, director de “Esse amor que nos consome“, película a medio camino entre el documental y la ficción, que tiene prevista su proyección el viernes día 19 a la 20 horas. Nos cuenta la historia de Gatto y Barbot, dos compañeros que se conocen desde hace más de 40 años, y que deciden trasladarse a un edificio abandonado en Rio de Janeiro, donde pretenden crear y promocionar sus trabajos como compañía de danza. Sin embargo, los problemas de la vida cotidiana empezarán a entrometerse con su proceso creativo, artístico y sus creencias orishas, una religión de origen africano. Pese a ello, poco a poco se encargarán de ir marcando la ciudad con la difusión de su danza.

Aquí tenéis la entrevista:

¿Cuál es la materia prima y la inspiración para este film? Es la Compañía de Danza Rubens Barbot, con la cual trabajo desde el año 2006. Además de varios vídeos que hice de ellos en escena, también realicé un cortometraje: “Ensaio de cinema” (​​15 ‘/ 35 mm / 2009). Y ahora esta película, “Esse amor que nos consome”.

La narrativa de la película, que presenta la historia de una compañía de danza que se instala en una propiedad desocupada, sugiere un sentido político para el arte. Sin embargo, va más allá de la denuncia y se convierte en arte con propósito que reivindica el derecho a la ciudad. Háblanos de ello. ¿Cómo se entrelaza con temas de actualidad en las grandes ciudades? La película es política, pero no porque creemos en la figura de una película política sino porque la política en sí está entre nosotros, presente en nuestra vida cotidiana. Las grandes ciudades brasileñas, especialmente Río de Janeiro, viven momentos de gran especulación inmobiliaria. Creo que los grandes eventos como la Copa del Mundo o los Juegos Olímpicos están contribuyendo a ello. Tal vez existan procesos similares que también se dan en Barcelona. El proceso de la especulación inmobiliaria no tiene en cuenta la historia del pueblo. El interés por el capital sustituye al humano, y lo que vemos son ciudades desconfiguradas, que no tienen en cuenta los deseos de los propios residentes.

“Esse amor que nos consome” hace uso de un formato muy innovador: la exploración de las posibilidades expresivas de fusión entre la ficción y el lenguaje del documental. ¿Cómo ha sido recibida la película? ¿Qué consecuencias crees que puede producir sobre el cine y la audiencia? Cuando hago una película no pienso en estos límites de formatos. Al igual que en el comienzo del cine, donde no había formas y sólo la película, creo en las imágenes y el sonido como formas para construir una historia que contar. A pesar de esta estructura no convencional, donde se mezcla cine y danza perfomática, creo que la película se comunica muy bien y la gente está muy atenta a los personajes y sus trayectorias. Tuvimos el honor de recibir un premio del público en el Festival Olhar de Cinema de Curitiba.

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Fotograma de la película

¿Qué esperas de cara al público en Barcelona?  No lo sé. Es un placer para mí presentar la película en España, pero nunca he esperado mucho de la opinión pública. Esperemos que sirva para crear mucho diálogo entre las personas que asistan. Estuve en Barcelona en el año 2009 y me encantó la ciudad.

¿Qué opinas del actual cine brasileño?  Creo que está en el momento más importante de su historia. Con muchos nuevos directores haciendo grandes películas a la vez, con mucha comunicación entre todos ellos, pero a la vez con mucha diversidad estética entre ellas. Hay una gran cantidad de trabajos que abren una perspectiva muy positiva para los próximos años. Los críticos brasileños hablan de un movimiento llamado “Nuevo Cine Brasileño.” Todos estamos tratando de entender lo que está sucediendo en nuestro tiempo.

Ricard.

Os dejamos con el trailer de esta estupenda película:

Para más información clica abajo:

Web del día de Brasil en Barcelona/Información sobre la muestra de cine de Brasil

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Mapi Rivera: Imagen y epifanía.

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“Sin Orillas” (detalle) 2013

Hoy os hablamos de una artista visual por la que sentimos un gran interés y a la que hemos podido entrevistar. Se trata de Mapi Rivera, nacida en Huesca en 1976, y que se ha destacado por su trabajo con la imagen fotográfica en la que suele retratarse a sí misma en un marco natural, dándole una gran importancia a la luz.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, Mapi  amplía estudios en la Universidad de Saint Martins de Londres, donde obtiene el Diploma de Estudios Avanzados al cursar el doctorado “Arte y pensamiento”. Como artista, Mapi ha expuesto en diversas galerías de ciudades como Barcelona, Madrid, Zaragoza, Ámsterdam o Estrasburgo, entre otras localizaciones.

Su última exposición, de título “Mares sin orillas”, se ha dado en la Sala de Arte la Carbonería, de Huesca, donde permaneció hasta el pasado día 7 de diciembre después de que pasase  por la feria multidisciplinar de Madrid “La Estampa”. Se trata de un proyecto realizado durante una estancia de la artista en Marruecos, inspirándose en los textos del místico sufí Ibn Al Arabi.

La temática de tu última exposición nos resulta muy llamativa. Nos gustaría que nos contaras algo de tu experiencia en Marruecos. ¿Cómo era tu día a día en la residencia de artistas de la cual formaste parte?

Cuando preparé el equipaje para irme a la residencia de artistas Ifitry decidí llevarme conmigo un libro sobre el místico sufí Ibn Al Arabi. La residencia estaba situada en la costa septentrional de Marruecos y realizaba sesiones fotográficas durante el amanecer y durante el atardecer, porque era la luz intersticial la que me interesaba, una luz que se encuentra entre el día y la noche. Había otros artistas que trabajaban en sus talleres, pero para mí el taller era el espacio abierto de la playa. Cuando iba a desayunar ya había hecho mi primera sesión, era una sensación reconfortante. Cuando el resto trabajaba yo paseaba, revisaba las imágenes de sesiones anteriores o me recogía en la lectura de los textos de Ibn Al Arabi. Parecía que no hiciera nada, pero siempre estaba como en un estado de atención interna, preparándome para la siguiente sesión. Cuando todos paraban de trabajar porqué casi no había luz en los estudios, yo me ponía de nuevo en acción. Cuando el sol se ocultaba yo también paraba de hacer fotos. Después, al irme a descansar tenía la sensación de tener las retinas saturadas de luz.

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“Sinapsis III” 2013

En las fotografías de la exposición tenemos la impresión de que consigues llegar a una especie de estado de revelación o epifanía. ¿Qué te inspiró de los textos de Ibn Al Arabi?

Siguiendo el ritmo de trabajo del que te hablaba antes, en seguida comenzaron a darse una serie de sincronicidades entre la lectura de los textos de Ibn Arabi y todas las experiencias que estaba viviendo en Ifitry. El sentido definitivo del proyecto surgió de esta conjunción entre la vivencia y la lectura. Hubo algún momento en que se me puso la carne de gallina, parecía realmente que Ibn Arabi me estuviera viendo y me hablara desde la eternidad. La frase que da título al proyecto, “Mares sin orillas”, proviene de un poema suyo que dice que “las iluminaciones de los místicos son como mares sin orillas, océanos de luz sin límites”. La orilla era para este místico un lugar fronterizo, igual que la luz de la aurora o la del crepúsculo, que está entre dos mundos, el de la tierra de lo familiar y el del océano de lo desconocido. Quien se sumerge en este océano no puede perder de vista la orilla si quiere regresar para explicar su experiencia. En la orilla realicé todas mis fotografías, con el tiempo fui conociendo los ritmos de las mareas, sabía dónde tenía que colocar la cámara si no quería que una ola la tirara a mitad de la sesión. La espuma, muy simbólica también en la poesía de Ibn Arabi, quedaba como un recuerdo suave de las olas.

En el proyecto “Mares sin orillas” los colores son la manifestación de la luz invisible. Otra de las sincronicidades que se dio en Ifitry  fue que no me había llevado velos suficientes para cubrir el espectro visible de la luz y en uno de los talleres había rollos de velos de colores.  Si piensas que la residencia se encontraba en medio de la nada, totalmente aislada, es una curiosa coincidencia.

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Imagen de making off de la serie “Sinapsis” 2013

La luz, de hecho, es algo que siempre está muy presente en tu obra. ¿Qué simbología le das a ésta?

La luz a la que hago referencia es una luz interior, es la luz de la que hablan los místicos en sus relatos visionarios. Según sus descripciones, se trata de una luz más luminosa que cualquier luz natural, es una luz palpitante y viva. Este tipo de visión luminosa no está limitada al territorio de la espiritualidad porque existen muchos testimonios de personas que la han visionado  en circunstancias de crisis profundas o de experiencias cercanas a la muerte. A mí me interesa esta luz extraordinaria y en mis últimas series la intento revelar por medio de halos, refulgencias cordiales, rayos, nubes luminosas… Los medios digitales me permiten indagar esta realidad aparentemente oculta, que sólo se hace visible en estados no ordinarios de consciencia.

A tenor de lo que vemos en tus imágenes la naturaleza tiene gran importancia en tu vida. ¿Cómo llevas esto de vivir en una sociedad hipertecnificada?

Durante mi infancia viví en un pueblo de Huesca, pasaba horas infinitas jugando al aire libre y este vínculo con la naturaleza está muy arraigado en mí. En Barcelona tenemos la suerte de tener mar y horizonte abierto, pero para mí Barcelona es ante todo el acceso a la cultura, a los libros, que puedo consultar en bibliotecas o comprar en las librerías. Aquí dispongo de un espacio de recogimiento donde realizo la ideación de los proyectos, casi todos se nutren de estas lecturas poéticas y místicas. Cuando busco localizar espacios para las sesiones fotográficas suelo localizar entornos naturales en los que no se perciba la huella de lo humano. En realidad me interesa que sean lugares “imaginales”, como diría Henry Corbin, lugares que no son del todo reales, un poco oníricos y paradisiacos. Porque las imágenes que creo, a pesar de estar tomadas en entornos exteriores, surgen del interior.

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“Nube del no saber X” 2011

Casi siempre te autorretratas. ¿Cuál es el motivo de ello?

En ocasiones he colaborado con alguna otra modelo, en proyectos con un soporte económico, como fue el caso de “nua” 2004,  “anuntius” 2006, o “La semilla de la imagen” 2009, que me permitían remunerar a las modelos y contar con un equipo de colaboradores. Es enriquecedor trabajar con gente y, generalmente, que cada uno pueda especializarse en su trabajo, hace que las cosas sean más sencillas, un poco como se hace cuando se rueda una película de cine.

Últimamente, en parte debido a la situación crítica del momento, y gracias a los medios digitales, he podido continuar desarrollando proyectos en solitario, posando y disparando la cámara al mismo tiempo. Esto me da mucha libertad, puedo llegar a un lugar nuevo, después de caminar ascendiendo una montaña durante horas, y si la luz es la adecuada, simplemente ponerme a hacer una sesión de fotos. Cuando voy sola y exploro nuevas localizaciones, me muevo por la intuición. Cuando trabajas con un equipo no puedes permitirte dejar muchas cosas al azar, hay que tenerlo todo más controlado.

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“Heliosis del solsticio de invierno IX” 2011

¿Cómo sobrevive una artista cómo tú en un país tan complicado para el arte como es tradicionalmente el nuestro, más aún en un contexto de crisis como el actual?

El arte es mi vocación. Llevo dedicándome a la creación más de quince años. He tenido la suerte de disfrutar de becas y ayudas que me han permitido desarrollar proyectos complejos, ahora la situación es más crítica, económicamente más árida, pero he conseguido compensar esta circunstancia con mucha imaginación y trabajo. Al ocuparme de todo el proceso creativo, desde la ideación del proyecto hasta la postproducción, el proceso se alarga. Al mismo tiempo, es muy gratificante sentir que has encontrado los medios de materializar esa fuerza creadora que no se puede contener, porque no entiende de crisis.

Ricard.

Para más información, clica abajo:

Web de Mapi Rivera.

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