París, New York, Barcelona: Miradas sobre ciudades en la colección Thyssen.

Hemos tenido ocasión de asistir en el Espai Carmen Thyssen del Monestir de Sant Feliu de Guixols a la exposición Barcelona, París, New York: d´Urgell a O´Keeffe, que estará hasta el 18 de octubre en dicha sala.

Diversos pintores de los tres países, a caballo entre el siglo XIX y XX, representan en sus obras diversas perspectivas sobre el entorno urbano que a cada uno era familiar, desde lo intimista a lo social, pasando por lo costumbrista.

Vimos obras de los catalanes Eliseu Meifrèn, Josep Amat, Joaquim Pursals, Joaquim Sunyer, Antoni Ferrater, y Antoni Clavé; los franceses Henri Le Sidaner, Camille Pissarro, Ferdinand Puigdadeau, Maurice Lobre, de los anglosajones John A. Grinshaw, Reginald Marsh, John George Brown, John William Hill, Lowell Newsit, y de varios otros como Georgia O Keefe, Childe Hassam o Kokoschka.

Gran amalgama de pintores y estilos (desde el postimpresionismo y el realismo, hasta las vanguardias) que conforman una variada y enriquecedora exposición.

Hemos seleccionado algunas de ellas para comentar en nuestro blog:

“La Nevada de 1887“del catalán Joaquim Pursals (mismo año), óleo sobre tela.  (Hay alguna incongruencia en algunos catálogos que la titulan la Nevada de 1881, aunque dado que precisamente la atípica gran nevada cayó en 1887 podemos suponer que ése es el título correcto).

Joaquin-Pursals[1]

El autor, relativamente desconocido,  capta, como si de una fotografía se tratara, el improbable plácido paseo de un matrimonio burgués, durante la gran nevada de febrero de 1887 ( la obra se refiere a la histórica nevada que el 10 de febrero  cayó sobre Barcelona y que al parecer fue la más importante del siglo XIX). Resulta divertida la naturalidad con la que parecen tomarse los paseantes un fenómeno poco frecuente en nuestro litoral mediterráneo, y la escena resulta de un costrumbrismo entrañable, con sus tranvías tirados por caballos, el Teatro Principal al inicio de las Ramblas en primer plano (con su fachada original antes del incendio de 1913; la obra parece pintada desde la Plaça de Joaquim Xirau, y podemos apreciar también una deliciosa fachada neoclásica a la izquierda, en la confluencia con Escudellers, edificio que aún hoy existe).  La meritoria luminosidad, con unos acertados tonos grises sobre el blanco de la nieve, rotos tan sólo por el azul de lo que podría ser un cortinaje del teatro,  componen un exquisito cuadro realista que anticipa los valores mesurados del noucentisme frente a la exaltación modernista: el orden burgués, cercana la Exposición Universal del 1888,  es objeto de idealización e implícita alabanza.

“El perdonavides del veïnat” (1866) , óleo sobre tela del inglés, afincado en Nueva York, John George Brown.

Nos ha encantado este delicioso retablo de la vida picaresca que nos remite a la añeja tradición de un Velázquez, aunque centrada en las calles de la pujante Nueva York del siglo XIX.

the-bully-of-neighborhood-john-george-brown-1348596750_org[1]

Precisamente la vida de este pintor inglés, como hemos dicho, afincado en Nueva York, tiene algo de novela picaresca, ya que estudió artesanía del vidrio en Inglaterra, en un intento de su padre de disuadirle de que se dedicara a la pintura. Sin embargo, la artesanía le sirvió para acabar casándose con la hija del propietario de la fábrica de vidrio de Brooklyn en la que entró a trabajar. Sus cuadros con temática pandillera de barrio tenían al parecer mucho éxito entre las clases acomodadas de Nueva York lo que llevó al pintor a cosechar gran éxito.

La composición del cuadro, con los personajes en afectada pose, subraya ese clasicismo. Se trata seguramente de hijos de emigrantes irlandeses o italianos, aprendices de tiendas, limpiabotas o mendigos, desaliñado uno, descalzo o despeinado el otro; el cuadro  alude  vagamente a la problemática  social de la época, a unos hijos de emigrantes dejados de la mano de Dios que se buscan la vida como pueden, incluso cuidando a sus hermanos más pequeños. Los colores vivos y la forzada composición atenuan la dureza de la temática, despojándole de cualquier afán reivindicativo para dotarle más bien de un colorido costrumbrismo.

Visión diferente, más idealizada, la que nos trae el autor norteamericano John William Hill en su acuarela “Vista de Nueva York desde los altos de Brooklyn” (1836), donde la inmensa bahía, con Manhattan al fondo, y el estuario llamado East River en primer plano,  es representada con todo el esplendor y bullicio de una ciudad en efervescencia, con el recientemente abierto canal de Erie que conectaba con los Grandes Lagos y que supuso que la ciudad se convirtiera en la primera ciudad de Estados Unidos, por delante de Philadelphia.

John-William-Hill-View-of-New-York-from-Brooklyn-Heights[1]

Las velas de los barcos y chimeneas de las fábricas sugieren la pujanza de una ciudad a la que esperaba un brillante futuro. Lo uniforme del color y la escasez de relieve sugieren una especie de modernización del género de los mapas medievales,  para transmitir una imagen estereotipada y acrítica del paisaje urbano, aunque lo armónico de la composición y la suavidad de los colores que elige el autor, nos transmite una vez más el orgullo de una clase burguesa que modernizaba el país, como la familia que en primer plano contempla el ajetreado paisaje.

De  vuelta a nuestro viejo continente, apreciamos la exiquisita “Tarda de tardor” (1895) óleo sobre tela del pintor francés Henri Le Sidaner:

CTB.2000.5[1]

En este cuadro el autor recrea una escena intimista, sirviéndose de algunos de los principios del postimpresionismo: los colores no se mezclan en la paleta sino que se yuxtaponen para que sea el ojo del espectador el que los combine, para formar una deliciosa escena otoñal que invita al recogimiento: la luz tenue, la quietud de unos árboles de los que no parece moverse ninguna hoja, el silencio de la lectura. Todo en el cuadro nos remite también a un orden burgués, (el postimpresionismo suponía una reivindicación del sosiego frente a lo transgresor y colorista de los primeros impresionistas) , teniendo como protagonista a una mujer que parece no tener demasiadas preocupaciones mundanas en la cabeza.

Y el último cuadro del que queremos hablar en esta reseña es “El tocador de Jacques-Emile Blanche” (1888), óleo sobre tela del pintor francés Maurice Lobre.

CTB.1999.17[1]

Exquisita muestra de la llamada pintura de género. En ella se ve muy clara la influencia de un Rembrandt o un Velázquez, (al que el autor fue a estudiar al Prado junto con su condiscípulo Ramon Casas). Jacques-Emile Blanche era otro pintor (autor del célebre retrato de Proust, por ejemplo), y en el cuadro se nos muestra el interior de una de las estancias de su casa, con el clásico juego de reflejos, y una joven a punto de abandonar la escena, con una precisa iluminación lateral, intimismo burgués de interior en contraposición al exterior que hemos contemplado en el cuadro anterior. La armonía de la composición, lo preciso y claro del trazo, anticipan el hiperrealismo, a la vez que la suavidad de los colores invitan a un cálido recogimiento, sugieren una salida seguramente breve para retornar pronto a la seguridad del hogar y en fin, dibujan un preciosismo de los objetos colocados con cuidado en el tocador y sobre el alfeizar, signos todos ellos una vez más de la seguridad y valores de una determinada clase social.

Una exposición deliciosa con una muestra del rico panorama pintórico de finales del siglo XIX e inicios del XX, que desde el blog recomendamos a todos los amantes de la pintura.

Ignasi y Laura.

Para más información clica abajo:

Web del “Espai Carmen Thyssen”

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2 comentarios

Archivado bajo Arte

2 Respuestas a “París, New York, Barcelona: Miradas sobre ciudades en la colección Thyssen.

  1. Todas las pinturas están preciosas, además de hablarnos de la vida, costumbres y lugares en otras épocas. Saludos. Patricia

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