Archivo de la etiqueta: drama

“Fusells”: Alegato contra la neutralidad.

fusells

Hemos disfrutado en el Almeria Teatre con “Fusells“, dirigida por Daniel J. Meyer a partir del texto de Bertolt BrechtDie Gewehre der Frau Carrar”. 

Nos encontramos con una obra del llamado teatro épico propia de una época en que el teatro se concebía como parte del activismo,  en que se trataba de mover al espectador a posicionarse, a ir más allá que el mero divertimento para entrar de lleno en la política.

Suena de fondo, como una cruel letanía, la atiplada pero no por ello menos escalofriante voz de uno de los generales conjurados para acabar con la República,  Queipo de Llano, que radiaba amenazante desde Unión Radio Sevilla para amedrentar a quienes querían plantar cara al golpe.

fusells2

A un lado del escenario, el azul oscuro del mar, tamizado por redes de pescador, apuntando al lugar donde el hermano de Teresa Carrar, Joan, ha partido a pescar en la inoportuna noche en que las tropas autodenominadas “nacionales” se abatían sobre Málaga. Ha sido Teresa quien le ha empujado a ello, para mantener una apariencia de normalidad que es sólo una máscara, metáfora y epígono de la obra.

El otro hermano Josep (Quim Àvila), arde en deseos de plantar cara a los sublevados, tras haber perdido al padre en la batalla. Pero Teresa (Cristina Arenas), que aun llora al padre desaparecido, se resiste; aunque el pueblo los señala como desertores, ella teme más a la muerte que a los fascistas, y trata que los hermanos se dediquen a pescar y hagan como que no oyen la sacudida que conmociona el país.

fusells3

La fugaz llegada del primo Pedro (magnético Jaume Madaula), que lucha con fervor en el frente, en busca de los fusiles dejados por el padre, trastoca los planes de impostada neutralidad de Teresa. ¿Cómo se puede ser neutral cuando caen las bombas y las noticias de las matanzas se extienden por doquier?  Y es aquí, en esta tesis que como elemento dialéctico despliega Brecht, como el eterno retorno de la historia nos interpela sin misericordia. La no intervención pactada por las potencias occidentales en la Guerra Civil que supuso, por último, la claudicación de una República militarmente débil, ¿es muy difernte a la situación en Siria, en Ucrania y antes en Bosnia Herzegovina? ¿Las democracias deben girar la cabeza ante los atropellos de dictadores de toda ralea?

fusells-6

Brecht lo tenía claro, sabía quienes eran los buenos y los malos,  no como el untuoso capellán (genial como siempre Jordi Llovet) que piadosamente cierra los ojos ante la crueldad de los conjurados. Como Pío XII los cerró ante los nazis.

Nos ha gustado la obra, soberbiamente interpretada por los protagonistas (enormes Cristina Arenas, Quim Àvila y Georgina Latre -que interpreta a dos personajes: a la compañera de escuela de Joan y a la Sra. Pérez, vecina de los Carrar-), así como el aire inequívocamente amargo de la obra. Aunque Brecht la escribió en 1937, todo en ella apunta a la larga noche que se avecinaba en Europa, a los años negros donde la barbarie se impuso a la humanidad y se llevó por delante a toda una generación de luchadores que, como Brecht, acabarían exiliados.

TEATRE_BARCELONA-fusells-MINI_2-300x171

El resto del equipo ha realizado un excelente trabajo: Anna Serrano como ayudante de dirección y realizadora del trailer promocional, el espacio y vestuario de Alba MacfarlaneNatalia Ramos en la iluminación, la producción de la compañía Descartable Teatre (de la que forman parte los intérpretes y que está en residencia en la Nau Ivanow), la producción ejecutiva de Cristina Ferrer y Laia Pallejà como ayudante de producción, el diseño gráfico, vídeo y sonido de Cooperativa FAR y Ester Cánovas como responsable de comunicación.

La obra estará en el Almeria Teatre de Barcelona hasta el 13 de marzo.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de Almeria Teatre/Información sobre “Fusells”

Anuncios

2 comentarios

Archivado bajo Teatro y Danza

“Sicario”: El Estado fallido.

Sicario

Hemos disfrutado con este gran film, dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y protagonizado por Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin, con guión de Taylor Sheridan.

Siguiendo la estela del extraordinario “Amexica” del periodista Ed Vulliamy y de la mas reciente “Cero Cero Cero” de Roberto Saviano,  la película, a partir de un argumento más o menos anecdótico -una sucia operación secreta para dar caza a un narcotraficante en el interior de México-, nos presenta con toda su intensidad y crudeza la durísima guerra de la droga que se disputa a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos.

S_D045_11529.NEF

Esta espeluznante guerra, que ya sólo es noticia cuando uno de sus episodios alcanza niveles mayores de los habituales (la masacre de los estudiantes normalistas, por ejemplo), es retratada con maestría en la película.

Así, observamos como la guerra de la droga es fruto, en buena parte, de la pobreza. Con gran parte de la población sumida en la miseria y con escasas alternativas al tráfico de droga, los habitantes de ciudades como Juárez  ven que el poder real no lo ejerce el Estado sino los narcotraficantes, quienes gobiernan con mano de hierro esos dominios, extorsionando a quien no quiere colaborar con ellos (incluída la policía) y aplicando castigos “ejemplares” a aquellos que se atreven a contrariarlos. La brutalidad es representada en el film no como una elección sino como un mecanismo de sometimiento y una amarga adaptación al medio.

Sicario1

En medio de ese caos, las autoridades, si quieren ir más allá de apresar al camello de barrio, no tienen más remedio que recurrir a la guerra sucia, incluyendo la utilización de miembros de bandas rivales (estupendo Benicio del Toro en su papel de antiguo miembro de una banda colombiana que ya no tiene nada que perder) para llegar hasta los capos. Emily Blunt interpreta con su habitual buen hacer el papel de policía convencional y bastante ingenua que tarda en comprender los métodos que un heterodoxo y cínico jefe del comando, Josh Brolin, tiene en mente.

Sicario3

La cuidada elección de las localizaciones, la fotografía que transmite la calurosa e inmisericorde luz del desierto de Sonora, los papeles secundarios, con personajes que parecen realmente haber surgido de cualquiera de esas temibles bandas, nos transportan hasta ese desolador panorama de frontera y guerra despiadada; la escena con el capo cenando junto a su familia en su lujosa villa, ajeno a toda la desolación que sus implacables órdenes han generado, es un amargo epílogo a la película y resume la injusticia de esta guerra donde los que caen son, como siempre, los más débiles e indefensos.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web de la película “Sicario”

Deja un comentario

Archivado bajo Cine y TV

“El grito en el cielo”: Drama funerario.

grito-cartel270-535

Hemos asistido en el Teatre Romea de Barcelona a la inquietante “El grito en el cielo“, de la compañía andaluza  La Zaranda, -Teatro inestable de Andalucía la Baja- escrita por Eusebio Calonge y dirigida por Francisco Sánchez, conocido como Paco de La Zaranda. Los intérpretes,  Celia Bermejo, Enrique Bustos, Gaspar Campuzano, Iosune Onraita y Francisco Sánchez.

Esta obra surgió cuando la compañía fue invitada a la Biennale di Venezia de teatro durante el verano de 2014 para realizar una residencia artistica, y se estrenó en noviembre del mismo año en el festival Temporada Alta de Girona. La compañía ha participado también este verano en la Biennale, cuya edición de 2015 ha sido dirigida por Àlex Rigola, para impartir un workshop en la Biennale College y presentar “El régimen del pienso“, estrenada en la edición de 2012 del Temporada Alta.

grito1

El argumento (un grupo de decrépitos ancianos en una residencia geriátrica sueñan con escapar de ella) no es más que la excusa para hilvanar una obra sórdida que se recrea incomodando al espectador con el desagradable aire funerario de las salas de enfermos terminales, presentándonos sin misercordia a las personas que asisten al final de sus vidas con desconcierto y muchas veces sin conciencia de ello. En seguida asistimos a una muerte, la de una de las ancianas protagonistas, quien, en un limbo indefinido, sueña no sabemos si, viva, con que está muerta o, muerta, con que está viva.

Decrepitud, demencia, fallecimiento, son palabras que no invitan precisamente a la joie de vivre, sino que nos hacen contemplar, anclados en nuestros asientos, lo que no queremos ver, lo que tratamos de ignorar y que en cambio, con sarcasmo y cierta dosis de mala idea, nos es mostrado sin tapujos.  Lo más inquietante de la obra es que es apenas una ficción, lo que vemos en el escenario es lo que está sucediendo en el hospital más cercano, a diario, aunque nos empeñemos en girar la cabeza. La escenografía es sobrecogedora: nos espanta y angustia con una colección de carros hospitalarios, máscaras de oxígeno, sillas de ruedas, depósitos de cadáveres y grotescos disfraces que causan desazón y rechazo. El mensaje de la obra no puede ser más nihilista. Nada al otro lado, como en la sobrecogedora escena de los ancianos desfilando hacia ninguna parte en una demencial y fantasmagórica huida.

grito3

La sádica supervisora de la residencia / sala terminal no supone contrapunto alguno al desolador panorama, sino simplemente añade algo de brutalidad al conjunto.

La esperpéntica asunción final hacia los cielos, en cruel caricatura de una obra de El Greco, con los ancianos tristemente subidos en los carros del hospital, mientras suena el Aleluya del Tanhäuser de Wagner, es el amargo final de una obra que empieza como acaba, sin nada que ofrecer excepto dolor, decrepitud, y muerte. Ni los actores salen a saludar.

Se representará hasta el 20 de septiembre en la cartelera de Barcelona y la recomendamos a quien quiera ver una obra genuinamente expresionista y a los amantes del teatro que no hace concesiones al público.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del Teatre Romea/Información sobre el grito en el cielo

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza

“Llibert”/”Liberto”: Cuando la experiencia se hace arte.

1

Sin palabras. Así nos quedamos tras asistir al montaje “Llibert”, de Gemma Brió, que estos días se representa en la Biblioteca de Catalunya (hasta el 27 de abril).  Nos faltan los calificativos porque esta obra es muy especial; nos presenta sin ahorrarnos detalles una intimidad desgarradora,  una vivencia lacerante, una tragedia triste y cruel.

Sin duda alguna es una obra maestra en la que todo son aciertos: ya desde su inicio una pantalla proyecta imágenes evocadoras, hasta que se desvanecen de modo brusco,  transmitiéndonos implacablemente la desazón que nos acompañará a lo largo de la obra.

2

Este desasosiego, la confusión y turbación que vive la protagonista, es magistralmente puesto en escena por medio de la rápida transmutación de las actrices en los personajes que se encargan de traer las noticias, de inquirir, de consolar y, en fin, de herir el alma de la madre…

La música de Mürfila (que también interviene como intérprete) es igualmente oportuna: se convierte en emoción desbordada, en los sucesivos gritos de esperanza a la que se aferra la protagonista, en el contrapunto a la frialdad de un entorno que se pretende aséptico y que no es sino el lugar en que discurre la más desoladora de las vivencias.  Se aprecia el gran trabajo de Norbert Martínez como director, de Lluc Castells como escenógrafo y de Felipe Mena y Alba Nàjera en la fotografía.

3

Y a pesar de todo, un atisbo de consuelo entre tanto dolor, porque son las amigas de la protagonista quienes al trocarse en los diversos personajes del drama, lo humanizan y atenúan en cierto modo (gran interpretación de Tàtels Pérez), permiten al espectador aferrarse a un punto de ternura, de dulzura, de camaradería,  en medio de tanta desolación.

El detalle con el que se narra el proceso mental por el que pasa la protagonista, magistral y meritoriamente encarnado por Gemma Brió, esa pendiente desde la esperanza hasta la resignación; la entereza y dignidad con las que asiste al final de sus ilusiones, trasciende las fronteras del arte para adentrarnos, sin dudarlo, en la terapia y sanación del alma.

4

Si el duelo, dicen, se supera por medio de repetir las imágenes traumáticas hasta que el dolor se atenúa, sin duda alguna la obra consigue ese propósito aunque nos imaginamos el esfuerzo que habrá supuesto a sus autores y protagonistas.

Gemma Brió decidió contar su experiencia personal a través de una obra teatral. Contactó con una amiga para que colaborara con ella en la elaboración del texto. Pero finalmente fue ella misma quien escribió el texto íntegro. Luego se puso en contacto con el resto del equipo para poder hacer posible su representación.

Una obra muy recomendable para quienes quieran acercarse a las vivencias de las que normalmente sólo se enteran quienes son partícipes de las mismas, y para todas aquellas personas que amen el teatro.

Llibert ha ganado dos Premis Butaca de Teatre de Catalunya en su edición de 2014, en las categorías de Millor Espectacle de Petit Format y Millor Text.

Actualización:Liberto“, la versión en castellano de “Llibert”, se representará en el Teatro de la Abadía de Madrid del 1 al 25 de octubre de 2015. El espectáculo está producido por Les Llibertàries.

Laura e Ignasi.

Os dejamos con el tráiler de “Llibert”:

Para más información clica abajo:

Web del Teatro de la Abadía/Información sobre “Liberto”

Deja un comentario

Archivado bajo Música, Teatro y Danza

“El azul es un color cálido” y “La vida de Adele”: Cuando el arte genera arte.

maroh-azul-color-calido“La vida de Adele” ha sido sin duda una de las grandes sorpresas cinematográficas del pasado 2013. Se trata de uno de esos raros films donde el consenso entre una amplia mayoría de crítica y público llega a unas cotas máximas. Difícil ponerle “peros” a una película intensa y emocionante como pocas que, alcanzando las tres horas de duración, se hace corta.

Dirigida por el realizador franco-tunecino Abdellatif Kechiche, e interpretada por la ya consagrada Léa Seydoux y por ese gran descubrimiento que es Adèle Exarchopoulos, la película logró la palma de oro en el pasado Festival de Cannes, además de haber conseguido muchos otros premios y reconocimientos.

Ha sido tal el (merecido) éxito conseguido por este film, que quizá se ha perdido un poco de vista la obra en el que está basado. Y es una lástima porque el cómic que inspiró “La vida de Adele” es igualmente brillante. Por eso, aprovechando que hemos tenido la noticia de que se ha reeditado de nuevo, hemos querido hablar de él aquí.

Escrito y dibujado por Julie Maroh (Lens, 1985), el título del cómic, “El azul es un color cálido”, hace referencia al tinte de pelo que lleva el personaje de Emma, interpretado en la gran pantalla por Léa Seydoux, aunque éste sea, en realidad, uno de los pocos puntos en común entre la historia que encontramos en la obra gráfica y su adaptación al cine. Y es que una de las grandes sorpresas con la que nos hemos topado aquellos que nos hemos acercado al cómic después de haber visto la película es que el primero difiere considerablemente del film. Incluso podríamos decir que su final es radicalmente opuesto.

agenda-urbana-ElAzulesunColorCalido-h

Una de las viñetas de “El azul es un color cálido”

Con todo, la esencia del relato que se nos muestra en la película estaba ya en la obra gráfica de Maroh. “El azul es un color cálido” nos cuenta la historia de Clementine (Adele en su traslación cinematográfica), una adolescente proveniente de un entorno rural que se muda con su familia a la ciudad y se integra en un instituto donde no tiene problemas para adaptarse. Un día se cruza por la calle con una chica que lleva el pelo teñido de azul (de ahí, como ya hemos apuntado, se deduce fácilmente el título del comic). Clementine queda prendada desde un principio de esta joven algo mayor que ella, cuya imagen tiene un halo de misterio. Su vida da un vuelco completo a partir de ese instante: su relación con su familia, amigos o compañeros de estudio, se trastorna al descubrir su sexualidad. La pasión se instala en su vida a través del fuerte vínculo que establece con Emma, la chica del pelo azul, auténtico leit motiv del comic. Pese a esa conexión, las dos jóvenes se encontrarán con múltiples dificultades que lastrarán la posibilidad de dar rienda suelta a sus sentimientos. Como ya hemos mencionado, la historia que se nos explica en la novela gráfica es bastante distinta a la del film, especialmente su final. No daremos aquí detalles de ello para evitar el spoiler, aunque la conclusión del cómic es conocida desde la primera página por el lector y se desarrolla todo a partir de una estructura de largo flashback. De todas formas, los puntos cardinales en que se sustenta la narración sí son parecidos.

4ED

Otro de los dibujos de “El azul es un color cálido”

Julie Maroh cuenta su historia utilizando un trazo delicado y, al mismo tiempo, muy expresivo. En buena parte del comic no hay apenas apoyo textual y el color se aplica solo en algunos momentos, de manera que los tonos grisáceos dominan la mayor parte de la estética de la novela gráfica salvo por el azul del pelo de Emma o por algunos objetos puntuales. Sin duda, los contrastes que se generan de esta manera son uno de los grandes hallazgos del cómic que resulta, desde un primer instante, muy reconocible para el lector. Además, la autora utiliza el color, o la ausencia de éste, con una lograda intención poética.

“El azul es un color cálido” muestra de forma casi naturalista lo que acontece en la vida de la protagonista. Así, somos testigos de las vicisitudes del personaje de Clementine sin que sobresalga demasiado un aspecto de otro, aunque la clave de la historia esté en su relación con Emma. De la misma forma que ha ocurrido con “La vida de Adele”, se ha puesto mucho el acento en las explícitas imágenes sexuales del cómic, pero Maroh sortea la morbosidad fácil y consigue elevar esas viñetas a un plano emocional, algo que, casi milagrosamente, Kechiche también logra en su film donde no hay apenas diferencia (insistimos, en el plano emocional) entre ver a la protagonista comiendo con fruición unos spaghetti, discutiendo acaloradamente con unas compañeras de clase, bailando con unos amigos en una fiesta de cumpleaños, o practicando sexo pasionalmente con Emma.

adele

Fotograma de “La vida de Adele”, adaptación cinematográfica de “El azul es un color cálido”

Quizá la mayor distinción de fondo que existe entre el cómic y la película es que el primero subraya algo más el asunto del respeto a la diferencia como uno de los temas clave que pone en cuestión la historia, mientras que en el film se pasa por encima de ello de forma más superficial, probablemente porque las intenciones creativas de su director son otras. La película en cambio, desarrolla con mayor profundidad la dinámica de relación entre Adele y Emma, algo que, tratándose de una pareja homosexual, no estamos muy acostumbrados a ver reflejado ni en el cine ni en otras disciplinas artísticas.

En definitiva, “El azul es un color cálido” es un sensible canto al amor y la tolerancia de una gran belleza formal, y que, como simiente de esa fabulosa película que es también “La vida de Adele”, se nos muestra como un excelente ejemplo de cómo al gran arte es capaz, en ocasiones, de generar gran arte.

Ricard.

Os dejamos con un video-montaje donde vemos al completo “El azul es un color cálido”:

Y el tráiler de “La vida de Adele”:

Tráiler de “La vida de Adele”

19 comentarios

Archivado bajo Cine y TV, Literatura y Cómic

“El lobo de Wall Street” Vs. “La gran estafa americana”.

El_lobo_de_Wall_Street-CartelTodavía se pueden ver en muchos cines de nuestro país dos películas estrenadas casi al unísono y que tienen mucho en común, hasta el punto que se pueden considerar, en cierta forma, complementarias.  Se trata de “El lobo de Wall Street” de Martin Scorsese  y “La gran estafa americana”, del también norteamericano David O. Rusell, ambos films ganadores de diversos galardones y candidatos en diversas categorías en los inminentes premios Oscar.

Los dos títulos están basados en hechos acontecidos realmente, se circunscriben a un periodo histórico similar (algo más alargado en el tiempo en el caso de “El lobo de Wall Street”), y centran su atención en unos personajes unidos por unas características comunes: la ambición y el engaño como forma para conseguir sus objetivos. Pero hay matices que conviene resaltar.

En el primer film, el protagonista se erige prácticamente como amo y señor único de la función en lo que podemos calificar de auténtico tour de forcé del actor que lo encarna, un histriónico Leonardo di Caprio que convierte al Al Pacino de “El precio del poder” en un ejemplo de contención interpretativa. Por el contrario, “La gran estafa americana” es una película coral, donde las relaciones entre los distintos personajes tienen mucha más importancia, y en la que los actores se muestran mucho más comedidos (especialmente brillantes en sus papeles el siempre solvente Christian Bale y la cada vez más demandada Amy Adams). En “El lobo de Wall Street” la desmesura de su protagonista parece apropiarse de la película misma que alcanza las tres horas de duración, mientras que en el segundo título comentado, las algo más de dos horas de su metraje resultan, a priori, más llevaderas para el espectador. Además, se puede decir que en la película de Scorsese el tono de comedia es casi constante, mientras que el film de O. Rusell mantiene un cierto equilibrio entre dramatismo y comicidad.

wall3

Fotograma de “El lobo de Wall Street”

Con todo lo dicho, podríamos decantarnos por “La gran estafa americana” antes que por “El lobo de wall street”. Sin embargo, hay un punto en el que la balanza se inclina a favor de esta última. Y es que, si bien el film está lejos de ser una obra maestra, sí es propio de un maestro del cine. Scorsese es un director tan sobrado de recursos e ideas, tan increíblemente enérgico (pasados sus 70 años), tan capaz en todos los sentidos, que, aún y considerando su película como irregular, logra deslumbrarnos en no pocos momentos durante su visionado. En cambio, O. Rusell, hijo putativo del propio Scorsese, no pasa de ser un buen artesano con cierta habilidad para imitar (algo que no diremos que sea especialmente fácil) a su indudable referente, pero que no llega a alcanzar sus cotas de genialidad. Más en concreto, en “La gran estafa americana” tenemos la sensación de que nos encontramos ante un film de fabricación industrial, una película de fórmula, donde todo está muy en su sitio para que funcione a los distintos niveles que pretende: éxito en taquilla, buenas críticas en festivales y medios de comunicación, nominaciones y premios en certámenes como los Globos de Oro o los Oscar… Pero al medir tanto todo, O. Rusell coloca su film en ese punto donde asoma el hocico aquello que solemos calificar en el arte como “mediocre”.

La-gran-estafa-americana-critica-cartelEn “El lobo de Wall Street”, Scorsese tenía como intención sumergir al espectador en el modus vivendi de su protagonista, de forma que fuésemos testigos del auge y caída de un individuo por el cual costaría mucho, en un film de perfil más dramático, sentir un mínimo de simpatía. Por ese motivo, y tal y como ya hemos apuntado, el director italoamericano prefirió otorgar un tono de comedia a su película, algo que, en algunos instantes, hace que nos sintamos desconcertados, sobre todo en esas escenas donde vemos el efecto sobre terceros que tiene la conducta increíblemente pueril e irresponsable del protagonista interpretado por Di Caprio. Tampoco ayuda en nada la ya comentada extensión del metraje que hace que la fatiga pueda acudir fácilmente a quienes vean el film. Fatiga no tanto por el irreprochable aspecto técnico de la película, sino por “aguantar” al omnipresente personaje central, haciendo que su continua visibilidad se vuelva en contra de esa intentona del director de crear cierta conexión entre el protagonista y el espectador. Pero con todo lo dicho, “El lobo de Wall Street” tiene escenas que sencillamente asombran (confieso sentir cierto estremecimiento al recordar el momento del almuerzo entre el personaje de Di Caprio y el que encarna un sencillamente monumental Matthew McConaughey). En “La gran estafa americana” en cambio, todo es mucho más plano. Pese al buen nivel mostrado por sus actores, no hay momentos en los que el film consiga elevarse, e incluso se tiene una sensación, en algunos tramos de la película, de cierto aburrimiento, algo que quizá también se hubiera evitado recortando un poco el metraje y puliendo además un guión que resulta un tanto espeso.

gran-estafa-americana-estrenara-enero_tinima20131218_0985_5

Fotograma de “La gran estafa americana”

Por todo lo dicho, tendemos a decantarnos por “El lobo de Wall Street” antes que por “La gran estafa americana”. Pero ambos films son hijos de su tiempo, de estos momentos de fuertes tensiones socioeconómicas y políticas en los que, inevitablemente, el arte y la cultura en general, y el cine en particular, tienden a hacerse preguntas sobre el cómo hemos llegado al instante de crisis global en el que nos encontramos. Es en este sentido que consideramos que el visionado de las dos películas aquí comentadas es poco menos que imprescindible.

Ricard.

Os dejamos con los tráiler de las dos películas:

El lobo de Wall Street (V.O.)

La gran estafa americana (V.O.)

Deja un comentario

Archivado bajo Cine y TV

“Harket [protocolo]”: El futuro ya está aquí.

2

Cristina Harket lleva dos años encerrada en un búnker. Se presentó como voluntaria para probar un experimento que consistía en quedarse encerrada durante un mes en un pequeño recinto gestionado por MAP#2, un sistema de control inteligente que vela por la supervivencia del ser humano, protegiéndolo de la amenaza exterior. Pero ocurre un error y Cristina ya lleva más de año y medio allí…

Cristina habla constantemente con MAP#2 y lo alimenta con su energía, generada por una serie de rutinas físicas, mentales y emocionales que están pensadas para que ella no pierda su salud y su equilibrio. Pero Cristina, después de tanto tiempo de reclusión, está llegando al límite y desea salir al exterior.

Harket [protocolo]” es una obra multidisciplinar que presenta como primicia el uso del  videomapping en 3D, que crea un efecto futurista: el escenario se va modificando con un solo clic.  La compañía PanicMap, cuyo primer proyecto es esta obra, tiene como misión crear espectáculos en que arte y tecnología interactúen para encontrar nuevos lenguajes escénicos; la obra también es un proyecto transmedia donde el público puede intervenir como partícipe del proceso creativo o hablando de su experiencia en la red a través de blogs y redes sociales antes y después del espectáculo.

“Harket [protocolo]” está creada y dirigida por Juan Pablo Mendiola e interpretada y coreografiada por Cristina Fernández. Es una obra de ciencia ficción (con alusiones a grandes maestros del género, como Philip K. Dick y Arthur C. Clarke) que nos habla de la confianza y de la traición. De la necesidad de estar vinculados con alguien, aunque no sea humano. La interpretación de Cristina Fernández es tan apasionada e intensa y los efectos audiovisuales tan impactantes, que provocan en el espectador una sensación de claustrofobia, de sentirse también encerrado en ese búnker postmoderno.

Tráiler de “Harket [protocolo]

“Harket [protocolo]” está efectuando una gira con la Xarxa Alcover por la Comunidad Valenciana, Cataluña y Baleares y ha participado en diversos festivales como son la Fira de Tàrrega, la Mostra de Teatre d’Alcoi, el Festival Escena Abierta de Burgos y Danza Xixón, con un gran éxito de crítica y público. El espectáculo se encuentra en cartel actualmente en La Seca – Espai Brossa de Barcelona hasta el 16 de febrero y en el mes de mayo estará presente en el Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC).

Actualización: “Harket [protocolo]”, tras ganar los Premios BBVA 2014 a Mejor Actriz y Mejor Espectáculo y realizar una extensa gira, se podrá ver en el Teatre de La Plaça de Silla el 7 de noviembre de 2015.

Laura.

Para más información clica abajo:

Web de PanicMap

Web del Teatre la Seca

Web de Silla Cultural

Deja un comentario

Archivado bajo Teatro y Danza