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“Monster”- ¿Quién es normal?

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Esta comedia del autor y director teatral escocés David Greig, dirigida por Roberto Romei y traducida por Helena Tornero, coproducida por Arsènic Creació y el Teatre Tantarantana, nos ha fascinado por su frescura, mezcla de géneros y su mensaje vital.

Cati, una joven de diecisiete años, huérfana de madre y con un padre con esclerosis múltiple, tiene una vida etiquetada como anormal. Un día, reciben una llamada de la trabajadora social, que quiere visitar su casa para controlar como está la situación familiar. Justamente, aquel día parece que todo se pone en contra para que no salgan las cosas bien…

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Los diversos personajes de la obra irán interactuando con Cati, su padre y la supuesta anormalidad de la familia de diversas maneras, según su personalidad o su manera de ver la realidad.

Roberto Romei, que ya presentó otro deslumbrante trabajo en el Teatre Tantarantana (“Shenzhen significa infern”, de Stefano Massini) en ocasión del Grec 2018, nos sorprende ahora con esta obra que reivindica un nuevo concepto de normalidad. Justamente, el estreno ha coincidido con la reciente publicación de un estudio de la Universidad de Yale en la revista Cell que concluye que “nadie es normal”.

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PROS DE LA OBRA: Presentada como si fuera un cómic, con un humor ácido y explosivo, muy bien aderezado con la música de The Mamzelles, interpretada por las magníficas actrices Blanca Garcia-Lladó, Berta Pipó y Clara Manyós, que han formado el trio de garage-punk The Prinzelles y van intercalándose el rol de Cati, del padre y de los demás personajes (divertidísima hada de la catástrofe) con una fluidez asombrosa. Pieza caleidoscópica que se disfruta al máximo a cada minuto. Excelentes trabajos también de Roger Orra en el espacio, vestuario e iluminación, de Javi Bañasco en el espacio sonoro y de Helena Pielies en la fotografía. En definitiva, un trabajo impecable del equipo artístico al completo que brilla y destila vida por los cuatro costados. Pieza muy recomendable para los adolescentes.

CONTRAS DE LA OBRA: Ninguno… sólo que nos gustaría que estuviera más tiempo en cartel.

“Monster” estará en cartel en el Teatre Tantarantana hasta el domingo 17 de febrero.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – Información sobre “Monster”

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“Hamlet/Segismundo”: Encuentro entre dos mitos universales.

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Hemos tenido el placer de ver “Hamlet/Segismundo” de Cia Ensemble y Cia La Salamandra, con dramaturgia y dirección de la escritora venezolada afincada en Cataluña Loredana Volpe, en el Teatre Eòlia de Barcelona.

Dos mitos del teatro universal se dan cita en un escenario desolado, cubierto únicamente por un plástico y un par de celdas construídas, en un delicioso efecto visual, a base de proyectar luces verticales verdes a modo de barrotes, rodeando cada una de las mazmorras a uno de los dos protagonistas.

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Si a veces esos intentos de revisitar los mitos teatrales a base de nuevas lecturas, nuevas situaciones o personajes, chirrían un poco y se notan artificiales y en ocasiones vacuos, nada de eso hemos visto en esta representación; al contrario, unir en un extraño triángulo amoroso a Segismundo, Hamlet y Ofelia aparece casi como una culminación lógica a las torturadas vidas de los personajes, a las crueles pruebas a las que sus familias les someten y  a su particular relación con el padre. Segismundo (Alberto Trejo) encerrado por su padre el rey de Polonia por miedo a que se cumpliera la profecía de un oráculo, no es por tanto muy diferente a Hamlet, (Pol Forment) que vive obsesionado por la idea de vengar a su padre, rey de Dinamarca, asesinado por su tío. Y el hilo conductor es Ofelia (Núria Llausí), a quien Segismundo seduce  traicionando a su amigo.  El tema de la mujer mancillada, que está presente tanto en la obra de Shakespeare como en la de Calderón (recordemos a Rosaura) , nos es presentado con toda su crudeza, como la voluntad de posesión de Segismundo (muy acertada la referencia escénica a Schopenhauer como teórico del machismo)  al que no le importa traicionar a su amigo de infancia.

Es una obra densa, en la que en un escenario minimalista asistimos no sólo a las reflexiones torturadas de los dos protagonistas, a la cárcel mental y física en que se han visto recluídos, sino también a su lucha despiadada y descarnada,  a su traición y a la rivalidad por Ofelia.

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La obra se representará hasta mañana domingo 25 en la Sala Eolia.

PROS DE LA OBRA: La unión de dos clásicos en el escenario con un resultado acertado y de gran riqueza interpretativa. Gran trabajo de Loredana Volpe (que aparte de la dramaturgia y dirección de la obra también se encarga de la iluminación y el diseño gráfico y colabora en el diseño y confección del vestuario), del trío de actores, de Núria Llausí en la música y espacio sonoro (posee una bellísima voz), de Javier Sanagustín en la escenografía y en el diseño y confección del vestuario y de Xavier Pàmies en la asistencia de movimiento.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el intento de unión de los diferentes planos de relación (la obra evoca la interacción literaria, otro plano onírico y un tercer plano metateatral)  que a nuestro gusto queda sólo esbozado.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Eòlia-Información sobre Hamlet/Segismundo

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“inFAUST”: Impacto visual en el Akadèmia.

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La tragedia eterna de Fausto, aquel personaje arquetípico tan insatisfecho con su vida y sediento de sabiduría y poder, a quien ni el diablo pudo satisfacer -plasmado por el genio de Goethe que lo convirtió en el clásico por excelencia de las letras alemanas-, nos es presentado -en coproducción con el Teatre Akadèmia– por la siempre interesante compañía Projecte Ingenu (Yerma, Romeo i Julieta, La tempesta), de la que ya nos esperábamos un espectáculo de calidad.

La adaptación de Anna Maria Ricart que toma para esta versión algunas de las escenas más memorables de las dos partes del Fausto de Goethe nos ha parecido muy acertada y fluída, bien hilvanada y con el mérito de haber resumido lo esencial de una obra tan monumental.  Si a ello se aúna  la maestría habitual de Marc Chornet, el director de la obra, el resultado debía ser bueno.

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Lo más destacable de esta versión es su audacia visual (Alfonso Ferri en el diseño de proyecciones), que huye del clasicismo para adentrarse en interesantes juegos escénicos y de luz (Laura Clos y David Bofarull), sonoros (Pol Queralt) y de vestuario (Marta Rafa), que logran darle a la obra un aire preciosista y poco convencional. El melancólico Fausto (Toni Guillemat) de la primera escena, un Fausto envejecido y desesperado, seducido por un Mefistofeles interpretado por una actriz  (Neus Pàmies), que capta perfectamente la esencia más traviesa  que maligna  de ese diablo creado por Goethe, da paso a un Fausto más determinado que acepta los retos que le pone el diablo, al que incluso acaba apremiando. El aprendizaje de Fausto en la lucha contra el hermano de la chica a quien el diablo ayuda a seducir, ante el Emperador (Cristina Arenas)  a quien Mefistófeles  ayuda con sus problemas económicos, todo es una maravillosa e intimista alegoría de la ambición humana y de la voluntad de poder, de la seducción y del dominio.

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PROS DE LA OBRA: Sin duda alguna, el planteamiento visual de la obra que actualiza de modo magistral el mito de Fausto, así como la gran interpretación de Toni Guillemat, Neus Pàmies, Martí Salvat (muy divertido en sus diversos papeles; uno de ellos recuerda al conejo de “Alicia en el País de las Maravillas”) y Roser Tapias (Margarita y otros personajes).

Argumentalmente, nos ha llamado mucho la atención el efecto bucle en los diálogos, como si se fuera adelante y atrás en el tiempo. Aquí hemos encontrado otra referencia de la Alicia de Lewis Carroll.

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Destacamos también la deliciosa música a cargo de Neus Pàmies, el original vestuario de Marta Rafa, la impactante fotografía de David Ruano, el efecto futurista de OMEN en vídeo y en definitiva, el excelente trabajo del equipo artístico al completo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de planteamientos más clasicistas.

La obra estará en el Akadèmia hasta el 25 de noviembre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “inFAUST”

Adjuntamos el podcast de ivoox correspondiente a la entrevista a los actores Roser Tapias y Martí Salvat, de la compañía Projecte Ingenu:

Podcast del programa Ona Cultural de 3 de noviembre – entrevista a Roser Tapias y Martí Salvat de Projecte Ingenu

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“Hàbitat (doble penetració)” : ¿Cómo se siente la generación Y?

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La generación Y, que sucede a la generación X retratada por Douglas Coupland, se ha denominado también millennial generation, o generación del milenio o milénica, y mucha gente se refiere a los nacidos entre 1980 y 1990 aproximadamente como “los millennial“. Los que pertenecen a esta generación han crecido en medio de la crisis, se han encontrado con graves barreras económicas para realizar estudios universitarios, se sienten como pez en el agua en la era digital (la mayoría) y se hacen muchas preguntas.

Hàbitat (doble penetració)“,de la compañía Produït per H.I.I.I.T. , parte de los textos de siete autores (Carla Linares, Mar Pawlowsky, Laura Daza, Maria Hernàndez, Roger Torns, Jaume Viñas y Pablo Macho), que son relatos que se entrecruzan pero que no se mezclan: dos mujeres que se encuentran por internet, cada una con sus historias y la mochila de su pasado, un youtuber con angustia existencial y su loco seguidor, un artista y su obra incomprendida, una escritora que se encuentra incómoda en un frío local de coworking, una chica experimentando con el MDMA… reminiscencias de “Short cuts” de Raymond Carver o “The informers” de Bret Easton Ellis, pero con una originalidad deslumbrante. Realismo, naturalidad, lucidez y mucha, cómo no, tecnología, como los móviles y tablets que retratan o autorretratan a los personajes, observándolos como si fueran cobayas u objetos de investigación, no seres humanos. ¿Adónde nos lleva el “postureo” o exceso de carga de imágenes, de falsa o auténtica pornografía, de autoexposición en internet, a vista de todo el mundo?

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Justamente por todas esas cuestiones que plantea la obra, ha sido enmarcada dentro de Ciutat Oberta. Biennal del Pensament, que ha tenido lugar del 15 al 21 de octubre, pero que ahora continúa con la + Biennal durante todo el otoño. Esta poliédrica pieza es teatro, es narrativa, es pensamiento… va más allá.

La dramaturgia, dirección y producción corren a cargo de Roger Torns, uno de los autores emergentes con más talento y versatilidad del panorama teatral catalán. Pero además, el equipo artístico al completo es brillante. Varios de los intérpretes son a la vez autores de algunos de los textos, y el reparto está formado por Georgina Latre, Diana Gómez, Maria Hernàndez, Jaume Viñas y Rafa Delacroix. Los actores cantan, tocan el teclado, hablan incansablemente, se graban unos a otros, interactúan con el público y el público los siente muy cercanos. Hasta el espectador de más edad llegará a comprender los problemas de esos jóvenes y saldrá con una visión más amplia sobre los millennial.

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“Hàbitat (doble penetració)” ha sido la ganadora de la beca DespertaLab 2018 (4a edición), y fue exhibida en Sala Atrium el pasado verano. El ciclo de creación escénica DespertaLab tiene como objetivo apoyar la creación teatral más activa y emergente, poniendo al alcance de los artistas y compañías el espacio (la fábrica de creación Nau Iwanow) y las condiciones técnicas adecuadas para la creación, la producción, la comunicación-difusión y la exhibición de sus obras (primero en Sala Atrium y luego en la sala que corresponda; en este caso, la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana). Ya está convocada la 5a edición de DespertaLab.

DespertaLab 2018 – información sobre Hàbitat (doble penetració) – Sala Atrium

Convocatoria ciclo de creación escénica DespertaLab 2019

En nuestro programa de radio asociado, Ona Cultural (de la radio Ona de Sants), hemos entrevistado a Roger Torns. Encontraréis la entrevista en el siguiente podcast:

Podcast del programa Ona Cultural – emisión del 20-10-2018

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PROS DE LA OBRA: Estamos ante artistas con mucho talento que han creado una obra conjunta, en la que se han implicado totalmente. Además de todo lo que hemos comentado, resaltamos también el espacio escénico, vestuario e iluminación de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo (Roger Torns ha colaborado también en la iluminación). Estamos ante un fresco muy representativo de una generación, que invita al espectador a hacer un profundo trabajo de reflexión una vez terminada la función.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para el público más conservador o tradicionalista. Tampoco para aquellas personas de generaciones anteriores que no quieran comprender a la juventud actual, ni ponerse en su piel.

“Hàbitat (doble penetració)” estará representándose en la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana hasta el 28 de octubre.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Hàbitat (doble penetració)

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“La dona de negre”: Homenaje a los clásicos del cuento gótico en el Raval.

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En el Teatre del Raval  hemos asistido a este relato de fantasmas y aparecidos a partir del relato homónimo de la escritora contemporánea británica Susan Hill y adaptado al teatro por Stephen Malatratt, y a esta versión y traducción al catalán por Tamar Aguilar . 

En esta obra, muy adecuada para estas fechas cercanas a la noche de todos los santos, la autora homenajea a algunos de los clásicos del cuento gótico victoriano, como Mary Shelley, Edgar Allan Poe, Emily Brontë, entre muchos otros, y también algún guiño a Sir Arthur Conan Doyle (Cómo no pensar en el Perro de los Baskerville).

En este delicioso cuento de terror vemos en efecto muchos de los elementos del género:  la arquitectura medieval con criptas y tumbas incluídas, las mansiones misteriosas, los páramos con arenas movedizas, la niebla, los acantilados, el cochero misterioso, los aparecidos, las habitaciones donde el tiempo se detuvo…  en definitiva, la obra nos hace participar de todo ese gusto victoriano por lo fúnebre y decadente. Era una época en que la muerte era algo mucho más familiar que ahora, una época en que morir joven e incluso de niño no era algo excepcional. No es de extrañar por tanto que en el imaginario de la literatura de la época la muerte, lo funerario , lo sobrenatural, esté bien presente.

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Susan Hill nos presenta el relato de un abogado (Carlos Vicente) que contrata a un actor  (Gerard Clavell) para representar la tenebrosa historia de lo que le sucedió años atrás, cuando era un pasante que, comisionado por el bufete donde trabaja, ha de trasladarse a la aislada mansión de una anciana señora de un pueblo perdido de comarcas para hacerse cargo de su legado…. las noticias que atisban no resultan demasiado tranquilizadoras.

Nos ha gustado en especial la iluminación (diseño de luces de Xavier Costas y Víctor Cárdenas como técnico), el decorado con dos niveles de profundidad (espacio escénico de Estanis Aboal y ayudantía de dirección de Àngel Llamazares) y los efectos sonoros (diseño de sonido de Jordi Ballbé y Víctor Cárdenas como técnico); todo ello consigue transmitir una atmósfera inquietante.

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PROS DE LA OBRA:  Imprescindible para quienes gusten de los cuentos de terror gótico y no busquen un lenguaje teatral innovador o una puesta en escena original.

CONTRAS DE LA OBRA:  Que nadie piense que va a ver realmente una obra que da terror; la obra, como hemos repetido, es más un guiño u homenaje a una época de la literatura que un espectáculo dirigido a provocar sustos, para eso ya está el cine.

La obra estará en cartel hasta el 28 de octubre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

Web de Teatre del Raval – Información sobre “La dona de negre”

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“Aquí”: Drama al cubo.

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En la Sala Atrium de Barcelona hemos asistido a la interesante propuesta de esta obra, surgida de la plataforma artística y compañía NUQART, escrita y dirigida por Queralt Riera, en la que tres actrices en el escenario dan vida a un único personaje… cada una de ellas capta diferentes matices, la ternura de Annabel Castan, la fuerza de Patricia Mendoza, la delicadeza de Núria Tomás

Asistimos a un relato cruel, el de una chica de Santander que va a casarse a Nueva York pero que ve su historia de amor cruelmente truncada y se encuentra perdida sin rumbo ni perspectiva; relato que es tratado como una coreografía del amor y del dolor, una historia a la vez delicada y brutal, un diálogo entre las actrices que parecen hermanas o amigas, vestidas igual…   nos cuentan la vida de la protagonista, los malos tratos sufridos de pequeña, el novio salvador, y finalmente la tragedia.  Todo a partir de imágenes simbólicas: la sangre, el tren, la estación, el novio… imagenes reforzadas con el video que se proyecta en ocasiones sobre el fondo del escenario y que subraya la atmósfera onírica.

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El lenguaje visual  nos ha parecido muy cuidado, el fuerte contrapunto entre el tono entre festivo y naïf que emplean las actrices, cándidamente ataviadas con vestiditos de color azul idénticos, ese juego como de niñas traviesas que rememoran antiguas (algunas terribles) vivencias, contrasta con la desolación que como una sombra china, discurre por el fondo, creando una inquietud punzante en el público.  Tal es la fuerza expresiva y narrativa de las actrices que ni siquiera les ha sido necesario un especial diseño de escenario más allá del empleo de un fondo oscuro que complementa perfectamente el azul de sus vestidos.

Destacamos la gran labor conjunta del equipo artístico: Raül Perales en la producción ejecutiva, José Menchero en la escenografía y en el diseño de iluminación (aquí conjuntamente con Mattia Russo), Txus González en la asesoría de vestuario y caracterización, Mercè Ramírez y Maria Jesús Mulà en la fotografía, Diego Rosa en la grabación de vídeo y Núria Tomás en la edición y montaje de vídeo, NUQART en la producción y comunicación (esta plataforma artística ha sido fundada por Queralt Riera y Núria Tomás; podéis ver más información en este enlace a la web de NUQART ) y las colaboraciones en la producción de Sala Atrium y Teatre Eòlia.

La obra estará en la Sala Atrium hasta el domingo 30 de septiembre y esperamos que regrese pronto a la cartelera de Barcelona.

PROS DE LA OBRA: El original lenguaje visual, la concepción de las tres actrices dando vida a un único personaje, el tratamiento de lo femenino como lo sensible en contrapunto con la brutalidad banal del mundo.

CONTRAS DE LA OBRA:  No apta para quien quiera ver experimentos alambicados o lenguajes simbólicos herméticos. La idea de la obra es transmitir sensaciones con sencillez y elegancia.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web de la obra:

Web de Sala Atrium – Información sobre “Aquí”

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“Othello”: La ceguera más amarga.

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De la mano de la compañía Les Antonietes Teatre, dirigida y adaptada por Oriol Tarrason, nos llega este clásico entre los clásicos de William Shakespeare , este “Othello” exquisito, lleno de ternura y amor por los personajes de Othello y Desdèmona. Como bien nos contó en una de las lecturas teatralizadas que la compañía dio en la biblioteca Francesca Bonnemaison, el autor de la adaptación se encontró con la necesidad de sintetizar en un triángulo de personajes una obra que originalmente tiene bastantes más; así, trabajó con varias traducciones y el original para captar la esencia de la obra, y ponerla en boca de los tres protagonistas, Iago, (Arnau Puig), Desdèmona (Annabel Castán) y Othello (Òscar Intente).

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El resultado nos ha encantado. La obra comienza con toda una declaración de intenciones de Iago: “Odïo El Moro” . El sugerente tono algo burlón, chulesco y socarrón de Puig le cuadra como anillo al dedo al personaje. Asistimos a sus insidiosos comentarios de falso amigo, a esa untuosidad que por la genialidad del Bardo, al espectador le parece tan evidente y sin embargo el pobre Othello no sabe distinguir de verdadera preocupación amistosa. Òscar Intente por su parte, imprime a su personaje un marcado acento de nobleza de espíritu. Sus celos, espoleados por el traidor Iago, nacen casi a despecho, como sin querer. Y sin embargo, las pruebas falsas que Iago le pone bajo los ojos hacen poco a poco mella en su ánimo, que se torna lentamente de alegre y amable en torvo y amargado. Annabel Castán encarna a una Desdèmona frágil, tierna, enamorada que se desvive por su hombre y que asiste sin entender nada al cambio de su marido, a sus cada vez más hoscos ademanes.

 

 

En definitiva, es un Othello intimista, intenso en su concreción y enérgico en sus formas, un Othello en el que los celos son más un hilo conductor que una pasión; El Moro, más que a un hombre celoso, encarna a un hombre engañado por su amigo y consejero, a un hombre que prefiere dejarse guiar que tomar sus propias decisiones y que al final recibirá un merecido aunque implacable castigo por su credulidad.

Imprescindible para todo amante de los clásicos. La obra estará en La Seca Espai Brossa hasta el 24 de junio.

PROS DE LA OBRA: Que capta con pocos recursos la esencia de la obra. Excelentes versión y equipo artístico.

CONTRAS DE LA OBRA:  Puede desilusionar a algún purista si espera mayor similitud con el original.

Actualización: “Othello” regresa a la cartelera de Barcelona. La podréis ver del 31 de octubre al 11 de noviembre en La Villarroel.

Ignasi y Laura.

Web de La Seca Espai Brossa – Información sobre “Othello”

Web de La Villarroel – Información sobre “Othello”

Blog de Les Antonietes Teatre

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