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“Hamlet/Segismundo”: Encuentro entre dos mitos universales.

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Hemos tenido el placer de ver “Hamlet/Segismundo” de Cia Ensemble y Cia La Salamandra, con dramaturgia y dirección de la escritora venezolada afincada en Cataluña Loredana Volpe, en el Teatre Eòlia de Barcelona.

Dos mitos del teatro universal se dan cita en un escenario desolado, cubierto únicamente por un plástico y un par de celdas construídas, en un delicioso efecto visual, a base de proyectar luces verticales verdes a modo de barrotes, rodeando cada una de las mazmorras a uno de los dos protagonistas.

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Si a veces esos intentos de revisitar los mitos teatrales a base de nuevas lecturas, nuevas situaciones o personajes, chirrían un poco y se notan artificiales y en ocasiones vacuos, nada de eso hemos visto en esta representación; al contrario, unir en un extraño triángulo amoroso a Segismundo, Hamlet y Ofelia aparece casi como una culminación lógica a las torturadas vidas de los personajes, a las crueles pruebas a las que sus familias les someten y  a su particular relación con el padre. Segismundo (Alberto Trejo) encerrado por su padre el rey de Polonia por miedo a que se cumpliera la profecía de un oráculo, no es por tanto muy diferente a Hamlet, (Pol Forment) que vive obsesionado por la idea de vengar a su padre, rey de Dinamarca, asesinado por su tío. Y el hilo conductor es Ofelia (Núria Llausí), a quien Segismundo seduce  traicionando a su amigo.  El tema de la mujer mancillada, que está presente tanto en la obra de Shakespeare como en la de Calderón (recordemos a Rosaura) , nos es presentado con toda su crudeza, como la voluntad de posesión de Segismundo (muy acertada la referencia escénica a Schopenhauer como teórico del machismo)  al que no le importa traicionar a su amigo de infancia.

Es una obra densa, en la que en un escenario minimalista asistimos no sólo a las reflexiones torturadas de los dos protagonistas, a la cárcel mental y física en que se han visto recluídos, sino también a su lucha despiadada y descarnada,  a su traición y a la rivalidad por Ofelia.

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La obra se representará hasta mañana domingo 25 en la Sala Eolia.

PROS DE LA OBRA: La unión de dos clásicos en el escenario con un resultado acertado y de gran riqueza interpretativa. Gran trabajo de Loredana Volpe (que aparte de la dramaturgia y dirección de la obra también se encarga de la iluminación y el diseño gráfico y colabora en el diseño y confección del vestuario), del trío de actores, de Núria Llausí en la música y espacio sonoro (posee una bellísima voz), de Javier Sanagustín en la escenografía y en el diseño y confección del vestuario y de Xavier Pàmies en la asistencia de movimiento.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el intento de unión de los diferentes planos de relación (la obra evoca la interacción literaria, otro plano onírico y un tercer plano metateatral)  que a nuestro gusto queda sólo esbozado.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Eòlia-Información sobre Hamlet/Segismundo

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“inFAUST”: Impacto visual en el Akadèmia.

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La tragedia eterna de Fausto, aquel personaje arquetípico tan insatisfecho con su vida y sediento de sabiduría y poder, a quien ni el diablo pudo satisfacer -plasmado por el genio de Goethe que lo convirtió en el clásico por excelencia de las letras alemanas-, nos es presentado -en coproducción con el Teatre Akadèmia– por la siempre interesante compañía Projecte Ingenu (Yerma, Romeo i Julieta, La tempesta), de la que ya nos esperábamos un espectáculo de calidad.

La adaptación de Anna Maria Ricart que toma para esta versión algunas de las escenas más memorables de las dos partes del Fausto de Goethe nos ha parecido muy acertada y fluída, bien hilvanada y con el mérito de haber resumido lo esencial de una obra tan monumental.  Si a ello se aúna  la maestría habitual de Marc Chornet, el director de la obra, el resultado debía ser bueno.

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Lo más destacable de esta versión es su audacia visual (Alfonso Ferri en el diseño de proyecciones), que huye del clasicismo para adentrarse en interesantes juegos escénicos y de luz (Laura Clos y David Bofarull), sonoros (Pol Queralt) y de vestuario (Marta Rafa), que logran darle a la obra un aire preciosista y poco convencional. El melancólico Fausto (Toni Guillemat) de la primera escena, un Fausto envejecido y desesperado, seducido por un Mefistofeles interpretado por una actriz  (Neus Pàmies), que capta perfectamente la esencia más traviesa  que maligna  de ese diablo creado por Goethe, da paso a un Fausto más determinado que acepta los retos que le pone el diablo, al que incluso acaba apremiando. El aprendizaje de Fausto en la lucha contra el hermano de la chica a quien el diablo ayuda a seducir, ante el Emperador (Cristina Arenas)  a quien Mefistófeles  ayuda con sus problemas económicos, todo es una maravillosa e intimista alegoría de la ambición humana y de la voluntad de poder, de la seducción y del dominio.

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PROS DE LA OBRA: Sin duda alguna, el planteamiento visual de la obra que actualiza de modo magistral el mito de Fausto, así como la gran interpretación de Toni Guillemat, Neus Pàmies, Martí Salvat (muy divertido en sus diversos papeles; uno de ellos recuerda al conejo de “Alicia en el País de las Maravillas”) y Roser Tapias (Margarita y otros personajes).

Argumentalmente, nos ha llamado mucho la atención el efecto bucle en los diálogos, como si se fuera adelante y atrás en el tiempo. Aquí hemos encontrado otra referencia de la Alicia de Lewis Carroll.

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Destacamos también la deliciosa música a cargo de Neus Pàmies, el original vestuario de Marta Rafa, la impactante fotografía de David Ruano, el efecto futurista de OMEN en vídeo y en definitiva, el excelente trabajo del equipo artístico al completo.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para quien guste de planteamientos más clasicistas.

La obra estará en el Akadèmia hasta el 25 de noviembre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a la web del teatro:

Web del Teatre Akadèmia – Información sobre “inFAUST”

Adjuntamos el podcast de ivoox correspondiente a la entrevista a los actores Roser Tapias y Martí Salvat, de la compañía Projecte Ingenu:

Podcast del programa Ona Cultural de 3 de noviembre – entrevista a Roser Tapias y Martí Salvat de Projecte Ingenu

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“Hàbitat (doble penetració)” : ¿Cómo se siente la generación Y?

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La generación Y, que sucede a la generación X retratada por Douglas Coupland, se ha denominado también millennial generation, o generación del milenio o milénica, y mucha gente se refiere a los nacidos entre 1980 y 1990 aproximadamente como “los millennial“. Los que pertenecen a esta generación han crecido en medio de la crisis, se han encontrado con graves barreras económicas para realizar estudios universitarios, se sienten como pez en el agua en la era digital (la mayoría) y se hacen muchas preguntas.

Hàbitat (doble penetració)“,de la compañía Produït per H.I.I.I.T. , parte de los textos de siete autores (Carla Linares, Mar Pawlowsky, Laura Daza, Maria Hernàndez, Roger Torns, Jaume Viñas y Pablo Macho), que son relatos que se entrecruzan pero que no se mezclan: dos mujeres que se encuentran por internet, cada una con sus historias y la mochila de su pasado, un youtuber con angustia existencial y su loco seguidor, un artista y su obra incomprendida, una escritora que se encuentra incómoda en un frío local de coworking, una chica experimentando con el MDMA… reminiscencias de “Short cuts” de Raymond Carver o “The informers” de Bret Easton Ellis, pero con una originalidad deslumbrante. Realismo, naturalidad, lucidez y mucha, cómo no, tecnología, como los móviles y tablets que retratan o autorretratan a los personajes, observándolos como si fueran cobayas u objetos de investigación, no seres humanos. ¿Adónde nos lleva el “postureo” o exceso de carga de imágenes, de falsa o auténtica pornografía, de autoexposición en internet, a vista de todo el mundo?

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Justamente por todas esas cuestiones que plantea la obra, ha sido enmarcada dentro de Ciutat Oberta. Biennal del Pensament, que ha tenido lugar del 15 al 21 de octubre, pero que ahora continúa con la + Biennal durante todo el otoño. Esta poliédrica pieza es teatro, es narrativa, es pensamiento… va más allá.

La dramaturgia, dirección y producción corren a cargo de Roger Torns, uno de los autores emergentes con más talento y versatilidad del panorama teatral catalán. Pero además, el equipo artístico al completo es brillante. Varios de los intérpretes son a la vez autores de algunos de los textos, y el reparto está formado por Georgina Latre, Diana Gómez, Maria Hernàndez, Jaume Viñas y Rafa Delacroix. Los actores cantan, tocan el teclado, hablan incansablemente, se graban unos a otros, interactúan con el público y el público los siente muy cercanos. Hasta el espectador de más edad llegará a comprender los problemas de esos jóvenes y saldrá con una visión más amplia sobre los millennial.

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“Hàbitat (doble penetració)” ha sido la ganadora de la beca DespertaLab 2018 (4a edición), y fue exhibida en Sala Atrium el pasado verano. El ciclo de creación escénica DespertaLab tiene como objetivo apoyar la creación teatral más activa y emergente, poniendo al alcance de los artistas y compañías el espacio (la fábrica de creación Nau Iwanow) y las condiciones técnicas adecuadas para la creación, la producción, la comunicación-difusión y la exhibición de sus obras (primero en Sala Atrium y luego en la sala que corresponda; en este caso, la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana). Ya está convocada la 5a edición de DespertaLab.

DespertaLab 2018 – información sobre Hàbitat (doble penetració) – Sala Atrium

Convocatoria ciclo de creación escénica DespertaLab 2019

En nuestro programa de radio asociado, Ona Cultural (de la radio Ona de Sants), hemos entrevistado a Roger Torns. Encontraréis la entrevista en el siguiente podcast:

Podcast del programa Ona Cultural – emisión del 20-10-2018

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PROS DE LA OBRA: Estamos ante artistas con mucho talento que han creado una obra conjunta, en la que se han implicado totalmente. Además de todo lo que hemos comentado, resaltamos también el espacio escénico, vestuario e iluminación de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo (Roger Torns ha colaborado también en la iluminación). Estamos ante un fresco muy representativo de una generación, que invita al espectador a hacer un profundo trabajo de reflexión una vez terminada la función.

CONTRAS DE LA OBRA: No apta para el público más conservador o tradicionalista. Tampoco para aquellas personas de generaciones anteriores que no quieran comprender a la juventud actual, ni ponerse en su piel.

“Hàbitat (doble penetració)” estará representándose en la sala Baixos22 del Teatre Tantarantana hasta el 28 de octubre.

Laura Clemente.

Web del Teatre Tantarantana – información sobre “Hàbitat (doble penetració)

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“La dona de negre”: Homenaje a los clásicos del cuento gótico en el Raval.

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En el Teatre del Raval  hemos asistido a este relato de fantasmas y aparecidos a partir del relato homónimo de la escritora contemporánea británica Susan Hill y adaptado al teatro por Stephen Malatratt, y a esta versión y traducción al catalán por Tamar Aguilar . 

En esta obra, muy adecuada para estas fechas cercanas a la noche de todos los santos, la autora homenajea a algunos de los clásicos del cuento gótico victoriano, como Mary Shelley, Edgar Allan Poe, Emily Brontë, entre muchos otros, y también algún guiño a Sir Arthur Conan Doyle (Cómo no pensar en el Perro de los Baskerville).

En este delicioso cuento de terror vemos en efecto muchos de los elementos del género:  la arquitectura medieval con criptas y tumbas incluídas, las mansiones misteriosas, los páramos con arenas movedizas, la niebla, los acantilados, el cochero misterioso, los aparecidos, las habitaciones donde el tiempo se detuvo…  en definitiva, la obra nos hace participar de todo ese gusto victoriano por lo fúnebre y decadente. Era una época en que la muerte era algo mucho más familiar que ahora, una época en que morir joven e incluso de niño no era algo excepcional. No es de extrañar por tanto que en el imaginario de la literatura de la época la muerte, lo funerario , lo sobrenatural, esté bien presente.

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Susan Hill nos presenta el relato de un abogado (Carlos Vicente) que contrata a un actor  (Gerard Clavell) para representar la tenebrosa historia de lo que le sucedió años atrás, cuando era un pasante que, comisionado por el bufete donde trabaja, ha de trasladarse a la aislada mansión de una anciana señora de un pueblo perdido de comarcas para hacerse cargo de su legado…. las noticias que atisban no resultan demasiado tranquilizadoras.

Nos ha gustado en especial la iluminación (diseño de luces de Xavier Costas y Víctor Cárdenas como técnico), el decorado con dos niveles de profundidad (espacio escénico de Estanis Aboal y ayudantía de dirección de Àngel Llamazares) y los efectos sonoros (diseño de sonido de Jordi Ballbé y Víctor Cárdenas como técnico); todo ello consigue transmitir una atmósfera inquietante.

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PROS DE LA OBRA:  Imprescindible para quienes gusten de los cuentos de terror gótico y no busquen un lenguaje teatral innovador o una puesta en escena original.

CONTRAS DE LA OBRA:  Que nadie piense que va a ver realmente una obra que da terror; la obra, como hemos repetido, es más un guiño u homenaje a una época de la literatura que un espectáculo dirigido a provocar sustos, para eso ya está el cine.

La obra estará en cartel hasta el 28 de octubre.

Ignasi y Laura.

Os dejamos un enlace a un trailer de la obra:

Web de Teatre del Raval – Información sobre “La dona de negre”

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“La ira de Narciso”: ¿Dónde está el límite entre realidad y ficción?

 

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Hemos podido disfrutar de otra gran obra de teatro argentino en La Badabadoc del barrio de Gracia de Barcelona, en esta ocasión una producción de la conocida sala de teatro de Buenos Aires Timbre 4, creada por el prestigioso autor franco-uruguayo Sergio Blanco, dirigida por Corina Fiorilla y protagonizada por el aclamado actor Gerardo Otero.

El narrador-autor (Sergio Blanco-Gerardo Otero) ha sido invitado a dar una conferencia sobre el mito de Narciso en la hermosa y enigmática ciudad de Liubliana. La habitación 228 del hotel donde se tendrá que alojar se va a convertir en el epicentro de una historia de intriga que no dará tregua al espectador.

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Las obsesiones del protagonista (el sexo, los calmantes, el perfeccionismo y los pequeños detalles, como la mancha de sangre en la habitación del hotel), tejen esta trama que combina autobiografía y ficción, como en otros textos de Sergio Blanco, y que nos hace plantear qué es realidad y qué es ficción, el consciente y el subconsciente, juego fascinante de espejos que se entremezclan y cuyo límite no queda nada claro.

El joven actor esloveno que conoce el protagonista y con el que inicia una relación apasionada y turbia, nos acerca a esa figura del Narciso que está tan presente en los tiempos actuales (las redes sociales y la dictadura de los “likes”, del gustar constantemente a los demás). El uso de diversos elementos de las nuevas tecnologías está muy acertado, pues añade realismo y a la vez actualidad a la trama y a la obra en sí.

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La muerte, la soledad, la belleza, la enfermedad, conceptos que son base también de muchos de los males modernos, se combinan a la perfección en el argumento de esta pieza teatral, que brilla desde cualquier enfoque o visión.

En definitiva, vayan a ver “La ira de Narciso“, que estará representándose hasta el domingo 21 de octubre en La Badabadoc. Totalmente recomendable para los amantes del teatro, del noir y de las historias bien contadas.

PROS DE LA OBRA: Estamos ante una obra trascendente, que deja huella en el espectador y también en la Literatura, pues el texto ha sido tejido con la genialidad propia de los grandes autores. Brillante y magnética interpretación de Gerardo Otero como alter ego de Sergio Blanco-narrador y protagonista de la pieza. Dirección impecable de Corina Fiorilla.

CONTRAS DE LA OBRA: Sólo que nos hubiera gustado que estuviera por más tiempo en Barcelona. Esperamos que regrese pronto.

Laura Clemente.

Web de La Badabadoc – Información sobre “La ira de Narciso”

Web de Dramaturgia uruguaya – Información sobre Sergio Blanco

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“Legion”: ¿Héroe o villano?

Entre la alta cantidad de excelentes series televisivas que pueblan actualmente las distintas plataformas de oferta audiovisual, nos ha llamado poderosamente la atención Legion, producción que consta hasta la actualidad de dos temporadas de ocho y once capítulos respectivamente.

Creada para el canal FX y estrenada en febrero de 2017, cuenta con Noah Hawley como máximo impulsor de la serie (eso que hoy se llama showrunner), y con un elenco de actores y actrices excelente encabezado por el actor inglés Dan Estevens (visto en producciones tan British como Downton Abbey), Rachel Keller, Bill Irwin, Jemaine Clement, Jean Smart  o Jeremie Harris entre otros.

Legion se basa en un personaje de la Marvel extraído de los comics de X-Men (aquí más conocidos por la Patrulla-X), creado por el guionista Chris Claremont, quien llevara con su notable trabajo entre mediados de los 70s y principios de los 90s a la franquicia mutante a las más altas cotas de popularidad entre los lectores de tebeos, y el grandísimo dibujante Bill Sienkiewicz, responsable gráfico durante un tiempo de la colección New Mutants, a su vez, una suerte de Spin-off de la mencionada X-Men, donde apareció por primera vez el protagonista de la serie.

Ilustración de Bill Sienkiewicz para la serie de comics New Mutants

No es baladí que mencionemos a Sienkiewicz, porque su estilo gráfico, cercano al expresionismo abstracto y que muchas veces recurre al oleo, el collage o la mimeografía, está, de alguna forma, muy presente en el estilo visual de la producción televisiva a la que nos referimos aquí.

Y es que, si por algo destaca Legion, es por mostrar en sus imágenes un nivel de embelesamiento que nos hace pensar por momentos en todo un David Lynch, si bien hay que reconocer que el resultado no es tan poderosamente estimulante como suelen serlo los trabajos del artista nacido en Montana, y además, a diferencia de lo que ocurre en muchas de sus películas o en una serie como Twin Peaks, a la postre Legion no da tanto espacio al espectador para que llene con su imaginación los huecos que pueda ir dejando su desarrollo como historia.

En cuanto al personaje protagonista (de nombre David Haller) encarnado por el ya mencionado Dan Estevens, que en los comics se nos mostraba como un posible hijo de Charles Xavier, mentor de los X-Men, aquí aparece al principio como un joven que ha sido internado en una institución psiquiátrica, con aparentes problemas esquizoides (de allí el nombre de Legion, palabra que en su origen bíblico hace referencia a alguien “poseído” por múltiples demonios). Pronto sabremos que Haller es un mutante que dispone de tremendos poderes, y que desde pequeño ha sido acosado por otro mutante llamado Shadow King, quien le ha hecho caer en una espiral de caos interno, lidiando con la pura locura. En el psiquiátrico conocerá a una chica, Sydney Barrett (a quien da vida la pujante actriz Rachel Keller), por la que se sentirá fuertemente atraído y que junto a otros personajes que se irán incorporando a la trama, intentará ayudarle a desprenderse de la influencia de Shadow King.

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Dan Stevens, protagonista de Legion

Como hemos dicho, el nivel de abstracción de la serie hace que por momentos nada resulte especialmente evidente, y que ésta pueda costar de seguir al espectador desprevenido. Los realizadores utilizan distintos formatos de pantalla, más o menos estilizados en función de si nos situamos en la realidad o en una suerte de plano astral, en el tiempo presente o en el pasado o un posible futuro. También utilizan en ocasiones colores saturados que ayudan a aumentar la sensación de sufrimiento psicológico u otras emociones que tienen los personajes (especialmente su protagonista), y usan el sonido de manera magistral para crear inquietud, sensación de aislamiento, desconcierto o incluso comicidad. En este sentido resaltamos la estupenda banda sonora, que incluye canciones de The Who, Rolling Stones, Jane´s Adiction, Serge Gainsbourg & Jane Birkin o Nina Simone, y que por instantes subrayan la trama de manera tan sutil como irónica.

Dan Stevens y Rachel Keller en una escena de la serie.

Lo más interesante en lo visto hasta ahora (las dos temporadas disponibles completas), es la evolución de su personaje principal, por el que al principio sentimos auténtica simpatía (más que como a un héroe lo vemos como una víctima) para pasar a ser, después sí, un aparente paladín de la justicia cuya personalidad se va oscureciendo de forma progresiva y coherente, hasta el punto de hacer preguntarse al espectador si en realidad no puede acabar convirtiéndose en un villano. De esta forma, la serie se convierte en una reflexión sobre el poder y la responsabilidad que este comporta (un tema muy Marvel), sin perder de vista sus puntos cardinales genéricos, más cercanos en realidad a la ciencia ficción que a la temática superheroica al uso.

En contra de la serie diríamos que la segunda temporada (acaso demasiado larga), tiende a un ritmo narrativo lento, por momentos, gratuitamente lisérgico (como recreándose excesivamente en su propia excentricidad visual), con mucha menos acción de la que aparecía en la primera donde sí había bastante y puesta en imágenes, además, de manera deslumbrante (nos referimos a algunas escenas en concreto que están rodadas con sobresaliente buen pulso), aunque por otra parte, tres de los capítulos más originales y brillantes del conjunto de la producción los encontramos precisamente en esta segunda temporada.

En suma, si entre el maremágnum de series interesantes que encontramos en la actualidad no sabéis que elegir, os recomendamos Legion. Seguro que no os dejará indiferentes.

Ricard.

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“Una gossa en un descampat”: Crónica del dolor íntimo.

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En el marco del Festival Grec de Barcelona, hemos asistido en la Sala de Baix de la Sala Beckett a esta interesante obra de Clàudia Cedó, con dirección de Sergi Berbel.

El espectáculo se adentra en el tormentoso mundo del dolor íntimo, de esos dramas personales que sólo quien los ha vivido conoce, mientras que quienes están alrededor, cerca pero a la vez muy lejos, sólo perciben por reflejo de quienes los están padeciendo.

El paisaje desolado de lo que pudo haber sido y no fue, de lo que ya pasó, es el marco de esta obra. Un paisaje emocional que evoca un cautivador espacio visual  a media luz (se nota el oficio y creatividad de Max Glaenzel y Kiko Planas) repleto de objetos abandonados, como un fantasmagórico Chernóbil. El paseo de las protagonistas entre las ruinas se interrumpe, en un acertado juego escénico, por las escenas hospitalarias que se rememoran  , donde las protagonistas Vicky Luengo y Maria Rodriguez, una el alter ego de la otra, (gran trabajo de ambas actrices, que además se alternan en sus papeles según el día de la función),  dan vida a una mujer que está a punto de dar a luz, o eso cree.  La autora ha querido centrarse en la soledad ante el dolor y la tragedia. Es curioso como alguien como el propio padre del bebé, interpretado con acierto por Pep Ambrós, se presenta como alejado, dando soporte a la mujer pero a la vez incapaz de participar de su miedo durante una parte de la obra.

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El inexorable desenlace al que se acerca la obra es cíclicamente tamizado, en un ritmo muy sabio, por la aparición de personajes y una historia secundaria, que permiten algunos respiros al espectador, y a actrices y actores. En ese sentido, genial como siempre Queralt Casasayas, en sus entrañables papeles de enfermera primeriza y hermana de la protagonista, y especialmente Anna Barrachina, que se alterna con soltura en los papeles de grave doctora portadora de malas noticias, en alocada madre que ni siquiera vagamente participa en la tragedia, en la actriz de la que se enamora el director, interpretado por Xavi Ricart,  que también representa al padre que cuando entra en la habitación de su hija pretende de modo pueril dar lecciones sobre la medicación…

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PROS DE LA OBRA: Una exploración del dolor muy realista y fidedigna, en la que hay escenas que realmente hacen olvidar que estamos presenciando teatro.  El doble lenguaje visual -ruinas y hospital- transmite perfectamente los dos momentos del drama, el angustioso presente y la mirada nostálgica y amarga que se vuelve atrás y que no encuentra consuelo.

CONTRAS DE LA OBRA: Tal vez el desdoblamiento del personaje principal en las escenas de hospital no le añade fuerza narrativa ni simbólica.

La obra estará en cartel hasta el 29 de julio.

Os dejamos un enlace al tráiler de la obra

Ignasi y Laura.

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